¿Cómo se combinan las técnicas creativas de Matisse con las características de la pintura oriental?

En el Salón de Otoño de 1905, Matisse guió a los fauvistas por el camino hacia la fama. Matisse era un hombre que sabía absorber las ventajas de diversas categorías de arte. Estudió las alfombras orientales y la combinación de colores del Norte. El paisaje africano se convirtió en un estilo que tuvo una gran influencia en el diseño moderno. "La mesa del comedor" es una de sus pinturas de 1908. En esta obra podemos ver a Matisse cambiando la escena frente a él con patrones decorativos. La interacción entre el patrón del papel pintado y la textura del mantel sobre el que se coloca la comida constituye el tema principal del cuadro. Incluso los personajes y el paisaje visto a través de las ventanas pasan a formar parte de este patrón. Los contornos de la mujer y los árboles están muy simplificados e incluso distorsionados para que coincidan con las flores empapeladas, y parecen completamente consistentes. En este cuadro de colores vivos y contornos sencillos, también podemos ver algunos de los efectos decorativos de los dibujos infantiles. Él y Picasso fueron los dos pintores más importantes del siglo XX. Nacieron en una familia de farmacéuticos y comerciantes de cereales en Lecateau, la región de Picardía en el norte de Francia. Estudió derecho de 1882 a 1887, y más tarde abandonó su carrera en el campo jurídico y se pasó a la pintura. Estudió con William-Adolphe Bouguereau en la clase preparatoria de la Academia Julian. En 1892, fue admitido en la Academia de Bellas Artes. Artes, donde estudió simbolismo en el taller del pintor Moreau. La discusión de Moreau sobre la subjetividad del color de la pintura tuvo una gran influencia en Matisse. Moreau creía: "No se pueden obtener tonos bellos copiando la naturaleza. Los colores de las pinturas deben depender del pensamiento, la imaginación y los sueños". Después de dejar la Academia de Bellas Artes, fue influenciado por el puntillismo neoimpresionista de Signac y pintó "Lujo, tranquilidad, alegría"

Utilizando el arte visual para expresar el concepto del cielo en la tierra o la edad de oro, puede Data del Renacimiento. El círculo de bailarines del cuadro de Matisse se puede ver en "El amor en la edad de oro" de Carachi (1589-1595) y en "La edad de oro" de Ingres (1862). Aunque Matisse siempre utilizó temas occidentales antiguos como material fuente, su inspiración provino del arte oriental. El gran tamaño del cuadro y sus colores llamativos causaron sensación en ese momento. Signac vio este cuadro antes de la exposición y le escribió a un pintor amigo suyo: "Todavía me gusta la exploración de Matisse, pero ahora se ha enamorado de mí. A dos metros y medio del lienzo, dibujó algunas figuras extrañas con líneas como grueso como un pulgar, y luego cubrió toda la imagen con un color plano y bastante seguro. Era un color puro, parecía repugnante "¿Quién iba a decir que la obra de Matisse sería considerada por la historia del arte moderno como la primera obra maestra del siglo XX? siglo que precedió a "Las señoritas de Aviñón" de Picasso. Encarna el concepto estético del brutalismo, que consiste en colores llamativos, formas simples, composición armoniosa y un fuerte interés decorativo.

En 1908, Matisse publicó sus "Notas sobre un pintor", en las que analizaba vívidamente sus opiniones artísticas y tuvo una gran influencia en la pintura moderna. La obra de su vida, incluidas sus obras posteriores durante las dos guerras mundiales, implementaron este espíritu. Por ejemplo, "Armonía roja en la mesa de la comida", "Niña tocando la guitarra", etc. En 1927, Matisse recibió una beca de la Fundación Carnegie, viajó a Estados Unidos y creó el famoso mural "Danza". En sus últimos años, no podía escribir debido al reumatismo, por lo que utilizó recortes de papel de colores para hacer imágenes decorativas, lo cual era único. Para estudiar el cuerpo humano, Matisse recurrió a la escultura. Creó alrededor de 70 esculturas a lo largo de su vida. El uso de arcilla para dar forma a figuras le ayudó a comprimir mejor las formas sólidas en un plano bidimensional para lograr un efecto general. Parece dar a la gente un presagio de que las esculturas de Matisse están cambiando de la tradición a la modernidad.

La respuesta complementa la gran pasión de Matisse por la escultura. Al igual que su uso de colores plenos y puros en sus pinturas, su objetivo era hacer que el volumen y la forma "vengan a mí instintivamente". "Desnudo reclinado I", pintado en 1907, fue una "traducción" del óleo "Cuerpo humano azul" que pintó al mismo tiempo en una escultura.

Más tarde, "Figuras decoradas" (1908), "El hombre serpentino" (1909) y "Cruz en el pecho" (1910) reflejaron su trabajo sobre el brutalismo como una poderosa tendencia modernista, que simplemente desapareció después de 1908.

Para Matisse, el fauvismo no significó la formación de su estilo, sino sólo el comienzo. Más tarde, Braque se convirtió en un maestro del cubismo y Rouault fue invitado por los expresionistas alemanes a participar en sus exposiciones. Se convirtió en uno de los pocos grandes pintores religiosos del arte moderno. La mayoría de los pintores del fauvismo se volvieron mediocres y desconocidos en sus carreras artísticas posteriores. La chispa de creatividad que habían desatado durante el período brutalista se estaba extinguiendo lentamente. Después del Brutalismo, Matisse continuó sus exploraciones. Hasta 1920 utilizó diversas técnicas libres para crear un nuevo espacio pictórico, y también vivió un breve período de cubismo. La famosa "Armonía en rojo" (1911), comparada con su primera obra impresionista "La mesa del comedor", parece mostrar una vez más los cambios revolucionarios en la pintura de Matisse. Abandonó la perspectiva tradicional y utilizó relaciones de color y toques de arabescos para crear nuevas ilusiones espaciales, creando un nuevo reino exótico, misterioso y extraño. De 1907 a 1910, Matisse continuó explorando la relación entre línea, color y espacio en sus temas hedonistas preferidos, como el paraíso en la tierra y la edad de oro. El más famoso de ellos es "La danza", pintado en 1909. Este tema apareció una vez en la vista lejana de "La alegría de vivir".