¿Quieres conocer el origen y desarrollo del jazz? ¿Todavía hay gente que lo ama?

¡Ray Charles y Norah Jones son mis favoritos!

"In the Mood for Love" del cantante de jazz Wong Kar-wai en la película hizo que el antiguo cantante de jazz Nat King Cole fascinara de repente al público chino. En "Pearl Harbor", fue Jazz quien compuso la conmovedora escena de los chicos de la Fuerza Aérea reuniéndose con la enfermera antes de partir a la guerra. También están los tristes "El tiempo pasa" en "Casablanca" y "For All We Know" y "I See Your Face Before Me" cantados por el cantante Johnny Hartman en "The Bridge of Lost Dreams", que tienen un fuerte la canción de blues "Soft Wind" cantada por Diana Washington, la canción de jazz de Louis Armstrong "Makin' Mhoopee" en "Sleepless in Seattle" y "The Way You" del cantante estadounidense Bennett en "Not Mine" Look Tonight", "They Can't Take That Away From Me" cantada por la diva trágica Billie Holiday en "Love in New York" protagonizada por Nicolas Cage, "The Cotton Club" de Coppola, "Taxi Driver" de Martin Scorsese... hay infinidad de películas con bandas sonoras de jazz. En esta era de la música multicultural, los elementos del jazz se adoptan cada vez más. La música pop, la música rock, la música clásica y el mundialmente popular Hip-pop tienen sombras de jazz. El nuevo trabajo de Radiohead "KID A", el saxofón de Kenny G, la banda de traducción de Dou Wei, el nuevo álbum de Shunzi "...and music's there...", "Butterfly with Broken Wings" de Ding Wei... De hecho, el encanto único del jazz Ha sido familiar y amado por cada vez más personas. ¿Qué es el jazz? En pocas palabras, el jazz es un género musical híbrido. En él se pueden encontrar melodías populares americanas, canciones espirituales negras y varias rimas populares del pueblo. Este estilo de música "cóctel" no tiene más de cien años desde su origen.

1. Cultura de fondo del origen del jazz (1) Origen africano El jazz proviene de la música negra, y la ciudad natal de la música negra es la música africana. En la cultura africana, la música se basa en la comprensión total de la vida. Es omnipresente y lo llena todo. No sólo sirve a la religión, sino que también sirve a todos los aspectos de la vida, incluidos el nacimiento, la vejez, la enfermedad y la muerte, el trabajo y el entretenimiento. África, un continente lleno de naturaleza salvaje primitiva, tiene el factor más destacado e importante en su música: el ritmo. Los tambores tocados por los aborígenes producían naturalmente un ritmo llameante bajo el sol abrasador. Como resultado, este ritmo se ha convertido en el núcleo de la música africana. Su vitalidad única y su fuerte atractivo permiten que todos los que lo escuchan en el mundo sientan profundamente el impacto dinámico de África. Las tradiciones musicales africanas son "orales", no grabadas y poco convencionales, sólo que tienen un sabor local. La tradición oral genera flexibilidad y creatividad. La letra rítmica cambia según el estado de ánimo del cantante principal. El cantante principal (a menudo) inventa nuevas palabras y melodías durante la actuación. Éste es el significado de "improvisación", es decir, el artista crea con su cerebro (y su corazón). Otra característica destacada de la música africana es el cambio de ritmo durante la interpretación. Suele tener un ataque retardado y énfasis aleatorio en las sílabas. Del siglo XVIII al XIX floreció la trata de esclavos negros. Muchos negros de todos los rincones de África fueron traficados a América y la mayoría de ellos sirvieron como esclavos. El patrimonio cultural musical negro resultó gravemente dañado cuando los colonos blancos lo enviaron por todo el país. Bajo la opresión de la esclavitud, mantuvieron tenazmente su cultura. Al igual que la danza, la música, la mitología, los rituales religiosos, etc., la tendencia a "modificar libremente" las palabras, el ritmo y el estilo es cada vez más obvia. Esto es lo más preciado de su cultura nacional y, después de transmitirse de generación en generación, su parte central finalmente ha sobrevivido. Después de la emancipación de los esclavos, estas culturas tradicionales desarrollaron nuevas formas e incluso eventualmente dieron una marca especial a la cultura musical de los blancos dominantes. (2) Atmósfera cultural tolerante. El ritmo tradicional y la improvisación de la música africana son las raíces de la música negra. Antes de que la música negra influyera completamente en la música convencional estadounidense, la música estadounidense blanca no prestaba atención a la melodía. Yendo un paso más allá, la música africana no se trata sólo de ritmo. La auténtica música africana presta al menos tanta atención a la melodía como al ritmo. El estatus especial del ritmo en la música afroamericana está relacionado con el hecho de que los primeros propietarios de esclavos blancos no permitían a los negros cantar ni tocar el piano.

La música negra estaba muy restringida cuando llegó por primera vez a Estados Unidos, pero siempre hay un lugar que puede acomodar la música de África. Nueva Orleans se encuentra en esa posición política. Entonces se decidió que inevitablemente se convertiría en la cuna del jazz. Desde finales del siglo XIX hasta principios del XX, Nueva Orleans fue probablemente la ciudad menos estadounidense de Estados Unidos. Se encuentra a 80 millas dentro de la desembocadura del río Mississippi donde desemboca en el Golfo de México. Es una mezcla de varias culturas diferentes como España, Francia, Nueva Escocia (el nombre de la provincia canadiense) y su atmósfera. Es muy abierto, tolerante, libre y cálido. Nueva Orleans jugó un papel clave en el nacimiento y desarrollo del jazz. A lo largo del siglo XVIII, Nueva Orleans fue un área libre única de "tres-no-no": Francia y España transfirieron Nueva Orleans de un lado a otro, y el estado estaba tan alienado de su jurisdicción que los colonos parecieron ir y venir hasta 1803. El gobierno de Estados Unidos lo compró por 7 millones de dólares. El dominio francés y español aquí era laxo y débil. Muchos africanos negros huyeron a Nueva Orleans de los dueños de esclavos en el sur de los Estados Unidos y las islas del Caribe. Disfrutaron del estatus privilegiado y único de "negros libres" y pudieron encontrar trabajo y estudiar. , interactuar con gente blanca local, casarse entre sí, etc. No hay restricciones en ningún aspecto. Dado que los matrimonios mixtos son comunes, sus descendientes forman una clase dominante aquí llamada "criollos" (un padre es africano y el otro es español o francés). A principios del siglo XIX nacieron los criollos. El estatus social que disfruta la gente es casi el mismo que el de los blancos. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los franceses que gobernaron Nueva Orleans siempre dieron gran importancia. a la música, y estaban especialmente interesados ​​en organizar festivales de música y festivales de arte. Los empresarios y profesionales franceses y españoles trajeron pianos y pianos de sus países de origen. Se les proporcionan violines, trompetas y otros instrumentos musicales para que, después de llegar a Nueva Orleans, puedan continuar. para disfrutar de la música de Bach, Mozart y Schubert. La mayoría de las familias de comerciantes son ricas, educadas y han sido influenciadas por obras musicales europeas. Dominan los instrumentos musicales y tienen una larga historia de preservación de las tradiciones. La gente local (africanos y criollos) interactuó libremente con ellos y fueron influenciados por su música y arte. Los ricos enviaron a los talentosos criollos a escuelas de música europeas cuando eran jóvenes. Lo que recibieron fue auténtica música negra. Durante el siglo XIX, un gran número de músicos negros y criollos cantaban óperas y tocaban instrumentos de cuerda para brindar inspiración cultural a sus patrocinadores y a ellos mismos. La mayor parte del West Side eran negros pobres. Los músicos entre ellos ni siquiera conocían las partituras. En esta situación, surgieron dos grupos musicales diferentes en Nueva Orleans, uno era la "banda sentada", que actuaba en el centro de la ciudad; el otro era la "banda de improvisación", que normalmente caminaba por las calles. El gobierno emitió la "política de apartheid", que clasificó a los negros y criollos como personas de color e implementó la segregación. La reducción provocó un gran descontento entre los criollos y los acercó objetivamente a los negros locales, por tanto, criollos y músicos negros con buena educación musical. Se sentaron juntos para estudiar y discutir sobre música. Los criollos abandonaron su hermosa y relajante música original de estilo europeo y deliberadamente la hicieron más fuerte y más larga para protestar contra la discriminación. Nueva Orleans tenía una gran libertad social en los primeros días y varias tradiciones culturales diferentes. Integrado libremente, personas de diferentes países alguna vez se comunicaron y casaron libremente, y también mezclaron su propia música con la música de Nueva Orleans, convirtiéndola en una música híbrida que es muy diferente de la tradición musical estadounidense dominante. Jazz. Origen directo (1) BLUES La música blues es un estilo musical creado por personas negras que vivían en los Estados Unidos durante sus difíciles vidas. Se originó en el delta del río Mississippi a principios del siglo XX, cuando se declaró la Guerra Civil estadounidense. Al final, los antiguos esclavos obtuvieron la libertad en la vida. La mayoría de ellos eran analfabetos y todavía vivían en la pobreza. Sólo podían entretenerse con la música cultivada en su tierra natal, que eran cánticos laborales y canciones campesinas que se cantaban mientras recogían algodón o construían caminos. Uno de los medios importantes para el contacto musical temprano entre negros y blancos en el sur de Estados Unidos fue la música religiosa, que influyó en la música de los negros y formó himnos negros. En la iglesia, los pastores negros tomaron prestada la práctica británica de utilizar una técnica llamada "cantoring" para recitar repetidamente dos o tres líneas de himnos en reuniones religiosas para resolver el problema del analfabetismo de la gente. Inicialmente esta música era cantada íntegramente por voz humana, con muy poco acompañamiento instrumental. Más tarde, esta música se volvió (al menos para los europeos) formal, cuidadosamente grabada e interpretada con regularidad. Los negros religiosos (a menudo ignorantes de la teología arcana y la conducta santa) también tocaban música, pero no tanto como esperaba el sacerdote.

Muchos términos musicales africanos aparecen en los himnos de las iglesias negras (música tan seria). El sacerdote también ocupa el lugar del cantor de música de África occidental y el estilo de canto es enérgico, emocionante y distintivo. Las largas y variadas sílabas y patrones de cánticos y coros de respuesta, junto con gritos y estallidos espontáneos de emoción, son adiciones únicas a la devoción del negro a Dios. En la segunda mitad del siglo XIX, los estilos de música negra se desarrollaron rápidamente y también fueron influenciados por la música africana y la música tradicional traída por los estadounidenses blancos de Europa. Se combinaron canciones laboristas e himnos negros para formar un estilo folk negro único. Surgió la música blues. Originalmente, el blues era principalmente una narración de voz humana, y luego se le añadió acompañamiento instrumental. Se acompaña principalmente de una sola pieza musical, como una guitarra o un banjo, y la melodía instrumental y el cantante actúan alternativamente. Tiene características rítmicas obvias y conserva las características de la improvisación colectiva. En la década de 1920, el blues surgió gradualmente con sus letras únicas, ritmos armoniosos y melodías melancólicas. La música blues contiene mucho lenguaje poético que se repite una y otra vez, y luego termina con una línea decisiva. La progresión de la melodía se basa en acordes, con tres acordes de I, IV y V como acordes principales, y se repite un patrón de 12 compases. En la melodía, las notas tercera, quinta y séptima de la tonalidad principal se bajan un semitono, lo que da a la gente un sentimiento agridulce y sentimental. Como forma musical, el blues parece simple, pero en realidad puede tener variaciones casi infinitas. Siempre ha sido una parte importante de cualquier tipo de jazz y ha mantenido con éxito su propia existencia independiente. Se puede decir que el Blues fue creado para expresar las emociones personales del cantante, y brinda a los músicos la oportunidad de expresar sus amores, sus odios, su actitud ante el trabajo, etc. El famoso cantante de blues Brown Max dijo una vez: "Nunca uso la imaginación para escribir música. El blues no es un sueño, es una realidad. El blues en sí es un estado mental, música para la gente común y música de la vida". Y su contenido incluye muchos, y es el reflejo más fiel; la resistencia a la injusticia, el anhelo de belleza y de amor, la frustración tras los reveses, la catarsis emocional al mismo tiempo, el humor, el autodesprecio y, a veces, hasta las lágrimas; (2) La música Ragtime REGTIME en sí no tiene distinción de color. Los juglares eran originalmente personas blancas que se pintaban la cara de negro e imitaban y distorsionaban el canto de los músicos negros; los músicos blancos pobres del campo a menudo interpretaban canciones populares exclusivas de la música de inmigrantes europea y francesa. Después de que terminó la Guerra Civil y los soldados fueron desmovilizados y regresados ​​a sus lugares de origen, la música militar relativamente barata estuvo disponible y el crecimiento de las filas de la música instrumental significó que la música negra se estaba volviendo cada vez más madura; A medida que los estadounidenses negros se trasladaron a ciudades como Memphis y Nueva Orleans para trabajar, el blues se convirtió gradualmente en un fenómeno más urbano. En 1900, debido a la fusión mutua y la penetración de la música, se formó en Nueva Orleans la música llamada "Escuela de Nueva Orleans", conocida como "Música de la Era Ragged". Como se mencionó anteriormente, muchos músicos negros y criollos son extremadamente talentosos. Su técnica para tocar música clásica europea y canciones populares es excelente. En aquella época, estos músicos tocaban en burdeles y tabernas para un grupo de personas con pocos conocimientos musicales. En el ambiente de borrachera, comenzaron a modificar los temas e incluso a componer sus propias canciones. Los pianistas tuvieron libertad para desviarse del formato fijado a su antojo. Lo hacen casi por venganza. Debido a los largos horarios de actuación (desde primera hora de la tarde hasta primera hora de la mañana), es posible que estos artistas relajados se aburrieran de los estrictos estándares musicales y comenzaran a crear patrones de rima nuevos e interesantes. Los pianistas del "burdel" desarrollaron dos modos: la "síncopa" y la "improvisación", que son las características distintivas de la "música de la vejez". A principios del siglo XX, la "música rag time" había surgido como el estilo dominante de la música precursora del jazz estrictamente de Nueva Orleans. La "Música de la Vejez" comenzó a definirse como un estilo único de tocar el piano. Es complejo, rítmicamente riguroso y "cita" música clásica para pulirla. Sin embargo, en manos de negros de clase baja y pianistas criollos, los estrictos ritmos de la música clásica se vieron alterados o incluso colapsados ​​por completo, lo que parecía un poco travieso, de ahí el nombre de "ragtime". La época dorada del ragtime fue aproximadamente de 1898 a 1908, pero en realidad su lapso de tiempo fue muy grande y su influencia interminable.

3. El proceso de desarrollo del jazz. El repertorio del jazz temprano (1900-1917) incluía melodías de estilo canción pop con 32 compases y 4 frases; también hay melodías de ragtime con 4 compases y dos claves; 12 compases de melodías instrumentales de blues. Los ritmos armónicos del ragtime suelen ser más rápidos que los otros dos. La música blues tiene el ritmo armónico más lento, pero su línea melódica solista tiene más inflexiones, diferentes ataques y muchos cambios de tono. Las primeras bandas de jazz tenían un promedio de ocho músicos. Se agregan dos instrumentos adicionales al formato habitual de una banda de jazz al estilo de Nueva Orleans. A veces se añade una corneta y un instrumento rítmico, y otras veces se añade un violín como líder. Durante la actuación, cada miembro de la banda, no sólo el solista, debe improvisar. Humildad y cooperación mutuas y espontáneas, limitadas únicamente por la estructura de las progresiones de acordes, este nuevo sonido era identificable por cualquier oyente a principios del siglo XX como "jazz". En 1917, el término "JAZZ" apareció por primera vez en la vida de las personas; este año es reconocido como el "Año del Jazz". A partir de ese momento, el jazz, este tipo de música clásica negra, influyó gradualmente en todo el mundo de la música pop moderna. En aquella época, la música jazz era más bien un acompañamiento de danza. Aún no había podido formar una buena teoría ni había entrado en el salón de la elegancia. Pero a medida que pasa el tiempo, los músicos de jazz confían en su propia exploración e innovación continuas para formar un conjunto completo de teorías de la música de jazz, crear más de una docena de clasificaciones y estilos de música de jazz, grandes y pequeños, y gradualmente convertirse en uno de los más populares del mundo. salas de música. Algunos profetas incluso dijeron: "En los próximos 50 años, la música cambiará aún más completamente y se dividirá a grandes rasgos en dos categorías: música no improvisada e improvisada, y la representante de esta última será la música de jazz". Siempre un grupo que está constantemente trastocando la música de otro grupo, dinamizando así el jazz. El jazz siguió siendo una forma musical regional en Nueva Orleans desde principios del siglo XX hasta la Primera Guerra Mundial. La década de 1920 se llamó la "Era del Jazz" debido a la popularidad del jazz. La improvisación colectiva de la famosa "Original Dixieland Jazz Band", compuesta íntegramente por gente blanca, se convirtió en furor. El surgimiento del modelo del jazz de Nueva Orleans, la "Creole Jazz Band" y su corneta soul Louis Armstrong, reescribió el jazz y el conjunto colectivo comenzó a pasar a la forma de solos individuales. En las décadas de 1930 y 1940, el clarinetista Benny. Liderado por Benny Goodman, el jazz entró en la "era de las big band", también conocida como la "era del swing". Durante este período, el jazz se convirtió en la corriente principal de la música popular, con la danza como su función principal. La "música swing" se hizo muy popular. La música swing rompió la estructura original de la banda, aumentó el número de miembros de la banda a veinte o treinta personas y dividió la banda en saxofones. Los "blues" se combinaron para crear "blues clásico". A mediados de la década de 1940, la música swing comenzó a carecer de nuevas ideas musicales y, en ocasiones, perdió su identidad artística para complacer al público blanco. Por tanto, tomemos al saxofonista Charlie. Se puede decir que el jazz bebop representado por Charlie Parker es un período loco del jazz. Los músicos de jazz rompieron las limitaciones del "swing" y crearon el jazz "bebop", que ignora la melodía y busca una excelente improvisación basada en la interpretación de acordes complejos. El jazz ya no era apto para bailar, evolucionó hacia música artística y abandonó el escenario popular. Al mismo tiempo, continuaron desarrollándose diversas formas de jazz, "Dixieland" resucitó y el jazz recibió una atención sin precedentes. En las décadas de 1950 y 1960, el jazz entró en un período de creación libre, conocido como la era "bebop" y "cool". El jazz "Bebop" se convirtió en la corriente principal del jazz, pero el "jazz frío", también conocido como "cool", que también enfatizaba el timbre y los arreglos relajantes, surgió en la costa oeste y alcanzó su apogeo a mediados de la década de 1950. El otro tipo de "hard bebop" que enfatiza los elementos de las canciones espirituales supera al "bebop" en términos de influencia. Posteriormente, el "free jazz", que combinaba la atonalidad de la música primitiva africana y elementos modernistas europeos, realmente contribuyó al progreso del jazz y dejó atrás al público. En la década de 1960, el "free jazz" alcanzó su apogeo. La aparición sucesiva de grupos "pop", "bebop", "cool" y "liberales" allanó el camino para una mayor "evolución, experimentación e imaginación" de la música moderna. ¿Hacia dónde debería ir el jazz a partir de ahora? Este es el segundo concepto de "Negación-Innovación": innovación.

La negación en sí significa innovación, pero innovación significa que aparecerán nuevos fenómenos. El jazz absorbió todos los nutrientes de la música estadounidense y comenzó a extenderse por todo el mundo. Sin embargo, a su paso por América Latina, este momento añadió otra página de gloriosa historia al jazz. Latin jazz: la música latina más popular hoy en día y el jazz, el comandante supremo de la música pop, chocan y crean chispas con un halo. La música latina, famosa por su ritmo, se combina con el jazz, que también se caracteriza por el ritmo. Por lo tanto, la naturaleza rítmica del jazz latino no se puede comparar con ninguna música. En particular, la bossa nova brasileña combina el ritmo latino del mambo con el jazz frío. Los colores de la percusión y el ritmo sincopado crean imágenes completamente nuevas que deslumbran a la gente. En las décadas de 1970 y 1980, el jazz entró en la era del "jazz fusión". Los músicos introdujeron el rock, el ritmo, el blues, el funk bass y la música pop en el jazz, y añadieron instrumentos electrónicos sintetizados a sus actuaciones. En la década de 1980, el jazz comenzó a regresar de manera constante. "Fusion" era para la corriente principal, mientras que otros músicos regresaron al Pop anterior para encontrar inspiración, y nació el "New Pop". En la década de 1990, los "neoclásicos" crearon música depresiva, sobria y económica que estaba fuera de la tradición del romanticismo del jazz. Hoy en día, casi todos los estilos de jazz están activos en el escenario. Después de cien años de evolución e integración, la música jazz con una vitalidad fuerte y duradera ya ha superado las restricciones raciales y nacionales y está ampliamente difundida por todo el mundo. Hoy en día, el escenario principal del jazz también se ha trasladado de Estados Unidos a Europa y se ha expandido a todas partes del mundo. Se ha convertido en una música global amada por los amantes de la música de todo el mundo.

4. Principales géneros del jazz Aunque la industria discográfica moderna a veces divide el jazz en dos categorías: jazz tradicional y jazz moderno, el jazz tradicional se refiere a la interpretación de una banda de viento que utiliza un tiempo de 4/4. , mientras que el jazz moderno se refiere al jazz que utiliza el bajo para tocar música de baile. Esta división a veces parece inequívoca. Si se mide con este criterio, es casi imposible juzgar si la música de Kenny King debería pertenecer al jazz moderno más que la música de Betsy Hill Taylor. De hecho, los dos conceptos relacionados de tradición y modernidad no son precisos al dividir los tipos de jazz. Esto ha causado el problema de que algunas obras excelentes que contienen estilos tanto modernos como tradicionales no pueden clasificarse, porque el proceso de desarrollo del jazz durante casi un siglo. cien años es Continuamente.

Varios estilos y escuelas también tienen sus interrelaciones. En términos generales, se pueden dividir en los siguientes diecinueve estilos:

Figuras representativas del estilo de la época

1910'-1920'

Ragtime (Ragtime Jazz) Carlos Barbosa-LimaDick BakerBurt Bales

1910'-1930'

Nueva Orleans (New Orleans Jazz) Louis Armstrong Big Bill BissonnetteHenry "Red" Allen

1920'-1930'

Clásico (jazz clásico) Coleman Hawkins Fats WallerLouis Armstrong

1920'-1930'

Dixieland (Dick Zealand Jazz) Eddie CondonBob CrosbyCharlie Teagarden

1915-1960'

Estándares (Mainstream Jazz) Bing CrosbyDee Dee BridgewaterNina Simone

1920'-1940'

Cool Jazz (jazz frío o West Coast Jazz) Dave BrubeckLester YoungStan Getz

1930'-1940'

BigBand (Big Band) Frank SinatraBenny GoodmanDuke Ellington

1940'-1960'

Swing Count BasieLouis ArmstrongElla Fitzgerald

1940'

Bop Charles MingusOscar PetersonSonny Rollins

1940'

Latin (Latin Jazz) Tito PuenteRay BarrettoThelonious Monk

1940'-

Brazilian Jazz (Brazilian Jazz) Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf

1950'

Vanguardista Cecil TaylorCharlie HadenMax Roach

1950'-

Post-Bop o Mainstream Jazz (Jazz post-bop o jazz convencional moderno) Elvin JonesGeorge BensonGil Evans

1950'-1960'

Third Stream (Third Stream Jazz) John LewisTeo MaceroGunther Schuller

1950'-1960'

Arte Hard Bop BlakeyElvin JonesThelonious Monk

1960'-

Free Jazz Chick CoreaJohn ColtraneOrneete Coleman

1960'-

Fusión Miles DavisMarvin GayeWayne Más corto

1970'-

Crossover Jazz Style Jazz) Bill Evans George Benson Quincy Jones

Vocal Jazz (Vocal Jazz) Billie HolidayElla FitzgeraldGeorge Gershw

en

Aquí presentaremos varios estilos de jazz más influyentes.

Swing Si bien el jazz de Nueva Orleans ya había creado conjuntos improvisados, el jazz se hizo cada vez más popular en la sociedad estadounidense en la década de 1920, y la demanda de jazz requirió la incorporación de más bandas de baile. Si se usa swing como adjetivo, generalmente se refiere a un sentimiento, un sentimiento de síncopa en el jazz, un sentimiento de swing debido a la diferencia entre el ritmo pesado y la música clásica. Este sentimiento a menudo se convierte en uno de los criterios para juzgar si una pieza musical es jazz. Por eso, a veces se escucha este dicho: la música de Keith Jarrett no es lo suficientemente swing, o no puede ser swing, etc., es decir, el swing se ha convertido en un. estándar de juicio. El estilo de big band de la década de 1930 generalmente se llamaba swing, o algunas personas lo tradujeron como música swing, y la década de 1930 también se llamó era Swing. (Algunas personas también lo llaman desde mediados de la década de 1930 hasta 1946). Si el período anterior a la década de 1920 fue el período naciente del jazz, entonces la década de 1930 fue el período de popularidad del jazz. A principios de la década de 1930, debido al desarrollo de industrias populares (como los fonógrafos, la radio y los discos), el centro del jazz se trasladó de Chicago a Nueva York, junto con los esfuerzos de la industria de consumo estadounidense por salir de la depresión económica mundial. La Primera Guerra Mundial, por un lado, hace que los músicos de jazz pierdan la oportunidad de actuar solos (o en pequeños grupos), por otro lado, también hace que el estilo de interpretación de big band sea más popular. Después de mediados de la década de 1930, las big bands de swing se habían convertido en un actor importante en la música popular. No fue hasta mediados de la década de 1940 que esta tendencia comenzó a retroceder con el final de la Segunda Guerra Mundial. Este período en el que las big bands de swing dominaron el mundo de la música pop se conoce comúnmente como la era del swing. Durante este período dorado del jazz, la radio estaba llena de grabaciones de big bands de swing, y los bares, salones de baile y otros lugares de actuación estaban dominados por big bands. Bajo el ritmo de su música, el pueblo estadounidense se abrió paso bailando durante las crisis económicas. , crisis laborales y guerras mundiales. La banda de Count Basie es una banda excelente. Además de tener un ritmo fuerte, hay muchos músicos famosos en su banda y los músicos también se han convertido en un referente del bebop en el futuro. Algunas personas incluso piensan que él es el verdadero. padre del bebop.

Bebop La palabra "Bebop" proviene de los ruidos que hacen los músicos de jazz cuando practican voces o tararean melodías instrumentales. Sílabas sin sentido (o gritos sin sentido) es un estilo musical radicalmente nuevo. El pop jazz comenzó a desarrollarse gradualmente a principios de la década de 1940 y maduró rápidamente alrededor de 1945. Las frases de bebop a menudo terminan repentinamente con un patrón de sonido distintivo "largo y corto" al final, y este ritmo a menudo se tararea como "ribop" o "bebop". La palabra apareció impresa por primera vez como el título de un disco grabado por los Gillespie Six en Nueva York en 1945: "Salty Peanut Bebop". Bebop se desarrolló durante la era del swing con los saxofonistas tenores Lester Young y Don Byas, los pianistas Art Tatum y Nat Cole, el trompetista Roy Eldgridge, la sección rítmica de Count Bassey, así como Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Miles Davis y Bud Powell. La música bebop suele ser interpretada por pequeñas bandas de jazz formadas por entre 3 y 6 personas. No utilizaron notación musical, un principio que utilizaron para contrarrestar el uso de partituras adaptadas en la música swing. El procedimiento de interpretación consiste en tocar primero la melodía completa una vez (o dos si se trata de un blues de 12 compases), seguido de varios estribillos solistas improvisados ​​acompañados por un grupo rítmico (normalmente piano, contrabajo y batería). primer estribillo para finalizar la canción. La sección rítmica repite los patrones armónicos (incluidas las variaciones) a lo largo de la pieza para mantener la estructura de la misma.

Cool Jazz El jazz frío evolucionó directamente del bop jazz a finales de los años 1940 y 1950. Este estilo musical es básicamente algunos estilos descuidados y olvidados del bebop jazz y el swing.

Los sonidos discordantes se han vuelto suaves y naturales, las melodías son más suaves, se ha vuelto a prestar atención a los arreglos y la interpretación de los instrumentos rítmicos se ha vuelto más armoniosa. Algunas personas lo llaman genial y otras lo llaman principalmente diferente. Estilo caliente de bebop, pero un estilo de juego más tranquilo. A principios de la década de 1950, algunas personas no podían soportar la presión del bebop, por lo que lo modificaron ligeramente, disminuyendo los cambios rápidos de acordes y la velocidad de ejecución, o algunos lo redujeron mucho. La característica principal es que no es tan angular como el bebop, sino que es un estilo de música más tranquilo y suave. Generalmente se basa en la costa oeste. El llamado jazz de la costa oeste generalmente se refiere a lo cool. Si hablamos del origen, debería ser Birth of the Cool (Capitol), una colaboración entre Miles Davis y Gil Evnas en 1949. Sin embargo, la mayoría de los músicos que siguieron este estilo de música fueron músicos de la Costa Oeste. En términos generales, la vida del cool es muy corta. Se convirtió en una forma generalizada de tocar en la década de 1950, pero fue rápidamente superada por el hard-bop. Sin embargo, algunos elementos del cool todavía se encuentran en la música de algunos músicos. adentro. Las cosas de Miles Davis de hace 49-50 años, Lee Konitz y Stan Getz de hace 60 años se consideran geniales y pueden usarse como referencia.

Libre La década de 1960 fue un período oscuro de desilusión. La gente utilizó el arte para escapar de la supervisión de las responsabilidades sociales y perseguir sus propios deseos. Entre todas las formas de arte, el jazz puede ser el más desinhibido. Oscilante, refrescante, dura e improvisada, la trayectoria de desarrollo de esta música ya está trazada y la gente no tiene idea de dónde saltará mañana. Fue a partir de este tipo de laissez-faire sin escrúpulos que surgió el free jazz. Tan pronto como apareció esta nueva música, los músicos y fanáticos del jazz la amaron profundamente. El free jazz se diferencia del jazz anterior en que no hay muchas restricciones en cuanto a armonía y melodía. Los intérpretes pueden tocar libremente, con audacia y como deseen durante la interpretación. El free jazz tiene un concepto rítmico completamente nuevo, en el que el ritmo y la simetría se alteran por completo. Al mismo tiempo, también enfatiza la intensidad y la tensión de la música en sí, añadiendo una gran cantidad de disonancia y combina diferentes músicas de África. , India, Japón y Arabia, incorporando el sitar indio, la tabla, el piano de pulgar amplificado, la sirena y una gran cantidad de equipos electrónicos y percusión, algunas bandas de free jazz parecen una banda de vanguardia que no es jazz. El free jazz tuvo una profunda influencia en el desarrollo del jazz en los años 1960.

Fusion Fusion significa fusión, por lo que de hecho cualquier elemento musical que se agregue puede considerarse Fusión, pero en términos generales fusoin se refiere a: fusión de jazz-rock, y se agregan otros elementos como música brasileña. El nombre del club es: bossanova, y el concierto ruso se llama Russia-jazz. En los años 1960, la popularidad del jazz ya no era la misma. El jazz recibido al encender la radio en los años 1930 había sido reemplazado por la música rock. En la década de 1960, el mercado determinó la actuación de los músicos, por lo que, ante la presión comercial, Miles Davis comenzó a añadir elementos de rock and roll al jazz. Tanto la música rock como el jazz provienen de las mismas raíces: blues, gospel, work song y r&b, por lo que el proceso de combinar estas dos cosas es bastante natural. Al menos no hay mucho cambio en términos de contenido musical. A mediados de la década de 1960, la sección rítmica del segundo quinteto de Lao Mai: Tony Williams ya había comenzado a agregar algunos ritmos de rock a su batería. A mediados de la década de 1960, muchas personas comenzaron a sumarse a esta tendencia. Incluye: Gary Burton. Larry Coryell, Herbie Hancock, Keith Jarrett, Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis, etc.

Los álbumes importantes que tomaron la delantera fueron los tres álbumes de Lao Mai: Filles De Kilimanjaro, In a Silent Way y BitchesBrew, que introdujeron la batería de rock and roll, los métodos de tocar el bajo también cambiaron y también se agregaron la guitarra eléctrica y el teclado. La formación de estos álbumes incluía a Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin, Tony Williams y Larry Young. Estas personas luego formaron sus propias bandas de fusión, como Headhunter, Reture to Forever, etc. Además, Weather Report, grupo formado por Joe Zawinul y Wayne Shorter, también añadió música folk centroeuropea a su música. En resumen, Fusion representó una salida a la persecución del jazz por parte del mercado, ahuyentando a muchos fanáticos fundamentalistas del jazz, pero también atrajo a algunos miembros de la nueva generación de ese momento a unirse a las filas de los oyentes de jazz.

5. Características del jazz Una de las características del jazz es, en primer lugar, su diversidad de estilos. Casi siempre ha cambiado en los últimos 100 años. Líneas de varios estilos de jazz, y hay innumerables líneas finas que no están claras. Este es también un atributo de la música popular. El segundo son los cambios durante la actuación, la improvisación es su rasgo típico. La música jazz generalmente tiene un marco temático en el conjunto de todos, y luego el nivel de interpretación de improvisación de cada intérprete se pone en juego bajo un cambio de acorde fijo. Solo tienen una partitura melódica principal.