Técnicas de edición de cine y televisión
Habilidades del Montaje Cinematográfico y Televisivo
El montaje cinematográfico y televisivo, como parte integral del arte cinematográfico y televisivo, nació, surgió de forma independiente y se perfeccionó en el proceso de desarrollo del cine. y televisión al mismo tiempo, la edición El progreso del arte ha influido y promovido en gran medida la mejora y el desarrollo del arte cinematográfico y televisivo. A continuación se muestran las técnicas de edición de cine y televisión que recopilé para usted. Todos son bienvenidos a leer y aprender. Técnicas de edición de cine y televisión Parte 1
En resumen, la esencia de la edición de cine y televisión es completar la configuración de las imágenes del montaje mediante la descomposición y combinación de los movimientos del sujeto. Las tareas de edición son principalmente las siguientes; cinco aspectos:
1) Seleccionar materiales de edición
2) Desarrollar un plan de edición
3) Determinar los métodos de edición; 4) Seleccione los puntos de empalme;
5) Capte el tono de la edición.
La tarea de edición de cine y televisión es ardua. La edición correcta, razonable y hábil puede mejorar la expresión artística y el atractivo de las películas de cine y televisión, y tiene un impacto significativo en el éxito de la creación de películas de cine y televisión. Por tanto, los editores deben esforzarse en mejorar el nivel de sus habilidades en el montaje cinematográfico y televisivo para poder llevar a cabo con eficacia y éxito las tareas de creación artística que emprendan.
En términos generales, las habilidades de edición de cine y televisión se refieren a los medios artísticos, las técnicas de procesamiento y los métodos de montaje de la edición. Esta es la parte más importante del arte de edición. Las habilidades de edición en realidad incluyen tecnología de edición y métodos de edición. Específicamente, se pueden estudiar desde los siguientes aspectos.
1. Tecnología de edición de cine y televisión
La tecnología de edición de cine y televisión se refiere principalmente al proceso de edición, los procedimientos operativos y la conexión de lentes. Los editores de películas deben comprender la identificación y mantenimiento de películas, la identificación y uso de equipos, la identificación y conexión de lentes, la clasificación y almacenamiento de lentes; comprender la tecnología de películas positivas, películas negativas y dominar los métodos de producción de películas; de empalmar y enrollar películas, cómo sincronizar sonido e imagen, cómo seleccionar y conectar lentes, etc. Los editores de televisión deben comprender la identificación y el almacenamiento de cintas, la identificación y el uso de máquinas, y la identificación y conexión de lentes; comprender la artesanía de la edición y desedición única y dominar los métodos de producción de televisión; edición y edición, y sonido punzante, el método de arrastrar hacia abajo, el método de insertar la imagen en silencio, el método de seleccionar y conectar la lente, etc. Aunque se trata de técnicas muy técnicas y específicas, todas son habilidades de edición básicas y deben dominarse de manera hábil y completa.
2. Métodos de edición de cine y televisión
Los métodos de edición de cine y televisión, es decir, las técnicas de edición en sentido estricto, son diversos, cada uno con sus propias funciones y características únicas. Las técnicas y métodos de edición comúnmente utilizados se clasifican a grandes rasgos de la siguiente manera:
1) Procesamiento de imágenes: corte y corte multipropósito, empalme repetido, trasplante y préstamo, recorte, omisión, empalme y extensión, etc. 2) Procesamiento de acciones: método de descomposición de acciones, método de aumento y disminución de acciones, método de ilusión de acciones, etc.
3) Procesamiento de emociones: método de extensión de la longitud del tiro, método de corte en salto corto, etc.; /p>
4) Procesamiento de párrafos: método de ajuste de desplazamiento, método de adición, eliminación y simplificación, método de pausa "dejar cuadrícula", "técnicas adicionales" (la televisión las llama "acrobacias", que se refiere a técnicas ópticas adicionales como la ocultación , visualización, transformación, rayado y sobreimpresión de la imagen o habilidades especiales) método de operación, etc.
5) Procesamiento de sonido: método de eliminación y cambio de cuerda, método de posicionamiento y corte plano de diálogo. , método de corte y dislocación de cadenas de diálogo, método de corte y empalme de música, método de configuración especial de altavoces, etc.
Para los métodos de edición de cine y televisión mencionados anteriormente, este artículo utiliza la edición sin técnicas de pantalla adicionales como ejemplo para proporcionar explicaciones complementarias. Sin técnicas de imagen adicionales significa que toda la película no utiliza ninguna técnica de imagen para estructurar toda la película y la televisión, sino que utiliza el método de recortar y recortar directamente la lente para conectar las tomas, conectar las escenas y transformar. tiempo y espacio, de modo que toda la película y la película de televisión se presenten de una manera no técnica. Método de edición para el procesamiento estructural. Este método generalmente se denomina técnica moderna (a diferencia de la edición tradicional con técnicas de pantalla adicionales) y a menudo se denomina "corte de salto".
"Cortar" es la abreviatura de "cambiar". Es el método de conversión de lentes más básico en la tecnología cinematográfica y televisiva. Significa que no se utilizan técnicas ópticas como ocultar, revelar, transformar, rayar, sobreimprimir, etc. , pero directamente Transición de un plano a otro o de una escena a otra. El "corte de salto" es un tipo de "corte" que no tiene en cuenta la continuidad del tiempo, el espacio y las acciones que se deben seguir al cambiar, sino que utiliza combinaciones de saltos de acciones para resaltar y enfatizar el contenido a expresar. , omitiendo así el proceso espaciotemporal. Por supuesto, los saltos no son arbitrarios, deben seguir la lógica de la vida y adaptarse a la continuidad de la psicología de apreciación del público.
3. Domina las diferencias entre la edición de cine y televisión.
En términos de habilidades de edición, el cine y la televisión son básicamente iguales. Sin embargo, debido a las diferencias entre cine y televisión, naturalmente existen diferencias en la edición. Esta diferencia muestra las ventajas y desventajas de la edición de películas y la edición de televisión. Reconocer y dominar esta diferencia es crucial para comprender y aplicar técnicas de edición de cine y televisión. Las diferencias entre el montaje cinematográfico y televisivo se reflejan principalmente en los siguientes aspectos:
1) El montaje cinematográfico es un "edición intuitiva" de imágenes, que se pueden ver y tocar, incluidas las acciones de los personajes, los movimientos del paisaje, los movimientos de la cámara son claros de un vistazo, la operación es conveniente y el procesamiento es científico; la edición de cintas de TV es una "edición sensorial" de video. Solo se puede ver un cuadro del movimiento de los personajes, el movimiento de la escena y el movimiento de la cámara. visto, que es intangible, difícil y altamente técnico. Depende del sentimiento artístico del editor.
2) La edición de sonido de una película es una "edición intuitiva" de sonido e imagen, que es tangible, altamente precisa, múltiple. -La grabación mixta de canales es científica y la imagen auditiva es perfecta. La edición de sonido de TV es una "edición de sentimiento", que es intangible e invisible y se basa en la sensación directa del sonido por parte del editor, por lo que la síntesis del sonido es relativamente simple. la imagen auditiva es pobre;
3) El montaje de la grabación inicial de la película es riguroso y preciso. Debido a las limitaciones de la película, es imposible filmar una canción, un baile o una ópera de principio a fin. En cambio, se divide en tomas en una cinta de audio y se utiliza una sola toma para capturar todos los aspectos, pero. es más difícil de producir Dado que la edición de las primeras grabaciones de televisión no está restringida a cintas, se puede grabar una canción, un baile o una pieza de ópera de principio a fin y luego insertarla en varias tomas de diferentes escenas de la producción. es simple y los resultados son rápidos, pero a menudo se debe a la falta de atención al detalle. El procesamiento no es lo suficientemente preciso, lo que trae muchos inconvenientes a la posedición.
4) Película adicional; las técnicas y la producción de subtítulos tienen grandes limitaciones y son complejas y difíciles; las técnicas adicionales de producción de imágenes de televisión y los subtítulos son simples y científicas, y la calidad también es alta.
En resumen, los métodos, técnicas y técnicas propuestas en este artículo son exclusivos del montaje cinematográfico y televisivo. Los editores deben trabajar duro para familiarizarse, aprender, dominar y practicar estas habilidades básicas para lograr el objetivo de editar de manera razonable, precisa, hábil y creativa. Como editor, cuanto más diversas y competentes sean tus habilidades, mejor; pero al mismo tiempo, no puedes simplemente mostrarlas, porque el uso de cualquier habilidad debe obedecer al concepto general y a los requisitos artísticos de la creación cinematográfica y televisiva. Habilidades de edición de cine y televisión Parte 2
1: Fundamentos para editores de vídeo
·La capacidad de encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados.
·La capacidad de editar metraje y descubrir cortes que los conectan con el siguiente fotograma.
·La capacidad de utilizar imágenes y elegir música, así como la creatividad para crear melodías y tramas.
·El montador también necesita dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de movimiento e inyectar vida a la imagen.
El editor encontrará naturalmente la mejor expresión entre las muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía del montaje. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando poco a poco en numerosos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.
2: Cómo encontrar el punto de corte
¿Dónde se debe realizar el corte y la conexión? Encontrar el punto de corte es sin duda una de las tareas importantes del editor. Algo a tener en cuenta aquí es que este es el vértice de la imagen.
El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como cuando los brazos del personaje están completamente extendidos, cuando termina la bajada de la cabeza después de asentir a modo de saludo. , cuando la pelota sube y está a punto de caer, cuando se retira la sonrisa, etc.
La imagen es una continuación de una serie de imágenes fijas. Debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.
Por lo tanto, cuanto más intenso sea el movimiento, el corte en la parte superior de la imagen o justo antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en la película posterior, dejando una profunda impresión en el público.
Tres: Puntos cortantes que producen sensación de melodía Tomemos como ejemplo la acción de girar un libro para ver cómo encontrar el punto cortante.
Si empiezas a disparar desde un En el estado donde la acción se ha detenido por completo, la acción de girar el libro se filma fielmente desde el principio hasta el final, para que el público pueda saber de un vistazo que se trata de la acción de girar el libro.
Sin embargo, la belleza de la imagen no puede reflejarse simplemente dejando que la gente la entienda. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué se debe hacer exactamente?
Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de girar un libro se divide en 1 a 24 escenas, entonces los primeros 3 a 4 segmentos se cortarán como punto de corte inicial.
Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de pasar el libro. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.
Cuatro: No existe sólo una forma correcta de editar una película.
Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.
Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede utilizar como punto de corte, y cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar, también se puede utilizar como punto de corte.
Según diferentes obras y diferentes imágenes antes y después, el punto de corte puede cambiar. No existe una única forma correcta de editar.
Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son las reglas de la edición. Es importante conocer estas reglas, pero como la edición es un trabajo creativo, hay ocasiones en las que puedes romper las reglas y probar algo nuevo.
Cinco: El propósito de editar
Liberarse de las limitaciones físicas y controlar libremente el tiempo y el espacio.
·En fotografía y producción, a veces es necesario dividir tomas y combinarlas en una trama posterior.
·Omitir el paso real del tiempo en la historia de la obra.
·Omitir el movimiento del espacio en el cuento.
Combinar la intención escénica para formar una trama y determinar el aspecto final de la obra.
·Conecta tomas a propósito para aclarar y enfatizar lo que quieres expresar.
·Hacer más rigurosa la secuencia y estructura de los planos y resaltar los elementos argumentales.
Seis: Reglas fijas en la edición de acciones.
Método de edición cuando el objeto que se está fotografiando está en movimiento.
La conexión de acción se refiere a la edición de los movimientos del objeto fotografiado.
En el pasado, el rodaje de una acción a menudo tenía que interrumpirse debido al cambio de película. Sin embargo, la misma acción conectada con diferentes lentes se ve sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición. Habilidades de edición de cine y televisión Parte 3
La edición es uno de los procesos de postproducción de cine y televisión. Es un vínculo clave que determina la vida artística de las películas de cine y televisión y es el núcleo del cine. y postproducción televisiva. Antes de ensamblar hábilmente varias tomas, son solo fragmentos fragmentarios. Es la ingeniosa fusión de arte y tecnología lo que les da la vitalidad de la transmisión narrativa, y el talento pensante y la búsqueda estética del creador la impregnan. Sin embargo, la edición debe prestar especial atención a las siguientes cuestiones.
Procesamiento del ritmo de edición
El ritmo de las obras de cine y televisión se divide en ritmo interno y ritmo externo de la obra.
El ritmo interno de las obras de cine y televisión está determinado por el ritmo interno del guión, que incluye la trama, los altibajos de los pensamientos y emociones de los personajes, etc. El ritmo logrado por los movimientos del sujeto, los movimientos de la cámara y los métodos de edición es el ritmo externo de las obras de cine y televisión. El ritmo de edición es un ritmo formado mediante el uso de métodos de edición para procesar la estructura de la película y la duración de la toma. En términos generales, el ritmo de edición debe considerar muchos elementos, como cambios en el tiempo y el espacio, diferentes distancias visuales y ángulos de combinaciones de modelado, el número y secuencia de tomas, y la combinación de sonido e imagen, etc. Los cambios de escena deben hacerse paso a paso en la medida de lo posible, de forma suave y suave para evitar cambios bruscos; la duración de los planos en diferentes escenas también es diferente. Generalmente el panorama se mantiene en unos 8 segundos, el plano medio se mantiene en. unos 5 segundos, y el primer plano se mantiene en unos 5 segundos. Entre 2 y 3 segundos, el primer plano entre 1 y 2 segundos es más apropiado. La duración específica de la toma también se puede determinar en función de los conflictos de la trama, la melodía y el ritmo de la música y otros factores.
Procesamiento de imágenes y montaje de lentes
Las obras de cine y televisión se expresan principalmente en lenguaje visual, y sus imágenes deben ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de interpretación del cine y la televisión. Para trabajos de cine y televisión, los requisitos más básicos para la postproducción son la naturalidad, la suavidad y la ausencia de sensación de salto, por lo que el procesamiento de la imagen y el montaje de las tomas son muy importantes. En el proceso de edición, el montaje y conexión de planos no es una simple conexión del principio y el final, sino que debe ensamblarse y conectarse cuidadosamente de acuerdo con la lógica de la vida y las leyes de la narrativa para lograr coherencia temporal y coherencia espacial. en segundo lugar, se debe lograr la coincidencia de las imágenes, es decir, en las dos imágenes conectadas arriba y abajo, la posición del mismo sujeto debe mantener una unidad espacial en una relación lógica, de modo que cuando las dos imágenes se conecten entre sí, una relación armoniosa natural.
La conexión entre lentes generalmente se puede dividir en dos tipos: una es la conexión especializada. Hay cientos de técnicas, que utilizan principalmente desvanecimiento, disolución, borrado, congelación y volteo. pantalla dividida, cortes de salto, flashbacks y otras técnicas de acrobacias y técnicas ópticas conectan las lentes para diversificar las transiciones de las lentes, la otra es la conexión sin habilidades, que utiliza principalmente la relación entre el contenido y la forma de las lentes para hacer conexiones naturales; Transición directa. Por lo general, las tomas de edición se dividen en tomas en movimiento (como empujar, tirar, desplazar, desplazar, etc.) y tomas fijas (incluido el movimiento y la quietud del sujeto).
Para garantizar la continuidad y suavidad de la combinación de imágenes, generalmente lo estático se puede conectar a lo estático, lo dinámico a lo dinámico, lo estático a lo dinámico y lo dinámico a lo estático. estático y dinámico, y el punto de conmutación se selecciona apropiadamente. Por ejemplo: la conexión entre lentes fijas. Debido a que las lentes fijas de objetos estacionarios (o relativamente estacionarios) están conectadas entre sí, la conexión continua de lentes se puede utilizar para capturar momentos de acción maravillosos o procesos de acción completos. Al combinar tomas en movimiento, si los sujetos son los mismos pero las formas de movimiento son diferentes (como panorámica y tracción), se deben eliminar los ángulos inicial y descendente en las uniones de las tomas, es decir, solo los ángulos inicial y descendente de se debe conservar la toma panorámica anterior. Este último es el ángulo de caída de la lente; si los sujetos son diferentes y el patrón de movimiento de la lente es el mismo, se debe elegir el ángulo de elevación y caída de la unión entre las tomas; determinado según la situación específica. Para la combinación de lentes fijas y lentes móviles, si se trata de una grabación estática, la subida y bajada de la unión de la lente se debe mantener durante un breve período de tiempo; cuando se expresa la relación del eco, la subida y bajada de la unión de la lente se deben mantener; determinado según la situación específica. Además, en el sentido habitual, el conjunto de lentes no puede tener fenómenos fuera de eje para evitar causar confusión en la relación entre tiempo y espacio. Durante el montaje específico, según las necesidades de la creación, se puede dividir un plano, o incluso tomar prestados planos individuales de otras escenas. En este caso, se debe establecer una dirección y un ángulo general de la cámara, y se deben seleccionar otros planos. Orientado hacia la escena, las tomas de dirección general y ángulo total se acercan y luego, según el principio del eje de dirección y el método fuera del eje, la relación de la lente y la relación de los personajes se enderezan toma a toma. Sin embargo, a veces, para mostrar que el personaje se encuentra en un determinado estado, se utiliza la técnica del salto del eje para formar una sensación de estado, dando a las personas la sensación de saltar y expresando cambios psicológicos y emocionales.
Procesamiento de luz y tono
A veces, en la etapa inicial de la filmación, la luz y el tono de algunas tomas pueden ser diferentes debido a factores externos como el entorno de la escena, las condiciones de iluminación y la toma. tiempo, equipo de filmación, etc. Hay una cierta desviación, o la luz y la sombra de los tonos del material son inconsistentes debido a diferentes fuentes de materiales, o las obras de cine y televisión necesitan expresar una emoción, crear una concepción artística, formar una tono y despertar los gritos emocionales de la audiencia, etc. Es necesario utilizar software de edición no lineal o algún software de síntesis de efectos especiales de posproducción de cine y televisión para la corrección de color para conectar los tonos, las luces y las sombras entre sí, de modo que La imagen y el tema pueden coordinarse en términos de contenido y situación. Si no se puede corregir, se debe insertar un primer plano entre dos planos diferentes para hacer una transición (amortiguador) y reducir la estimulación visual de la audiencia.
Manejar la relación entre sonido e imagen
Para manejar adecuadamente la relación entre sonido e imagen en obras de cine y televisión y lograr la combinación perfecta de sonido e imagen, debemos dominar la relación. entre varias voces humanas, música y efectos de sonido, la proporción y el equilibrio son claramente estratificados, naturales y suaves, y los efectos de sonido que son relevantes para el contenido y tienen una hermosa calidad de sonido se combinan con la imagen para transmitirla a la audiencia. Para compensar las deficiencias del sonido original, hacer que el sonido dé forma vívida al objeto de arte y refleje verdaderamente la vida real, algunos sonidos de la naturaleza y la vida deben procesarse y procesarse a través de diversos medios técnicos, como el ajuste de la calidad del sonido, reverberación, retardo, velocidad variable, etc. para lograr efectos artísticos específicos. La combinación de sonido e imagen suele adoptar la forma de sincronización de sonido e imagen y contrapunto de sonido e imagen. La sincronización del sonido y la imagen se manifiesta en la estrecha combinación de voz humana, música, efectos de sonido e imágenes, y el ritmo y la emoción son consistentes, es decir, la información audiovisual es igual y unificada, y el sonido y la imagen son sumados para formar un mensaje general, el contrapunto de sonido e imagen se refiere a A partir de un propósito artístico específico, el sonido y la imagen se expresan en diferentes aspectos al mismo tiempo, formando una relación de "oposición" o "paralela" entre los dos. para expresar más profundamente el contenido de la película.
Procesamiento de efectos especiales
El papel de los efectos especiales en la postproducción de cine y televisión se utiliza principalmente para renderizar y mejorar la atmósfera, realzar la belleza visual de la imagen y movilizar. el aprecio del público. En la selección y aplicación de acrobacias, se debe prestar atención a los siguientes aspectos. En primer lugar, la selección de gráficos de acrobacias debe ser coherente con la expresión del contenido de la pantalla. Hay muchos estilos y tipos de gráficos de acrobacias. En segundo lugar, la elección de los gráficos de acrobacias debe reflejar las lentes delanteras y traseras. Al ensamblar las lentes, debe tener en cuenta la forma del movimiento, la dirección del movimiento y la velocidad de las lentes delanteras y traseras, e intentar que el movimiento de los gráficos de acrobacias refleje el movimiento del sujeto en las lentes delanteras y traseras, de modo que aparecerá armonioso y natural; en tercer lugar, los gráficos de acrobacias están en Al usar, se debe prestar atención a la integridad y usarse en grupos. Es decir, elija la misma forma y úsela más de cuatro o cinco veces seguidas para mantener una buena sensación general de la secuencia de acrobacias. También puedes realizar ligeros cambios manteniendo un tono unificado.
En resumen, la postproducción de cine y televisión está relacionada con el éxito de las obras de cine y televisión. Es un proceso creativo que integra tecnología, habilidad y arte. Los editores deben fortalecer continuamente el cultivo del pensamiento y la edición. mejorar la capacidad estética artística. Con su dominio del cultivo y las habilidades de edición, puede crear obras de cine y televisión con una estructura rigurosa, un ritmo suave y temas distintos. Técnicas de edición de cine y televisión Parte 4
1. Puntos de corte correctos:
La edición es el proceso de conectar muchos fragmentos de imágenes fragmentadas en un todo rítmico, lo que implica una cuestión de dónde cortar. y únete.
Aquí debemos mencionar el concepto de ápice de la imagen. El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión de las acciones y expresiones en la imagen, por ejemplo, cuando los brazos del personaje. están completamente extendidos, cuando el personaje asiente para saludar y luego baja la cabeza, la sonrisa termina Espera un momento.
Aquí se debe mencionar una técnica de edición: debido a que la imagen es una serie de imágenes fijas, la imagen de la toma anterior formará una imagen residual en el ojo humano, por lo que en el trabajo de edición real, cuando se encuentran imágenes rápidas En tomas en movimiento ( (contenido de la pantalla), el punto de corte debe avanzarse un poco antes. Esto crea una sensación de melodía y comodidad que refleja la imagen.
Por ejemplo, para una acción de girar un libro, podemos seleccionar el punto de corte inicial cuando la acción de girar el libro ha comenzado. Si la acción de girar el libro se divide en 25 cuadros, entonces podemos elegir ingresar desde el. Cuarto o quinto fotograma. Establezca el punto posterior aproximadamente en el cuadro 21, para que no afecte la comprensión del público de la acción de girar el libro. Por el contrario, también puede mostrar la melodía de la acción y la continuidad de las tomas frontal y posterior.
2. Reglas fijas en la edición de acciones:
Se refiere al método de edición cuando el objeto que se está fotografiando está en movimiento.
El método consiste en conectar la misma acción continua con diferentes posiciones de cámara y escenas. Por qué se hace esto: Leyenda del origen: El tiempo de duración de una película es muy corto. En el pasado, a menudo era necesario interrumpir el rodaje de una acción para cambiar la película. Sin embargo, la gente encontraba que la misma acción se veía conectada con diferentes lentes. Sorprendentemente eficaz, fluido e impresionante, más tarde evolucionó hasta convertirse en un método fijo de edición de acciones.
El primer punto: las acciones están conectadas en 7:3.
Este método se utiliza generalmente cuando la misma cámara está en diferentes escenas. Por ejemplo, al fotografiar la acción de lanzamiento de un lanzador desde el frente, un panorama y un primer plano, puede acercarse a los detalles del lanzador a 30 o 70 grados desde el inicio del panorama, para que la acción general se vuelva fluida. . Por supuesto, dependiendo del material, algunas tomas pueden recortarse o superponerse deliberadamente para darle otro significado a toda la acción.
Segundo punto; conectar dos acciones en una.
El primer punto trata sobre el uso de diferentes lentes para conectar el mismo sujeto. Aquí presentaremos cómo conectar múltiples acciones de diferentes sujetos en una, lo que también se denomina "edición de acción única". Por ejemplo, la acción de bateo generalmente se maneja así: jonrón => El lanzador regresa => La primera base regresa => La pelota vuela muy lejos. Con este método de edición, se repiten los movimientos de los dos concursantes que se dan la vuelta, lo que creará una impresión aburrida en el público. Mediante la "edición de acción única", estas dos acciones de giro se integrarán en una y la diferencia horaria se eliminará mediante la edición.
El método específico es: cortar la primera mitad del giro del lanzador y conectar la segunda mitad del giro del primera base. Esto puede mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen sea coherente. Por supuesto, en la edición real, podemos agregar una serie de tomas de la audiencia mirando hacia atrás para realzar la pelota volando alto y lejos (la edición no es fija).
El tercer punto: superponer intencionalmente y utilizar para enfatizar.
Por ejemplo, las tomas de movimientos especiales en películas de acción se pueden reproducir en diferentes ángulos, o reproducir en cámara rápida y lenta en el mismo ángulo. Potenciar el impacto visual. Se utiliza a menudo en vídeos de Jackie Chan.
Punto 4: Para escenas de acción intensa, se puede omitir la parte central.
Punto 5: Conectar las pantallas FrameIn y FrameOut.
El sexto punto: Utiliza lentes oscuros o *** para conectar las acciones de diferentes objetos fotografiados.
El efecto es reducir considerablemente el tiempo y aumentar la velocidad de la película. Comúnmente utilizado por MTV.
Puntos de dibujo para conectar acciones:
Utilice el plano más largo como plano principal
Considere la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para evitar afectar la continuidad de la acción
Cambiar significativamente la acción y la posición de la cámara mejorará el impulso de la escena
Las conexiones basadas en tiempo real se verán arrastradas, así que comprima las partes de la transición que se puede omitir. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.
El material rodado simultáneamente se puede editar teóricamente en cualquier punto, pero eligiendo diferentes puntos de corte y repitiendo u omitiendo algunos planos, la acción será más fluida.
Cuando utilices diferentes conexiones de pantalla para la misma acción, intenta conectarlas en el vértice de la acción.
3. Transición de escena y creación de puntos de conexión
El primer punto: compatibilidad: se refiere a dejar que la imagen anterior desaparezca lentamente mientras que la imagen posterior aparece lentamente.
En comparación con el corte, da una impresión más suave y es muy sencillo de usar. Se puede decir que es un método de transición de escenas que casi nunca falla.
Segundo punto: Fundido de entrada y salida: transición con negro.
El tercer punto: utiliza máscaras para conectar diferentes escenas.
El cuarto punto: utiliza imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.
Punto 5: Utiliza el efecto de desenfoque provocado por el movimiento para conectar las lentes.
Punto 6: Utiliza el mismo escenario para conectar las tomas. "Air Cut"
Punto 7: Utiliza efectos de exposición para conectar la lente. "Comerciales y videos musicales"
Punto 8: Utilice pantallas divididas para pasar a tomas posteriores.
4. Otros métodos de edición representativos:
El primer punto: dejar que aparezcan alternativamente diferentes tomas que ocurren al mismo tiempo.
Segundo punto: Cuando la conexión sea difícil, simplemente salta.
El tercer punto: utilice tomas de diferentes fotogramas para conectarse y crear una sensación de ritmo. "Generalmente se utiliza un grupo de tres lentes para progresar gradualmente";