Nunca he estudiado arte, pero me interesa mucho pintar y diseñar una imagen. ¿Qué opciones profesionales están disponibles para mí?

Pintura

La pintura se puede dividir en tipos principales de pintura, como pintura china, pintura al óleo, grabado, pintura de acuarela y pintura gouache, según diferentes herramientas, materiales y técnicas. La pintura china se divide en pincelada fina y pincelada a mano alzada según la minuciosidad y amplitud de las técnicas. El grabado se divide en xilografía, grabado en cobre, grabado en papel, litografía, serigrafía, etc., según los diferentes materiales de las planchas. El grabado también se clasifica según los métodos de fabricación de planchas y las técnicas de impresión en color, como grabados, grabados en madera mimeográficos, grabados en madera con filigranas, grabados en blanco y negro, grabados en color, etc. Los tipos de pinturas anteriores se dividen en pinturas de figuras, pinturas de paisajes y pinturas de bodegones según los diferentes objetos representados. Las pinturas de figuras se pueden dividir en retratos, pinturas históricas, pinturas religiosas, pinturas de género, pinturas militares y pinturas de figuras según diferentes temas y contenidos.

Conceptos básicos de la pintura

El dibujo, en definitiva, es pintura monocromática. Pero no necesariamente. El proceso de dibujar es una actividad de pensamiento integral que requiere considerar muchas cuestiones al mismo tiempo. Hoy en día, todas las especialidades de las escuelas de arte lo toman como un curso básico, aunque cada especialidad tiene un enfoque diferente. Por ejemplo, la pintura al óleo enfatiza el volumen y el tono, la pintura china enfatiza las líneas, el grabado y el diseño enfatizan la estructura, etc. Pero los bocetos son similares. Al mismo tiempo, el dibujo, como categoría artística independiente, tiene un valor artístico único. 1. Expresa tantos bocetos como entiendas, lo cual es muy racional. El proceso de dibujar es una actividad altamente integrada del cerebro, los ojos y las manos humanos. El cerebro es el comandante en jefe, y la racionalidad suficiente es particularmente importante; los ojos son sensibles y vivaces, pero a menudo unilaterales y equivocados; las manos son sólo herramientas para lograr los resultados de la consulta cerebro-ojo; son obedientes, pertenecen a la categoría técnica (claro que hay otras herramientas). Por tanto, el cerebro debe seguir aprendiendo y pensando. Sólo el pensamiento puede aportar innovación, y el pensamiento es la característica más importante que distingue a los humanos de los animales. En primer lugar, debemos estudiar la historia del arte, comprender el proceso de desarrollo del arte y comprender el proceso de crecimiento único, los conceptos artísticos, las diferencias de estilo y las expresiones técnicas de los maestros. Sólo a través de la evaluación y el pensamiento constantes podemos posicionarnos y promovernos correctamente. nuestro mejor desarrollo y evitar la confusión y el desperdicio de repetición; ¿no puedes aprender a dibujar sin aprender a estirar las manos? Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Durero, Rubens, Kumpfer, no basta con entender a Cheshakov. El nacimiento de la anatomía y la perspectiva ha inyectado factores más científicos y racionales en el dibujo, pero la anatomía y la perspectiva requieren tiempo y energía para aprenderlas y dominarlas. Por ejemplo, sin comprender la estructura esquelética subyacente, el movimiento de los músculos y la deformación de la perspectiva visual, es imposible expresar a una persona comprendiendo únicamente las ondulaciones del contorno en la superficie; cada línea y cada ondulación deben reflejar el conocimiento de la anatomía y la perspectiva. lo que puede hacer que el boceto sea más profundo y completo. El conocimiento de la composición hace que los bocetos sean más perfectos y personalizados, más visuales y más artísticos. El uso ingenioso y el control de la estructura, las características, la proporción, la forma, la orientación, el ritmo, el contraste, los puntos, las líneas y las superficies sin duda juegan un papel clave en la expresión completa de los bocetos, mientras que el dominio de los conceptos geométricos y las habilidades de modelado en profundidad lo ayudarán. También juegan un papel en la pintura para el control macro y micro. La invención de la cámara y la llegada de la era de Internet liberaron el dibujo del mundo objetivo, prestando así más atención al espacio infinito de los pensamientos y sentimientos de las personas en la era postindustrial, y el dibujo presentó estilos más diversos. 2. Fundamento, habilidad y calidad El dibujo es la base de las artes plásticas. El propósito del aprendizaje y la capacitación con bocetos es cultivar las habilidades cognitivas, de observación, de modelado, de expresión y estéticas correctas de los alumnos. Una base generosa y sólida se ha convertido en una cualidad necesaria para entrar al palacio del arte, al igual que la base de un edificio de gran altura, gruesa, oculta y sin pretensiones, también es como estar sobre una pila de artes marciales; Si no puedes mantenerte firme, el "kung fu" es sólo un espectáculo. Los principiantes en el dibujo deben estar tranquilos y ser capaces de soportar la soledad, soportar las dificultades y tener una sensación de dificultad. Roma no se construyó en un día, ni los antiguos la construyeron en un día. Sin embargo, el trabajo mental por sí solo no es suficiente. Debemos cultivar conscientemente nuestras correctas habilidades de observación y expresión. Los métodos de observación suelen referirse al todo y a la comparación, como entrecerrar los ojos para ver el todo y comparar dentro del todo. Los detalles, especialmente los maravillosos, deben observarse cuidadosamente y, si se describe el frente, es mejor ver el objeto desde un lado o desde arriba. Esta inspección tridimensional desde múltiples ángulos ayuda a expresar la estructura, los altibajos, las características y los giros del objeto. Debes ser capaz de juzgar y percibir con atención las características únicas de la imagen y el temperamento espiritual del objeto de la actuación, descubrir la hermosa forma y el encanto de lo común y elegir rápidamente tu propio método para expresarlo y procesarlo. El boceto, como forma de pintura, tiene su propia vitalidad artística. La palabra "básico" por sí sola ya no puede contener el significado completo de boceto. No es tan simple como sentar las bases.

A veces, cultivar buenas cualidades estéticas puede sentar las bases para toda una vida de actividades artísticas. 3. ¿Es porque las habilidades básicas y la creatividad son buenas porque la creatividad es fuerte? incierto. De hecho, las habilidades básicas de muchos artistas destacados no son muy "sólidas", especialmente en la era actual en la que el arte ha salido del modernismo y ha entrado en el posmodernismo, y las ideas innovadoras se han generalizado. En China, todavía hay muchos "talentos" puramente técnicos que sólo se centran en tirar de carros sin mirar la carretera. También se puede decir que este es un problema común en nuestra educación básica. La razón por la que necesitamos implementar una educación de calidad y ahora promover la reforma del plan de estudios de la educación básica es principalmente para abordar el problema fatal de la creatividad generalmente baja de los talentos en nuestro país. No nos faltan habilidades básicas sólidas y se puede decir que somos líderes en el mundo. Lo que nos falta es la originalidad para liderar el mundo. Por lo tanto, es crucial manejar adecuadamente la relación entre la enseñanza básica y el cultivo del pensamiento creativo. Ahora, para actualizar nuestros conceptos básicos, sentar las bases no es solo la memorización de memoria y el entrenamiento mecánico repetitivo, sino también la lectura extensa, la apreciación, la búsqueda de conocimiento, la comunicación, la cooperación, la discusión, la investigación, la síntesis, la comparación, la duda, la exploración, la imaginación, la creación. , pensamiento inverso, pensamiento divergente, romper convenciones, etc. , cultivar gradualmente la creatividad en el estudio y la vida diarios. Las habilidades básicas del dibujo y el cultivo de la creatividad deben sincronizarse, porque el dibujo conlleva toda la información artística y la creatividad valiosas, y la esencia del arte es la "innovación". Si echamos una mirada retrospectiva a la historia del arte, resulta obvio que sólo se pueden registrar artistas con valor innovador. Por lo tanto, debes ser un estudiante serio de arte. 4. En cuanto a la iniciativa en el aprendizaje del dibujo, uno se refiere a la práctica activa en la acción y el otro a la exploración diligente en el pensamiento. Los dos se combinan en uno. Hablar sin practicar no es suficiente, y practicar sin pensar no es suficiente. Muchas veces decimos que alguien es muy proactivo en el aprendizaje y sus trabajos son muy reflexivos. A eso nos referimos. Incluso los bocetos de principiantes no pueden reproducirse de forma puramente objetiva. Deben añadir sus propios sentimientos subjetivos, comprensión racional y tratamiento subjetivo. Para experimentar la vida y comprender el arte a través del aprendizaje del dibujo. Piensa con tu propio cerebro y mira el mundo con tus propios ojos. La iniciativa es un estado de aprendizaje, una forma de buscar conscientemente diversas formas de adquirir conocimientos y habilidades. Valore el uso de recursos de aprendizaje como librerías, bibliotecas, Internet, galerías de arte y museos. No confíes demasiado en el profesor, toma la iniciativa de aprender por ti mismo, sé diligente en el pensamiento, mira el mundo y clasifica, resume, critica y selecciona activamente todo tipo de información. No te pierdas en la diversidad, sigue aprendiendo a medida que progresas. 5. Los contenidos de "in place" y "in place" incluyen composición, estructura, características, forma, proporción, orientación, ritmo, intensidad, etc. Estar en un lugar es una habilidad y habilidad básica, que no es exactamente lo mismo que lo "preciso" y "práctico" que solemos escuchar. "En el lugar" se refiere más al sentimiento subjetivo y al arte en el lugar, con un nivel más alto y mayor espacio para el desarrollo subjetivo, e incluso "real" es solo una verdad artística. La "apertura" es una cualidad humanista y un medio subjetivo. El contenido de "abierto" incluye lenguaje artístico, características físicas, blanco y negro, primario y secundario, virtual y real, fortaleza y debilidad, dureza y suavidad, tonalidad, rectitud, anverso y reverso, densidad, etc. Es simplificación e inducción en un sentido más elevado, más subjetivo y libre que "in situ", y es la expresión espiritual de la iniciativa subjetiva personal del artista. "En el lugar" y "separación" equivalen a la relación entre objetividad y subjetividad, descripción y expresión, riqueza y sencillez, están unificados e interconectados; el "en el lugar" excesivo es aburrido y mediocre, y se necesita "apertura" para inyectar; vitalidad y vitalidad; el "desapego" excesivo es hermoso, roto, simple y necesita ser integrado en su lugar. La dificultad es cómo dominar este "grado", o "perfectamente", y no importa si es "demasiado" o "muy poco". La teoría de Qi Baishi sobre "entre similitudes y diferencias" también significa esto. 6. La importancia de "negro, blanco y gris" enfatiza la importancia del concepto de "negro, blanco y gris", que se basa completamente en muchos años de experiencia, porque de hecho me ha traído muchos beneficios a mí y a muchos. compañeros de clase. Introducir la técnica general del "negro, blanco y gris" en el dibujo o en el aprendizaje, diseño y creación de todos los colores tendrá el efecto de obtener el doble de resultado con la mitad de esfuerzo, especialmente para los principiantes. La operación específica es la siguiente: No importa cuán complejo y desordenado sea un objeto, se puede resumir en tres partes: negro, blanco y gris en términos de brillo. Es una comprensión subjetiva y una organización ordenada del todo macroscópico. La pieza contiene muchos niveles (tono y apariencia), pero todos deben estar bajo las reglas absolutas de "negro", "blanco" o "gris" en general, los bloques "grises" tienen capas ricas y los bloques "negros" tienen capas simples; El área de los tres bloques está especificada pero debe estar disponible. De esta manera, podemos superar fácilmente los problemas comunes de los principiantes como "gris", "caótico" y "sucio" en la imagen, para hacer que la estructura de la imagen del trabajo sea más poderosa, clara y ordenada.

"Negro, blanco y gris" es la comprensión y el control general activo de la imagen, que puede tener más significados. 7. El significado de las líneas No existen líneas puras en el mundo. Supai sólo reconoce la disposición continua de puntos (superficie). Pero el arte es arte, un producto del espíritu humano. Aunque es científica, nunca puede equipararse a la "verdad" científica. Uno más uno no es igual a dos. No existe una respuesta estándar en el arte. ¿La línea es el mundo subjetivo y objetivo reflejado en el mundo espiritual del artista? La línea es el lenguaje más básico del arte visual, una especie de generalización y "abstracción". Es antiguo pero moderno y nunca pasará de moda. Por tanto, en el mundo del boceto, los artistas y las líneas son inseparables. La primera mano es la línea, que puede utilizarse plenamente según las necesidades subjetivas y objetivas. La expresión artística de las líneas es muy fuerte. Hasta el día de hoy, todos estamos impresionados por las líneas voladoras y elegantes de los murales de Dunhuang de hace miles de años y las magníficas líneas de los murales del Palacio Yongle. Las líneas expresan no sólo contornos, áreas, estructuras, rasgos, puntos de inflexión (entre la forma y dos colores), ritmo, etc. Un objeto, pero también una expresión de los sentimientos subjetivos del artista. El impulso y la pasión en ese momento es una especie de refinamiento subjetivo, y a veces se convierte en el alma de la obra, por eso hay líneas fuertes y poderosas, líneas fluidas, movimiento de líneas y melodía de líneas. De hecho, el uso de las líneas es muy particular, tanto racional como emocional, y no es tan simple como las "curvas de nivel". Las líneas deben prestar atención para expresar los entresijos del objeto: el frente y el reverso de la línea, la fuerza de la línea, ¿dónde debe usarse? ¿Dónde no debería usarse? ¿Cómo penetrar el aire y cómo comparar densidades? Todo el mundo está bien informado. Sólo un borde refleja la connotación de forma, características, espacio, realidad, fuerza, etc. La línea debe ser más alta que el tono (plano) porque es el producto subjetivo del artista y una "expresión espiritual". 8. El ajuste es el servidor. Necesitamos corregir una comprensión: no ajustar solo por ajustar es solo la estructura física del servidor. Es decir, el uso del tono debe reflejar la estructura interna y los altibajos, y debe realizarse alrededor del centro de la estructura física, y se opone al uso de tonos engañosos, ambiguos o inútiles; Se utiliza junto con las líneas, que son las maestras de los contornos externos, y el tono es un fuerte expreso del volumen interno, la textura y la jerarquía. Si la línea es el marco básico en la arquitectura, entonces el tono es la decoración interior y exterior, que complementa y promocionándose mutuamente. Los populares bocetos soviéticos del pasado llevaron el tono al más alto nivel. Excepto por un punto positivo, es necesario dibujar todo lo demás. Lo que en realidad no existe es sólo la superficie invisible. Este sistema teórico de enseñanza excesivamente físico y rígido hizo que China fuera sombría, débil e impotente en ese momento. En el arte, quienes se dedican excesivamente a la ciencia perderán muchas de sus ventajas únicas. Sin embargo, el tono también tiene otra función: puede representar la atmósfera del fondo, ajustar el ritmo de la imagen y hacer que la imagen sea más integrada y hermosa. 9. Enfatice el significado de "características" e introduzca el concepto de "características" cuando sea nuevo en el dibujo, lo que dará a las personas la sensación de estar tomando atajos. Se incluyen "características" en las imágenes expresadas, así como en el lenguaje artístico y estilo expresado por el autor. En primer lugar, la combinación de estructura corporal y características puede crear la primera impresión de "cómo se ve", como alguien que parece una manzana, un melón de invierno o unas tijeras, así como el modismo "delgado como un hueso". y lo que comúnmente se conoce como “cejas de luna”, “ojos triangulares”, “nariz de ajo”, “boca de cereza”. También se puede describir mediante "características externas" y "características intrínsecas"; las "características de apariencia" se pueden aprender de algunas técnicas del arte del corte de papel, como sombras, espacios en blanco, barbas, cuellos, patrones de tela, etc. En resumen, puedes explorar deliberadamente los objetos y detalles que creas que son dignos de descripción. Captar la belleza de los rasgos significa que las personas resaltan subjetivamente ciertas características distintivas de los objetos, o prestan atención a las formas visibles de ciertas imágenes, para tomarlas "en serio" y hacer que las imágenes "se formen" desde la distancia, de modo que el conjunto y las piezas pequeñas aparecerán atractivas y pesadas. El concepto de "característica" debe implementarse durante toda la realización del boceto. 10. Preste atención a la "modificación". "Modificación" aquí es similar a ajuste en el sentido general. La diferencia es que la mayoría de los ajustes se basan en rutinas paso a paso, mientras que la "modificación" se basa en la valentía y la franqueza en la actuación activa; porque te atreves a dibujar y cometer errores, tienes que "modificar" y cada "modificación"; Todo es un proceso de pensamiento y progreso. A veces una "revisión" drástica es en realidad una sublimación o resurrección. Por lo tanto, no tengas miedo de ensuciarte, no seas demasiado cauteloso y sé lo suficientemente valiente para hacerlo, no te preocupes por dejar huellas de cambio, ya que estas huellas deben ser las huellas del progreso; "Revisión" es una actitud de aprendizaje con los pies en la tierra y una exploración del aprendizaje segura y emprendedora. Los principiantes suelen cometer un error y empezar de nuevo. Siempre quieren conseguir una victoria rápida, una victoria rápida y ser un éxito de taquilla, pero no saben que eso es señal de impetuosidad.

Formación formal en dibujo para principiantes en el arte.

Muchos principiantes, incluidos algunos adolescentes que han recibido formación en dibujo, quieren dibujar, pero siempre se sienten perdidos. En mis contactos con estos principiantes, siempre trato de decirles algunos métodos de entrenamiento en dibujo, pero hay más principiantes que también necesitan este conocimiento y habilidades, lo cual está fuera de mi alcance. Debido a las limitadas condiciones de aprendizaje, muchos de ellos no tienen la oportunidad de contactar a profesores en este campo. Por esta razón, me gustaría aprovechar esta oportunidad editorial para ordenar algunas de mis experiencias y métodos de enseñanza del dibujo durante los últimos diez años, y dedicarlos a aquellos jóvenes que estén interesados ​​en aprender a pintar, para ayudarlos a aprender y evitar desvíos. en el proceso de dibujo. Domine los métodos de aprendizaje correctos y reciba una orientación de formación en dibujo más científica y formal. ¿Es difícil aprender a dibujar? El educador de arte Sr. Xu Beihong dijo una vez que las personas con una inteligencia superior a la media pueden aprender a pintar bien trabajando duro. Parece que mientras esté dispuesto a trabajar duro, participar y descubrir gradualmente las reglas, los problemas que originalmente eran difíciles se volverán más fáciles. Entre los adolescentes que recién comienzan a aprender a pintar, algunos dibujaron cuadros de niños cuando eran pequeños y otros copiaron cómics, cómics, etc. , y hay algunos que siempre han estado interesados ​​en dibujar aunque nunca han hecho ningún dibujo. Son un buen comienzo para la formación en dibujo profesional. Dibujar es una forma de pintar que representa objetos rápidamente en un corto período de tiempo. Tiene dos funciones: recolectar materiales para pintar y entrenar habilidades de modelado. El boceto puede expresar mejor la aguda capacidad de observación del artista y su fresco sentimiento sobre el mundo material. Las imágenes son vívidas y conmovedoras, que es la característica notable del boceto. Debido al corto tiempo de pintura, al pintar un objeto, este puede dibujar cualquier imagen de la vida que nos rodea en cualquier momento, y es especialmente bueno para representar objetos en movimiento y dinámicas fugaces. Los bocetos representan temas que van mucho más allá del alcance de los ejercicios de dibujo en el aula. Por lo tanto, dibujar con regularidad puede ayudarnos a desarrollar el buen hábito de observar la vida que nos rodea. Si persiste en dibujar durante mucho tiempo, podrá acumular ricos materiales artísticos para futuras creaciones y diseños artísticos. Dibujar también es un buen método de entrenamiento para ejercitar habilidades prácticas. Abogamos por desarrollar el buen hábito de dibujar desde el inicio del aprendizaje de la pintura. El entrenamiento de bocetos de ciertos contenidos puede entenderse como una forma de operación a corto plazo de bocetos. Para la capacitación básica en dibujo, es un buen método dibujar más bocetos durante el entrenamiento durante un tiempo relativamente largo, de modo que se puedan intercalar operaciones a corto y largo plazo. Por lo tanto, dibujar es una forma de práctica auxiliar para el entrenamiento de bocetos. Algunos maestros de la pintura, como el pintor holandés Rembrandt del siglo XVII, el pintor británico Hogarth del siglo XVIII y el pintor alemán Menser del siglo XIX, son todos maestros del dibujo. Muchos pintores chinos famosos también han logrado grandes logros en el campo del dibujo y han formado estilos personales únicos. Como Ye, A Lao, Huang Zhou, Liu Wenxi. Algunos de ellos nunca tuvieron la oportunidad de estudiar en escuelas de arte formales, pero tomaron el dibujo como forma básica de formación en pintura y se embarcaron en el camino hacia el éxito. Los jóvenes interesados ​​en aprender pintura, siempre que estén dispuestos a trabajar duro, mantener un alto grado de entusiasmo, estudiar mucho, usar su cerebro, utilizar métodos adecuados y perseverar, podrán dibujar bien y establecer un Base sólida para aprender a pintar. Dibujar requiere dibujar el objeto que se va a expresar en poco tiempo. Por tanto, describir la imagen en forma de líneas es la forma más sencilla. Además de describir la forma de los objetos, las líneas también tienen la función de expresión artística y pueden reflejar ricas connotaciones, como fuerza, ligereza, dignidad, elegancia y otras características estéticas. Cuando el autor realiza un boceto, inconscientemente expresará su personalidad artística mediante el uso de líneas. El modelado de líneas es la forma de expresión más utilizada en los bocetos. Además, la combinación línea-superficie también es una de las formas más comunes. A veces, disponer algunos tonos claros y oscuros en las transiciones estructurales puede aumentar la expresividad del boceto y hacer que la atmósfera de la imagen sea más variada y rica. Aparte de las dos formas anteriores, los bocetos puramente claros y oscuros son raros. Por supuesto, también hay algunos pintores que persiguen este tipo de exploración formal por la necesidad de seguir su propio estilo pictórico. Pero este no puede ser el objetivo que persiguen los principiantes durante el entrenamiento.

El diseño se divide en: diseño industrial, diseño medioambiental, diseño arquitectónico, diseño arquitectónico, diseño de interiores y diseño de indumentaria.

Diseño de sitios web, diseño web, diseño de indumentaria, diseño de indumentaria, diseño gráfico, diseño de arte de anillos, diseño de animación de cine y televisión de Huanyi, diseño de máquinas.

Si está interesado en el diseño gráfico, la ilustración, el diseño de interiores y la coreografía, se recomienda aprender primero algunas habilidades básicas de dibujo y modelado y luego aprender software, como PS, 3D,

Si te interesa la pintura, necesitas sentar unas buenas bases y aprender a dibujar a mano.