Cultura flotante, historia de relieve

1: Sobre el desarrollo histórico del relieve:

Desde la existencia de la parasociedad, el arte ha sido una parte indispensable de toda la vida humana. Debido a que los ancestros primitivos no podían explicar correctamente los fenómenos naturales, surgieron religiones primitivas que expresaron su culto a la naturaleza y a los dioses de diversas maneras. Con el desarrollo de la religión primitiva, el arte escultórico primitivo también se desarrolló como una manifestación o expresión de creencias sacrificiales y conceptos de adoración. Las pinturas rupestres y los grabados originales de la cueva revelaron inicialmente las características originales del relieve como forma de arte. La vida material humana a menudo afecta el desempeño espiritual. En la antigüedad, los humanos primitivos usaban colores y líneas para representar los objetos naturales con los que entraban en contacto durante sus vidas de caza y recolección, y los pintaban en pinturas planas para expresar las preocupaciones de la gente sobre estas cosas. Cuando se inventó el tallado lineal con la intención de fijar y preservar estas imágenes con materiales duros como rocas, se produjeron las primeras esculturas en relieve. Con la acumulación de experiencia práctica, la gente descubrió el método de expresión de las sombras y gradualmente pasó de pintar formas planas a prestar atención al volumen de los objetos. Este enfoque y la práctica del modelado mediante el uso de diversos materiales para lograr una expresión volumétrica promovieron el desarrollo inicial de la escultura redonda.

Plegado de la Era Primitiva

Las pinturas rupestres y los grabados lineales de la era primitiva, ya sean objetos realistas que simulan la naturaleza o patrones decorativos, tienen métodos de descripción o patrones de modelado similares. El método de tallado de líneas que se encuentra en varias cuevas de la cuenca del río Nilo y del Mediterráneo oriental consiste en delinear primero de forma aproximada la forma exterior, y luego describirla en detalle y tallarla en una forma lineal. Con el desarrollo de herramientas de producción, también se han promovido los grabados rupestres en forma de bajorrelieve. Los nómadas primitivos del norte de China dejaron una gran cantidad de grabados rupestres (o pinturas rupestres) que registran su historia de vida en las montañas Yinshan que se extienden por miles de kilómetros. Los grabados rupestres de esta zona se caracterizan por su fuerte realismo, principalmente con ganado, caballos, cabras, ciervos, tigres, leopardos y otros animales salvajes y domésticos como temas. Los artistas originales pintaron los gráficos sobre la densa y suave piedra negra. , y luego los pulieron con un diseño especial. Se utilizó piedra dura y afilada para tallar gráficos, que se convirtieron en una expresión temprana del arte en relieve en piedra.

Plegado del Neolítico

En el Neolítico, el hombre inventó la cerámica. Las técnicas de modelado y decorativas relacionadas con la cerámica promovieron aún más el desarrollo de formas escultóricas. Además de las pinturas con líneas pintadas, el avance continuo de la decoración de la cerámica también ha desarrollado formas decorativas escultóricas, como impresiones tridimensionales, raspados, grabados y patrones de apilamiento, e incluso esculturas redondas, relieves o calados de cerámica relativamente independientes. Los datos arqueológicos muestran que las esculturas de cerámica, incluidas las de arcilla, que junto con las de piedra constituyen los ricos rasgos de las esculturas primitivas, se han desarrollado en diversos grados en vastas zonas civilizadas como la cuenca del río Nilo, Mesopotamia, el Mediterráneo, Europa central y occidental, y China.

Tras la desintegración de la sociedad primitiva, el arte en relieve fue prosperando paulatinamente. En muchas civilizaciones antiguas, se construyeron mausoleos para orar por la vida eterna después de la muerte, se construyeron templos para adorar a los antepasados ​​y dioses y se erigieron monumentos para alabar los logros de los emperadores. Todos ellos son majestuosos y de gran escala. El relieve, una forma de expresión que combina la entidad de la escultura y la narrativa de la pintura, se adapta en gran medida a la vida social y la orientación espiritual antiguas. Sirve para expresar el mundo sagrado imaginario de las personas o el ideal del cielo parecido al Edén, así como para expresar. registrar la realidad. Los acontecimientos más importantes de la vida proporcionan un enfoque poderoso y un mundo vasto.

Plegamiento en el siglo XXIV a.C.

En el siglo XXIV a.C., Egipto se había convertido en un poderoso estado esclavista centralizado, donde se utilizaban un gran número de relieves para decorar tumbas, templos y monumentos. . Los egipcios utilizaron creativamente tres posturas típicas (① todo el frente; ② el lado absoluto; ③ la parte superior mirando hacia abajo) para crear figuras en relieve, esforzándose por crear una atmósfera tranquila, misteriosa y majestuosa. La forma en relieve de las "Tabletas de Namir" marca la formación de un programa artístico egipcio perdurable. Su forma curva simple y concisa y sus elementos geométricos se perfeccionaron durante el Antiguo Reino de Egipto. La poderosa forma lineal hace que el relieve tenga el mismo significado que el título y la inscripción. Aquí, las líneas duras y rectas enfatizan el "impulso" con un significado simbólico espiritual, y ya no se limitan a reproducir una imagen y una escena realistas.

Las dos cuencas fluviales del oeste de Asia dieron origen a la antigua civilización mesopotámica.

El interés por el "tamaño" revelado aquí, por la necesidad de mostrar la majestad del gobernante y la solemnidad de Buda, hizo que las estatuas de reyes celestiales y hombres poderosos florecieran enormemente. Las formas de Hércules, que se encuentran principalmente en las paredes exteriores de las grutas, siempre están sujetas a cambios de luz y sombra, por lo que el bajo relieve no es tan adecuado como la decoración en alto relieve, que es casi una escultura redonda.

En Europa, el poderoso Imperio Romano se hizo eco de las dinastías Qin y Han de China. Los romanos confiaron en su genio político y militar para crear un enorme imperio. Como herederos y diseminadores de la civilización griega, fueron prácticos, tomaron lo mejor de la civilización griega y luego lo utilizaron como quisieron. El arte en relieve de los romanos continuó las leyes clásicas de Oriente y Grecia. Construyeron arcos y monumentos triunfales para celebrar la victoria y cantaron canciones triunfales, y los cubrieron con frisos en relieve. Para los romanos, obras maestras de escultura en relieve con las características más romanas, como el "Altar de la Paz" de Augusto y la "Columna de Trajano", sin duda satisfacían plenamente su afición y entusiasmo por contar la historia del imperio. La "Columna de Trajano" fue construida para conmemorar los logros del emperador Trajano. La columna tiene 27 metros de altura y está rodeada por un friso en relieve de 1 metro de ancho. Narra completamente la historia de la batalla de los dacios. Los escultores utilizaron siglos de habilidades y logros del arte griego en estas obras que narraban hazañas militares, pero los romanos enfatizaron narrativas claras y una representación precisa de todos los detalles para recordar sus méritos. Hubo un cierto cambio en la naturaleza del arte y su objetivo principal ya no era la expresión de armonía, gracia y dramatismo. El "Altar de la Paz", tan famoso como la Columna Conmemorativa, presenta un ligero avance en la técnica del relieve. Los artistas romanos eran más avanzados que los artistas clásicos griegos en el manejo del espacio y la profundidad. Por ejemplo, en los relieves de los altares, manejaron la suavidad del fondo plano de los personajes y fueron técnicamente mejores, casi haciendo que los personajes detrás desaparecieran en el fondo. elevando aún más el nivel de relieve de las figuras de delante.

Plegamiento del siglo IV d.C. al siglo XIV

El predominio del cristianismo desde el siglo IV d.C. al siglo XIV dio al arte medieval europeo un fuerte color religioso. En Francia, las esculturas góticas, utilizadas principalmente para decoración arquitectónica, han alcanzado logros bastante altos. Con la transformación de los conceptos religiosos de "sagrados" a "humanizados", las esculturas arquitectónicas también se desarrollaron desde el bajo relieve hasta el alto relieve, y gradualmente se independizaron de la pared, promoviendo la formación de nuevos estilos escultóricos. Este estilo se destaca en los relieves de la entrada principal de la escuela normal de Chartres en Francia. Las proporciones de los retratos se adaptan a los requisitos de la forma de la columna del edificio, y el cuerpo es extremadamente alargado, formando un estilo esbelto y delicado. Los relieves de figuras envueltas alrededor de la columna, con la cabeza asomando fuera de la columna, son redondos y reales. Ya no son bajorrelieves, sino altorrelieves casi independientes de los capiteles. Este intento de deshacerse de las limitaciones del marco arquitectónico permitió a la escultura francesa avanzar durante los siguientes doscientos o trescientos años hacia el espacio real y la vida real.

La misma situación ocurrió en las dinastías Sui y Tang en China, cuando prevalecía el budismo. La construcción y disposición de las estatuas de las grutas brindaron una importante oportunidad para el desarrollo del arte en relieve, haciendo de este período el más importante para la cultura. Arte en relieve después de las dinastías Shang, Zhou, Qin y Han. Un período de prosperidad sin precedentes. Su mayor avance es cambiar la antigua forma de tallado de líneas planas y poco profundas a un relieve tridimensional y completo.

Plegado medieval

El arte en relieve del África tropical en la Edad Media se puede comparar con el arte en relieve del mismo período en otros países del mundo. A menudo adoptan la forma de puertas y ventanas talladas, bajorrelieves y placas de cobre. Mantienen cierta independencia de la vida religiosa y no son producto ni comentario de la idea de culto. Aunque no tienen características arquitectónicas, mantienen cierta relación con la arquitectura o con palacios y templos. En la obra "Panel", una figura femenina en el centro está tallada en forma de escultura casi redonda, y las características sexuales se enfatizan de manera prominente. Los patrones geométricos grabados en el panel posterior pueden representar los siguientes significados simbólicos: triángulos que representan la Trinidad; de Dios, la forma prismática representa características femeninas. Aquí, aunque el significado es concreto, su forma simbólica es abstracta. La placa de bronce de Benin "General y soldados" sigue estrictamente el principio de simetría en su composición, y su variación radica en la diferencia en los patrones decorativos. La parte principal de la escultura adopta una técnica cercana al alto relieve, que resalta la figura central a destacar.

La decoración detallada del panel decorativo se trata con una combinación de puntos, líneas y superficies, dando pleno juego a la exquisitez de la fundición de bronce, y su exquisitez es impresionante.

Plegamiento de la era del Renacimiento

En la era del Renacimiento, bajo la guía del nuevo espíritu de la época: el pensamiento humanista, un nuevo estilo artístico que era diferente del arte expresivo del Medio Oriente. Nacieron las edades. Cuando eran estudiantes, los artistas comenzaron a reflejar la vida y la vida social en sus obras, esforzándose por combinar ciencia y arte. Los escultores entendieron el mundo con la sabiduría del neoconfucianismo. Sobre la base de afirmar las esculturas realistas de Grecia y Roma, prestaron atención a la investigación artística científica como la perspectiva y la anatomía, que promovieron el desarrollo y la prosperidad del arte en relieve. La puerta de bronce del Baptisterio de Florencia "Puertas del Cielo", creada por Ghiberti, utiliza el principio científico de la perspectiva para combinar hábilmente la perspectiva de la pintura con el principal efecto espacial de la escultura. Los edificios del fondo están casi inspirados en la única obra del pintor. Se compone de punto de vista perspectiva. Las figuras de la parte inferior del relieve están en alto relieve, y algunas de las cabezas de las figuras incluso están tratadas como esculturas redondas. Esta forma de expresión, que transita del alto relieve al bajo relieve, es utilizada por el artista de forma natural, adecuada y agradable. Durante este período, el descubrimiento de las técnicas de perspectiva lineal en relieve llevó las técnicas realistas en relieve occidentales a una nueva etapa de desarrollo. En el relieve "El banquete del rey Herodes", Donatello hizo un sorprendente experimento en su fondo, utilizando el método de pintura de perspectiva lineal, es decir, en el plano del espacio bidimensional, que utilizó para crear la ilusión de profundidad espacial. Reemplaza el efecto decorativo plano que se encuentra en las pinturas o relieves medievales. Este método de procesamiento de fondo se convirtió en una característica importante del arte occidental durante el Renacimiento.

El representante más destacado de la escultura en relieve en Francia en el siglo XVI fue Jean Goujon. Su relieve "Fuente de la Inocencia" está profundamente influenciado por el humanismo italiano y tiene tanto encanto clásico como un toque humano. Las imágenes juveniles y enérgicas de la obra son un impacto en el ascetismo medieval y un elogio del hombre y la naturaleza.

Los artistas que fueron bautizados por el movimiento renacentista tuvieron que intentar superar los grandes logros creados por sus predecesores a través de la innovación formal. A mediados del siglo XVIII, la expansión de la revolución industrial europea y el desarrollo de la economía del capital contribuyeron a una mayor prosperidad de la civilización urbana occidental y promovieron el desarrollo continuo del arte en relieve en arquitectura, jardines, plazas, calles, etc.

"Partida en 1792" es una escultura en alto relieve creada por el escultor Lud para el Arco de Triunfo en la Place de l'Etoile de París. Comparado con los otros tres relieves temáticos del Arco de Triunfo, parece más solemne y majestuoso. El escultor utilizó hábilmente las técnicas de procesamiento de asociación y anáfora. A través del movimiento de la Estatua de la Libertad y el hombre con patillas que da un paso adelante y se acerca para llamar, la gente puede sentir naturalmente el flujo de personas que los siguen debido al uso; de anáfora La técnica de dividir la multitud en niveles superior e inferior hace que la gente sienta que su movimiento hacia adelante es rápido, poderoso y real, e incluso crea la sensación de que las figuras de las estatuas parecen estar saliendo de la pared. "Departure" es una obra modelo de la escultura romántica francesa durante este período. Las obras que utilizan técnicas similares incluyen "Dance" del alumno de Lüde, Carbo. Una de las mismas características que muestran es que no solo son buenos para procesar el ritmo dinámico y los altibajos. Las partes bajas de la escultura encajan bien en la pared arquitectónica general. Todo ello rompe con el formato estable y rígido del relieve clásico, haciendo que el relieve tenga una vitalidad y una vitalidad infinitas en un espacio limitado.

Plegable desde finales del siglo XIX

Desde finales del siglo XIX, todo el mundo occidental ha experimentado profundos cambios debido a la influencia de la civilización industrial. Han surgido pensamientos y los valores y conceptos estéticos tradicionales se han visto afectados. Ante la situación cambiante, los relieves con diversos temas se han independizado de los cuerpos principales que decoran, y sus estilos y formas se han diversificado cada vez más.

El escultor francés Rodin, con su destacada conciencia y práctica innovadoras, puso en marcha el motor del cambio en la escultura, convirtiéndolo en un hito en la transformación del arte escultórico occidental del clásico al moderno. La obra maestra del genio de Rodin en el campo de la escultura en relieve es "Las puertas del infierno", a la que dedicó toda su vida. Casi inconscientemente refleja en sus obras su propia experiencia y sus conocimientos sobre los personajes y la sociedad, haciéndolos profundamente humanos y extremadamente encantadores. La "Puerta del Infierno" se diferencia de los relieves decorativos arquitectónicos anteriores.

En el pasado, relieves similares se componían en su mayoría de acuerdo con la trama, y ​​el diseño segmentado parecía ordenado y en línea con la lógica del desarrollo de la trama. Aunque esta obra sólo muestra un tema, su composición es irregular. Ciertamente contiene una concepción y un diseño cuidadosos, pero cuando se ve en su conjunto, todo parece abrumador, y cada hueco en la puerta está tallado con personas que han sido enviadas al infierno. Debido a las esculturas onduladas en alto y bajo relieve en el plano, se forman sombras complejas e impredecibles. Toda la puerta parece lúgubre, llena de movimiento y parece resonar con el ruido del infierno. Cuando la obra se erigió por primera vez como sustituto independiente del yeso en la Place de la Périque de París, fue atacada por estudiantes de la Academia de Bellas Artes de París e incluso fue destrozada en cientos de pedazos. Hoy en día, cuando la gente aprecia sinceramente las obras de Rodin, es difícil imaginar la fría recepción y las críticas que recibió el autor en aquel entonces. Pero la historia finalmente eligió a Rodin, lo cual es realmente irónico.

En el campo de la escultura en relieve, el alumno de Rodin, Boudel, mostró una exploración y práctica de formas más desafiante que el Sr. Absorbió las características decorativas de las esculturas egipcias, indias y especialmente góticas medievales, enfatizó la búsqueda de la sensación arquitectónica en los relieves y prestó atención a la aplicación de elementos arquitectónicos en los relieves. Sus obras en relieve siempre utilizan un procesamiento geométrico plano del fondo, y las técnicas y el estilo de modelado conciso, general y recto forman la singularidad del lenguaje escultórico de Budel.

Plegable del Siglo XX

La escultura en relieve ha experimentado un desarrollo sin precedentes a lo largo de los 100 años del siglo XX. A medida que las esculturas redondas se vuelven cada vez más independientes y desarrollan cambios revolucionarios, los relieves también comienzan a mostrar su encanto artístico único de manera independiente, transmitiendo una connotación espiritual más independiente. Al igual que las pinturas y las esculturas redondas, el arte en relieve de este período estuvo influenciado por muchas escuelas y estilos, como el simbolismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el surrealismo, el dadaísmo, el arte pop, etc., todos ellos expresados ​​en el campo del relieve. En general, el arte en relieve ha mostrado dos tendencias principales en los últimos cien años. Un tipo continúa la ruta de Rodin, que generalmente pertenece a la categoría del realismo. Entre ellos trabajaba un grupo de escultores eficaces y muy influyentes, como Boudel, Maillol, Koehler Huizhi, Meunier, Giacomo Mann, Augustin Kitchen y más tarde George Jeanclos, etc. En diferentes períodos históricos y ambientes sociales, siempre se adhieren al volumen tradicional y la forma concreta de la escultura. Al mismo tiempo, también exploran estilos y formas modernas con características propias basadas en sus propios sentimientos y las nuevas ideas a las que están expuestos. . Un tipo adopta un enfoque diferente y va en la dirección opuesta. Se trata de un equipo enorme que reúne muchas escuelas o hilos, desde el modernismo hasta el posmodernismo, exploran diversas formas que tienden a diversificarse y extremarse, y avanzan por el camino de la antitradición. Un grupo de escultores como Gauguin, Matisse y Arp introdujeron experimentos pictóricos innovadores en el campo de la escultura a principios del siglo XX, dando el primer paso en la expansión espacial de las esculturas en relieve modernas que rompieron con el concepto tradicional de volumen.

Mirando retrospectivamente la evolución del arte en relieve mundial, se puede decir que el arte en relieve se desarrolla constantemente a través de la herencia, la referencia y la transformación. Artistas de todas las regiones civilizadas, todas las nacionalidades y todos los períodos históricos han hecho contribuciones memorables a la construcción y exploración del arte en relieve. No hay duda de que todos los logros históricos y las experiencias prácticas de toda la humanidad han contribuido al futuro del arte en relieve. Se han sentado las bases para el avance.

Con continuos avances espaciales, el movimiento de la escultura moderna entró en una era de pluralismo a menudo llamada posmodernismo en la década de 1980. Durante este período, era difícil discernir la relación entre varios estilos como antes. Las normas artísticas, ya sean tradicionales o innovadoras, que permitieron a las personas emitir juicios precisos ya no existen ni se crean. De hecho, la diversidad misma se ha convertido invisiblemente en una “norma” antinormativa: cualquier cosa, sin importar cuán extrema sea o carezca de reconocimiento, es arte siempre que alguien la reconozca como “arte”. En este caso, al arte le queda sólo la palabra “arte”, sin ninguna connotación sustantiva suficiente para definirlo. El relieve integral conceptual también se ha encontrado en una situación en la que es difícil estandarizar y definir, y en la tendencia diversificada del posmodernismo, avanza gradualmente hacia la disolución completa del relieve mismo e incluso del arte mismo.