Conocimientos básicos de fotografía.

La profundidad de campo significa que cuando un objeto está enfocado, todo el paisaje desde una cierta distancia delante del objeto hasta una cierta distancia detrás de él también sea ​​bastante claro. La distancia de adelante hacia atrás donde el enfoque es bastante claro se llama profundidad de campo.

La profundidad de campo cambia con la distancia focal, el valor de apertura y la distancia de disparo del objetivo. Para una distancia focal y una distancia de disparo fijas, cuanto menor sea la apertura utilizada, mayor será la profundidad de campo.

1 Apertura de la lente:

Cuanto mayor sea la apertura, menor será la profundidad de campo; cuanto menor sea la apertura, mayor será la profundidad de campo

2; Distancia focal de la lente

Cuanto mayor sea la distancia focal de la lente, menor será la profundidad de campo, cuanto más corta sea la distancia focal, mayor será la profundidad de campo.

3 Distancia de disparo<; /p>

Cuanto mayor sea la distancia, mayor será la profundidad de campo; cuanto más cercana sea la distancia, menor será la profundidad de campo.

La fotografía se refiere al proceso de grabar imágenes utilizando ciertos equipos especializados. Generalmente, utilizamos cámaras mecánicas o cámaras digitales para fotografía. A veces también se llama fotografía a la fotografía, que es el proceso de exponer un medio fotosensible a la luz reflejada por un objeto.

La palabra fotografía en inglés se deriva de las palabras griegas φω?phos (luz) y γραφι?graphis (pintura, dibujo) o γραφη graphê. Las dos palabras juntas significan "dibujar con luz". Se refiere al proceso de utilizar ciertos equipos especializados para grabar imágenes. Generalmente utilizamos cámaras mecánicas o cámaras digitales para fotografía. A veces también se llama fotografía a la fotografía, que es el proceso de exponer un medio fotosensible a la luz reflejada por un objeto. Alguien dijo una vez un dicho conciso: La capacidad del fotógrafo es transformar las cosas pasajeras y ordinarias de la vida diaria en imágenes visuales inmortales.

La fotografía, generalmente denominada fotografía, es el uso de una cámara, la imagen se refleja en el negativo, y el negativo se revela en una sola foto, y cada foto se almacena permanentemente. Sin embargo, la imagen de la foto está inmóvil y silenciosa. Sólo sirve para que la gente aprecie los personajes y la concepción artística, y luego comprenda su significado.

La fotografía más antigua que aún se conserva en el mundo data de 1827 y fue tomada por el francés Joseph Niep.

Proceso de exposición

Al tomar fotografías, la luz ingresa al casete a través de un pequeño orificio (más a menudo un grupo de lentes), en el medio en la parte posterior del casete (en relación con la dirección de incidencia de luz) imágenes. Dependiendo de la intensidad luminosa real y de la fotosensibilidad del medio, el tiempo de iluminación necesario también varía. Durante el proceso de iluminación, el medio se expone a la luz.

Postproducción

Una vez completada la fotografía, la información de la imagen almacenada en el medio debe ser convertida y leída nuevamente por el ojo humano. El método específico depende del medio fotosensible y de las características del medio. Para las cámaras de película, existen procesos químicos como fijación, revelado y amplificación. Para las cámaras digitales, se necesita un procesador para calcular los datos y luego enviarlos a través de dispositivos electrónicos.

Equipo utilizado

Por lo general, las personas utilizan luz visible para tomar fotografías, y la más utilizada es una cámara de fotos. Existen muchas clasificaciones de cámaras debido a diferentes escenarios y usos. En términos generales, una cámara debe tener varias partes básicas para garantizar el proceso de exposición, que incluyen: medio fotosensible, lente de imagen, mecanismo de control del tiempo de exposición, casete de película y medio de almacenamiento.

Fotografía Documental

La razón por la que nació la fotografía es con la finalidad de registrar. La poderosa vitalidad que ha demostrado desde su nacimiento reside precisamente en su función registradora. Esto no tiene comparación ni es reemplazado por otras tecnologías o artes. Por tanto, en un sentido amplio, la fotografía es documentación.

Fotografía Artística

Con el desarrollo de la fotografía, la gente continúa añadiendo elementos artísticos a la fotografía y comienza a producir fotografías artísticas. La diferencia entre ésta y la fotografía documental radica en el grado y nivel artístico, pero no existe un límite absoluto.

Por ejemplo: tomamos una fotografía como documento de identidad o como recuerdo. Generalmente, las fotografías tomadas en estudios fotográficos tienen como máximo algún valor informativo o récord. Sin embargo, el retrato que el Sr. Zheng Jingkang tomó del Sr. Qi Baishi, 50 años después, sigue siendo uno de los veinte mejores retratos del mundo. La diferencia radica enteramente en el nivel artístico.

Fotografía

La fotografía pictórica siempre ha sido una forma importante de expresión en la fotografía de retratos con su hermoso lenguaje pictórico y su hermosa connotación de diseño. Desde la invención de la fotografía hasta nuestros días, se puede decir que la fotografía pictórica ha ido atravesándola y ha marcado varios hitos en la historia del desarrollo de la fotografía. En la segunda mitad del siglo XIX, el fotógrafo británico Leland fotografió una obra que alguna vez se predijo que sería "la llegada de una nueva era de la fotografía": "Dos caminos en la vida en una época en la que la fotografía todavía era menospreciada". Esta obra fue muy elogiada por la reina Victoria por su horrendo tema y composición pictórica. Se puede decir que Lelanda contribuyó decisivamente a promover el reconocimiento de la fotografía como arte. Desde entonces, la fotografía pictórica se ha ido convirtiendo paulatinamente en un género importante del arte fotográfico.

Holografía

La holografía se refiere a una nueva tecnología fotográfica que registra toda la información, como la amplitud y la fase de la onda reflejada del objeto. La fotografía ordinaria registra la distribución de la intensidad de la luz en la superficie de un objeto. No puede registrar la información de fase de la luz reflejada por el objeto, perdiendo así el sentido tridimensional. La holografía utiliza láseres como fuente de iluminación y divide la luz emitida por la fuente de luz en dos haces, un haz se dirige a la película fotosensible y el otro haz es reflejado por el objeto y luego dirigido a la película fotosensible. Los dos haces de luz se superponen a la película fotosensible para causar interferencia. La sensibilidad de cada punto de la película fotosensible varía no sólo con la intensidad sino también con la relación de fase de los dos haces de luz. Por tanto, la holografía no sólo registra la intensidad de la reflexión sobre el objeto, sino que también registra la información de fase. Cuando el ojo humano mira directamente esta película fotosensible, sólo puede ver franjas de interferencia como huellas dactilares. Pero si se ilumina con un láser, el ojo humano puede ver exactamente la misma imagen tridimensional del objeto fotografiado original. Incluso si sólo queda una pequeña parte de una imagen holográfica, aún se puede reproducir la escena completa. La holografía se puede utilizar en la industria para pruebas no destructivas, holografía ultrasónica, microscopios holográficos, memoria holográfica, películas y televisión holográficas, y muchos otros aspectos.

1. Fotografía Pictorialismo

La fotografía pictorialismo es una escuela de arte practicada en el ámbito de la fotografía a principios del siglo XX. Se originó en Inglaterra a mediados del siglo XIX.

Los fotógrafos de esta escuela persiguen en sus creaciones el efecto de la pintura o el ámbito de la “poesía y la pintura”. Ha pasado aproximadamente por tres etapas: la etapa de imitar la pintura; la etapa de defender la música elegante y la etapa de la pintura;

Los fotógrafos pictorialistas propusieron que "debería haber un Rafael de la fotografía y un Tiziano de la fotografía".

La fotografía pictorialista ha pasado por un largo período de desarrollo, y el primer El maestro de La fotografía pictórica es el pintor británico Hillard (1802-1870). Es bueno en la fotografía de retratos y sus obras tienen estructuras rigurosas y formas elegantes. De 1851 a 1853, fue el período de crecimiento del pictorialismo fotográfico. En 1869, el fotógrafo británico HP Robinson (1830-1901) publicó el libro The Picture Effect of Photography. Propuso: "Un fotógrafo debe tener ricas emociones y un profundo conocimiento artístico para convertirse en un excelente fotógrafo. No hay duda de que. la mejora continua y la invención de la fotografía han revelado objetivos más elevados, que son suficientes para permitir a los fotógrafos ser más libres, pero la mejora técnica no es igual al progreso artístico, porque la fotografía en sí, por exquisita y completa que sea, es sólo un tipo de fotografía; . Simplemente conduce a una meta más elevada." Esto sentó las bases teóricas de esta escuela.

En 1857, OG Leland (1813-1875) creó una obra de estilo renacentista compuesta por más de 30 negativos: Dos estilos de vida, que simbolizan la madurez del pictorialismo en el arte de la fotografía.

Los temas de las obras de este período son mayoritariamente religiosos y contienen cierto grado de metáfora. Al filmar, hacemos un boceto del tráiler, luego usamos modelos y accesorios para organizar y arreglar la escena, y la procesamos en el cuarto oscuro. Persiga el efecto pictórico de la pantalla fotográfica.

Más tarde, el contenido de la fotografía pictórica se amplió, pero el estilo todavía defendía el clasicismo, y la forma y la composición seguían las reglas de la academia, por lo que parecía conservadora, tranquila y elegante.

Cuando el género evoluciona hacia la etapa de la pintura, la búsqueda de la emoción, la concepción artística y la belleza formal de la obra sigue siendo su característica.

Porque los fotógrafos pictóricos enfatizan los logros artísticos: "Si quieres que la fotografía tenga un estatus en el arte, los fotógrafos primero deben cultivar las habilidades estéticas y los logros artísticos. Por lo tanto, sus logros históricos guiaron la fotografía desde la mecánica inicial". imitación de objetos al campo de las artes plásticas, e impulsó el desarrollo del arte fotográfico.

Dado que la mayoría de las creaciones pictorialistas están divorciadas de la vida real, y con la mejora continua de los equipos fotográficos, el desarrollo continuo del gusto estético temprano de las personas se ha visto impactado por el "naturalismo". A pesar de ello, todavía hoy tiene un lugar en las salas del arte fotográfico.

Los principales fotógrafos y obras de este género incluyen: The Baron's Banquet, Robinson Crusoe, and the Pagoda Scene de Plessy (?-1896, When the Day's Work is Done, Autumn, Two Little Girls de Robin Lin); , The Dying, Juliet with the Poison Bottle, Dawn and Sunset; Leland the Baptist's Covenant, Ifigenia, Eudith y Holofernes Lady Cameron (1815-1897) Thomas Carlyle y Nida (1820-1910) The Dying Man, entre otros.

2. Fotografía Impresionista

En 1899 se celebró en Reino Unido la primera exposición de pintura impresionista francesa. Bajo su influencia, el fotógrafo pictórico Robinson propuso el estándar estético de que "la fotografía con teclas programables es más hermosa que la fotografía nítida" y abogó por la fotografía con "teclas programables". Este género es el reflejo del Impresionismo en la pintura en el campo del arte fotográfico.

Al principio, utilizaron lentes de enfoque suave para fotografiar, revelar e imprimir en papel texturizado, persiguiendo un efecto de expresión artística nebuloso. Con la aparición del "método de lavado en fase de bromuro de plata" y el método de mezclar pegamento de ácido dicrómico en pigmentos para lavar papel fotográfico, las obras impresionistas se desarrollaron desde el control de las imágenes con lentes hasta el procesamiento en el cuarto oscuro. Propusieron "hacer que la obra no se pareciera en nada a una fotografía" y creían que "si no hubiera pinturas, no habría fotografía real".

Bajo la guía de esta teoría, los fotógrafos impresionistas también utilizaron pinceles, Se procesan lápices y borradores en la pantalla fotográfica, cambiando deliberadamente sus cambios originales de luz y oscuridad, buscando un efecto de "pintura". Por ejemplo, "El hombre barriendo el parque" creado por La Croix en 1900 es como un dibujo al carboncillo. lienzo. Los fotógrafos impresionistas perdieron por completo las características del arte fotográfico en sus obras, por eso algunos lo llaman la "escuela de imitación". Se puede decir que es una rama de la fotografía pictorialista.

Las características artísticas de este género son los tonos lúgubres, los patrones de sombras ásperos, la riqueza en decoración, pero la falta de sensación de espacio. Entre sus fotógrafos famosos se encuentran Dumash (?-1937), Puyo (1857-1933), Qiu En (1866-1944), Wasek (1848-1903) y los hermanos Hofmeister (1868-1943), Durkov (); 1848-1918), Evert (1874-1948), Mizunnet (1870-1943), Sinton (1863-1908), Chili (1861-1947), etc.

3. Fotografía Realista

La fotografía realista es un género fotográfico con una larga trayectoria que continúa hasta nuestros días y sigue siendo el género básico y principal en el arte de la fotografía. Es un reflejo del método creativo realista en el campo del arte fotográfico.

Los fotógrafos de este género respetan en sus creaciones el carácter documental de la fotografía. En su opinión, la fotografía debe ser tan fiel como "igual a la naturaleza misma". Cada detalle de la imagen debe ser "idéntico a". naturaleza". La "precisión matemática" permite que la obra ejerza un atractivo y una capacidad de persuasión que otros medios artísticos no pueden. A. Stiglitz dijo una vez: "Nuestra misión sólo es explorar la fidelidad". Por otro lado, se oponían a reflejar el objeto de manera indiferente y puramente objetiva como un espejo, y defendían que la creación debería ser selectiva y tener cuidado con todo lo reflejado. Debe tener el propio criterio estético del artista. Lewis Hine, el famoso maestro de la fotografía realista, dijo una vez: "Quiero exponer aquellas cosas que deberían corregirse; al mismo tiempo, quiero reflejar aquellas cosas que deberían ser elogiadas. Esto demuestra que defienden la opinión de que". el arte debe "reflejar la vida". Se atreven a afrontar la realidad y la mayoría de sus temas creativos están tomados de la vida social. El estilo artístico es simple y sin pretensiones, pero tiene un fuerte poder de testimonio y recordatorio.

La primera afición de la fotografía realista son los documentales con colodión realizados por el fotógrafo británico Philippe de la Motte en 1853. Más tarde, fueron las fotografías de guerra de Ross Fenton y las Maravillas de Yellowstone de William Jackson a finales de los sesenta. Después de 1870, la fotografía realista maduró gradualmente y comenzó a centrar su atención en la sociedad y la vida. Por ejemplo, el fotógrafo Dr. Barnardo en ese momento sorprendió a la gente al fotografiar la trágica situación de los niños de la calle.

Debido al enorme papel cognitivo y al extraordinario atractivo de la afición por la fotografía realista, poco a poco ha ido ocupando su propia posición en el campo del periodismo. Las obras del fotógrafo estadounidense Jacob Rees sobre la vida en los barrios marginales de Nueva York en la década de 1990 son las obras fundamentales en este ámbito.

Posteriormente, surgieron en gran número fotógrafos realistas, y sus obras son famosas por su fuerte realismo y profundidad en la historia de la fotografía. Por ejemplo, "The Coal Pickers" de Brandt en el Reino Unido; "The French Woman Parade with Shaved Head" de R. Capa en Estados Unidos; "Girls" de Weiss en Francia, y así sucesivamente.

4. Fotografía naturalista

En 1899, el fotógrafo Peter Henry Emerson publicó un artículo titulado "Fotografía naturalista" en vista de las debilidades del pictorialismo. El periódico criticaba la fotografía pictórica como fotografía fragmentada. y abogó por que los fotógrafos regresaran a la naturaleza para encontrar inspiración creativa. Él cree que la naturaleza es el principio y el fin del arte, y sólo el arte que está más cerca de la naturaleza y se parece a la naturaleza es el arte más elevado. Dijo que ningún arte refleja la naturaleza de manera más precisa, meticulosa y fiel que la fotografía. "Desde el punto de vista emocional y psicológico, el efecto de la afición a la fotografía reside en la escena sin modificar con lentes fotosensibles, lo dijo con más precisión otro maestro de la escuela, A.L. Paqiu". claramente: "El arte debe dejarse en manos de los artistas. En lo que respecta a la fotografía, no tenemos nada que depender del arte y deberíamos dedicarnos a la creación independiente".

Se puede ver que esta propuesta artística es una reacción contra el pictorialismo. Alienta a la gente a liberar la fotografía de las cadenas del academicismo y promueve el pleno uso de las características propias de la fotografía.

Los temas creativos de este género son principalmente paisajes naturales y vida social.

Porque la fotografía naturalista se contenta con describir la realidad superficial de la realidad y la realidad "absoluta" de los detalles, ignora la exploración de la esencia de la realidad y el refinamiento de los objetos superficiales. No se presta atención a la tipificación de la creación artística y a la tipicidad de las imágenes artísticas, por tanto, se trata esencialmente de una vulgarización del realismo. A veces esto conduce a una distorsión de la realidad.

Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Dewison (1856-1930), Wilchinson (1857-1921), Gurr (?-1906), Tie Ye (1856-?), Savoy Turcliffe (1859-1940) y otros.

5. Fotografía purista

La fotografía purista es una escuela de arte fotográfico que maduró a principios del siglo XX. Su fundador es el fotógrafo estadounidense Stieglitz (1864-1946). Abogan por que el arte de la fotografía debe aprovechar plenamente las características y el rendimiento de la fotografía, liberarla de la influencia de la pintura y utilizar tecnología fotográfica pura para lograr los efectos estéticos únicos de la fotografía: alta claridad, ricos niveles tonales, sutileza. cambios en luces y sombras, tonos puros en blanco y negro, expresión de textura detallada y representación precisa de la imagen. En definitiva, los fotógrafos de esta escuela persiguen deliberadamente la llamada "calidad fotográfica": expresar de forma precisa, directa, delicada y natural la luz, el color, la línea, la forma, la textura y la calidad del sujeto sin recurrir a ningún otro medio plástico. .

El Overlooking New York expuesto por Cobain en 1913 es una obra maestra entre los puristas. El fotógrafo contempla una plaza de Nueva York desde un lugar elevado. Aunque no hay ningún procesamiento ni modificación, la composición novedosa y la forma única son refrescantes. Otro ejemplo es el sincero E. Sandberg, que utilizó la técnica de múltiples exposiciones. espacio y tiempo en una sola obra, y plasma con delicadeza la transformación emocional del poeta, la combinación de tonos y los cambios de composición en un solo cuadro, con un fuerte sentido del ritmo.

Desde cierta perspectiva, algunas de las ideas y creaciones de los puristas eran "híbridos" de formalismo y naturalismo, que luego evolucionaron hacia el "nuevo materialismo". Sin embargo, este género ha impulsado en cierta medida la exploración e investigación de las personas sobre las características y técnicas de expresión de la fotografía.

Los fotógrafos famosos de este género son Strand (1890-?) y fotógrafos jóvenes de la organización fotográfica Group f 6.2, como Addans, Genlinghan, etc.

Las obras posteriores de los puristas se desarrollaron hacia los aspectos abstractos de líneas, patrones e imágenes distorsionadas. Sus fotógrafos influyentes son Yabo, Stinner, Stetvin y Evans.

6. Fotografía del Nuevo Objetismo

La Fotografía del Nuevo Objetismo también se conoce como “Fotografía de Dominación” y “Fotografía del Nuevo Realismo”. Es un género artístico de fotografía que surgió en la década de 1920.

La característica artística de este género es buscar la "belleza" en las cosas comunes. Utilice primeros planos, primeros planos y otras técnicas para "separar" el sujeto del todo, resaltar un determinado detalle del objeto y representar la estructura de su superficie de forma precisa y fiel, logrando así un efecto visual deslumbrante. No considera que la esencia del arte resida en la naturaleza del objeto que suscita, por lo que sus pensamientos estéticos pertenecen a la categoría del naturalismo. Por ejemplo, el fotógrafo Pa Qiu tomó un primer plano del eje giratorio de la locomotora en 1923, mostrando el estado del eje giratorio de la locomotora mientras estaba en marcha. Dado que la imagen omitía otros detalles, dio al público una fuerte impresión visual.

El pionero teórico del Nuevo Objetismo es Strand, quien definió las características artísticas del Objetismo de la siguiente manera: “El Nuevo Objetismo es la esencia de la fotografía, y es también el producto y el límite de la fotografía”. que la fotografía "es extremadamente expresiva de la vida y requiere ojos para observar las cosas correctas. Para ello, no se basa en procesos y métodos superficiales, sino que se debe utilizar la fotografía pura". Los pioneros de la fotografía fueron Atget y Steichen. El fundador real es Paqiu mencionado anteriormente.

Paqiu se opuso a la dependencia de la fotografía de la pintura. Enfatizó que el arte fotográfico debe basarse en las características propias de la fotografía. Creía que el valor estético de la fotografía se oculta en sus propias características sólo dando pleno juego a las características propias de la fotografía. ¿Se puede crear belleza? Dijo: "Los pintores deben pintar cuadros a voluntad. Sólo basándose en características inherentes se puede crear una fotografía que pueda sostenerse por sí sola. Nada se toma prestado de la pintura".

La contribución de los fotógrafos del Nuevo Objetismo es impulsar a las personas a investigar y explorar las características de la fotografía en sí, y devolver la fotografía del mundo de fantasía estética a la vida real. Sin embargo, debido al énfasis excesivo en la descripción de estructuras detalladas de la superficie del material, proporcionó el terreno para la germinación de fotografías abstractas posteriores.

Hacia 1925, debido a la aparición de las pequeñas cámaras de gran diámetro, se produjo un nuevo desarrollo en el campo de expresión del Nuevo Materialismo, que produjo numerosos retratos y fotografías que reflejaban la vida social y los paisajes naturales.

Fotógrafos famosos del Nuevo Objetismo incluyen a Sander (1876-1964), Leski (1871-1956), Heige (1893-1955), Hirsch (1881-1948) Hugh Liman Hoppe (1878-?), Evert (1874-1948), Weston Adams (?-1902), etc.

7. Fotografía Surrealista

La fotografía surrealista es un género que surgió en el campo del arte fotográfico durante el declive del dadaísmo y surgió en la década de 1930.

Este género tiene un programa artístico y una teoría relativamente rigurosos. Creen que utilizar métodos creativos realistas para expresar el mundo real es una tarea que los artistas clásicos ya han completado, mientras que la misión de los artistas modernos es explorar la parte nueva e inexplorada del "mundo espiritual" de los seres humanos. Por lo tanto, las actividades subconscientes humanas, la inspiración accidental, las anomalías psicológicas y los sueños se han convertido en objetos expresados ​​deliberadamente por los artistas de la fotografía surrealista.

Los surrealistas en fotografía, al igual que los fotógrafos dadaístas, utilizaron tijeras, pasta y técnicas de cuarto oscuro como principales métodos de modelado para apilar, ensamblar y reorganizar escenas en sus obras, combinando expresiones detalladas específicas con exageración arbitraria. , deformación, omisión y técnicas simbólicas para crear un "reino artístico" surrealista entre la realidad y la fantasía, lo concreto y lo abstracto. Entonces el efecto es extraño, absurdo y misterioso.

Los fundadores de este género son el fotógrafo británico John Stone y el fotógrafo estadounidense Bleu Quail (1880-1945).

La persona real que lo logró fue el fotógrafo escénico británico Marco Bin (1905-?). En su creación, combinó la virtualidad de la "superrealidad" con la realidad real, creando una especie de ilusión que es a la vez ilusoria y real. reino. Por ejemplo, el "Autorretrato de Marcopin" que creó en 1946 es una obra surrealista típica. Fue filmada utilizando cuatro técnicas de exposición: una frontal, dos laterales y una lateral.

Fotógrafos famosos de este género incluyen al pintor Parhan, que participó en colecciones de fotografías surrealistas; el fotógrafo de cuerpos deformes Brandt; el fotógrafo de retratos y publicidad Carson, así como Blumenthal y Lowe. Alabama.

8. Fotografía abstracta

La fotografía abstracta es un género de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial.

Los fotógrafos de esta escuela niegan la característica básica del arte plástico de que refleja la vida y expresa los sentimientos estéticos del artista a través de imágenes artísticas escrutables, y declaran que quieren "liberar la fotografía de la fotografía".

En los primeros días, se utilizaba el método de ampliación sin fondo para omitir la textura detallada y los tonos ricos del "tema" y crear una "pintura de luz" que sólo expresaba su forma. Más tarde, se desarrolló para usar luz, editar luces, exponer a mitad de camino o agitar la cámara durante el disparo para desenfocar la imagen del sujeto en la película, o exponerlo varias veces para convertirlo en fantasma, hasta que se cambia la estructura de la superficie de la imagen. Se intenta utilizar la forma original y la estructura espacial del objeto fotografiado utilizando el llamado "lenguaje absolutamente abstracto" de forma, tono (color) y material para transformar el objeto fotografiado en líneas, manchas y combinaciones irreconocibles. Expresar lo que los artistas de esta escuela consideran el llamado mundo subconsciente más real y más esencial del ser humano. En la obra, el artista simplemente toma prestados los objetos fotografiados para producir notas que expresan su propia imaginación y personalidad a su gusto.

El creador de la fotografía abstracta es Talbot (1800-1877). Al principio, la imagen de la obra aún mantiene cierto grado de legibilidad. En 1917, el "Burdeos ilustrado" fotografiado por el fotógrafo Cobain (1882-?) utilizando astillas de madera y fragmentos de vidrio transparente era completamente irreconocible. En 1922, el pintor abstracto húngaro Moholinaki (1895-?) lo desarrolló basándose en Manray (1890-?) y otros, y lo estableció teóricamente. Posteriormente, los pintores abstractos Kandinsky, Koehler y otros introdujeron la microfotografía en países europeos y americanos.

A los representantes de este género, además de los ya mencionados en el artículo, se encuentran Scott, Fenninger, Anzhenlanth, Freitai, Winchester, Greenbach, Xia De y Bruquier et al.

9. Fotografía Kandi

La fotografía Kandi es una importante escuela de fotografía que surgió después de la Primera Guerra Mundial y se opuso a la fotografía pictórica.

Los fotógrafos de esta escuela abogan por respetar las características de la fotografía, enfatizando la autenticidad y la naturaleza, abogando por no disponer ni interferir con los objetos al disparar, y abogando por capturar el estado de ánimo momentáneo del sujeto en su estado natural. Henri Cartier-Bresson, el famoso fotógrafo francés "Kandis", dijo una vez: "Para mí, la fotografía es capturar el significado de un evento en un momento y poder expresarlo con precisión. Se registra la forma organizativa precisa". Por tanto, las características artísticas de este género son objetivas, reales, naturales, amigables, casuales, sin tallar, vívidas y llenas de vida.

La situación de los fotógrafos de la escuela "Kandi" es relativamente complicada en cuanto a sus pensamientos estéticos y tendencias creativas, aunque todos defienden la expresión de la naturaleza humana y la mayoría se dedica a la fotografía de noticias. pero algunos son naturalistas y otros son realistas.

La obra catalizadora de este género fue "Invierno en la Quinta Calle, Nueva York" del fotógrafo Alfred Stig en 1893, y el verdadero completador fue el fotógrafo alemán Eric ·Dr. La "Reunión política en Roma", que fotografió con una pequeña cámara al final de una reunión nocturna entre los primeros ministros alemán y francés, se ha convertido en una obra clásica en la historia de la fotografía de este género por su viveza, autenticidad , sencillez y naturaleza.

En términos de estética fotográfica, creen que "las fotografías basadas en las características básicas de la fotografía no pueden ser imitadas por pintores o grabadores. Tiene su propio yo indivisible y su propia expresión especial, incluso características". que son imposibles de expresar por otros medios." En segundo lugar, para la realización de cosas objetivas, valoran y enfatizan la originalidad, diciendo: "(Los fotógrafos deben usar) sus propios ojos para ver el mundo, no para ver el mundo a través de los ojos de otras personas, y esto es lo que distingue si una foto es mediocre o brillante, el estándar de si es valioso o no."

Fotógrafos famosos de esta escuela incluyen a Thomas Dowell McAvoy de Estados Unidos; Celie Model del Reino Unido; Victor W. Halfman; como. así como Louis Dahl Wolf, Peter Stuck, Peter Bruwich y otros.

10. Fotografía "Dada"

El "Dada" es un pensamiento literario y artístico que surgió en Europa durante la Primera Guerra Mundial. "Dada" era originalmente un término incoherente para "pony" o "caballo de juguete" en el idioma infantil francés. Porque los artistas dadaístas niegan la racionalidad y la cultura tradicional en sus creaciones, declaran que el arte y la estética no tienen nada que ver entre sí, abogan por "abandonar la pintura y todas las exigencias estéticas" y abogan por la nada, haciendo de sus creaciones casi una broma, por eso la gente llama a esto género artístico grupo "Dada".

Bajo la influencia de esta corriente artística, la "Escuela Dadá" surgió también en el campo del arte fotográfico. El famoso fotógrafo Halsman una vez creó una pintura de la Mona Lisa, donde sus manos regordetas no solo se convertían en venas prominentes y pelos peludos, sino que también estaban llenas de billetes. Puede describirse como absurdo y anodino.

La mayoría de las creaciones de los artistas de la fotografía dadaísta utilizaban tecnología de cuarto oscuro para editar y procesar para crear algún tipo de escena ilusoria para expresar sus ideas. Por ejemplo, Leda y el cisne de LM Naki toma una hermosa historia mitológica griega y la convierte en una combinación oscura, extraña y esquiva de imágenes y líneas. En la imagen, la imagen visual ya no existe con significado propio, sino que es sólo un elemento constitutivo de una determinada idea. Otros utilizaron métodos de edición para hacer que las Cataratas del Niágara fluyeran hacia Nueva York, creando una desolada escena del fin del mundo.

Dado que las obras fotográficas de Dadá no respondían a los gustos y exigencias estéticas generales del pueblo, a partir de 1924 fueron gradualmente impactadas por la escuela de arte surrealista, que tenía una agenda y un programa artístico más claro y completo. Pero su influencia todavía se puede ver en el arte de la fotografía moderna que apareció más tarde.

Los fotógrafos dadaístas famosos incluyen a Philippe Halsman, Morgan, Ratslo Moholinaki y Listky.

11. Fotografía subjetivista

La fotografía subjetivista es una escuela de arte fotográfico que se formó después de la Segunda Guerra Mundial y que es más "abstracta" que la fotografía abstracta, por eso también se le llama la "post". -facción de guerra."

Es un reflejo de la tendencia filosófica existencial en el campo del arte fotográfico. Su fundador es el fotógrafo alemán Ot Steinert. Considera que "la fotografía es un campo amplio que originalmente tenía sus propias habilidades y un alto grado de iniciativa subjetiva. Pero ahora se ha convertido en una especie de realismo mecánico". Por lo tanto, propuso la propuesta artística de "subjetivización del arte fotográfico. Abogó firmemente por que el propósito final del arte fotográfico debería ser recordar al fotógrafo sus propios pensamientos confusos y expresar el inefable estado interior y las actividades subconscientes que es la fotografía subjetiva". Fotografía personificada y personalizada. Este es el programa artístico de este género. Los artistas de la fotografía subjetiva dan gran importancia a su individualidad creativa y desprecian todas las reglas artísticas y estándares estéticos existentes. Los teóricos de esta escuela afirmaron públicamente que "la fotografía subjetiva no es sólo un arte de imagen experimental, sino un arte creativo libre y sin restricciones". "Podemos utilizar medios técnicos para crear fotografías a voluntad".

Sus características son :

1. Hay dos tipos de imágenes: "concretas" y "abstractas". Independientemente de la forma, la expresión de la propia idea es su objetivo final. Todo lo que aparece en la imagen es sólo un "portador" para que el fotógrafo se exprese.

2 Aproveche al máximo las características de perspectiva de la lente para "despegar" el sujeto de la realidad y "moverlo" a la pantalla; es decir, utilice ciertas propiedades ópticas de la lente para colocar objetos objetivos. en perspectiva. Transfórmelo en un "cuerpo materializado" de ideas y luego combínelo en la imagen para crear su propio "mundo".

Y este mundo es a menudo absurdo, misterioso o desconcertante.

3 Utilice la fotografía de primeros planos para realzar y resaltar clara y fuertemente una determinada forma detallada del objeto.

4 Utilice técnicas de cuarto oscuro para simplificar los ricos tonos originales del sujeto y transformar la relación natural y ordinaria en una fuerte relación visual.

5 Utilice métodos de exposición (como exposiciones múltiples, flashes continuos) para separar al sujeto del concepto de tiempo e intercambiar activamente el concepto de tiempo y posición espacial.

Además de Ott y Steinert, entre sus fotógrafos famosos se encuentran Jay Schmoll, Shaw Van Okan, Len Payne, Moe Verkert, etc.

Material de referencia: Mundo de la Fotografía