Insertar material en el fondo del poema.
"El cuervo de pico blanco está llegando" fue creado por Savrasov en 1871, basándose en su experiencia en Momir, cerca de Kostroma. basado en dos bocetos del pueblo de Novo y se exhibirá por primera vez en San Petersburgo este otoño durante su primera exposición itinerante. Si algunas de las otras pinturas expuestas provocaron un debate tan acalorado entre los espectadores, sólo ésta recibió elogios unánimes. Satykov Shchedrin y Stasov lo elogiaron. En una carta a Vasiliev, Kramskoi dijo que en realidad se trataba de la mejor y más bella obra. Dijo que aunque hay paisajistas como Garbo Liu Baofu, Kraut y Shishkin que sólo pintan el campo, el aire y el agua, en "The White-billed Crow Is Coming" ellos "tienen alma y además sólo él tiene esa alma". Esta evaluación capta los puntos clave y se ajusta a la realidad. De lo contrario, ¿por qué la gente se queda delante de él desde el primer día y, cuando se resisten a marcharse, a menudo parecen entusiasmados y pensativos?
Efectivamente, hay algo en este cuadro que unifica dolor, alegría, sonrisas y reflejos, algo escondido que no se puede describir con palabras. El aliento de la primavera se siente no sólo con los ojos, sino con los cinco sentidos: aunque los campos todavía están cubiertos de nieve y el campo todavía está frío después de las primeras lluvias primaverales, ya se puede escuchar el tintineo del hielo y la nieve derritiéndose. El sonido de los cuervos que regresan a sus nidos y el susurro de los abedules meciéndose con el viento. Haciendo eco de estos sonidos naturales del comienzo de la primavera, las delgadas y desnudas ramas de los abedules están bañadas por la tenue luz del sol y el agua de nieve derretida forma un lago azul en el centro del ventisquero. Las granjas, las iglesias y las torres han adquirido un nuevo aspecto tras el sombrío invierno, y el vasto cielo está condensado con finas nubes y lleno de vapor de agua. El desierto profundo está humedecido por la nieve derretida y parece oscuro y fértil. Si miras con atención, verás que las ramas rosadas en el escaso bosque están brotando e hinchándose, y los ruidosos cuervos dan vueltas y corren, ocupados construyendo nidos... Sientes que la primavera se mueve y también toca tus sentimientos nativos. . Tal vez naciste en ese campo ruso común y corriente y tu casa está justo al otro lado de la cerca cubierta de musgo. Has estado enfrentando la luz de la mañana de principios de primavera desde que eras un niño.
Los colores del cuadro son brillantes, puros y armoniosos, y son básicamente el entrelazamiento y contraste de dos colores: gris-marrón oscuro para árboles y casas, blanco y azul para el agua y el cielo. Estos dos colores no sólo logran una unidad armoniosa, sino que sus cambios de movimiento en varios objetos concretos, como las manchas marrones en la nieve y el negro profundo de la casa de piedra reflejada en el agua, dan a la pintura una sensación de viveza y transparencia. y movimiento. Este tono armonioso no sólo es agradable a la vista, sino que también expresa la poesía contenida en la propia naturaleza, la autenticidad de su concepción artística y la cualidad psicológica del autor de saltar a la fantasía al sentir la naturaleza. Savrasov siempre ha prestado especial atención al uso de varios colores para expresar la luz y el aire. Una vez dijo: "La pintura de paisaje sin aire no puede ser una pintura de paisaje;... si no pintas aire, significa una pintura de paisaje terrible".
El pintor Xi Shijin (1832-1898) pintó fotografió mil árboles a lo largo de su vida y exploró los secretos del bosque. Es el cantante del bosque ruso. Sus obras fascinan por su delicadeza, profundidad y capacidad para descubrir y crear la tranquila concepción artística de la naturaleza. La mayoría de sus obras maestras representan pinos y robles rusos. Amaba el esplendor, lo salvaje, lo accidentado del bosque. Desde la deforestación de los años 60 hasta los pinares, los bosques profundos y los campos de trigo de los años 70, casi todos ellos representan pinos. Sus obras "On a Quiet Wilderness", "Three Oak Trees" y "Oak Forest" también describen las características firmes, estables y poderosas de los robles.
"Mañana en el Pinar" es una obra de gran difusión entre el pueblo. En la pintura, Xi Shijin describe felizmente la vitalidad de la naturaleza en el bosque. La niebla es espesa y el sol brilla desde las copas de los pinos hacia el denso bosque. El público parece haber entrado en un bosque fresco y denso, respirando el aire húmedo con niebla, oliendo la fragancia del musgo de los árboles muertos y observando jugar al travieso osito negro.
En el último período de su creación, Shishkin pintó muchos bosques invernales, entre los cuales "En el bosque de la condesa Matfina" (1891) es una obra representativa. En las profundidades del bosque alto y denso, la gente parece tener pensamientos filosóficos mientras siente la atmósfera silenciosa. En el año de su muerte, pintó un cuadro llamado "Gran Bosque de Pinos"
ayvazovsky (1817-1900) fue un pintor especializado en paisajes marinos y fue un famoso pintor marino. Sus vistas al mar son majestuosas y majestuosas. Tiene una rica imaginación y habilidades realistas, y es único en el campo de la pintura de paisajes marinos.
Como viejo pintor de escuela itinerante, sus obras atrajeron la atención del mundo del arte a mediados del siglo XIX. Su cuadro "Nueve olas", pintado en 1850, es la obra más exitosa de su vida. En la pantalla gigante, utilizó infinitos colores para mostrar la impresionante majestuosidad.
Aivazovsky creció junto al mar y tiene fuertes sentimientos y un rico conocimiento sobre el mar, por lo que sus paisajes marinos son realistas y magníficos. Pintó más de 3.000 obras a lo largo de su vida, además de innumerables dibujos y bocetos. Los paisajes marinos de sus obras, ya sean tranquilos o tormentosos, ya sean el amanecer, el atardecer, la luz de la luna, el neón, el viento, la lluvia, los truenos y los relámpagos, todos tienen un poder inherente.
La emperatriz Zhi (1842-1910) fue una pintora paisajista que exaltaba la naturaleza con pinceladas románticas. Si las obras de Shishkin son tan refinadas como "retratos de la naturaleza", las pinturas de la emperatriz Zhi se distinguen de las demás por su carácter decorativo. Le gustaba pintar la luz de la luna, la noche, la mañana y la tarde, como "Isla Van Laam", "Anochecer ucraniano" y "Lago Ladoga". Utiliza un color aparentemente único para expresar el estilo encantador del paisaje.
En 1879, la reina Zhi exhibió "Bosque de abedules", "Norte de China" y "Después de la tormenta" al mismo tiempo, representando el encanto único de la naturaleza, los cambios de color, luz y sombra. la pintura hizo la naturaleza ordinaria. El paisaje alcanza un estado poético. La descripción de "Noche de luna en el río Dnieper" es más romántica y el efecto artístico es más fuerte. Repin elogió una vez este trabajo con comentarios como "poesía que toca el corazón del público".
Levitan (1861-1900) fue el último maestro de la escuela de pintura de paisajes rusa de finales del siglo XIX. Fue un maestro de la pintura de paisajes con carácter lírico y épico, y una comprensión única de la naturaleza rusa. Artista que conoce, comprende profundamente y sabe revelar los misterios de la naturaleza.
Levitan estudió en la Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú cuando era joven, y su maestro fue Savrasov. En sus primeras obras, como "Otoño en Sokolniki", todavía podemos ver rastros del énfasis de Savrasov en la narrativa, pero esta pintura ya muestra que Levitan reproduce la naturaleza en un estilo lírico. Con su talento, es bueno para capturar las partes de la naturaleza. Imágenes relacionadas con los pensamientos y sentimientos de las personas, y que expresan emociones internas naturales.
La "Serie del Río Volga" de Levitan, creada alrededor de 1888, ha demostrado plenamente su estilo creativo. En el grupo de pinturas se encuentran "Anochecer", "Bosque de abedules", "Después de la lluvia", "Anochecer" y "Golden Plymouth". , pinta el hermoso paisaje a ambos lados del río Volga y transmite la atmósfera rural majestuosa y abierta de la cuenca del río Volga.
El período 65438+1990 fue el apogeo de la creación de Levitan. Completó obras maestras como "Al borde del abismo", "Vladimir Road", "Evening Bell" y "Over the Cemetery". En estas obras, no parece haber elogios a los paisajes naturales como en la serie del río Volga, pero se centra en expresar un tipo de emoción, la depresión de Vladimir Road, la tragedia de las leyendas populares en el abismo, la emoción que la gente en Bell's período tardío buscado en las religiones antiguas, Levitan lo expresó plenamente en el cuadro "Sobre el cementerio" dos años después. Esta pintura encarna su intención creativa: la Rusia austera, amplia y fértil, y el pueblo ruso pobre y sufriente. Levitan era un judío que creció en Rusia. Sus padres murieron jóvenes y él vivió una vida de extrema pobreza desde pequeño. A principios de la década de 1990, el zar persiguió a los judíos, lo que hizo que Levitan se sintiera muy doloroso. En una carta a un amigo, escribió... Mi perspectiva mental actual y todo lo que hay en mi corazón están contenidos en esta pintura. "La imagen de "Sobre el cementerio" expresa la tormenta que se acerca, el momento en que el viento rompe las copas de los árboles, el mal tiempo y el amplio recodo del río que está sufriendo grandes cambios. En la montaña solitaria, hay una capilla olvidada y Un cementerio tranquilo. Todo parece gestarse. La audacia y la astucia en la composición del pintor hacen que el cuadro sea más magnífico.
En los últimos cinco años, Levitan está lleno de alegría. Su estado de ánimo, al igual que su mejor amigo y escritor Chéjov, sintieron la fuerza activa del progreso social y los cambios en su estado de ánimo, y sus obras mostraron naturalmente su confianza y amor por la vida. En 1895, Levitan pintó tres destacados cuadros de paisajes: "Brisa en el río Volga", "Marzo" y "Otoño dorado" El hermoso verano en el río Volga, el cálido sol en un día soleado de marzo y el seductor otoño dorado Los abedules blancos y las joyas. Como una corriente transparente, todos revelan la emoción interior del pintor.
En obras posteriores a 1895, como "Spring and Flood", "Twilight and Moon", "Moonlight Night in the Countryside", "Hastacks in Twilight", etc., las habilidades artísticas de Levitan son más perfectas. "El lago", completado poco antes de su muerte, resume en gran medida imágenes naturales y métodos de modelado concisos, y puede utilizarse como exploración y resumen de los numerosos aspectos de la naturaleza rusa. El estilo artístico de Levitan tiene un sentimiento interno de tristeza, que está estrechamente relacionado con su destino. Perdió a su madre a los 15 años y a su padre a los 17. Su difícil infancia y educación le dieron genes creativos, haciendo que sus obras reflejen su tesón y ganas de vivir. Nunca se casó, no tuvo hijos y tuvo un futuro sombrío. En 1900, cuando la primavera volvió a la tierra en Rusia y las flores estaban en plena floración en el bosque de abedules, Levitan falleció silenciosamente bajo la oración de las campanas del monasterio.
La vida de Levitan fue corta y murió a los 39 años, justo cuando sus creaciones iban madurando. Estaba entre las estrellas en ascenso de la escuela de circuito. Sobre la base de la tradición del realismo ruso, absorbió las técnicas de la pintura impresionista occidental, incluida Francia, y llevó a cabo la innovación y la creación artística, llevando la escuela rusa de pintura de paisajes a un nivel cultural y artístico superior.
Parte 2: Pinturas históricas rusas del siglo XIX.
Al observar pinturas históricas, analicemos brevemente el estado y la importancia de las pinturas históricas en la historia.
¡Debemos tener el coraje de examinar nuestras propias deficiencias espirituales en la historia! Somos un país con una civilización antigua, pero rara vez vemos las obras simbólicas de la época y la connotación espiritual del arte.
Cuando miramos la historia del arte mundial, hay muchas obras clásicas de pinturas históricas que aparecen y quedan impactadas por ellas. Sin embargo, en la historia del arte chino, tales obras son raras. ¿Por qué? Esto es motivo de reflexión.
En la historia de la pintura occidental, el clasicismo y el romanticismo de los siglos XVIII y XIX expresaron la pintura histórica como un tema muy noble, que estableció el estatus histórico del pintor. De hecho, las pinturas históricas han formado una historia deslumbrante de la pintura en la historia del arte occidental. En la historia occidental, los maestros culturales y artísticos a menudo eventualmente se convierten en héroes de la época, y sus contribuciones son prominentes en la historia social, como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Luo. Su espíritu cultural y artístico eventualmente evolucionó hacia el espíritu de la época, pero en Oriente este fenómeno es raro. Parece que el espíritu del artista no puede utilizarse como estandarte de la era social. Debido a las funciones completamente diferentes del arte en la historia china y occidental, especialmente las enormes diferencias en la forma y el mundo espiritual en las tradiciones culturales, el arte ruso tiene una profunda tradición de pintura histórica y ha tenido un impacto extenso y de gran alcance en el arte chino. mundo. Sus ricas y clásicas obras fueron comunes entre las escuelas de pintura rusas itinerantes del siglo XIX. Por razones históricas, la pintura rusa que conocemos es muy unilateral y estrecha, lo que da lugar a muchos malentendidos históricos. Sin embargo, tanto las pinturas de historia soviética como las pinturas de historia china de las décadas de 1950 a 1970 han perdido su importancia académica y su función estética. Debilitando su connotación espiritual, las pinturas históricas de este período parecen pálidas y débiles, incluso malinterpretan la historia y están empapadas de luchas políticas, haciéndolas perder su elevado significado y valor humanista.
En comparación con los calígrafos y pintores históricos occidentales, los calígrafos y pintores históricos chinos modernos son esencialmente diferentes en algunos aspectos. En primer lugar, el nivel académico de la pintura histórica aún no ha alcanzado la profundidad. En términos de su importancia histórica, valor espiritual y significado práctico, tiene un significado esclarecedor para los acontecimientos históricos. Ninguno de ellos ha alcanzado el valor humanista de obras clásicas como "La libertad guiando al pueblo" y "La mañana del guardia". El segundo es el problema personal de los pintores históricos, es decir, el problema de la identidad del artista. El pensamiento y el juicio del pintor sobre la historia y sus acontecimientos están restringidos por factores sociales, culturales y políticos tradicionales. En resumen, la evaluación de la humanidad estética, la moralidad social y otros aspectos depende de los antecedentes históricos y culturales personales del pintor y de su pensamiento independiente. El pensamiento ontológico de la pintura determina la connotación valorativa de la obra. Debido a la falta de espíritu y forma inherentes a la pintura china, durante mucho tiempo ha sido un pasatiempo para los literatos. No integraron el espíritu científico y la visión social en la pintura, creando así magníficas obras maestras con figuras como objetos principales y que pasaron a la historia. . Este es un arrepentimiento dejado por la historia. El tercero es la capacidad de creación artística de los pintores históricos. Las habilidades pictóricas de un pintor histórico maduro son evidentes. Sólo con una técnica perfecta podría convertirse en un pintor de historia controlado. La pintura histórica es la piedra de toque para un pintor realista; de lo contrario, las grandes ambiciones del pintor se convertirán en palabras vacías. Debido a que los factores de la pintura histórica son muy complejos y su imagen estética también fluye con el proceso de la historia, los pintores históricos deberían ser más exploratorios.
Revelar el valor espiritual de las pinturas históricas y la dignidad de la naturaleza humana, pensar más en nuestro pasado digno y largo de historia, y olvidar nuestra propia historia, que es triste. ¡Sería aún más triste si se interrumpieran las pinturas históricas!
Ilya Repin (1844-1930) logró resultados sobresalientes en la escuela de exposiciones itinerantes. Su cuadro "Rastreadores del Volga" estableció el estatus de la pintura rusa en la historia del arte mundial del siglo XIX. En esta pintura, la caracterización de Repin tiene una profundidad única, y la expresión de la luz exterior y la representación del aire caliente del verano son excelentes. Desde el punto de vista compositivo, las figuras de la pintura son como un grupo de esculturas, formadas sobre una base elevada de color amarillo. El éxito de esta distribución espacial confiere a este cuadro de pequeño tamaño un efecto grandioso y majestuoso.
Después de pintar "Rastreadores en el río Volga", Repin se fue a estudiar a Francia. Desde 1943 hasta principios de la década de 1970, fue el momento en que el impresionismo francés entró en el escenario de la historia. Los logros de los pintores impresionistas en la exploración de la luz y el color sin duda influyeron e inspiraron a Repin. Sus cuadros en Francia, como "La pescadora", "Paris Café", "Satko", etc. , mostrando su gran interés por el lenguaje de la pintura. El joven pintor todavía se preocupaba por el contenido de la pintura en su corazón, por lo que cuando regresó a Rusia en 65438-0876, rápidamente pintó cuadros como El Sumo Sacerdote y la Procesión Religiosa de la Provincia de Kursk, que fueron fuertemente criticados por su realismo.
Por ejemplo, el óleo de Repin "Princesa Sofía" describe el trágico final de la princesa Sofía, hermana de Pedro I, representante de las fuerzas conservadoras en la corte de finales del siglo XVII y principios del XVIII. En "Iván el Terrible mata a su hijo", Repin revela profundamente la imagen de un tirano en la Rusia del siglo XVI, un zar de carácter suspicaz y personalidad excéntrica. Después de matar al príncipe heredero, quedó horrorizado y sufrió un colapso mental, que Repin describió en detalle.
"Zhaporos to the Sultan" de Rebin, con sus heroicos retratos grupales y colores optimistas, muestra un estilo de pintura diferente al de "Iván el Terrible mata a su hijo". Toda la imagen está llena de risas. Los valientes y confiados Chaporos se sentaron alrededor de la mesa y escribieron una respuesta al sultán turco en un lenguaje agudo y humorístico, burlándose del intento del sultán de rendirse ante ellos. Para esta pintura, Repin hizo varios viajes a Ucrania, donde vive el pueblo Poros, para recolectar materiales. Por lo tanto, la ropa, los utensilios, los instrumentos musicales y las decoraciones del pueblo de Poros en la pantalla son bastante reales y tienen valor de investigación histórica.
Los retratos de Rebin son excepcionales. Él cree que los retratos son "el género pictórico más realista". También realizó varios retratos de representantes de todos los ámbitos de la vida. Entre sus obras representativas se encuentran "Retrato de Mussorgsky", "Retrato de Tolstoi", "Retrato de Stasov", "Retrato de Trechakov", etc. Es una obra muy hábil del retrato ruso. El cuadro "Consejo de Estado" expuesto en el Museo Pushkin fue creado por Repin a principios del siglo XX. Es un retrato colectivo a gran escala del Consejo de Estado zarista. La pintura se completó con la ayuda de un asistente. Los retratos del Conde Ig Nagiyev y Gerard y Goremekin fueron retratos que Repin pintó para figuras importantes del Consejo de Estado y son obras muy representativas del Consejo de Estado.
Rebin vivió una vida larga y productiva. Su rica creación artística y sus extraordinarias habilidades de expresión llevaron la pintura rusa a un nuevo nivel. Aceptó la influencia de la literatura progresista rusa de esa época, absorbió la esencia del arte occidental y trabajó duro. Su profundo espíritu crítico en el arte marcó la cima de la pintura realista crítica rusa.
Surikov (B.И.суриков, 1848-1916) es un pintor que creció en la etapa madura del realismo crítico ruso. Sus pinturas históricas han aportado valiosas innovaciones en materiales y conceptos creativos. En la escuela de pintura de exposiciones itinerantes, es tan famoso como Repin y conocido como el maestro de la pintura histórica rusa.
Entre las creaciones de la escuela de pintura itinerante, las pinturas históricas son relativamente débiles, porque el tratamiento de temas históricos a menudo no se relaciona fácilmente con la vida real. Surikov realizó una exploración en profundidad en esta área e hizo importantes contribuciones.
Surikov tiene condiciones únicas para crear pinturas históricas. A mediados del siglo XIX, la pequeña ciudad siberiana donde nació y pasó su infancia y juventud aún conservaba el antiguo estilo de vida y costumbres tradicionales. San Petersburgo, la ciudad donde estudió, estaba ubicada en Europa y estaba profundamente influenciada por Europa. Ya era una ciudad considerable. Una gran ciudad moderna.
En la primera exposición itinerante de 1871 se presentó un cuadro histórico con un tema novedoso, creado por el pintor Guy, en el que Pedro el Grande interrogaba al príncipe Alexei.
La pintura muestra un fragmento de una aguda lucha política en la historia de Rusia, revelando el conflicto entre dos puntos de vista opuestos, la reforma y el conservadurismo. Como estudiante, Surikov quedó profundamente impresionado por Pedro el Grande y su época. Desde que se instaló en Moscú, la historia de la Plaza Roja hizo que se interesara por la época de Pedro, por lo que en 1878 comenzó a pintar "La mañana de la muerte del guardia" (este cuadro fue creado a la edad de 30 años), que representa la muerte de Pedro. Regreso del extranjero. Escenas de ir a Moscú para reprimir a los guardias. Surikov pasó tres años trabajando en este cuadro. Leyó documentos históricos relevantes en el museo y estudió una gran cantidad de materiales físicos. Dado que este hecho histórico tuvo lugar en la Plaza Roja, con la famosa Iglesia Vasibrano al fondo y la Acrópolis del Kremlin a la derecha. Estos altos edificios históricos realzan enormemente la atmósfera fría y sangrienta de esta obra.
Esta exposición de pintura fue la novena exposición itinerante en 1881. Repin una vez elogió la pintura y la consideró la obra maestra más impresionante de toda la exposición.
Después de la mañana de la ejecución del guardia, Surikov continuó escribiendo cartas a "Menshichikov" de Berezov. El primero representa el comienzo de la carrera de Pedro el Grande, el segundo el declive de su carrera después de su muerte. Menshchikov era uno de los favoritos de Pedro el Grande. Ayudó a Pedro el Grande a consolidar el poder y el estatus nacional de Rusia. Menshchikov jugó un papel activo en la sentencia de los guardias. Pero poco después de la muerte de Pedro, Menshchikov y su familia fueron exiliados a la ciudad siberiana de Berizov debido a la conspiración de la reina Ana y los alemanes en la corte. La tragedia de Menshchikov es el epítome de la lucha por el poder en la corte después de la era de Pedro.
La descripción psicológica que hace Surikov de los personajes históricos en esta obra es meticulosa. Penetró profundamente en el corazón de una persona frustrada y retrató su complejo y sutil mundo espiritual. Surikov puso mucho esfuerzo en dar forma a la imagen de Menshichikov. Se consideró cuidadosamente todo, desde la composición, el color, la disposición de los personajes hasta el vestuario y la vestimenta. Después de que la pintura fuera expuesta en 1883, fue adquirida inmediatamente por el famoso coleccionista Tretchakov.
Molotova, otra de las obras maestras de Surikov, describe acontecimientos de la época del padre de Pedro el Grande. A principios del siglo XVII, el régimen autocrático ruso en expansión necesitaba una iglesia fuerte para fortalecer el gobierno de la aristocracia zarista. La reforma de la iglesia en ese momento se llevó a cabo por iniciativa del obispo Nikon, el patriarca del sistema patriarcal. Sin embargo, los miembros de la clase baja todavía se adherían a los rituales tradicionales de culto popular, por eso se les llamaba "viejos creyentes" o "separatistas". ". La noble Molotova es separatista. Aunque tenía una formación política considerable, fue brutalmente perseguida por adherirse a la antigua religión. En la imagen, Surikov describe la escena en la que Morozova es llevada del monasterio donde estaba encarcelada a otro lugar para ser interrogada. Los ciudadanos se reunieron a la entrada del convento, esperando la aparición de la famosa mujer. Morozova se sentó en un trineo sencillo, levantó la mano derecha y gesticuló con dos dedos para expresar su fe. Su medida, además de simbolizar la controversia teológica, también fue significativa porque despertó simpatía en todos los ámbitos de la vida hacia los separatistas y la resistencia a la Reforma. Surikov representa a una derviche con mejillas delgadas y pálidas y fervor, sus ojos brillan con una luz terrible. Renunció a su riqueza y a su estatus noble y se embarcó con valentía y perseverancia en el camino del autosacrificio. En la imagen rebelde de Surikov, la gente parece ver el carácter obstinado de las mujeres rusas.
"La caída de la ciudad nevada" es una pintura de género pintada por Surikov en su ciudad natal de Siberia, y también es su única pintura de género. La nieve en invierno, los juegos folclóricos de las fiestas y los antiguos trajes cosacos despertaron su deseo de crear.
A mediados de la década de 1990, Surikov creó tres pinturas históricas de gran escala: "Ermak conquista Siberia", "Suvorov cruzando los Alpes" y "Stepan La pungent". Las dos primeras pinturas son personajes y acontecimientos históricos muy conocidos de la historia de la nación rusa, con grandes escenas y temas distintos. Surikov una vez más imbuye a Ermac y a los soldados de Suvorov con los tenaces rasgos de personalidad rusa descritos en "Los guardias". Saiban Rasin es la imagen del líder del levantamiento campesino en cuya creación Surikov gastó mucha energía. Esta pintura se completó en 1910. La pintura muestra a Racine sufriendo un revés en la batalla. Tenía los ojos muy abiertos y llenos de ira, reprimiendo su ira y pensando en un plan de venganza. Este héroe, que atemorizó a los gobernantes zaristas, fue traicionado por los cosacos ricos después del fracaso del levantamiento y finalmente murió en 1671.
En los años siguientes, el tema histórico de los levantamientos campesinos a menudo entusiasmaba a Surikov.
Comenzó a pintar "Bugachev" e "Insurrección" en Krasnoyarsk, pero ninguno de los cuadros llegó a finalizar. Su obra posterior "La princesa visita el monasterio" tiene las características de una pintura de género.
Surikov pintó algunos retratos. Los personajes de las pinturas son en su mayoría modelos o sus familiares y amigos relacionados con la creación, y la mayoría de ellos son mujeres cosacas de su ciudad natal. Son gente corriente y desconocida, por lo que son más desenfadados, libres y sencillos.
Surikov intentó hacerse eco de las tendencias sociales de la época a través de temas históricos. Esta no sólo era la tendencia creativa de los Drifters, sino también coherente con la tendencia del realismo crítico en la literatura rusa. Desde la perspectiva de la pintura, revolucionó la pintura histórica rusa y logró importantes avances y logros en la profundidad de las técnicas de caracterización y expresión.
Serov (B. Aceepoв, 1865-1911) fue un maestro a principios de siglo. Sus creaciones sirven de vínculo entre el pasado y el futuro y ocupan un lugar importante en la historia del arte en esta etapa. La temprana actividad creativa de Serov coincidió con el apogeo de la escuela itinerante en los años 1980. Estudió pintura con Repin desde niño. Las creaciones de Repin tuvieron una gran influencia en Serov. En el último período de su creación, cuando surgieron varias escuelas de arte en Rusia después de 1905, Serov, al igual que los jóvenes pintores de esa época, exploró nuevas formas de expresión artística y persiguió audaces actividades en las formas artísticas. Por lo tanto, en las pinturas de Serov no sólo podemos ver la mejora adicional del arte ruso en contenido y lenguaje formal, sino también percibir los nuevos cambios que experimentó la pintura a principios del siglo XX.
Las obras famosas de Serov son "Girl and Peach" y "Girl in the Sun". Aunque ambas pinturas son retratos de personas específicas, ambas expresan temas de la naturaleza y la juventud humana. Estas dos obras demuestran las excelentes habilidades de actuación de Serov, su estilo fresco y la unidad armoniosa de las personas y el paisaje natural. Estos dos retratos conmocionaron al mundo de la pintura de aquella época.
Desde la década de 1990, Serov se ha convertido en un nombre muy conocido en Rusia como retratista profesional, y las celebridades le han pagado grandes sumas de dinero. Serov recibió una serie de encargos de retratos. Entre los suscriptores se encontraban zares, duques y advenedizos de los círculos industriales y comerciales. Serov siempre tuvo una actitud seria y objetiva hacia sus súbditos.
Cuando Serov pintaba retratos de personas cercanas y respetadas por el artista, intentaba expresar cualidades nobles y hermosas en la personalidad del sujeto. Por ejemplo, los personajes de su "Retrato de Korovin" y "Retrato de Levitan" son inteligentes, talentosos, afables o de voluntad fuerte, especialmente la tristeza de Levitan. Por ejemplo, Yermalova, una destacada artista veterana, ha desempeñado más de 300 papeles diferentes y es considerada una heroína en el mundo del teatro. En la imagen larga y estrecha, Yermalova está de pie en el vestíbulo del salón. La composición en alto ángulo resalta la majestuosidad y altura de su figura. El vestido negro y las paredes grises muestran el temperamento interior del artista en un ritmo tonal sencillo. Se trata de una obra que representa un nuevo nivel del retrato ruso.
Serov dibujó numerosas ilustraciones para el escritor de fábulas Krylov. Esos animales antropomórficos cobran vida, lo que hace que los libros infantiles de Krylov sean aún más coloridos.
Debido a su interés por la cultura del siglo XVIII, Serov también pintó un grupo de cuadros de la época de Pedro el Grande, como "Pedro en la obra", "Pedro I caminando en el Palacio de Verano", "Pedro II e Isabel" La caza de la princesa", etc.
En 1910, Serov asistió a una actuación de los Ballets Rusos dirigida por Diaghilev, con la actriz rusa Ida Rubinstein dirigiendo la danza principal "Noches egipcias". Sus emocionantes e innovadoras actuaciones contemporáneas causaron sensación en Francia. Lo que Serov estaba pintando en ese momento era un "Ida Rubinstein" sin abrir. Serov utilizó una técnica de pintura plana de una sola línea para exagerar y simplificar las líneas. Los pintores rusos tenían opiniones diferentes sobre el cuadro, pero no causó mucho revuelo. En el verano de 1911, en la Exposición Mundial de Arte de Roma, las obras de Serov ocuparon una sala de exposición separada en la Galería Rusa. Los críticos de arte europeos elogiaron el arte de Serov. Regresó a Rusia en el otoño y pronto él y sus amigos viajaron a Rusia. el Cáucaso para pintar juntos. Después de regresar a Moscú, sintió molestias en el corazón y el médico le aconsejó que descansara. Pero cree que está en su mejor momento y se siente más cómodo con sus creaciones. Había demasiados hechos que hacer, por lo que continuó trabajando sin comer ni dormir. Ese invierno, el retratista murió de un infarto. A la edad de 46 años.
Selov está muy preocupado por el fenómeno del arte contemporáneo francés. Visitó muchas veces Italia y Francia para observar las obras artísticas allí.
No siguió modas extranjeras como algunos artistas superficiales, ni se aferró a viejas ideas como algunos pintores rígidos y no pudo tolerar la exploración de otros países y la afluencia de gente nueva. No tiene prejuicios contra la innovación y es bueno absorbiendo las fortalezas de los demás, pero también se conoce bien a sí mismo y a su nación, por lo que su arte tiene un estilo distintivo y único. La profundidad de sus retratos y el avance de las técnicas pictóricas tuvieron un impacto inconmensurable en los círculos pictóricos rusos y más tarde soviéticos.
A principios del siglo XX, la sociedad rusa experimentó enormes cambios. En ese momento, la escuela de pintura itinerante estaba al final de su fuerza y muchos pintores habían muerto y emigrado al extranjero. Esta bandera que se ha convertido en el espíritu de la época ha ido desapareciendo gradualmente del escenario de la historia, pero su influencia ha ido más allá del ámbito de la cultura y el arte, de modo que su influencia aún puede verse y sus ecos históricos aún pueden escucharse hace mucho tiempo. cien años después. Hoy en día, eruditos, artistas y turistas de todo el mundo se abarrotan de gente en el Museo del Hermitage, el Palacio de Verano, el Museo Pushkin y la Galería Nacional Tretyakov.
La historia ha demostrado que los artistas dejan sólo sus obras, y todos sus pensamientos y conceptos quedan contenidos en sus obras. Los tiempos contemporáneos no son una excepción. Las obras maestras son la última palabra, lo que demuestra que los artistas pueden permanecer en la historia sólo hablando en nombre de sus obras, no por dogmas y escuelas, sino por obras bellas y obras maestras.
Epílogo
Han pasado más de 100 años y los maestros de los pintores itinerantes rusos nos han dejado un rico legado. Aunque los tiempos que vivimos puedan parecer caóticos e impetuosos, es necesario pensar con calma. ¿Qué necesitamos? Por lo tanto, estudiar y estudiar estas hermosas obras llenas del espíritu de la época aún nos iluminará y apreciará la belleza. La conferencia de hoy presenta principalmente a los pintores representativos de la Escuela Rusa de Turismo.