Obras representativas de Pablo Ruiz Picasso

Pablo Picasso, 1907, pintura al óleo, Nueva York, Museo de Arte Moderno. En 1906, Picasso fue influenciado por las primitivas esculturas africanas y las pinturas de Cézanne, y se dedicó a la exploración de un nuevo estilo de pintura. Como resultado, pintó una obra maestra famosa y emblemática: "La doncella de Aviñón". Esta increíble pintura al óleo a gran escala no sólo marcó un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno. Desencadenó el nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" se inició en 1906 y se completó en 1907, tiempo durante el cual fue revisado muchas veces. Las cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas del cuadro forman una composición rica en significado formal.

El título de este cuadro lo añadió el amigo de Picasso, Andrew Selman, y se dice que al propio Picasso no le gustó. Pero en fin, este es sólo el título de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras, y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para describir el contenido de sus obras. "Las señoritas de Aviñón" de Picasso debe ser lo mismo. El concepto original del cuadro se basaba en la alegoría de las enfermedades venéreas y se titulaba "La paga del pecado". Esto quedaba claramente evidente en el boceto inicial que mostraba a un hombre sosteniendo una calavera, lo que recuerda a una antigua moraleja española; máxima: "Todo es vanidad". Sin embargo, durante el proceso de creación formal de esta pintura, estos detalles anecdóticos o alegóricos fueron eliminados uno a uno por el artista. Su máximo poder impactante no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.

Este cuadro se puede decir que es la primera obra cubista. Las tres mujeres desnudas del lado izquierdo del cuadro son obviamente deformaciones rígidas del cuerpo humano clásico, mientras que los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas de la derecha están llenos de las cualidades salvajes del arte primitivo. Los pintores fauvistas descubrieron el encanto primitivo de las esculturas africanas y oceánicas y las presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien utilizó el arte primitivo para destruir la estética clásica. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la integridad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Así, la pintura (como dijo un crítico) "parece vidrio roto".

Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero ¿qué ganó en el proceso de destrucción? Cuando nos recuperamos del shock de ver esta pintura por primera vez, comenzamos a descubrir que la destrucción fue bastante ordenada. : todo, ya sea imagen o fondo, se dividió en bloques geométricos angulares. Nos dimos cuenta de que estos fragmentos no son planos, tienen cierta sensación de tridimensionalidad porque están bordeados de sombras. No siempre podemos distinguir si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, otros fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan a la imagen cierta integridad y continuidad.

En este cuadro podemos ver un nuevo método de expresión del espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método ya ha sido utilizado en las pinturas de Cézanne. Vemos que los rostros de las dos figuras en el centro del cuadro son frontales, pero sus narices están dibujadas de perfil; la cabeza de la figura izquierda del costado tiene ojos frontales. Las vistas desde diferentes ángulos se combinan en una sola imagen. Este lenguaje llamado "visual simultáneo" se usa más obviamente en la imagen en cuclillas en el lado derecho de la imagen. Esta figura de tres cuartos de espalda ha quedado separada del eje central de la columna debido al proceso de descomposición y empalme. Sus piernas y brazos se han alargado, sugiriendo una extensión hacia las profundidades; y la cabeza también se ha girado, mirando directamente al espectador. Picasso parece haber rodeado la imagen 180 grados antes de sintetizar las imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones de las reglas de perspectiva que han existido para los pintores durante quinientos años desde el comienzo del Renacimiento italiano.

Picasso se esforzó por mantener el cuadro plano. Aunque muchas de las superficies de la pintura son cóncavas y convexas, no son profundamente cóncavas ni muy convexas. El espacio que se muestra en la pintura es en realidad tan poco profundo que la pintura parece representar una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a las manchas azules del fondo a la derecha, podemos ver el ingenio único del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para eliminar este efecto, Picasso enganchó estos bloques azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que sobresalían desesperadamente hacia adelante.

De hecho, "Les Demoiselles d'Avignon" es una estructura pictórica independiente que no se preocupa por el mundo exterior. De lo que se ocupa es del mundo compuesto de su propia forma y color. Nació de las obras monumentales de Cézanne que representan a niñas bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural. "Retrato de Casville", pintado por Picasso, 1910, óleo, 100 × 61,5 cm, Chicago, Colección del Centro de Arte de Chicago. Las pinturas de Picasso del período del "cubismo analítico" de 1909 a 1911 demuestran aún más su descuido de la representación objetiva. tensión.

Este "Retrato de Caswell" muestra claramente cómo Picasso utilizó el lenguaje pictórico del cubismo analítico para crear un personaje específico. Lo que resulta desconcertante es que es precisamente en esta representación extremadamente abstracta y deformada de imágenes en descomposición y abandono del color donde Picasso nunca abandonó la referencia a los modelos. Para pintar este cuadro, hizo que su viejo amigo, el señor Cassweller, posara pacientemente ante él veinte veces. Se tomó la molestia de descomponer cuidadosamente la forma, obteniendo así una estructura pictórica que parece estar formada por capas superpuestas de bloques de color transparentes. Los colores del cuadro son únicamente azul, ocre y gris violeta. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la imagen del Sr. Casswell todavía puede revelarse vagamente en el entrelazado de líneas y bloques, es difícil para la gente juzgar su parecido con la persona real.

Roland Penrose, el experto más famoso en Picasso, hizo una vez este comentario después de ver este cuadro: "Cada vez que se divide un rostro, se divide otra parte de la parte adyacente, retrocediendo hacia adentro". De esta manera se crea constantemente una sensación directa, que recuerda a las ondas en la superficie del agua. El ojo vaga entre estas ondas y puede captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello cuidadosamente peinado, una cadena de reloj y un par de manos cruzadas, pero cuando la mirada pasa de un punto a otro, sigue sintiendo el placer de deambular por superficies que son exactamente como parecen. El parecido es convincente... la vista de. una imagen así despierta la imaginación; la imagen, aunque ambigua, parece real y está llena de alegría, impulsada por la vida simétrica y armoniosa de esta nueva realidad." ("Picasso" de Cultural Relics. Publishing House, 1998, p. 10) "Botella, vidrio y violín" muestra además el descuido de la representación objetiva. Los objetos que pintó durante este período, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestos, dejando al espectador confundido acerca de ellos. Aunque cada cuadro tiene un título, es difícil para la gente encontrar objetos relacionados con el título. Esas formas descompuestas y el fondo se mezclan, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con varias líneas verticales, oblicuas y horizontales. En esta compleja estructura de red, la imagen emerge lentamente y luego desaparece inmediatamente en los complicados bloques. Aquí se ha minimizado el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de línea y línea, forma y forma, y ​​la tensión que emite esta estructura. A partir de 1912, Picasso recurrió a su estilo de experimentos pictóricos de "cubismo sintético". Comenzó a crear obras utilizando técnicas de collage. Esta obra, titulada Botella, vaso y violín, muestra claramente este nuevo estilo.

En este cuadro podemos distinguir varias figuras basadas en objetos reales cotidianos: una botella, un vaso y un violín. Todos ellos están representados por recortes de periódicos. Aquí, el foco de atención del pintor sigue siendo en realidad la cuestión de la forma básica.

Sin embargo, este tema se trata con una actitud completamente nueva en este momento. En las obras del cubismo analítico, los objetos se reducen a sus elementos básicos, es decir, se descomponen en muchos pedazos pequeños. Picasso utilizó estos bloques como elementos constitutivos para crear un nuevo orden de objetos y espacio en sus pinturas. Al yuxtaponer y conectar bloques con pinceladas cortas y desenfrenadas, obtuvo una estructura pictórica clara y transparente, que refleja un procedimiento de pintura estricto y racional. Ahora, en sus extensas obras cubistas, ha adoptado exactamente el procedimiento opuesto. Ya no toma objetos reales como punto de partida y los descompone en sus elementos básicos. En cambio, toma los elementos básicos como punto de partida y transforma formas y superficies básicas en gráficos de objetos objetivos.

Esto significa que antes de mostrar las botellas, las tazas y los violines, ya había organizado y ordenado la estructura abstracta del cuadro. Al abandonar la pintura y las pinceladas, ganó incluso una realidad más objetiva. Utiliza periódicos, papel tapiz, papel de grano de madera y otros materiales similares para hacer collages de bloques de diferentes formas. Por un lado, estos bloques muestran el mundo exterior al cuadro; por otro, su combinación orgánica muestra la unidad e independencia del mundo propio del cuadro; No es de extrañar que su marchante de arte y amigo Kahnweiler dijera de él: "Aunque no sepa jugar con los pinceles, puede realizar obras excelentes. En este cuadro de collage, un trozo de periódico a la izquierda representa un El". La botella y el trozo de papel impreso con vetas de madera representan un violín. Unas cuantas líneas fuertes dibujadas con carboncillo permiten esta transformación e incorporan los materiales irrelevantes del collage en una unidad orgánica.

Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el principal símbolo de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: "Se puede preferir el cubismo incluso desde un punto de vista estético. Pero el pegado de papel es el verdadero núcleo de nuestro descubrimiento". En el uso de este lenguaje de collage, Picasso es obviamente mejor que otros pintores cubistas (como Braque, Gris, etc.) son más atrevidos y llenos de fantasía. Cuando otros pintores hacen collages de diferentes trozos de papel, tienen que considerar si es coherente con la lógica realista. Siempre limitan el papel con vetas de madera a representar elementos de madera (como mesas, guitarras). Picasso, por otra parte, estaba completamente libre de tales limitaciones. En sus pinturas, se puede utilizar un trozo de papel pintado estampado para representar una mesa, y también se puede cortar y pegar un trozo de periódico para formar un violín. Picasso explicó una vez sus puntos de vista sobre el collage en una conversación con François Gilot: "El propósito del uso de pasta de papel es señalar que se pueden introducir diferentes sustancias en la composición, y en la imagen, se convierte en una realidad que rivaliza con la naturaleza. Intentamos Para deshacernos de la perspectiva y encontrar el trompe l'esprit. Los fragmentos de periódico nunca los usamos para representar periódicos, pero los usamos para representar una botella o un piano o una cara. de su contexto habitual, para crear un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final. Si el fragmento de periódico pudiera convertirse en una botella, lo que incita a pensar en los beneficios de los periódicos y las botellas. un mundo extraño, un mundo fuera de lugar. Queremos hacer reflexionar a la gente sobre esta rareza, porque nos damos cuenta de que vivimos solos. Un mundo muy incómodo." (François Gilot y otros, "Picasso en pareja", Tianjin. Editorial del Pueblo, 1988, p. 60) “Guernica”, escrito por Picasso, 1937. Óleo sobre lienzo, 305,5×782,3 cm, colección Museos de Arte Reina Sofía, Madrid. Aunque Picasso estaba interesado en la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad. Dijo: "No soy un surrealista. Nunca me he separado de la realidad. Siempre permanezco en la verdadera situación de la realidad". Esta puede ser también una razón importante por la que eligió pintar "Guernica". Sin embargo, la expresión de la realidad en su pintura es completamente diferente al método de expresión realista tradicional. El rico simbolismo de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó una vez el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violación, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza.

Por supuesto, también hay muchas escenas realistas representadas en la pintura. En el lado izquierdo de la pintura, una mujer llora al cielo mientras sostiene a un bebé muerto en brazos. Debajo de ella hay un soldado tirado en el suelo sosteniendo flores y una espada rota. En el lado derecho de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó. No muy lejos de él, a la izquierda, la mujer que huía estaba tan asustada que sus patas traseras parecían no poder seguir el ritmo y cayó. muy atrás. Todos estos son retratos reales de las víctimas del terrible bombardeo aéreo.

Muchas imágenes del cuadro reflejan la absorción por parte del pintor de elementos pictóricos tradicionales. La imagen de la madre sosteniendo a su hijo muerto parece derivar de la tradición de los iconos de la Virgen que lloran a Cristo; la mujer que sostiene una lámpara de aceite recuerda a la imagen de la Estatua de la Libertad que levanta las manos hacia el cielo y exclama; a los patriotas en las pinturas de Goya La figura asesinada no es diferente y la imagen del soldado tendido en el suelo con los brazos extendidos parece estar emparentada por matrimonio con la imagen de algunas pinturas de guerra del primer Renacimiento italiano.

De esto se desprende que Picasso no sólo es un innovador audaz y lleno de espíritu rebelde, sino también un artista que respeta y domina la tradición.

A primera vista, esta pintura parece muy aleatoria en la organización de imágenes y composición, e incluso podemos pensar que está un poco desordenada. Esto parece ser coherente con la atmósfera caótica en la que los residentes huyeron presas del pánico durante el bombardeo. Sin embargo, cuando miramos de cerca esta pintura, encontramos que la disposición de todas las formas e imágenes en este largo espacio pictórico ha sido cuidadosamente concebida y considerada, y tiene un orden estricto y unificado. Aunque muchas de las imágenes son dinámicas, su composición revela claramente un cierto significado clásico.

Vemos que en el centro de la imagen, diferentes imágenes de colores brillantes se superponen para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo divide toda la larga franja de la imagen en dos cuadrados. Las imágenes en los lados izquierdo y derecho de la pantalla están muy equilibradas entre sí. Se puede decir que esta composición llamada pirámide tiene algunas cualidades similares a la composición de "La Última Cena" de Leonardo da Vinci.

Además, todo el cuadro se puede dividir en cuatro secciones de izquierda a derecha: la primera sección resalta la imagen del toro; la segunda sección enfatiza el caballo herido y luchando, que es una metáfora del; la gente más inocente en la batalla. La deslumbrante luz eléctrica encima parece un ojo asustado y solitario; en el tercer párrafo, la más llamativa es la "Estatua de la Libertad" que sostiene una luz y asoma la cabeza por la ventana. , es una mujer, camina hacia la Estatua de la Libertad, simbolizando el deseo del pueblo de paz y libertad; y en el cuarto párrafo, el hombre tendido en el suelo simboliza al guerrero inquebrantable en la batalla, con una espada en la mano. La flor de la espada es una margarita y la cicatriz de la mano es la marca sagrada en la mano de Jesús mártir. Todos estos son signos de expiación en esta pintura. Aunque son pequeños, son muy claros.

Con esta composición cuidadosamente organizada, Picasso presentó imágenes exageradas y deformadas llenas de dinámica y emoción de manera unificada y ordenada, no solo representando detalles ricos y variados, sino también resaltando y enfatizando puntos clave, mostrando profundidad. habilidades artísticas. Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del clip art. Sin embargo, el efecto visual de cortar y pegar en la pintura no se logra mediante métodos reales de cortar y pegar, sino que se expresa pintando a mano. Los gráficos de "cortar y pegar" que se superponen se limitan a negro, blanco y gris, lo que resalta efectivamente la atmósfera tensa y aterradora de la imagen. "Paloma de la Paz" es una obra de amistad mundial creada especialmente para las Naciones Unidas. A partir de entonces, la paloma de la paz pasó a representar la paz.

Braque nació en una familia de pintores en Argenteuil-sur-Seine. Su padre y su abuelo eran ambos pintores aficionados, lo que le hizo tener un gran interés por la pintura desde pequeño. En 1893, la familia de Braque se mudó a Le Havre, donde pronto estudió en una escuela de arte local. En 1902, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de París y fue instruido por Bona, y luego trasladado a la Académie Amber. Fundó su propio estudio en 1904. Después de visitar el Salón de Otoño en 1905, se interesó por la pintura fauvista y participó en el movimiento de pintura fauvista en los dos años siguientes. Sin embargo, sus obras, con su tono "sereno y cantabile", se diferencian bastante del estilo de las auténticas obras fauvistas con colores fuertes, pinceladas desenfrenadas y excitantes. "Su temperamento es extremadamente estable, por lo que no abusa de la libertad con la que estaban embriagados los pintores fauvistas". ("Diccionario de pintura moderna", en coautoría con Raymond Cornea y otros, People's Fine Arts Publishing House, 1991, p. 39 ). En 1907 conoció a Picasso y se sintió profundamente atraído por su obra "Las señoritas de Aviñón". Los dos se hicieron muy amigos y juntos planearon el movimiento cubista. "El hombre con sombrero" fue pintado cuando Picasso tenía 91 años. El artista falleció un año después de que se completara esta pintura. Por lo tanto, esta pintura puede considerarse como una de las pinturas más preciosas de Picasso en sus últimos años. Al entrar en la imagen, el estilo de la pintura con tinta china aparece inmediatamente, con grandes pinceladas sobre el papel. Puedes imaginar con qué entusiasmo era el artista al pintar. Es realmente raro que el artista pueda mantener tanta energía creativa en sus últimos años. . Esta es probablemente la razón por la que Picasso ha cambiado continuamente su estilo pictórico durante un largo período de tiempo y todavía permanece en el mundo de la pintura del siglo XX con muchas escuelas.

Zhang Daqian visitó una vez a Picasso. Frente a Zhang Daqian, Picasso no ocultó su interés por la pintura y la caligrafía chinas, y era tan humilde que se sentía inferior a él. Por supuesto, mucha gente se muestra escéptica ante esta interesante historia, pero este "Busto de un hombre con sombrero" parece confirmar la autenticidad de esta historia.

Las pinturas son libres y desenfrenadas, pero están cuidadosamente dispuestas. La coordinación de las proporciones faciales y el efecto tridimensional de los rasgos faciales reflejan las intenciones del artista. El pintor ya domina muy bien el cuerpo humano y, junto con el papel de la tinta china en la pintura, este retrato es una pincelada a mano alzada extremadamente china. Aquí, el uso de tinta por parte de Picasso no muestra la timidez de un profano. Por el contrario, el pintor usa tinta espesa para mostrar la parte superior del sombrero y usa tinta clara para describir el ala y el cabello. un pintor chino maduro. En la nariz y las orejas, el pintor utilizó finas líneas con un bolígrafo para delinear el contorno. Con solo unos pocos trazos, el espíritu ya estaba ahí. La espesa barba y las cejas oscuras contrastan marcadamente con la tinta del rostro y las prioridades están claramente definidas. Los personajes de la imagen parecen divertirse con los demás y están muy interesados. También demuestra que después de que Picasso fuera influenciado por los grabados en madera africanos y otras creaciones exóticas, la amplitud y profundidad del arte chino despertaron el deseo del pintor de crear. Esta es una excelente prueba del interés del pintor por el arte chino.

En la pantalla, las expresiones faciales de los personajes son humorísticas y llenas de diversión, y los sombreros levantados hacia arriba añaden al efecto cómico del personaje, como un payaso de circo. El sentido del humor cómico es otra sorpresa para el público de un pintor de estilos diversos. Cuando creó este cuadro, el pintor ya tenía fama, fortuna y gloria, y su actitud ante la vida era más abierta y optimista. El sentido del humor del cuadro muestra que el artista tiene una mentalidad joven, al igual que los personajes del cuadro, que son viejos de corazón y sonríen a la vida. Probablemente sea un reflejo del propio artista. Las obras de Picasso, las más famosas de las cuales son la Paloma de la Paz, "Guernica" e innumerables pinturas de monstruos con tres ojos y varios pechos, lo convirtieron en el artista más controvertido e influyente del siglo XX. Incluso aquellos que no podían explicar por qué sólo podían aplaudir junto con el resto del mundo. Si te encuentras con el cuadro incomprensible de otra persona, dirás: "Este es Picasso". Lo aprecies o no, cuando el pincel, la madera, la arcilla y la piedra estén en sus manos, hará una obra maestra. único y lleno de encanto.

Cuando se trata de la carrera artística de Picasso, tenemos que hablar de las mujeres en la vida de Picasso. Tuvo dos esposas, con quienes se casó y juró en la iglesia, cuatro conocidas amantes residentes y muchas otras personas más. Tras su muerte en 1973, se descubrieron muchas obras poco conocidas en museos y colecciones privadas repartidas por todo el país, lo que permitió ver el lado más secreto de Picasso. Es decir, Picasso ama a las mujeres, ama los cuerpos de las mujeres y ama las características físicas de las mujeres. Sus brillantes ojos negros miraban fijamente los rasgos de la mujer, que se revelaban en cada detalle bajo su pincel.

En su libro "Normalidad y anormalidad" (1988), el crítico de arte Jean Lemary dijo: "Hace veinte años, alguien me pidió que hiciera una conferencia sobre arte y sexualidad. Fui a ver a Picasso y le preguntó qué decía. Él respondió: "Picasso ha sido tentado por el sexo durante toda su vida y disfrutó del sexo con todo su corazón en su obra y en su vida". Según Jean Clair, "Cada vez que Picasso cambiaba de mujer, cambiaba también su criterio y su visión, porque quería poseer a la mujer por completo hasta su visión; en ese momento, él mismo también cambiaba su visión "Estándar", "Cambiar". ", "diálogo sexual", "la transformación del sexo y del corazón", "poseer a la mujer hasta su visión", éstas son la psicología sexual en el arte de Picasso