Conocimientos básicos de teoría musical.

Introducción completa al conocimiento básico de la teoría musical.

La teoría musical se conoce como "teoría musical", e incluye teorías básicas relativamente simples: lectura de música, intervalos, acordes, ritmo, tiempos, etc. También hay contenidos relativamente avanzados: armonía, polifonía, forma musical, melodía, orquestación, etc. A continuación he recopilado y organizado los conocimientos básicos de teoría musical para usted. ¡Espero que le resulte útil!

Hay muchas formas de grabar música. En la antigua China, existían varias categorías, como la notación china y la notación Gongchi. Cuando se usaban para diferentes instrumentos musicales, también existía la partitura Guqin. y puntuación de pipa. Al igual que la escritura, la partitura musical es un sistema de símbolos prescritos por las personas, sin importar qué tipo de notación se utilice, el propósito es registrar con precisión la música para que pueda difundirse y reproducirse (interpretarse) en base a este registro. La notación en pentagrama es un método de notación moderno y aceptado internacionalmente. Después de dominar la notación en pentagrama, aprender la notación musical simplificada será muy fácil.

Método de clasificación de partituras musicales

Método de clasificación de partituras musicales 1

1 En la antigua China, existían "gong, shang, jiao (jue), levy (. zhi), y pluma". "Los cinco tonos corresponden a 1 2 3 5 6 en la notación musical simplificada. Son las notas básicas de la partitura musical. Estos cinco tonos se utilizan en la música antigua al componer música. Al componer música, uno de ellos se utiliza para determinar la tonalidad. Sólo en la música se reflejará la duración de las sílabas, negras y notas. Por ejemplo, la canción popular de Yunnan "Little River Flowing Water" se compuso de esta manera. No hay dos tonos 47 en toda la canción y es una canción popular tradicional.

2. La notación musical simplificada se refiere a un método de notación simple. Hay dos tipos de notación alfabética y notación numérica. En términos generales, la notación musical simplificada se refiere a la notación musical digital. La notación musical digital se basa en el método de la solfa móvil, utilizando 1, 2, 3, 4, 5, 6 y 7 para representar los 7 niveles sonoros básicos de la escala, que se pronuncian como do, re, mi, fa, sol, la, si, resto se representa por 0. El nombre de duración de cada número equivale a la negra del pentagrama.

El prototipo de notación musical digital apareció por primera vez en Europa en el siglo XVI. En el siglo XVII, el sacerdote franciscano francés J.J. Suati lo mejoró y lo utilizó para enseñar canciones religiosas. A mediados del siglo XVIII, el famoso pensador francés J.J. Rousseau realizó nuevas mejoras, lo defendió vigorosamente y lo incluyó en su "Diccionario de música". En el siglo XIX, tras la continua mejora y promoción de P. Garland, A. Paris y E.J.M Scheve, se hizo ampliamente utilizado entre las masas. Por lo tanto, este tipo de notación simplificada se denomina "notación de Jia-Pa-Xie" en Occidente.

A finales del siglo XIX, la notación musical simplificada se extendió a Japón y luego a China. La "Colección de canto escolar", editada y publicada por Shen Xingong en 1904, fue la primera colección autocompilada de notación musical simplificada de China y luego se extendió gradualmente a las escuelas de todo el país en la década de 1930, con el desarrollo del movimiento de canto de salvación nacional. , la notación musical simplificada empezó a circular ampliamente entre las masas.

Dado que la notación musical simplificada es bastante similar a la del Gongchipu de China (una notación musical escrita popular en el folklore chino), la notación musical simplificada china ha logrado un desarrollo sin precedentes. A escala global, China es el país. El país que mejor ha absorbido y promovido la notación musical simplificada. La notación de cinco líneas, a través del sistema de educación musical centrado en Occidente, se ha vuelto popular en todos los países y es uno de los elementos obligatorios en las escuelas. Proporciona la base para la unificación de la música mundial en una sola notación.

3. La notación en pentagrama es un método de notación común en el mundo. Es un método de grabar música marcando notas y otros símbolos con diferentes valores de tiempo en cinco líneas horizontales paralelas equiespaciadas. Cada línea del pentagrama y el espacio entre las líneas se llaman primera línea, segunda línea, tercera línea, cuarta línea, quinta línea y primera habitación, segunda habitación y tercera habitación de abajo hacia arriba. la cuarta habitación. Si las líneas y los espacios no son suficientes, puedes agregar líneas y espacios encima o debajo del pentagrama. La línea agregada y el espacio agregado se denominan respectivamente línea superior más primera, habitación superior más primera, línea inferior más primera, habitación inferior más primera, etc., y cada una representa un nivel de sonido. La altura fija de estos escalones está determinada por la clave utilizada. Hay tres tipos de claves: clave de sol, también conocida como clave de sol, clave de fa, también conocida como clave de fa, y clave de alto, también conocida como clave de do.

Para adaptarse a las necesidades de las voces humanas y de los instrumentos musicales en diferentes rangos y evitar la adición excesiva de líneas, existen muchos tipos de pentagramas, entre los cuales hay cinco de uso común: clave de sol (con clave de sol): clave de fa (con clave de sol) Clave de fa), clave de soprano, clave de alto, clave de alto inferior (las últimas tres usan clave de do). El pentagrama de soprano ya no se usa comúnmente, el pentagrama de alto solo se usa para viola y el pentagrama de tenor se usa a menudo en los registros más altos del violonchelo, fagot y trombón. Además, existen claves de alto, claves de mezzosoprano, etc.

4. La notación braille es un método de notación adecuado para personas ciegas. Hay dos tipos de notación musical: notación musical de seis puntos (actual) y notación musical de 12 puntos (innovación). La notación musical de seis puntos fue inventada por Louis Braille, el padre del Braille francés. Un símbolo de punto solo puede expresar el nombre de la nota y la duración de la nota musical (desde la nota completa hasta la 64ª), y el grupo de sonidos requiere otro símbolo de punto. La notación musical de 12 puntos se inventó sobre la base del "braille de tres piezas de 12 puntos". Al igual que la notación musical simplificada, la notación de un punto cuadrado puede expresar una nota completa (duración, nombre de la nota y tono), creando la notación musical. más expresivo.

Instrucciones:

1. Tres símbolos de puntos forman una nota musical de 12 puntos. La primera columna de símbolos de puntos expresa el valor de la nota y la segunda columna de símbolos de puntos expresa la nota. nombre

p>

La tercera columna expresa el grupo de sonidos que puede realizar nota y.

2. El número de tiempo (X0Y) se encuentra al principio de toda la canción. La primera columna de puntos representa la duración de cada tiempo y la tercera columna de puntos representa el número de tiempos.

3. Tuplet (X0Z), la primera columna de puntos representa la duración de cada tiempo y la tercera columna de puntos representa la duración del tuplet.

4. Para las notas de acorde (XX0), la nota fundamental permanece sin cambios y los puntos del grupo de notas para las notas que no son fundamentales se omiten.

5. La marca de nota de adorno (D00) indica la nota de adorno frontal, y la marca de nota de adorno se coloca delante de la nota de adorno, indica la nota de adorno posterior, y se coloca la marca de nota de adorno; delante de la nota principal

, la nota de adorno posterior se coloca detrás de la nota principal.

Método dos de clasificación de partituras musicales

Partituras musicales más específicas que registran los métodos de interpretación de diferentes tipos de instrumentos musicales, como: partituras de piano, partituras de guitarra, partituras de guzheng, partituras de pipa, etc.

Clasificación y características de la música

Según partes y estado de las partes:

1. Música monoparte: música con una sola melodía, como por ejemplo sin acompañamiento Solo, solo, coro, etc.;

2. Música polifónica: es un tipo de música en la que varias melodías se introducen de diferentes maneras bajo la premisa de la armonía y ambas cooperan entre sí. y desarrollarse de forma independiente. La música polifónica en manos de Bach alcanzó un alto grado de perfección.

3. Música de clave principal: se refiere a un tipo de música en la que una parte toca la melodía principal y las otras partes usan la armonía para acompañar la melodía principal. Haydn es la principal figura representativa.

Según la naturaleza de la música:

1. Música pura: se basa enteramente en el lenguaje musical en lugar de tomar prestado ningún título para expresar el contenido de la obra. También tiene un título, como "Sonata No. 1", pero el título sólo se refiere al género de la música y no indica el contenido de la música. El oyente tendrá una comprensión general de la época, la experiencia, la visión del mundo del compositor de la música que va a escuchar y el entorno en el que se produjo la música.

2. Título musical: es una pieza instrumental basada en un tema determinado y utiliza un título para insinuar el contenido central. A menudo se basa en la literatura, el teatro, la historia, el folclore o la vida real. Utilizan texto detallado para describir las características de toda la pieza y de cada movimiento. Se puede decir que la música del título es la forma literaria de la música. El título es una dirección indicada por el compositor de antemano para ayudar al público a hacer asociaciones y no tiene ningún efecto limitante.

3. Música ligera: se refiere a música animada, popular y de estructura corta, a diferencia de la música clásica seria. Apreciar la música ligera no requiere pensamiento serio ni actividades racionales. Sólo proporciona a las personas un hermoso disfrute y cultiva los sentimientos de las personas.

4. Música jazz: es un tipo de música de baile popular. Surgido de los afroamericanos, este tipo de música no tiene una partitura fija. Cada músico improvisa y mantiene un "comprensión tácita" aproximada. La improvisación siempre ha sido un sello distintivo de la música jazz.

Se puede considerar que la música jazz es la esencia de la cultura musical estadounidense.

Contenido ampliado

Conocimientos básicos de la teoría de acordes

1. Memorizar firmemente las estructuras de varias tríadas y acordes de séptima.

Esto incluye:

1. Las estructuras y nombres de las cuatro tríadas. (Tríada mayor, tríada menor, tríada aumentada, tríada disminuida)

　2.Las estructuras de inversión y nombres de las cuatro tríadas. (Primera inversión, segunda inversión)

3. Las estructuras y nombres de los cinco acordes de séptima de uso común.

4. Las estructuras de inversión y los nombres de los cinco acordes de séptima. (Primera inversión, segunda inversión, tercera inversión)

2. Identifica las formas de varios acordes en el pentagrama.

La forma de las tríadas:

1. La forma de las tríadas en posición es como una ristra de caramelos confitados, con tres tonos estrechamente dispuestos hacia arriba y hacia abajo, ya sea en la línea o en el espacio.

2. La forma de la primera inversión de una tríada (acorde de sexta) es: terceras abajo, cuartas arriba, densas abajo y escasas arriba.

3. La forma de la segunda inversión de una tríada (acorde de cuarta-sexta) es: la cuarta está abajo, la tercera arriba, densa arriba y escasa abajo.

La forma del acorde de séptima:

1. La forma del acorde de séptima en la posición original también es como una ristra de caramelos confitados, pero es más larga, con cuatro tonos. dispuestos muy juntos arriba y abajo, o todos en la línea, o todos en la habitación.

2. La forma de la primera inversión del acorde de séptima (los acordes de quinta y sexta) es: hay un segundo intervalo (dos tonos que se cruzan en diagonal), que aparece en la parte superior de los caramelos confitados. Es costumbre llamarlo vívidamente. Se llama "llevar sombrero".

3. La forma de la segunda inversión del acorde de séptima (los acordes tercero y cuarto) es: hay un segundo intervalo (dos tonos se cruzan en diagonal), que aparece en medio de los caramelos confitados. Es costumbre llamarlo vívidamente. Se llama "corbata de cinturón".

4. La forma de la tercera inversión del acorde de séptima (el segundo acorde) es: hay un segundo intervalo (dos tonos se cruzan en diagonal), que aparece en el extremo inferior de las haws confitadas. se suele llamar azúcar haws por "botas puestas".

3. Método de reconocimiento de la estructura de cuerdas.

1. Recuerda la estructura básica de tríadas y acordes de séptima en la posición correcta.

2. Recuerda las estructuras de las cuasi-tríadas y las inversiones de acordes de séptima.

3. También puede restaurar el acorde invertido al acorde de posición original y luego usar el acorde de posición original para calcular la estructura del acorde invertido.

Introducción a los conocimientos básicos de la teoría musical vocal

1. Malentendidos sobre el uso de la voz

El concepto general de producción de sonido es que el aire exhalado de Los pulmones hacen que las cuerdas vocales vibren cuando pasa a través de la laringe para producir sonido, pero el principio de movimiento de la vocalización del canto se basa en la vocalización instintiva humana, ajustando al máximo el movimiento razonable de las cuerdas vocales y los músculos circundantes para producir un sonido potente y. Estado de sonido rico que satisface las necesidades de la tecnología de canto. Durante el entrenamiento de canto, los estudiantes a menudo confunden estos dos niveles diferentes de estados sonoros y utilizan la sugerencia psicológica de la vocalización instintiva para guiar el canto artístico, lo que conduce a malentendidos vocales como elevación de la laringe y pérdida de voz. Para superar los errores vocales mencionados anteriormente, debemos distinguir estrictamente entre los hábitos instintivos de la vida y los requisitos del canto artístico, y establecer una conciencia vocal correcta.

La capacidad de cierre de las cuerdas vocales es en parte su propia función y en parte depende de la coordinación de los músculos circundantes. Los hábitos vocales instintivos en la vida se limitan a la distancia dentro del rango auditivo de la otra parte. No existen requisitos de alto volumen o rango vocal, y el uso de cuerdas vocales es arbitrario. Dado que las cuerdas vocales sólo están bien cerradas cuando se emiten sonidos fuertes y agudos, los hábitos vocales instintivos similares al habla a menudo dejan las cuerdas vocales en un estado incompletamente cerrado la mayor parte del tiempo. Si la función de los músculos alrededor de las cuerdas vocales se usa incorrectamente, como el uso de los músculos cricoaritenoideos que deberían promover la apertura de la glotis al cantar, definitivamente causará el problema de sonidos débiles y filtrados si la fuerza de los músculos extralaríngeos; que estabiliza la laringe se utiliza en la vocalización, provocará errores en la voz como elevación de la laringe y sonidos guturales.

2. Malentendidos sobre la respiración

El método de respiración combinada toracoabdominal hasta ahora se ha considerado generalmente como el método de respiración más científico para cantar, pero todavía hay muchos estudiantes que se sienten frustrados por Entrenamiento de respiración. Bien hecho, pero no hay suficiente aliento al vocalizar. En mi práctica docente, encontré que existen dos malentendidos principales sobre los problemas respiratorios: primero, la respiración no alcanza la profundidad suficiente al inhalar, es decir, no llega al "fondo de los pulmones" requerido por la técnica. Cuando la respiración superficial actúa sobre las cuerdas vocales, el volumen y la presión de la respiración exhalada no son suficientes para impactar las cuerdas vocales cerradas, lo que hace que la voz parezca débil. La causa de la respiración superficial está relacionada con los hábitos respiratorios instintivos. La respiración instintiva es una respuesta instintiva fisiológica similar a las conversaciones ordinarias o después de un ejercicio físico extenuante. Sólo requiere la expansión y contracción del pecho para generar intercambio de gases dentro de los pulmones. La expansión solo se concentra en la parte superior de los pulmones, lo que obviamente es muy diferente de la "inhalación hasta el fondo de los pulmones" que requiere el canto. En otras palabras, la capacidad de la cintura y los músculos abdominales ha perdido su valor de existencia. . Cuando una frase musical más larga requiere un mayor volumen de respiración, la respiración en la parte inferior de los pulmones no puede transportarse eficazmente y se siente que la respiración es insuficiente.

El segundo es la falta de coordinación efectiva entre la respiración y el sonido, lo que provoca que el sonido "no coincida con la respiración". Analizamos las razones de este fenómeno desde dos aspectos. Por un lado, no existe la costumbre de utilizar la respiración para cantar y cantar justo cuando se abre la boca, lo que separa el movimiento respiratorio del movimiento vocal del canto. Por otro lado, prestan demasiada atención a la respiración y aumentan deliberadamente la fuerza de la cintura y los músculos abdominales para ahorrar aliento, lo que resulta en una "contención de la respiración", que impide que la respiración actúe suavemente sobre las cuerdas vocales. El resultado final de ambas situaciones puede resultar en cuerdas vocales tensas y secas y una voz directa y sin matices. En respuesta a la situación anterior, defendemos que es mejor practicar la respiración y el entrenamiento vocal juntos, porque la respiración y la voz están integradas en una sola, y el entrenamiento de la respiración no puede existir independientemente de la práctica del canto. Necesitamos establecer esta conciencia del canto: sólo el sonido sostenido por la respiración es un sonido eficaz, y sólo la respiración que actúa correctamente sobre las cuerdas vocales es una respiración eficaz.

3. Malentendidos sobre el tinnitus

La cavidad del tinnitus del cuerpo humano se divide en tres grandes áreas de tinnitus, a saber: área de tinnitus en el pecho, El área del zumbido de la cavidad orofaríngea ( boca, laringe, faringe) y el área de zumbido de la cavidad de la cabeza (senos paranasales, seno frontal, seno esfenoidal). La cavidad orofaríngea es la primera zona vocal después de que el sonido sale de la garganta. Se conecta con la cavidad de la cabeza y desciende hasta la cavidad torácica. Es una parte muy importante del canto y es decisiva para la plenitud de la voz. embellecimiento del efecto timbre. Pavarotti enfatizó una vez que los sonidos vocales ocurren principalmente en la cavidad oral y faríngea, lo que ilustra el importante papel de la cavidad orofaríngea en todo el canto.

Sin embargo, este ámbito también es el que presenta más malentendidos. La llamada apertura de la cavidad orofaríngea es lo que a menudo llamamos "abrir la garganta". Los requisitos para abrir la garganta se analizaron en el artículo anterior. Lo que hay que señalar aquí es el estado de la "lengua" durante. la apertura de la cavidad orofaríngea. Muchos estudiantes confunden apretar la lengua con abrir la garganta, lo que provoca rigidez de los músculos de la lengua y presión laríngea. Por un lado, destruye el buen estado de formación de la garganta y, por otro, también dificulta la apertura suave de la cavidad orofaríngea. y bueno *** No hay forma de hablar del sonido. La clave para abrir la cavidad orofaríngea es relajar la garganta, la mandíbula y la lengua de forma estable, de modo que estas partes estén en un estado "libre".

Introducción a los conocimientos básicos de solfeo para niños pequeños

El violín es el instrumento más utilizado en la orquesta. Sus técnicas de interpretación son ricas y expresivas. Es principalmente bueno para tocar melodías cantadas y es el principal instrumento melódico de la banda. Es capaz de realizar frases, escalas y arpegios rápidos, y también es muy expresivo como contraste armónico. Cuando se toca solo, sus colores cambian y su interpretación virtuosa entra en juego. Su hermoso y melodioso sonido ha inspirado la imaginación de muchos artistas y ha brindado a la gente muchos placeres artísticos extraordinarios. Por eso la gente la llama la "Reina" de los instrumentos musicales.

El violín está equipado con cuatro cuerdas. La relación de intervalo entre las cuerdas es de quinta pura. Se anota con un pentagrama agudo y el tono es fijo: en general, el timbre de la primera cuerda es brillante y. claro; el timbre de la segunda cuerda es suave y elegante; el timbre de la tercera cuerda es cantabile y ligeramente tenso; el timbre de la cuarta cuerda es profundo y generoso;

Notas sobre la afinación:

1. La afinación del violín es fija en quintas. Cuando afinas como principiante, puedes usar un afinador para calibrar cada cuerda al aire. Una vez que seas competente, puedes calibrar solo la cuerda La, luego calibrar las cuerdas La y Re respectivamente, y luego las cuerdas La y Mi, usando tonos dobles. para afinar, calibre repetidamente hasta que las cuatro cuerdas estén calibradas.

2 Durante la afinación, si la clavija está demasiado apretada y no se puede apretar, puedes aplicar un poco de mina de lápiz o jabón seco; si está demasiado suelta y resbaladiza, puedes aplicar un poco de colofonia en polvo o tiza; polvo.

El violín tiene una amplia gama de sonidos, cuatro octavas desde sol hasta la4. El rango de banda comúnmente utilizado es de g a a3 (es decir, de la primera a la séptima posición).

El violín tiene cuatro cuerdas, por lo que pueden existir muchos tonos en el rango total en varias cuerdas al mismo tiempo, pero la calidad del sonido y el timbre del mismo tono en diferentes cuerdas no son exactamente iguales. Entre las cuatro cuerdas, las agudas (posición alta) de la cuerda Mi son las que más se utilizan, seguidas de las cuerdas A y G, mientras que las agudas de la cuerda Re se utilizan menos. Esto se debe a que la parte aguda de la cuerda tiene un sonido bajo y está amortiguada y tensa, por lo que rara vez se usa. Sin embargo, la parte aguda de la cuerda Sol está tensa y poderosa (es la cuerda más externa y se puede tirar con más fuerza). fuerza) cuando las emociones son altas Tocar con la cuerda G y las notas más altas (posiciones altas) en la cuerda G le dará mejores resultados.

Notación de pentagrama

La notación de pentagrama se compone de cinco líneas paralelas con igual distancia. Los nombres de las líneas se llaman primera línea, segunda línea, tercera línea y cuarta línea de abajo hacia arriba. , la quinta línea, la parte en blanco en el medio de la línea se llama "Jian", y los nombres de las habitaciones también se llaman primera habitación, segunda habitación, tercera habitación y cuarta habitación de abajo hacia arriba. .

Clave de sol (Clave de Sol)

Las líneas y espacios del pentagrama se utilizan para indicar el tono, y la clave determina qué tono representan las líneas y los espacios. Cada línea representa un tono determinado respectivamente. Si no es suficiente, se pueden agregar líneas horizontales cortas encima y debajo del pentagrama para ayudar.

Notas

Los símbolos largos y cortos que se utilizan para grabar sonidos en la música se llaman notas. Consiste en cabezas de talismán, postes de talismán y colas de talismán.

Además de registrar la duración del sonido en diferentes formas, las notas también utilizan diferentes posiciones de las cabezas de las notas en el pentagrama para representar el tono del sonido. Hay dos tipos de notas: notas simples y notas con puntillo.

Reposo

Se llama descanso al símbolo que indica una pausa en el sonido. Los silencios se dividen en silencios simples y silencios con puntos.

Punteado

Los caracteres punteados se colocan a la derecha de las notas y silencios. El punto aumenta la duración de la nota original a la mitad.

Puntos compuestos (también llamados puntos dobles)

Es decir, hay dos puntos en el lado derecho de una nota o silencio, y el segundo punto aumenta en un cuarto del original nota o descanso valor del tiempo.

Línea de compás, compás, línea final

La línea vertical que se utiliza para dividir el tiempo se llama línea de compás. La parte entre dos líneas de compás se llama compás. La línea vertical compleja (una gruesa y otra delgada) grabada al final de la música se llama línea de terminación, lo que indica que la música termina aquí. Las complejas líneas verticales (dos del mismo grosor) grabadas en las secciones obvias de la música indican que la música termina aquí.

Niveles de notas

Tiene siete nombres de rollos (do, re, mi, fa, sol, la, si) o nombres de notas (C, D, E, F, G, Para cualquier tono denominado A o B, cada nivel de tono tiene varios tonos diferentes, que se distinguen por símbolos de tono cambiantes. La relación mutua entre cada nivel de tono es la base de todas las relaciones de tono en la música.

Nivel I - tónico; Nivel II - tónico superior (el vecino superior que conduce al tónico); Nivel III - tono medio (el tono medio de la tónica y dominante); Nivel IV - tono subordinado (el tono de la tónica); - tono dominante (el tono dominante por encima de la tónica); Nivel VI - tono medio inferior (el tono medio del tono dominante por debajo de la tónica); Nivel VII - tono principal (el vecino inferior que conduce a la tónica));

Semitono, tono completo

Al semitono se le llama segunda menor. Dos semitonos son un tono completo y al tono completo se le llama segunda mayor. Una octava se puede dividir en 12 semitonos.

Intervalo musical

La distancia entre dos notas se llama intervalo musical. Los intervalos se dividen en dos categorías: intervalos armónicos que suenan simultáneamente e intervalos melódicos que suenan uno tras otro. Calcula la unidad de intervalo entre dos notas, expresada en "grados".

Una de las principales características del sonido se refiere a la duración del sonido, que viene determinada por el tiempo que el cuerpo sonoro continúa vibrando. En la música, se refleja principalmente en el ritmo y los tiempos. Las notas de diferente duración están marcadas por muchos símbolos diferentes, como notas enteras, negras, corcheas, etc. La sucesión organizada de sonidos en duración. Es uno de los medios de expresión más importantes de la música.

Secuencia repetitiva de unidades rítmicas de valor simultáneo. Es decir, el ciclo regular de latidos fuertes y latidos débiles se llama latido. El tiempo unitario en la posición de acento se llama tiempo fuerte, y el tiempo unitario en la posición débil se llama tiempo débil.

Tiempo (señal de compás)

La unidad de tiempo está representada por una duración fija (blanca, negra, etc.). En el pentagrama, está representado por dos números arábigos debajo y debajo de la tercera línea a la derecha de la clave y la armadura. El número superior indica el número de unidades en cada compás y el número inferior indica la duración del tiempo de la unidad.

Escala musical

En una octava, una secuencia de tonos ordenados según una determinada relación tonal se denomina escala musical.

Tomando como ejemplo la tonalidad de Do mayor, la distancia entre las notas tercera y cuarta (mi y fa), séptima y octava (si y do) son todas semitonos, y la distancia entre las otras notas es un semitono. La distancia entre dos notas adyacentes es un tono completo, que se llama escala mayor. La escala mayor con la nota C como nota principal se llama escala de Do mayor.

La escala menor: con la como nota principal, se compone de siete tonos: la, si, do, re, mi, fa y sol. Tiene tres formas:

1 Menor natural

Al igual que la mayor, también se compone de siete pasos. La diferencia con la mayor es que los semitonos están en el segundo y tercer paso. La distancia entre los sonidos (si y do), el quinto y sexto sonido y la distancia entre otros dos sonidos adyacentes es un tono completo. Las notas utilizadas en la menor natural son exactamente las mismas que las de la relativa mayor, pero las tónicas son diferentes y la disposición de las escalas es diferente (también llamadas tonalidades paralelas). Las notas tónicas de una tonalidad mayor y una tonalidad relativa menor difieren en una tercera menor. Por ejemplo, la relativa menor de do mayor es la menor y la relativa mayor de la menor es do mayor.

2 armónicos menores

Basado en el menor natural, sube la séptima nota (#sol), entre la sexta y la séptima notas (fa y #sol) Para agregar una segunda, la El séptimo tono con la tónica forma una relación de semitono.

3 menores melódicas

Basada en la menor natural, las notas sexta y séptima (#fa y #sol) se elevan al subir, y estas dos notas se elevan al bajar. Restauración del sonido.

Posturas y métodos básicos para tocar el violín

1. Postura corporal

El verdadero significado de la postura es el cambio de movimientos. La postura proviene del movimiento: dado que el movimiento es necesario para realizar la ejecución, la postura es producida por las necesidades del movimiento; la postura también sirve al movimiento; una buena postura hace que el movimiento sea conveniente y la ejecución efectiva; La postura correcta es una de las condiciones básicas para asegurar el alto desarrollo del nivel de juego de los estudiantes.

Al aprender a tocar el violín, debes dominar la postura correcta al tocar en la etapa inicial. Si la postura al tocar es incorrecta, afectará directamente el desempeño normal de la pronunciación del arco, el timbre y las habilidades para tocar. El violín se puede tocar tanto sentado como de pie.

La postura sentada es la postura utilizada en conjuntos y conjuntos.

Es necesario sentarse erguido, con la cintura recta y el cuerpo no apoyado en el respaldo de la silla (es mejor sentarse en la parte delantera de la silla). Elija una silla más alta para que la rodilla derecha pueda extenderse ligeramente y no tocar el muslo derecho al tocar la mitad superior del arco de la cuerda Mi. (Los estudiantes más jóvenes, para reducir la fatiga física, también pueden practicar sentados durante una pequeña parte de cada práctica de piano).

La postura de pie es la postura que se utiliza durante el solo y la práctica. Se requiere que el cuerpo esté naturalmente erguido y relajado, con los pies separados a izquierda y derecha (en línea con el ancho de los hombros) en forma de ocho, y el centro de gravedad de todo el cuerpo colocado plano sobre los dos pies. Al tocar, puedes balancear tu cuerpo de forma apropiada y natural de acuerdo con los pensamientos y sentimientos de la música y la excitación interior que ésta provoca. Sin embargo, debes evitar movimientos excesivos del cuerpo al tocar, porque los movimientos excesivos no sólo parecen incómodos, sino que también requieren un ajuste constante de la relación entre el arco y el piano, lo que traerá muchos factores desfavorables a la interpretación.

2. Sostenga el piano

① Levante el piano con la mano derecha (el pulgar está en el panel del piano y los otros cuatro dedos están en la parte posterior del piano). piano).

②Recógelo y colócalo sobre tu hombro izquierdo (aún sosteniendo el piano en tu mano, con tu cabeza en una posición natural, y usa la almohadilla del piano para acercarlo a tu mejilla izquierda). ).

③Sujete el piano con la mandíbula inferior y el hombro izquierdo (el cuerpo del piano forma un ángulo de 45 grados con el hombro de la persona, la superficie del piano está ligeramente inclinada hacia la derecha y la dirección de el piano está ligeramente hacia la izquierda). El ángulo de sujeción del piano (moviéndose ligeramente hacia la izquierda o hacia la derecha) depende de la longitud de los brazos izquierdo y derecho. Generalmente, la posición de la punta del arco sobre las cuerdas es paralela al puente y forma una cruz con las cuerdas.

④La mano izquierda se dobla por separado para sostener el piano (el piano se puede dejar a un lado en este momento).

⑤La base del dedo índice de la mano izquierda está en contacto con el cuello del instrumento y el pulgar está en contacto con el cuello del instrumento (para hacer esto, primero puede sostener el instrumento con la mano derecha y luego colóquela sobre el hombro).

⑥La palma de tu mano izquierda está doblada hacia adentro en forma semicircular. (Alinee los dedos por delante y por detrás en la misma dirección que el diapasón y mantenga la muñeca y el antebrazo básicamente rectos).

⑦Coloca los cuatro dedos de tu mano izquierda en cuatro grados.

3. La postura de la mano izquierda y el brazo izquierdo

Las distintas partes de la mano izquierda, dedos, muñecas, brazos y codos están todos interconectados entre sí como un todo. Todas las acciones de tocar el órgano interactúan y se influyen entre sí. Los cuatro dedos siempre mantienen la posición básica (relación de cuarto grado) al tocar, y así debería ser en cualquier posición. La rotación del brazo izquierdo hacia la izquierda y hacia la derecha ajusta la relación entre los dedos y el diapasón, de modo que los dedos estén en una posición cómoda y cómoda al tocar las notas de cualquier cuerda. Al tirar de la cuerda G, el codo está en. una posición cómoda. Adáptate a esta posición y gira un poco hacia la derecha, y al tirar de la cuerda Mi, muévete un poco hacia la izquierda. De esta forma, el codo actúa como un timón en un barco, por eso este movimiento se llama ". movimiento de timón del brazo izquierdo." .

Al pasar de una posición baja a una posición alta, el brazo izquierdo también cambia, por un lado se dobla más y por otro, gira hacia la derecha para adaptarse a las necesidades de los dedos. jugando en la posición alta.

Para aclarar los movimientos de estas dos formas, puedes tomar el ejemplo de tocar una escala de dos octavas con posición fija y una escala de tres octavas con posiciones cambiantes para observar atentamente cómo funcionan los brazos. . acción.

4. Sostener y mover el arco

En primer lugar, lo que estás sosteniendo no es un arco, sino un lápiz.

1. Coloca tu mano derecha plana sobre la mesa de forma natural con la palma hacia arriba.

2. Coloca un lápiz en tu mano, con un extremo en la parte superior de tu dedo meñique y el otro extremo en el segundo nivel de tu dedo índice.

3. Doble ligeramente el pulgar y coloque la yema del dedo (la parte ligeramente hacia la derecha) encima del punto donde su dedo medio toca el lápiz.

4. Doble los cuatro dedos juntos para sujetar suavemente el lápiz, y al mismo tiempo arquee un poco el pulgar.

5. La mano está tan lista como arriba, luego gírela con la palma hacia abajo y las articulaciones de los dedos pueden moverse hacia arriba y hacia abajo libremente.

6. El dedo meñique no debe estar rígido, sino relajado y naturalmente doblado sobre la varilla del arco para compensar el peso del arco en el otro extremo del fulcro. ;