Que vivas tiempos interesantes | Curador Ralph Rugoff
“El arte no ejerce su poder en el ámbito político. Por ejemplo, el arte no puede prevenir el surgimiento de movimientos nacionalistas y gobiernos autoritarios en todo el mundo, ni puede aliviar el trágico destino de las personas desplazadas en todo el mundo. Sin embargo, el arte puede De manera indirecta, puede proporcionar a las personas alguna orientación sobre cómo vivir y pensar en "tiempos interesantes"
?Ralph Rugoff
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Ralph Rugoff ha sido director de la Hayward Gallery en Londres, Reino Unido, desde 2006. La Hayward Gallery abrió sus puertas en 1968 y es considerada la galería más famosa del Reino Unido. *Una de las galerías de arte de las que forma parte. el sistema South Bank Art Center, el centro de arte más grande de Europa, que recibió una gran cantidad de financiación del British Arts Council. En 2015, Ralph Rugoff fue el director artístico de la Bienal de Lyon, con el título curatorial La vie moderne. Entre 1985 y 2002 escribió numerosos artículos de crítica cultural y de arte para numerosas revistas y publicó en revistas y periódicos de arte, incluidos Artforum, Artpresse, FlashArt, Frieze, Parkett, Grand Street, Financial Times, Los Angeles Times, Los Angeles Weekly. colección de ensayos "Americans at the Circus" (1995), exploró el fenómeno cultural del oeste americano. Durante el mismo período, comenzó a trabajar como curador independiente, ex director del CCA Wattis Institute de San Francisco (. 2000-06), fue curador de numerosas exposiciones en la Hayward Gallery, incluidas "Just Pathetic" (1990) y "Crime Scene" (1997), exposiciones subgrupales, incluidas Paintings of Modern Life (2007), Psychology y Architecture (). 2008), contó con instalaciones interactivas e inmersivas de artistas como Mike Nelson, Gelitin y Do-ho Suh, y la exposición The Infinite Mix (2016). También ha curado importantes retrospectivas y exposiciones individuales de Ed Ruschka, Jeremy Deller, Carsten Holler; , Tracey Emin y George Condo.
“Cuando miras una exposición como ésta, te das cuenta de que lo que estás viendo es solo parte de un panorama más amplio. Esto también revela que en un entorno informativo aparentemente cada vez más limitado, la existencia del arte se ha vuelto más ambigua y contiene más contradicciones." Ralph Rugoff, director artístico de la Bienal de Venecia 2019) fue entrevistado por "Art News/International Edition", respondiendo a "tiempos interesantes" con un arte de contradicciones y paradojas
Rugoff espera crear una bienal cohesiva a través de sus ideas audaces. Dividió toda la exposición en dos partes separadas en el Arsenale y el Giardini, cada una mostrando diferentes obras de. Los mismos 79 artistas anunció la exposición en marzo. Al explicar los detalles, dijo que las obras que eligió son "diversas, ambiguas y pueden causar contradicciones y paradojas". Espera crear conexiones inextricables con el público a través de diferentes formas. interpretación."
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▲ Vista de la exposición "Lee Bul: Crashing", Hayward Gallery, Londres, 2018
?Aunque el tema es abordar "problemas importantes en la sociedad y el discurso social, Rugoff todavía espera que La exposición puede ser divertida, dijo, parte de la razón de los conflictos divisivos es el fenómeno actual de "noticias falsas y los llamados 'hechos alternativos'", que es "muy importante para nosotros". Cuando los gobiernos recurren a la fabricación o la confusión de los hechos, creo que los artistas necesitan redefinir y adoptar nuevas formas de cuestionamiento. Simplemente oponerse a la crítica no es suficiente." En la etapa final de los preparativos de la exposición, fue entrevistado por Art News/International Edition.
▲go Rondinone, "GRACIAS 4 NADA", 2015, en "El Vista de la exposición Infinite?Mix: Contemporary Sound and Image", Hayward Gallery, Londres, 2016U
P: En cuanto al tema de la exposición, ¿cuál es su significado?
R: Estaba reflexionar sobre algunos de los horribles acontecimientos políticos de los últimos dos o tres años y pensar en cómo curar una exposición que refleje los tiempos en los que vivimos sin ser deprimente. Es un dicho que he escuchado desde que era niño: “Mayo. vives en tiempos interesantes”. La respuesta está abierta a lo que significa. Podría ser una forma de construir una exposición que refleje los tiempos, o podría ser una perspectiva de la vida: piense en esos tiempos como "tiempos interesantes". Además de períodos peligrosos, aterradores y espantosos de la historia humana, de hecho, este tema también tiene una dimensión de noticias falsas: esta afirmación se considera antigua. El mantra chino ha sido repetido durante los últimos 100 años, por todos, desde los británicos de antes de la guerra. los políticos hasta Hillary Clinton; desde Albert Camus hasta Arthur Charles Clark. Piensan que es una antigua maldición china, aunque no lo sea. Ahora que vivimos en la era de Internet, podemos ver que ninguna maldición ha planteado preguntas tan interesantes sobre los tiempos.
▲?Portada del libro de Ralph Rugoff "Circus Americanus"
P: ¿Cuántas obras de artistas están directamente relacionadas con el concepto de noticias falsas o hechos alternativos
R: ¿Algunos? El artista aborda este concepto de manera muy directa y otros se centran en las redes sociales. No quiero decir que esta sea una exposición sobre noticias falsas y hechos alternativos. que una exposición trata sobre algo. Estas cosas están directamente relacionadas con la idea de que cualquier cosa que no sea arte puede ser "sobre" este o aquel punto. La exposición espera más bien permitir al público sentir la complejidad de la obra de arte y tener una comprensión diferente. de la obra a través de su propia experiencia; la obra crea un diálogo con el público y, en última instancia, plantea preguntas. Para mí, este es el propósito de la exposición: proporcionar algunas preguntas interesantes en las que todos puedan pensar en el futuro. Lo importante de esta exposición no es lo que sucede en la sala de exposición, sino cómo la experiencia adquirida en la exposición puede ser utilizada por el público fuera de la exposición.▲Liu Wei, "Microcosmos", 2018? Placa de aluminio, dimensiones variables
P: Dividiste las exposiciones en Armory y Greentown Garden en dos exposiciones.
R: Hay dos razones: Primero, en respuesta a las crecientes divisiones en una sociedad extremadamente dividida. El Brexit representa tal cisma.
También es una forma de llamar la atención sobre la diversidad de prácticas artísticas. Artistas interesantes trabajan de diferentes maneras y su trabajo abarca diversas formas y categorías. Cuando miras una exposición como ésta, te das cuenta de que lo que estás viendo es sólo parte de un panorama más amplio. Esto también revela que en un entorno informativo aparentemente cada vez más limitado, la existencia del arte se ha vuelto más ambigua y contiene más contradicciones.
▲ARSENALE/Armory
P: Los artistas a menudo están limitados a una determinada categoría, pero usted dijo: "Los artistas pueden ir en cualquier dirección. Aquí, cada uno tiene algo. Dos maneras de trabajando”
R: Absolutamente. Y cada uno de estos métodos es multidimensional. Si miras con suficiente atención, puedes romper las limitaciones del pasado. Muchas de las obras de esta exposición reflejan esto. Este tipo de trabajo siempre me emociona, y si tuviera un criterio de calidad a la hora de juzgar una obra de arte, sería qué tan bien te hace vibrar la obra de arte, cómo te hace sentir un sentido de significado versus otro. entre significados que nunca termina. Esta es una experiencia incomparable.
▲Zanele Muholi, Bona, Charlottesville, Virginia, 2015 Impresión en gelatina de plata, 80 x 50,5 cm
P: Su exposición sólo invitó a artistas vivos, mientras que en la anterior hay muchos fallecidos Artistas en la Bienal de Venecia.
R: Documenta también presenta a muchos artistas fallecidos. Reorientar la atención hacia artistas que han sido olvidados o que no han recibido la atención que merecen se ha convertido en una nueva tendencia curatorial. Para mí, proyectos como este son increíbles, ya que permiten que la gente conozca a personas que merecen ser recordadas pero que están siendo ignoradas. Me gusta que las bienales sean “únicas”; sé que esa no es la palabra correcta. Celebrada cada dos años, la Bienal aporta una especie de convergencia efímera que se centra en el presente en lugar de tener que lidiar con qué artista debería figurar en los libros de historia. Como curador, tienes más control sobre las obras de artistas fallecidos, pero lo que me resulta más interesante es tener conversaciones con los artistas con los que colaboro. Esta vez todos los artistas estaban emocionados de presentar dos tipos de trabajos diferentes. Nadie se queja de esto y ciertamente podemos esperar que la gente esté realmente entusiasmada con la idea.
▲¿Mari Katayama? Cannot Turn the Clock Back #005, 2017
P: Dijiste que si fuera un pasaje sin fin, la exposición de la Armería sería un "viaje de la muerte" , por lo que utiliza particiones transparentes para distinguirlo. Las bienales pueden resultar agotadoras para los espectadores; usted parece ser muy consciente de ello.
R: Sí. Como espectador, siento que la Bienal es básicamente una experiencia muy dura. Siempre he sido sensible al impacto de la arquitectura en las obras de arte, y también soy muy sensible a la forma en que se colocan las obras de arte y su entorno. Doce años de trabajo en el Museo de Arte de Hayward me han hecho más consciente del impacto de la arquitectura en el trabajo curatorial. Se puede decir que la Armería y el Jardín de la Ciudad Verde son los dos lugares más diferentes de Venecia: uno es un pabellón neoclásico de finales del siglo XIX y el otro fue originalmente una fábrica de cuerdas que data del siglo XIV. Se podría argumentar que han traído una sensación de división a la Bienal de Venecia cada año, por lo que sería mejor si este tema se abordara de manera más consciente.
▲ARSENALE/Arsenal, una de las principales salas de exposición de la Bienal de Venecia
La Armería es un rectángulo de 300 metros de largo, normalmente dividido en dos columnas de principio a fin; se siente Es un poco como el tracto digestivo: entras por un extremo y te escupen por el otro. Normalmente todo el mundo construye muros de separación según la longitud del edificio, pero a mí esto me parece demasiado una feria de arte. Puedes mirar este largo pasillo con arte a ambos lados y ver muchísimo. Por lo tanto, dividimos este largo espacio rectangular en muchas partes verticalmente. Es más como un laberinto; espero que el público no se sienta cansado al final. Probablemente todavía lo haga. Pero creo que al menos te permite concentrarte cuando miras la obra, porque no habrá la distracción de otras 15 obras de arte detrás de ti.
? Reseña | Bienal de Arte de Venecia 2019
?Jimmie Durham Obras varias, 2017 Técnica mixta
Foto de: Andrea Avezzù
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Jimmie Durham
El artista Jimmie Durham, que nació en los Estados Unidos en 1940, es el ganador del León de Oro a la Trayectoria de este año.
En esta exposición, Durham presenta una serie de esculturas dedicadas a los mamíferos más grandes de Europa, muchos de los cuales están en peligro de extinción: son sacrificados para fabricar muebles, materiales industriales y ropa.
En su investigación artística, Durham se interesa por lo que sucede "más allá del lenguaje" y la relación entre forma y concepto. Rechaza el racionalismo occidental y su práctica está arraigada en la incertidumbre y la paradoja. El curador Ralph Rugoff comentó que las esculturas de Durham suelen ir acompañadas de "contenido textual humorístico pero profundo que comenta puntos de vista y prejuicios eurocéntricos... (Su) contribución al campo del arte radica en su creatividad formal y conceptual, su comprensión de la disonancia y la Una combinación inteligente de puntos de vista alternativos y un alto nivel de juego lo hacen destacar”. >
¿Vídeo?Arthur Jafa?¿El Álbum Blanco, 2019?Vídeo
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Foto de: Ben Davis
Arthur Jafa
El artista estadounidense Arthur Jafa ganó el Premio al Mejor Artista en el Premio León de Oro de este año.
Su trabajo en vídeo "El Álbum Blanco" expuesto en la Bienal se centra en la corrupción y la fragilidad de la raza. Se trata de un trabajo en constante evolución y cambio, en el que Jafa alterna entre vídeos existentes en línea y sus propios vídeos, con la imagen oscilando entre diferentes tomas. Hoy en día, plataformas como Youtube y Spotify brindan a los artistas la oportunidad de recrear constantemente su material. Esta producción híbrida es parte de la cultura en línea, ya que una extensión del cerebro humano puede ser una forma de describir el trabajo de Jafa. Como cultura, sobrevivir y crecer en Internet se está entrelazando cada vez más con nuestro sistema nervioso humano.
¿Rueda de hierro?Arthur Jafa?Obras varias, 2018
Técnica mixta
Foto de: Andrea Avezzù
George CondoDouble Elvis, 2019
Acrílico, gesso, pintura metalizada y barra pigmentada sobre lino
Foto de: Andrea Avezzù
¿Zanele Muholi? Obras varias, 2015-2018
Fondo de pantalla
Foto de: Italo Rondinella
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¿Haris Epaminonda?VOL XXVII, 2019?Instalación en medios mixtos
Foto de: Italo Rondinella
Haris Epaminonda
Nacido en Chipre en 1980 El artista Haris Epaminonda es el ganador del León de Plata de este año al artista joven más prometedor.
Su arte es de costura, plegado y extraña simetría. La obra intenta fusionar cosas dispares, donde la realidad está mediada por el pasado, la vida cotidiana y el futuro, acumulando objetos e imágenes y mezclándolos para crear una emoción visual en la que sumerge al espectador. El arte contemporáneo no responde a preguntas lógicas, sino a emociones y sensibilidades propias de cada pregunta.
Tavares StrachanObras varias, 2018
Técnica mixta
Foto de: Liang Xiao
¿Cadena?Yu Ji?Varios trabajos, 2013-17
Técnica mixta
Foto de: Italo Rondinella
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Escultura gris Yu Ji? Serie Flesh in Stone, 2013-18
Técnica mixta
Foto de: Italo Rondinella
Alex Da Corte, el diablo del lápiz de goma , 2019
Técnica mixta
Foto de: Andrea Avezzù
Nabuqi, ¿Suceden cosas reales en ¿momentos de racionalidad?, 2018
Técnica mixta
Foto de: Francesco Galli
Jean-Luc Moulène, Obras varias, 2009-2019
Técnica mixta
Foto de: Italo Rondinella
Yin Xiuzhen, Obras varias, 2012 -2017
Técnica mixta
Foto
o por: Italo Rondinella
Martine Gutiérrez, Body En Thrall de Mujer Indígena, 2018
Impresión C montada en Sintra
Foto de: Italo Rondinella'
Jon Rafman, Sueño Journal 2016-2019, 2019
Vídeo HD monocanal, color, sonido estéreo
Foto de: Liang Xiao
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¿Jon Rofman?
En la película "Dream Journal", dos jóvenes heroínas se embarcan en un viaje por diferentes motivos. Un viaje dantesco a través de la serie de paisajes distópicos absurdos de Jon Rofman. La trama fragmentada de la película entrelaza profundas imágenes de Internet con tropos épicos clásicos y fantasías sexuales reprimidas, creando una visión de pesadilla del subconsciente de un adicto a Internet. El arte de Jon Rofman se centra en las ambigüedades y patologías blandas producidas por la intensidad de la relación entre las personas, Internet y las máquinas.
Margaret Wertheim y Christine Wertheim
Pod Worlds – Beaded, 2005-2016
Bordar cuentas, hilo, arena y piedras
Foto de: Francesco Galli
Sun Yuan y Peng Yu, Estimado, 2015
Bomba de aire, tanque de aire, manguera, sofá
Foto de: Italo Rondinella
Gabriel Rico, Obras varias, 2016-2017
Técnica mixta
Foto de: Francesco Galli
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