Quiero hacer una animación sencilla, por favor dime cómo hacerla.

Primero debe encontrar las herramientas de producción adecuadas

Capítulo 1: El primer paso antes de la preproducción

Por lo general, se realiza la llamada animación. Antes de la producción, a menudo hay un largo (o algo doloroso) período de trabajo de preproducción. El trabajo de preproducción se refiere al trabajo de preparación para iniciar la producción. Pero ¿qué pasa con el frente de preproducción?

El frente de preproducción es la planificación

. dividido en dos tipos. La primera es que durante la reunión de planificación anual, el jefe de la empresa de animación o un productor un poco grande y con voz ve un cómic o una novela muy interesante y famoso y siente que sería bastante rentable convertirlo en un cómic. animación, así que basta con llamar al agente que representa el cómic o novela elegido y preguntarle si se han vendido los derechos para convertirlo en animación. En caso contrario, empezar a negociar los derechos, lo que puede ser "a veces largo, a veces corto, a veces doloroso". , a veces feliz." Si ve las palabras "trabajo original" al comienzo del título de la animación, en su mayoría pertenece a este tipo.

El otro tipo es que los directores o animadores afiliados a compañías de animación sienten que sería interesante convertir en animaciones sus pensamientos descabellados, su falta de dibujo, su falta de envío de manuscritos a tiempo y sus ensoñaciones, por lo que comience a escribir sus propias propuestas y luego entréguelas al jefe para que las revise. Afortunadamente, si el proyecto es aprobado, el jefe o productor correrá buscando patrocinadores... ah, no, los patrocinadores se unirán para apoyar el gran proyecto. Si ves la palabra "proyecto original" en el título de una animación, en su mayoría pertenece a este tipo.

Por favor, no preguntes qué hacer si la negociación fracasa o el plan no se aprueba. La respuesta es sencilla: si la negociación fracasa, entonces busque otro objetivo; si el plan fracasa, escriba otro plan.

Capítulo 2: Después de que la negociación sea exitosa o se apruebe el plan

Hablemos primero del siguiente paso de la empresa de animación si se aprueba el plan original.

Básicamente, las empresas de animación no tienen los fondos para producir obras de animación de forma independiente (ya sea TV u OVA). Por lo tanto, cuando una empresa de animación quiere crear obras originales, lo más importante es proponer una. plan a los patrocinadores (*1). ¿Están interesados ​​en invertir? Si el patrocinador no está interesado en el nuevo proyecto de trabajo propuesto por la empresa de animación o cree que el producto (*2) no tiene valor de mercado, entonces el proyecto nunca volverá a ver la luz.

En comparación con el proyecto original, el plan de animación del trabajo original (*3) suele ser más fácil de pasar el nivel de patrocinador. Debido a que la obra original básicamente ya tiene una base de clientes fija (*4), los patrocinadores tienen más seguridad psicológica y están dispuestos a invertir en adaptar la obra original a la animación y recuperar su inversión vendiendo productos relacionados.

¿De qué forma se presentará el plan a los patrocinadores?

Las productoras estadounidenses producirán primero Pilot Film. El llamado Pilot Film se refiere al cortometraje destacado de la obra, que es la principal herramienta a la hora de presentarla a los patrocinadores para persuadirlos a invertir. Sin embargo, en Japón, las empresas de animación normalmente no tienen los fondos para producir películas piloto, por lo que los planos o guiones suelen enviarse a los patrocinadores en formato impreso. Por lo tanto, es posible que el guión se haya completado antes de la preproducción. Porque cuanto más comprendan los patrocinadores los "aspectos interesantes" del trabajo original, más probabilidades tendrán de impresionarlos y obtener fondos para la producción.

*1: Patrocinador-Patrocinador Suele referirse a productoras de cine y televisión, como Bandai Visual, Pioneer LDC o Kind Record…etc. Tradicionalmente, las productoras de animación son simplemente subcontratistas de las productoras de cine y televisión para producir obras de animación. Sólo en los últimos uno o veinte años las productoras de animación han tomado la iniciativa de proponer planes y obtener fondos para la producción.

*2: Mercancía: Es innegable que cualquier trabajo cinematográfico y televisivo de entretenimiento es un tipo de mercancía. No es difícil de entender si se miran las obras cinematográficas o de animación actualmente populares.

*3: Obras originales: incluyen cómics, videojuegos y novelas.

*4: Base de clientes: Dibujantes populares, novelistas o entusiastas de los videojuegos.

Capítulo 3: Cómo calcular los costes de producción

El procedimiento de cálculo teórico es muy sencillo.

Los 4 millones de yenes son el coste de producción.

Los fondos asignados a varios departamentos de producción están todos incluidos en estos 4 millones de yenes. Por ejemplo, presentaremos directores de animación, diseñadores de personajes, artistas de guiones gráficos, animadores principales, animadores de base, diseñadores musicales, coloristas, editores, diseñadores de packaging... y así sucesivamente.

De esta forma, calcular los gastos parece muy sencillo. Pero, de hecho, cómo estimar cuántos decorados puede vender una obra de animación depende de la experiencia en ventas de los productores de la compañía de cine y televisión, la popularidad del director de animación, el encanto de los personajes diseñados por el diseñador de personajes y la popularidad del actores de voz. Estos factores humanos hacen que la estimación de los costos de producción sea una tarea no trivial. Por ejemplo, si cada una de las películas animadas dirigidas por un director famoso ha batido récords de taquilla en Japón y ha ganado premios en festivales de cine internacionales, los fondos de producción que le darán los patrocinadores serán mucho mayores que los de otras obras. Con suficientes fondos de producción, puede aumentar el número de tomas y contratar actores de doblaje (o actores) y grupos de producción musical más famosos para aumentar la visibilidad y el efecto publicitario del producto. Si se trata de un recién llegado sin "rendimiento", entonces los fondos pueden ser relativamente pequeños. Como las empresas de cine y televisión no tienen un punto de referencia con el que comparar (el desempeño de los recién llegados), serán más cautelosas a la hora de invertir en este nuevo proyecto.

Capítulo 4: Trabajo de preproducción 1: Guión (*1)

A partir del análisis del diagrama a continuación, hemos explicado a grandes rasgos los pasos previos del trabajo de preproducción en anteriores Capítulos Pasos importantes. A partir de este punto, comenzaremos a explicar uno a uno el proceso de preproducción. Como puede ver en la imagen, el primer y más importante paso es el "scripting". Todo el diseño de personajes (*2), diseño mecánico (*3) y diseño artístico (*4) y los directores deben componer las tomas según el guión. Por lo tanto, no importa qué tipo de proyecto sea, el guión juega un papel muy importante en el proceso de producción.

Mencionamos en el segundo capítulo que el guión pudo haberse completado durante la etapa de planificación. En ese caso, ¿debería revisarse nuevamente el guión una vez aprobado el plan? Esto depende de las opiniones del productor y del director. En la imagen de la izquierda, puedes ver los tres caracteres "Productor" (*5). El productor es responsable del éxito o fracaso de una obra animada. Por tanto, si el productor tiene algún problema con el guión (no es lo suficientemente atractivo...) el guionista (*6) tendrá que modificar el guión. Por supuesto, si el director tiene opiniones sobre el guión y el productor está de acuerdo con la opinión del director, las modificaciones al guión son inevitables. Además, incluso si el director no está de acuerdo con el guión preliminar y el productor cree que no es necesaria ninguna modificación, el guión no será modificado.

Las empresas de animación general no tienen guionistas exclusivos y la mayoría contrata escritores independientes (algunos de estos escritores son escritores SOHO y algunos han montado estudios con varios escritores de ideas afines, como el famoso Studio Orphy) Ven y escribe. La razón para no contratar escritores dedicados es porque la redacción de guiones no es un departamento que se necesite durante todo el año. Así que simplemente firma un contrato de proyecto con el guionista cuando sea necesario. Sin embargo, algunas productoras de animación tradicionales con una larga trayectoria todavía tienen departamentos de guionistas dedicados.

Escribir guiones no es una cuestión sencilla. A diferencia de las novelas, todas las acciones y emociones de los personajes deben describirse en detalle como un espectador. Por ejemplo, si un personaje está muy enojado, dado que todos están enojados de diferentes maneras, no solo es necesario describir cómo está enojado. , pero también para describir su comportamiento con gran detalle. Utilice acciones para ilustrar la personalidad y las características del personaje (por ejemplo: Taro está furioso = Taro apretó los puños, sus ojos formaron una línea, el sudor de su frente goteaba y. el fuego en su cabeza ardía...). La peculiar forma en la que se escriben los guiones hace que a veces un novelista no sea un buen guionista. Y no hay muchos buenos guionistas.

Capítulo 5: Trabajo de Preproducción 2: El Trabajo del Director (*1)

El director es el líder de todo el equipo de producción de animación. No existe un punto de referencia determinado en la industria de la animación japonesa para juzgar las calificaciones de un director. Los directores famosos actuales tienen diferentes procesos para convertirse en directores. Algunos cambiaron de carrera desde la industria cinematográfica, algunos comenzaron como animadores, algunos son guionistas y directores, y algunos comenzaron a dirigir desde el principio. En términos generales, la mayoría de los directores en los primeros días de la animación comenzaron como gerentes de producción (*2) y participaron en la producción de animación durante muchos años antes de ser promovidos a directores o cambiar de carrera en la industria cinematográfica. Pero con el paso del tiempo, la mayoría de directores de animación actualmente se inician como animadores. El encanto de ser director es que tú mismo puedes decidir el rumbo de tu trabajo. Pero como el director decide todo, el trabajo es ajetreado y el éxito o el fracaso de la obra también recae en el director. Por tanto, no todas las personas involucradas en la producción de animación tienen como objetivo final convertirse en directores.

Para aquellos que quieren convertirse en directores, no importa desde qué tipo de trabajo comiencen, siempre que estén decididos, convertirse en directores no es difícil.

A continuación se muestra un resumen del trabajo real de los directores:

1. Trabajo de preproducción:

* Finalizar el guión con los guionistas y productores.

* Reunirse con diseñadores de personajes, diseñadores mecánicos y diseñadores de arte para finalizar cada proyecto de diseño

*Producir guiones gráficos (*3) (a veces producidos por el asistente de dirección)

2. Durante el proceso de producción, discutir la dirección de producción de cada episodio con los asistentes de dirección (*4)

3. Trabajo de postproducción:

* y. el editor Edita vídeos

* Guía a los actores de doblaje y directores de sonido para crear los efectos ideales

* Síntesis de efectos de imagen y sonido.

4. Participar en todas las actividades publicitarias

Pregunta: "¿Cuánta mano de obra y recursos materiales cuesta producir una animación?" términos Para una animación OVA de 26 minutos, se necesitan al menos 150 personas. En cuanto a los recursos materiales, presentaremos los elementos requeridos por cada miembro uno por uno al presentar a los 150 miembros principales de producción.

Capítulo 6: Trabajo de preproducción tres: guiones gráficos (*1) y trabajo del asistente de dirección (*2)

Los siguientes son guiones gráficos japoneses (principalmente en Europa y América). (eche un vistazo a las mesas horizontales en el proyecto "Animation" de Studio Tour en el sitio web de Cartoon Network en Estados Unidos). Los guiones gráficos son simplemente "guiones presentados como imágenes". El tiempo que lleva dibujar los guiones gráficos varía según el cronograma de producción. En promedio, los guiones gráficos de una animación de 26 minutos tardan tres semanas en completarse. No es necesario que el guión gráfico dibuje a los personajes con precisión, siempre que pueda ser entendido por el personal posterior. A pesar de esto, el artista del guión gráfico aún necesita practicar el modelado de personajes de cada obra y comprender las características de la obra de antemano para que el artista original (*3) pueda dibujar con precisión las tomas requeridas por el asistente de dirección de cada episodio en función del guión gráfico.

A menudo se ve que el artista del guión gráfico y el asistente de dirección son la misma persona. La razón es sencilla. Porque el diseñador gráfico (artista del guión gráfico) suele ser quien mejor comprende los efectos y las habilidades de actuación de voz necesarias en cada toma para resaltar el encanto de la obra. Por lo tanto, la mayoría de los artistas de guiones gráficos también trabajan como asistentes de dirección.

El subdirector básicamente comparte la carga del director. Ya sea una serie OVA con un número reducido de episodios o una serie de animación de televisión con 26 episodios, es imposible que un director se encargue de todos los detalles de producción. Por lo tanto, cada serie animada tiene un puesto de asistente de dirección para gestionar la producción de animación de cada episodio. El director es el principal responsable del importante primer y último episodio. El contenido del trabajo del asistente de dirección es básicamente el mismo que el del director, excepto que no es responsable de los guiones de preproducción, los borradores de diseño y las actividades publicitarias de posproducción. Sin embargo, dado que el director es el comandante general de toda la obra, antes de que el asistente de dirección sea responsable de la producción de cada episodio, los guiones gráficos elaborados por el asistente de dirección deben ser aprobados por el director antes de que el trabajo pueda asignarse oficialmente al original. artista para la producción.

Nota:

*1. Guión gráfico: Inglés: Storyboard

*2. Asistente de dirección - Inglés: Asistente de dirección, Director del episodio Japonés: Actuación (Ennshutu)

*3. Animador original - Inglés: Key Frame Animator Japonés: Pintura original (genga)

Capítulo 7: Trabajo de preproducción 4: Diseño de personajes (*1) y personajes. trabajo de un diseñador (*2)

La producción de animación es una actividad grupal que requiere una estrecha cooperación. Por eso, además de un buen guión, un director experimentado y, por supuesto, personajes encantadores, un buen trabajo es un factor importante que hace que la obra sea más atractiva. En el primer capítulo de esta unidad, explicamos que existen dos tipos de obras de animación: obra original y proyecto original. El diseño de los personajes también es diferente por esto.

Al adaptar el cómic original a la animación, debido a que los personajes y el vestuario ya están finalizados, no es necesario realizar ningún diseño adicional. Pero, ¿por qué cada animación original todavía está marcada con "diseño de personaje original" y "diseñador de personaje de animación"? En primer lugar, los cómics son trabajos estáticos. Debido a que hay pocos fotogramas, las líneas y el vestuario de los personajes pueden ser complicados para profundizar la belleza y la belleza. de la obra.

Sin embargo, al hacer animación, mantenerse fiel a las líneas de los personajes originales alargará el tiempo de dibujo y prolongará el tiempo de producción (y costará más dinero), por lo que es necesario simplificar las líneas de los personajes originales. En segundo lugar, como no es necesario colorear los personajes de cómic, no es necesario conectar cada línea. Sin embargo, la animación requiere coloración, por lo que se debe mejorar el modelado original del personaje para conectar todas las líneas para que el colorista las coloree (*3). En tercer lugar, algunos personajes de cómics originales no son adecuados para obras de animación. Por razones de eficiencia de producción, coloración y modelado de animación, la animación original necesita contratar un diseñador de personajes de animación adicional.

El diseño de personajes de la animación original es una tarea creativa y difícil. Cuando el diseño de personaje original fue entregado al diseñador de personajes, eran solo palabras e instrucciones verbales del director (*4). Por lo tanto, el diseñador sólo puede confiar en el guión y en su propia habilidad de dibujo para diseñar de la nada personajes que puedan resaltar el encanto de la historia de la obra y hacerla impresionante. Además, se debe considerar la eficiencia de la producción y no se deben dibujar personajes con líneas demasiado complicadas. Por lo tanto, incluso los estilistas experimentados pueden tardar un poco (*5) en finalizar el diseño.

Los dibujos de diseño de personajes una vez completado el diseño de personajes del trabajo de preproducción (consulte el diseño de personajes que figura en el sitio web del "Proyecto Plutón"). Se entregará al artista original para que realice el trabajo de dibujo de cada toma. Hay tres tipos de dibujos de diseño para un personaje: dibujos de diseño de ropa, dibujos de diseño de expresiones faciales y dibujos de diseño de decoración local. Todos los diseños generalmente se dividen en expresiones frontales, laterales, posteriores y especiales (enojado, triste, sonriente, etc.) para que el artista original los simule.

¿Cómo convertirse en diseñador de personajes? Según los diseñadores senior de AIC: "Es muy simple. ¡Sigue practicando y dibujando!"... Bueno... en realidad no es tan simple. Cada uno dibuja el mismo personaje con un estilo diferente. Algunos son atractivos, mientras que otros son sencillos y corrientes. De hecho, como dicen, se necesita práctica y refinamiento constantes para mostrar diferentes estilos. Y el simple hecho de poder dibujar bien personajes femeninos o animales no necesariamente te convierte en un diseñador de personajes para animación. La condición importante para un diseñador de personajes es poder dibujar una amplia gama de personajes especificados en la obra. En otras palabras, la capacidad de dibujo del diseñador debe ser lo suficientemente flexible para cumplir con los requisitos de cada obra. Si puedes cumplir plenamente con los requisitos de la productora y si los personajes originales que diseñas son lo suficientemente atractivos, puedes convertirte en un conocido diseñador de personajes de animación.

Las herramientas que necesitan los diseñadores de personajes se pueden ver en la foto de arriba. Una mesa de dibujo, lápiz, borrador y una pila de papel blanco son el equipo más básico (un poco sin sentido...^_^. Además, un espejo es un equipo imprescindible, porque a veces los movimientos y partes de los personajes necesitan para dibujar mirándose en el espejo Otros Los libros de referencia y las herramientas de dibujo dependen completamente de las necesidades de cada diseñador de personajes, por lo que no se describirán en detalle aquí. >

*1. Modelado de personajes → Inglés: Diseño de personajes

*2 Diseñador de personajes → Inglés: Diseñador de personajes

*3. Ge

* 4. Según la experiencia del editor, los requisitos del director para la apariencia del personaje no son muy claros. Por ejemplo: "Este personaje debe tener el encanto tanto de un adulto como de una niña. Debería. Sea un poco lindo, pero no demasiado. Eso es todo. Se entregará en aproximadamente X semanas. "Aun así, la mayoría de los diseñadores con grandes habilidades aún pueden dibujar la forma ideal. Aquí es donde los diseñadores de personajes senior son geniales.

*5.Desde el diseño hasta la finalización el tiempo varía dependiendo de cada trabajo. Un diseñador rápido y bueno puede ser capaz de enviar el borrador básico para el trabajo de revisión en una semana, mientras que un diseñador lento y bueno puede tardar más en hacerlo. finalizar. El tiempo es de un mes pero esto depende enteramente de la situación del proyecto de producción y no se puede generalizar.

Capítulo 8: Trabajo de preproducción 5: El trabajo del diseño mecánico y los diseñadores de fondo

Hace unos años, no había diseñadores mecánicos dedicados. La mayoría de ellos fueron realizados por diseñadores de personajes o animadores que eran buenos en maquinaria eléctrica y cosas similares después de "Space Battle Ship YAMATO". )" realmente se posiciona como un diseñador de modelado mecánico profesional.

Los diseñadores mecánicos deben considerar muchos factores en la producción de animación para diseñar el modelado mecánico requerido para cada animación.

Primero, se deben hacer muchos deberes diariamente para cumplir con los diversos requisitos de diseño que siguen. En segundo lugar, la forma mecánica de las líneas "apropiadas" debe diseñarse teniendo en cuenta la fecha y el progreso de la producción. Las llamadas líneas "apropiadas" se deben a que si hay demasiadas líneas, aunque el robot o la nave espacial se verá genial, el tiempo que les tomará a los animadores dibujar una toma será relativamente más largo. Sin embargo, si hay muy pocas líneas, el robot parecerá demasiado simple y aburrido, por lo que las líneas adecuadas son muy importantes a la hora de diseñar. El último paso es investigar cada mundo de animación para comprender y diseñar un guerrero mecánico o una nave espacial que pueda cumplir con los requisitos del director.

Las condiciones para ser estilista mecánico son que debes tener conocimientos de diseño industrial y tener mucho cariño a la maquinaria (como coches, motos, aviones, barcos… siempre y cuando sean de metal). ).

Los diseñadores de fondos tienen una historia mucho más larga que el modelado mecánico. Ha habido diseñadores de fondos profesionales desde los primeros días de los dibujos animados en blanco y negro. Los diseñadores de fondos básicamente quieren dibujar algo "bueno, rápido y hermoso". Esa es la razón que mencioné una y otra vez en esta unidad, el tiempo limitado para la producción de animación no deja mucho tiempo para dibujar lentamente, por lo que los populares estudios profesionales de diseño de fondos artísticos se mueven rápidamente y pueden hacer frente a plazos ajustados. ¿Cómo convertirse en diseñador de fondos? Esto es lo mismo que ser modelo de personajes o estilista mecánico. Debes amar el dibujo y poder dibujar bien estando acostado (un poco exagerado, pero el tiempo en la industria de la animación es muy ajustado). puedes hacerlo bajo cualquier circunstancia. Los diseñadores que están bien una vez son raros pero bastante populares). En cuanto a habilidades o herramientas,

Nota:

*1. Modelado mecánico → Inglés: Mechanic Design

*2 Diseño de fondo → Inglés: Background Arts <. /p>

Capítulo 9

Trabajo de preproducción seis: diseño de color y trabajo de especificación de color

Después de diseñar todo el modelado de personajes y el modelado mecánico, el director y el diseñador de modelado Los diseñadores deben trabajar con el diseñador de color para finalizar el color del personaje (pelo, color de ropa para diversas ocasiones o caparazón del robot... etc.). El diseño de color debe coincidir con el color de toda la obra (el fondo y la personalidad de la obra) para diseñar el color de los personajes. Una vez finalizado el borrador del color, el designador de color especificará tipos de color más detallados.

Hace años, antes de que se utilizaran las computadoras para colorear, las pinturas de acuarela se usaban para diseñar colores sobre papel blanco (como se muestra a la izquierda). La mayoría de los colores de las pinturas de acuarela no los mezcla cada empresa de producción, sino que se diseñan de acuerdo con las tarjetas de colores y los tipos de colores ya preparados proporcionados por la empresa de pintura. La razón para no mezclar los colores tú mismo es muy simple, porque después del diseño del color, los coloristas tienen que colorearlo. Si mezclas los colores tú mismo, será muy difícil para cada colorista mezclar el mismo color. Por supuesto, si los requisitos y los fondos del director lo permiten, la productora puede pedirle a la empresa de pintura que produzca los colores requeridos y luego los embotella y los distribuye a los coloristas. Debido a que la empresa de pintura especificaba el tipo de color antes del proceso de diseño del color, los diseñadores de color sirvieron como especificadores de color durante muchos años. Y los colores de muchas animaciones también tienen el mismo aspecto.

Actualmente, el diseño del color de la animación y la especificación del color se realizan mediante software (como se muestra a la derecha). Cada empresa utiliza un software diferente (el software específico de animación más popular en Japón es animo y RETAS!PRO), pero cualquier software que procese imágenes se puede utilizar para el diseño de color. Cabe señalar que cada software maneja el color de manera diferente, por lo que se debe especificar el mismo software para colorear al entregarlo al colorista. También debido a la digitalización de los métodos de producción y la libertad de selección de color, la gama actual de opciones de configuración de color se ha ampliado y se pueden personalizar colores más delicados y variados.

Tanto los diseñadores como los especificadores de color comienzan como coloristas principiantes. Después de uno o dos años (dependiendo de las calificaciones personales), será ascendido a diseñador de color o especificador de color. La mayor diferencia entre los diseñadores de color y los especificadores de color es que los diseñadores de color sólo necesitan establecer colores básicos (colores bajo la luz solar normal, como se muestra a la izquierda). El colorista también debe trabajar con el asistente de dirección para configurar los colores requeridos bajo otras luces y para cada episodio (crepúsculo, noche, luz especial, etc.) El diseño de color y la designación de color para la animación requieren conocimiento del procesamiento de imágenes en color. Debido a que la calidad de imagen y el color que muestra cada equipo fotográfico son diferentes, si no comprende completamente el diseño y las especificaciones, el color que se muestra en la pantalla del televisor será muy diferente del efecto en la pantalla de la computadora, lo que reducirá el encanto de la obra. Por lo tanto, los coloristas de base necesitan de uno a dos años para familiarizarse con el proceso de trabajo real antes de poder ser promovidos a especificadores de color y luego a diseñadores de color.

Nota:

*1. Diseño de color→Inglés: Diseño de color Japonés: Diseño de color/configuración de color

*2. Japonés: especificación de color

*3. Coloración por computadora → Pintura digital en inglés

Capítulo 10: Proceso de producción uno: composición, pintura original y guía de pintura original

Después Los storyboards y todos los diseños de personajes y fondos están listos, alguien debe juntar todos los materiales y dibujar un storyboard ampliado y detallado para acciones posteriores. Es la persona compositora quien realiza esta obra.

Como puedes ver en los guiones gráficos que presentamos anteriormente, un guión gráfico suele ser solo un boceto que explica el escenario general de una escena. Por ejemplo: en una toma, "Xiao Ming y Jesse están parados en el recinto deportivo hablando", el personal de composición debe seguir las instrucciones aproximadas de cada cuadro del guión gráfico, la mesa de modelado de personajes (ejemplo) y el fondo para dibujar a los personajes. (Xiao Ming y Jesse) Una vista ampliada de la relación posicional detallada entre Jesse) y el fondo (lugar deportivo) (como se muestra a continuación, principalmente en tamaño A4).

Si las instrucciones de la composición no son claras, afectará al posterior trabajo de pintura original. Las hojas de diseño de composición y modelado de personajes completadas se entregaron a los pintores originales y les pidieron que comenzaran a dibujar imágenes del espejo principal más detalladas de acuerdo con la composición (como la ilustración de la pintura original al final de este artículo (*4). Puede En la ilustración se puede ver que Xiao Ming se volvió cada vez más maduro. La dirección de la cámara se acerca. Finalmente, la toma de sostener una toalla y comenzar a hablar con Jesse se completa como en el ejemplo de composición de la izquierda).

Algunas personas se preguntarán por qué el último espejo principal no tiene boca.

Como se muestra en el ejemplo de composición, esta toma es "Xiao Ming corre hacia Jesse → se para frente a Jesse → habla con Jesse". La última toma principal de esta ilustración original ("Xiao Ming corre hacia Jesse → se para frente a Jesse") es "Parado frente a Jesse". En la siguiente parte de "empezar a hablar", solo se mueve la boca de Xiao Ming, así que dibujé el espejo principal con solo movimientos de la boca por separado. Los movimientos de la boca dibujados por separado fueron editados y superpuestos en la toma principal de "parado frente a Jesse" para completar esta toma.

La existencia de orientación de pintura original se debe a que una obra suele emplear de 2 a 4 artistas de pintura original (el número varía según la obra). Los personajes dibujados por cada artista original pueden estar un poco deformados dependiendo del estilo de pintura de cada individuo (o de la profundidad de sus habilidades pictóricas). Es trabajo del director de pintura original corregir los dibujos originales dibujados por cada artista original y unificar el estilo de pintura para hacerlo fiel al borrador del diseño de personajes.

Los buenos pintores originales y directores de pintura originales deben investigar un poco sobre lentes de fotografía para dibujar cada cuadro de la lente principal. Las películas pueden pedir a los actores que se coloquen en posiciones apropiadas y asuman las poses deseadas por el director. Pero la animación sólo puede utilizar bolígrafos para dibujar posiciones ideales y movimientos de personajes. Por lo tanto, los buenos pintores originales y directores de pintura originales con buenas habilidades y calificaciones también se refieren a poder dibujar imágenes ideales de la cámara principal (posturas y movimientos correctos de los personajes) basándose en los conceptos de fotografía y edición. Hasta donde el editor sabe, a muchos animadores originales senior o directores de animación originales les encantan las películas y han investigado un poco sobre ellas.

Los animadores originales y los directores de pintura originales en su mayoría parten de animadores de base. Debido a que debe comprender y estar familiarizado con el proceso de producción de animación antes de ser promovido a animación original, es imposible que los recién llegados participen en trabajos de animación originales tan pronto como se unen a una empresa de animación. Es muy rápido que los animadores con buenas calificaciones y trabajo duro sean promovidos a animadores originales y luego a directores de animación originales. Aquellos con malas calificaciones y falta de trabajo duro no tienen más remedio que trabajar como animadores de base.

La animación es una industria orientada a las capacidades, no importa en qué parte de la producción estés involucrado, siempre que trabajes lo suficiente para fortalecer tus habilidades, definitivamente serás reconocido por quienes te rodean.

Los animadores son los trabajadores más pobres de la industria de la animación. Pero aquellos que quieran convertirse en pintores originales, directores de pintura originales y diseñadores de modelos de personajes animados deben comenzar como animadores. Muchos maestros que hoy son famosos en la industria de la animación japonesa eran animadores de base en algunas productoras de animación hace más de diez años. Eran jóvenes en busca de sueños que vivían en apartamentos destartalados y comían fideos instantáneos con salarios exiguos. Echemos un vistazo a cómo practican los animadores y por qué sus vidas son tan sombrías.

Los animadores son los empleados de nivel inferior que limpian las líneas y los marcos. Una vez que el artista original ha terminado de dibujar el espejo principal, debe entregárselo al animador para que limpie las líneas y dibuje los movimientos de la cuadrícula en el medio. Los movimientos de la cuadrícula completos deben ser revisados ​​por el inspector de animación y no hay problemas. antes de poder entregárselos al colorista para que los coloree. El animador original especifica de antemano el número de fotogramas que se dibujarán, por lo que el animador no necesita pensar en cuántos fotogramas dibujará entre el espejo principal y el espejo principal. Las animaciones en movimiento van desde simples hasta más complejas.

El llamado simple se refiere a movimientos simples de la boca o de los ojos. La mayoría de los recién llegados que acaban de unirse a la empresa de animación solo tienen que dibujar (practicar) imágenes de marcos tan simples y limpiar los dibujos originales dibujados por el artista original. Después de unos meses de redacción clara y "práctica" seria, me asignarán un marco de cuerpo completo más complejo como la Figura 1, y después de que me asigne un marco complejo, me llevará entre uno y dos años más. artista original. Después de convertirte en un animador original, tu habilidad para pintar será verdaderamente reconocida en la industria de la animación y podrás hablar más alto. En la introducción anterior al animador original, mencionamos que la animación es como una película, pero la diferencia es que la animación usa lápiz y papel para crear las imágenes requeridas por el director. Por lo tanto, antes de convertirte en un animador original, primero debes estar familiarizado con cómo dibujar libremente varios movimientos de personajes y luego componer de forma independiente una toma maestra que sea fiel al diseño del cuerpo humano, adecuada para la producción de animación y que funcione perfectamente. Es por eso que todas las productoras piden a las personas nuevas que permanezcan en la clase de animación durante uno o dos años.

Entonces, ¿por qué los animadores son pobres en todo? Actualmente, la industria de la animación calcula el salario mensual en función del número de películas completadas. Básicamente, un borrador de animación de guión gráfico cuesta entre 150 y 300 yenes. Un novato que acaba de unirse a una empresa de animación probablemente pueda completar alrededor de 400 animaciones de fotogramas en un mes (normalmente menos de 400). Basado en el precio más bajo de 150 yenes por boleto, solo puedes obtener 60,000 yenes por mes (el máximo no excederá los 120,000 yenes). En Tokio, donde el coste de vida es alto, es realmente difícil vivir con tus padres (sin tener que pagar alquiler) o tener muchos ahorros (perseverancia y determinación) para apoyar tus esfuerzos por convertirte en un animador original.

Convertirse en animador no es difícil y no existen títulos académicos ni restricciones de edad. El atajo es ingresar a una escuela vocacional, que cada año introducirá a los graduados en compañías de producción de animación. Pero como han dicho muchas personas mayores en la industria de la animación, lo que se aprende en las escuelas vocacionales no sirve de nada en una empresa de animación. Si está decidido a participar en la producción de animación, es mejor llamar a la puerta de una empresa de animación en persona. y estudiar en una empresa de animación, lo que requiere menos tiempo y matrícula.

Capítulo 12: Proceso de producción 3: Colorante/Personal colorante

Otra clase pobre en la industria de la animación es el personal colorante. Los animadores y coloristas son personal indispensable en la producción de animación, pero es innegable que su estatus es muy bajo, el trabajo es aburrido y duro, y ni siquiera las luces del escenario pueden iluminarlos. El contenido del trabajo es simplemente que solo necesita aplicar el color especificado por el diseñador de color al área especificada por el pintor original (por supuesto, la técnica de coloración real no es tan fácil). El colorista es el último paso antes de cortar todo el metraje pintado. Si se retrasa el proceso anterior, el tiempo de coloración del colorista se verá relativamente reducido. Sin embargo, en la industria de la animación japonesa, es común no cumplir con los plazos, por lo que los coloristas a menudo deben terminar de colorear en un corto período de tiempo para ponerse al día con la edición.

La digitalización de la producción de animación que a menudo se discute en varios círculos generalmente comienza con este proceso de coloración. Los procesos anteriores (excepto la especificación del color) son todos de producción manual.

El contenido del trabajo del colorista (como se muestra a la izquierda) antes de digitalizar el proceso de producción es:

1 Utilice la pintura original limpia y el dibujo lineal de animación con una máquina de calco. (Trace Machine) Copia en el tablero de celuloide

2. Usa pigmento (Anime Color) para colorearlo

3. Comprueba si el tablero de celuloide pintado está pintado incorrectamente o manchado

Hace unos años, cuando todavía se usaban placas de celuloide, los coloristas expertos (como se muestra en la imagen) tenían que pintar con cuidado (cuidadosamente) las hojas de celuloide con los colores especificados en el diseño de color en los dibujos lineales copiados. . Color. Cuando se utilizan tableros de celuloide, la compra de láminas de celuloide, pigmentos, etc. le costará a la empresa de producción mucho dinero cada año. Además, una vez terminada la pintura, debes esperar a que se seque la pintura con pegamento antes de poder comenzar el trabajo de fotografía y edición. A veces, si no dibujas bien, tienes que volver a dibujarlo varias veces, lo que requiere mucho tiempo y trabajo. Sin embargo, muchas obras maestras animadas aún se completan a tiempo (a veces no, pero el público no lo sabe) y se estrenan cada semana en televisión o cine (la mayoría de ellas no, pero el público no lo sabe). Todo esto depende de otras cosas.

Después de digitalizar el proceso de producción (como se muestra en la imagen), el contenido del trabajo del colorista es

1. Utilice un escáner (Escáner) para guardar la pintura y la animación originales. dibujos lineales en la computadora

2. Limpia las líneas

3 Colorea según el color especificado

Como se menciona en el diseño de color, la mayoría de las producciones de animación. Las empresas japonesas utilizan ANIMO o RETAS. Pro realiza coloración y especificación de color por computadora (de hecho, cualquier software de dibujo puede usarse como herramienta de coloración de animación). Actualmente, más del 80% de las empresas utilizan RETAS!pro. La razón es que Toei Animation, una importante productora de animación con una larga trayectoria, fue la primera en utilizar ese software para establecer un sistema, y ​​muchas productoras siguieron su ejemplo. De hecho, la operación de coloración digital ahorra mucho dinero y mano de obra. El software le permite pintar en la ventana, guardando película y pintura. Pero, de hecho, debido a la falta de comprensión de la coloración digital por parte del personal de producción del proceso manual, el arduo trabajo del personal de coloración no se ha reducido.

Primero, al presentar el diseño de personajes, se mencionó el tema de la "conectividad". Los lectores que hayan utilizado software de dibujo sabrán que cuando utilizan software para colorear, si las líneas no están conectadas entre sí, la coloración excederá el rango especificado. Dado que el tablero de celuloide está pintado a mano, puede ignorar el cableado y pintar las piezas con cableado desconocido según la experiencia. Sin embargo, después de usar la computadora, ésta no será lo suficientemente inteligente como para ayudar al colorista a identificar la parte del cableado. Por lo tanto, el colorista debe tener cuidado al dibujar líneas negras para corregir las áreas que no están bien conectadas. Se agregó más tiempo para pintar (pero el salario aún no aumentó).

En segundo lugar, los ordenadores ahorran tiempo en colorear y aumentan la variedad y variedad de colores. Sin embargo, debido al retraso en el proceso manual anterior y a la creencia errónea de que el colorista podía completar o corregir los dibujos con más colores en menos tiempo. Todavía hace que el colorante sea muy duro.

No es difícil convertirse en colorista, siempre y cuando estés familiarizado con los programas de dibujo (debido a los problemas anteriores, lo ideal es conocer los conceptos básicos del dibujo). Sin embargo, si desea ocupar un pedazo de cielo en el departamento de color de la industria de la animación, debe investigar mucho sobre el color y pensar en ello en una empresa de animación durante uno o dos años antes de poder hacerlo de forma independiente. asumir la importante tarea del departamento de color.

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Puedes dibujar el fondo tú mismo, usando FLASH, PS, PAINTNER, etc. También puedes encontrar uno ya hecho y modificarlo al estilo deseado en PS. y luego también puedes importarlo a FLASH y hacerlo.

Para hacer animaciones, puede elegir dibujar cuadro por cuadro o usar componentes. Si es cuadro por cuadro, es una pintura cuadro por cuadro. Simplemente puede usar algunos componentes (como movimiento horizontal, rotación, etc.). En términos generales, es más conveniente dibujar un cuadro a la vez.

En el caso de los componentes, es más problemático crear componentes específicamente para la animación. Si se trata de una animación pequeña, es mejor no utilizar la animación de componentes.

La herramienta recomendada es Paipile. Para crear un álbum de fotos electrónico, ¡solo agrega imágenes!