¿La llamada película "one shot to the end" realmente no requiere posedición?
Hablando de películas de "un tiro hasta el final", la que todo el mundo conoce mejor es "Birdman", que ganó la Mejor Película en la 87ª edición de los Premios de la Academia. En la película, la cámara sigue principalmente la perspectiva del protagonista Reagan, viajando tanto antes como después del escenario, interiores y exteriores, además de viajar al pasado y regresar al presente sin que nadie se dé cuenta. El público también se siente como si estuviera en el mundo físico y el laberinto mental donde vive el personaje, y siente personalmente el proceso paso a paso del colapso de Reagan. El sentido formal de "una toma hasta el final" se integra hábilmente con el significado profundo del contenido de la película, y nace una obra maestra única. Además de "Birdman", ¿qué otras películas tienen "one shot"? ¿El llamado "un disparo hasta el final" realmente significa "un disparo"? ¿Se requiere posedición? ¿Qué tipo de contenido es adecuado para expresar "una toma hasta el final" y qué tipo de efecto estético producirá? De eso es de lo que vamos a hablar hoy.
Para ser claro desde el principio, "una toma hasta el final" generalmente se refiere a una escena que parece no requerir casi ninguna edición. Rompe por completo las reglas del montaje. No hay cambios, ni frente y. atrás, y una toma registra completamente todo el evento desde el principio hasta el final. Tenga en cuenta que simplemente "parece" sin posedición. De hecho, muchas de las películas llamadas "de una sola toma hasta el final" son una combinación de planos generales y montaje. Sin embargo, suelen utilizar varias técnicas de posproducción para hacer que los puntos de edición sean menos visibles, creando un efecto de visualización perfecto. En pocas palabras, un verdadero "un plano hasta el final" = toda la película es un único plano largo sin posedición; un pseudo "un plano hasta el final" = múltiples planos largos + posedición/efectos especiales.
En la historia del cine, el pináculo de "one shot" es "Empire State Building", filmada por el artista pop estadounidense Andy Warhol. En 1964, apuntó su cámara al Empire State Building durante 485 minutos sin cambiar la posición de la cámara ni la escena. Si no se consideraron las limitaciones técnicas como la duración de la película en ese momento, esta película logró la trinidad de "toma única + posición fija de la cámara + escena fija", expresando un pensamiento de vanguardia que subvirtió la tradición al deconstruir el arte del montaje.
El primer largometraje que exhibió el concepto de "un disparo hasta el final" fue sin duda la película "Speed" de Hitchcock de 1948. Limitado también por la duración de la película (un rollo de negativo de 35 mm en aquella época sólo podía grabar unos 10 minutos), el deseo de rodar una película con un único objetivo largo no se podía realizar en aquel momento. "The Rope" no es un "one shot to the final" en el verdadero sentido, sino que se compone de más de una docena de planos largos que fueron editados y ensamblados en posproducción. El fotógrafo, una vez agotado el rollo de película anterior, detiene la cámara, apunta con el objetivo a la espalda de un actor (o al sofá, o al rincón) y luego coloca un nuevo rollo de película. Esto hace que la historia del asesinato adaptada de hechos reales sea fluida y coherente, y el maestro del suspenso atrapa a la audiencia en la emocionante tendencia de la trama.
El director de fotografía de "Birdman" es Emmanuel Lubezki, ganador del Oscar a la mejor fotografía ("Gravity", "Birdman" y "The Revenant"). the End" también se compone de una gran cantidad de planos largos, editados y empalmados con efectos especiales. El plano real más largo de la película tiene sólo más de 7 minutos. La dificultad de realizar tomas largas está estrechamente relacionada con la flexibilidad de la cámara. Cuando Hitchcock filmó "Rope" fue en los primeros días del cine en color. La cámara era muy grande. Para adaptarse al movimiento de la cámara, los accesorios fuera de la cámara se movían constantemente. Durante el último medio siglo, las cámaras se han vuelto cada vez más flexibles y su rango de movimiento y trayectoria se han vuelto más cómodos. En "Birdman" se utilizaron dos cámaras Alai: una es Alexa M operada por Lubezki, equipada con un sensor de imagen 4:3 y una sensibilidad de 1250 ASA. Esta cámara compacta se utiliza principalmente para disparar con la cámara en mano. acción entre los actores; el otro era una Alexa XT utilizada por el operador de Steadicam para tomas más objetivas y distantes.
Para presentar la apariencia perfecta de "un disparo hasta el final", "Birdman" puso mucho esfuerzo en la posproducción. Cómo coser una lente larga en un "one-shot" es el principal problema al que se enfrenta la posproducción.
Technicolor, la empresa encargada de unir las tomas, primero unió mejor el "único plano largo continuo" que ya era muy similar en la etapa de edición, y luego lo creó de acuerdo con las necesidades del DI (intermedio digital, una parte importante de la producción cinematográfica). ). "Puntos de corte DI", y estos "puntos de corte DI" también se cosen entre sí. Además de la costura, el ritmo de una película de comedia también es la clave del éxito de la película, y un gran problema con "un disparo hasta el final" es que fácilmente hace que el ritmo se arrastre. En esta película, cuando una escena no es lo suficientemente atractiva, o el ritmo se desvía del diseño, el editor ajusta el ritmo de la película acelerando y desacelerando la cámara.
Además, el personal en el espejo del camerino será "cazado furtivamente" uno por uno en la etapa posterior. Las más representativas son Naomi Watts y Andrea Riseborough en el teatro. El fondo estaba lleno de lirios. Escenas de consuelo coloreadas y todo el personal quedó expuesto en el espejo. La artista de efectos visuales Ivy Agregan dijo en una entrevista: "Tenemos que sacar el personal y luego usar fotogrametría para volver a colocar los elementos. Esto requiere muchos bocetos dinámicos y la carga de trabajo es muy pesada. Se puede ver que estamos viendo". El flujo fluido de "un disparo hasta el final" es en realidad un "éxito de taquilla de efectos especiales" complicado y sofisticado. La exploración activa de los modos de disparo y el lenguaje cinematográfico requiere el apoyo de una industria cinematográfica sólida.
La siguiente pregunta es, aparte de obras pioneras como "Empire State Building", ¿existen realmente largometrajes de un solo plano sin editar? ¡Por supuesto! Aquí hay tres películas reales de "un disparo hasta el final".
"Russian Ark", que ganó el premio a los mejores efectos visuales en el Festival de Cine de Toronto de 2003, fue un ambicioso experimento del director Alexander Sokulov. La película cuenta una historia de "viaje en el tiempo": el viaje fantástico de un cineasta contemporáneo al antiguo palacio de San Petersburgo. El director utilizó una cámara digital de alta definición para rodar continuamente durante 96 minutos en el Museo de Bellas Artes de San Petersburgo, pasando por 35 salas de exposición y un espacio de 850 personas sin ninguna interrupción ni cambio. El tiempo de rodaje se superpuso completamente con la película. tiempo. La posproducción solo ajusta el color, la luz y otros efectos de la imagen sin editarlos. Aunque la película adopta la técnica de filmación de "una toma hasta el final", no se siente la monotonía de la toma en absoluto. La razón es que el movimiento de empujar, tirar y mover la lente de la película se maneja muy bien. y hace zoom, a veces se lanza en picado y se desliza, todo en la misma toma. Tiene una variedad de características de lente. Un solo plano general recorrió los vastos 300 años de historia de Rusia y también logró un milagro inmortal en la historia del cine.
"Grand Airport 2013" es la segunda entrega de la serie "One Shot to the End" del director japonés Yuki Mitani. Cuenta una serie de historias que sucedieron cuando los vuelos se retrasaron y los pasajeros quedaron varados en el aeropuerto. Si bien continúa la calidad de las obras de teatro anteriores, la película mantiene un nivel ultra alto de programación de obras grupales. La estructura exquisita y meticulosa y la narrativa progresiva le dan al público una sensación abrumadora de presencia, y se completa de una sola vez, de principio a fin. . La película se rodó durante 6 días, con una sola toma por día, y cada toma duró 100 minutos. El fotógrafo Hideo Yamamoto completó el rodaje solo, llevando 20 kilogramos de equipo que él personalmente modificó en su cuerpo y lo movió con una combinación de carro y caminata. Después de cada tiroteo, Hideo Yamamoto se desplomaba directamente en el banco del tejado y no podía levantarse.
La película alemana "Victoria", que fue preseleccionada para la competición principal del 65º Festival de Cine de Berlín, fue difícil conseguir una entrada en el Festival de Cine de Beijing de este año. El director Sebastian Spoor siguió a cinco jóvenes en los bares, calles y tejados de Berlín más de 20 veces, completando un one-shot de 140 minutos en tiempo natural y en un entorno natural, recreando completamente la inquietud de cómo los jóvenes inquietos se hunden en un abismo irreversible. violencia. El encuentro romántico de la primera mitad de la película se entrelaza con las intensas escenas del crimen de la segunda mitad, creando un shock psicológico y una tensión emocional repentinos y dramáticos. Toda la película fue filmada con una cámara de mano Canon C300. Las tomas aparentemente aleatorias y las tomas desenfocadas en medio del banquete crean una sensación de realidad e inmersión. El nombre del fotógrafo Sturla Brandth Grvlen aparece primero en los créditos finales.
Si observamos las películas anteriores, ya sea el efecto de "una toma hasta el final" logrado mediante la edición de posproducción y efectos especiales, o una sola toma larga que fluye suavemente, todas ellas han creado películas increíbles. Películas basadas en la innovación del lenguaje cinematográfico. En comparación con las películas que se basan principalmente en el montaje, "una toma hasta el final" es más difícil y requiere requisitos extremadamente altos en la planificación de la escena por parte del director, las habilidades interpretativas de los actores y las habilidades y fuerza física del fotógrafo. One-shot no pretende mostrar habilidades, sino centrarse en la integridad y fluidez de la acción, la trama y la psicología, convirtiéndose en un portador visual para expresar emociones internas y situaciones espirituales. Por lo tanto, las películas existentes de "un solo paso hasta el final" se utilizan principalmente para mostrar temas criminales tensos y emocionantes y temas de desequilibrio psicológico, y para despertar las intrincadas experiencias espirituales de la audiencia, como emoción, sorpresa, tensión y simpatía, de una manera única y encantadora. forma artística.