Diseño de arte escénico dramático

El drama es una especie de cultura tradicional en mi país. En el proceso de representación dramática, el diseño artístico del escenario también es muy importante. Entonces, ¿conoces el diseño artístico escénico dramático? El siguiente es el diseño artístico escénico dramático que he recopilado para ti. Espero que pueda ayudarte.

Escenografía del sistema tradicional

Una característica artística importante del escenario de ópera tradicional es su "virtualidad". Gestionar la relación entre realidad y realidad es una cuestión clave en el diseño de arte escénico. El diseño del escenario dramático es la escenografía. La escenografía real se utiliza para servir al drama virtual. Todos los escenarios y espacios del escenario son hipotéticos. Una escena o bloque de escena puede ser una pared, una puerta, una montaña, etc. todo simple Es una creación real, y la parte vacía sobre el escenario es la verdadera bolsa del tesoro y el lugar de nacimiento del ensueño infinito del público. Se puede decir que el diseño escénico consiste en gestionar el espacio sobre el escenario mediante la planificación del escenario real. La tarea principal del diseño es organizar el espacio más que el diseño real.

Siempre ha habido un dicho sobre las "cuatro unidades" en el arte escénico de la ópera. La primera es la unidad de la similitud y la diferencia, la segunda es la unidad de la similitud espiritual y la similitud física, la tercera es la unidad. de la realidad de la vida y la realidad del arte, y el cuarto es la limitación. En términos de procesamiento espacial, se utilizan "técnicas de arte virtual" para movilizar plenamente la imaginación del público, enriqueciendo así el entorno escénico. El arte escénico de esta época no sólo enfatizaba la realidad de la vida, sino que también enfatizaba el procesamiento artístico, el refinamiento y la exageración artística.

Diez de las mejores escenografías teatrales

1. Hamlet (1912)

El escenógrafo Edward Gordon Craig (Edward Gordon Craig fue un pionero en el diseño teatral moderno Sus opiniones sobre la imaginación de la iluminación y la belleza de la armonía escénica influyeron mucho en el director Peter Brook (representante del teatro escénico moderno de los años cincuenta y sesenta). "Hamlet", representada por el Teatro de Arte de Moscú (MAT) en 1912, fue una obra conjunta de Edward Gordon Craig, el practicante de teatro más influyente del siglo XX, y Stanislavsky, un educador dramático. La historia de la interpretación de Hamlet es también el evento más importante. en el teatro del siglo XX. A lo largo de la obra, Claudio y Gertrudis usan capas, y las capas doradas se reflejan en las paredes doradas, y la escena se puede cambiar deslizando la pantalla. Brooke llamó a Edward Gordon Craig "una inspiración, un presagio".

2. "El sueño de una noche de verano" (1970)

En 1970, la comedia de Shakespeare "El sueño de una noche de verano" fue creada por el maestro del teatro Peter Brook. diseño emblemático. El productor y director Jonathan Miller dijo que "cambió nuestras ideas sobre qué representar en el escenario y nos liberó a todos de las palabras, y eso fue libertad visual". La actriz Sally Jacobs dijo que el diseño del circo era una caja blanca iluminada por fuertes luces blancas. Las hadas se balancean en columpios altos, el jugo mágico del elfo Puck es un disco giratorio sobre un poste y el bosque que tienta a los amantes encarna imágenes espirituales.

Esta obra da pleno juego a la imaginación, especialmente el aumento de las expresiones sexuales en el escenario. Por ejemplo, el palacio representa el deseo sexual restringido y reprimido, mientras que el bosque representa el deseo sexual desenfrenado.

3. Un inspector llama (1992)

La escenografía reformuló esta obra. La obra "House of Guilt" del escritor moderno John Boynton Priestley fue escrita al final de la Segunda Guerra Mundial y muestra el choque de épocas y clases. "House of Guilt" del director Stephen Daldry de 1992 estuvo fuertemente influenciada por películas expresionistas y pesimistas en el diseño. Las casas precarias sobre pilotes elevados presagian hogares de clase media en ruinas, mientras que las paredes agrietadas se asemejan a una casa de muñecas, con proporciones sesgadas que hacen que sus ocupantes parezcan expuestos.

La zona donde jugaban los niños era una calle bombardeada. Esta obra se considera un caballo de guerra entre los dramas.

4. La tempestad (2000)

Paul Brown llevó al escenario el maravilloso mundo natural. En su diseño, los estudios de Gainsborough están cubiertos de césped y grandes extensiones de girasoles crecen dentro de una antigua estación de larga distancia. En 2000 creó un fantástico paisaje acuático para La tempestad de Jonathan Kent. Se diseñó un enorme lago en el escenario. Había rocas y grava en el borde del lago. El protagonista Prósperos estaba pensando mucho detrás del lago. El agujero diseñado en el techo permitía al elfo Ariel colgarse de un lugar alto. el suelo.

5. "Sunday in the Park with George" (2005)

Este drama es la primera combinación perfecta de alta y baja tecnología. El musical "Sunday in the Park with George" del compositor Stephen Sondheim se inspiró en el pintor puntillista francés Georges Seurat. En Minnie Chocolate Factory de 2005, el director Sam Buntrock reunió al diseñador de escenografía y vestuario David Farley y al diseñador de vídeo Timothy Bird*** para crear esta obra. La obra utiliza como fondo el paisaje verde esmeralda de Georges Seurat. La cortina blanca se transforma en un árbol mediante una animación de vídeo. Las ramas muestran líneas oscuras bajo la luz verde y amarilla, y el perro de dibujos animados salta en la minipantalla. Este espectáculo utiliza tecnología de alta tecnología para completar el espectáculo.

6. "Shockheaded Peter" (1998)

"Shockheaded Peter" es una película basada en la novela de Heinrich Hoffmann. La adaptación musical del libro infantil alemán "Der Struwwelpeter" es El espectáculo más imaginativo de los últimos 20 años y ha ganado grandes honores. La creación de este espectáculo combina al director Phelim McDermott (Phelim McDermott) y al diseñador Zhu Julian Crouch. Colocaron el cuento con moraleja de Heinrich Hoffmann, La vida, en un ambiente de clase de juguete: cortinas de teatro con volantes, muebles y puertas de cartón que debían doblarse para usarse; quien murió quemada mientras jugaba con cerillas llevaba un vestido rojo, con espuma untada por todo el cuerpo... Esta es una combinación de elementos de pantomima y espectáculo de marionetas. En el musical, todos los niños mueren como en el poema. La obra se representó por primera vez en el West Yorkshire Theatre de Leeds, Inglaterra, en 1998. En 1998, ganó el premio Barclays/TMA al mejor director. En 1999, fue nominado por el South Bank Theatre y ganó el premio del Círculo de Críticos de Drama de Nueva York al mejor diseño.

7. Fausto (2006)

El año 2006 es el inicio del teatro de realidad. En un almacén en desuso de 1.500 pies cuadrados en Wapping, Inglaterra, Punchdrunk creó un mundo escénico por el que el público podía pasear a voluntad. El diseño del espectáculo se inspiró en el Fausto de Goethe y las pinturas del maestro de pintura estadounidense Edward Punchdruck utilizaron una serie de brujería para crear decoraciones exquisitas en las pequeñas ciudades estadounidenses de la década de 1950, como: Un bosque de árboles de Navidad aromáticos e instrucciones de fuego enmarcadas; en vidrios rotos en un motel; un laboratorio repleto de barcos y raíces de árboles exóticos, restaurantes, cines, grandes almacenes y más.

Durante una representación teatral, el teatro le dará al público una máscara y le permitirá vagar por el pequeño pueblo a su antojo como un fantasma mirón. A veces estarás en un bar con otros espectadores viendo peleas y otras veces estarás solo en una funeraria, haciendo que el público se sienta parte del espectáculo. De repente, un actor te agarrará la mano, te tocará la cara o te susurrará al oído durante una actuación.

Este diseño escénico hace que el público se sumerja en la escena. El público no es sólo un espectador, sino también un intérprete y participante, haciendo que toda la actuación esté integrada.

8.. “La Guardia Blanca” (2010)

Los diseños de la escenógrafa teatral Bunny Christie son muy atrevidos. Se especializa en escenografía espeluznante, colocando el Lyttelton Stage en una casa de Glasgow y dividiendo el West Yorkshire Playhouse para dividirlo en dos partes. Utilizó el movimiento constante del escenario para expresar la Revolución de Octubre de 1917. Cuando el borracho de la obra cae del piano al pilar, el escenario retrocede de modo que el público parece sentir que el colapso del borracho se centrará en él. La mayor parte del éxito del espectáculo reside en el diseño de Bonnie Christie. Al mismo tiempo, el diseño de iluminación de Neil Austin y los efectos de sonido de Christopher Shutt nos hacen sentir como si estuviéramos en guerra.

Bonnie Christie nació en St. Andrew, Caribe, y estudió en la Central Academy of Arts de Londres. Su trabajo teatral ha ganado numerosos premios, incluidos tres premios Olivier de drama. Participó en "Swan Song" del director Kenneth Branagh, que fue nominado al Oscar por el cortometraje. En 2014, Christie codiseñó el nuevo musical "The Making of Dagenham".

9. "Red" (2009)

"Red" es una novela sobre el artista Mark Rothko escrita por el escritor estadounidense John Logan), que se representó en el teatro Thomas de Londres. Almacén en diciembre de 2009. En 2010 ganó el premio Tony a la mejor obra. Al crear "Red" de John Logan en 2009, el famoso escenógrafo y diseñador de vestuario británico Christopher Oram recordó a un pintor que dijo: "¿Un drama es como una gran pintura al óleo?". Así que colgó pinturas al óleo en la zona de guerra detrás del escenario; colocó algunos paneles planos rojos y negros descoloridos o luminosos bajo las luces de Neil Austin. Cuando se quitan, el escenario se revela como un rectángulo blanco con gotas rojas en tres lados, que parece una boca de escenario ensangrentada. Este es el mayor regalo de Orm al mundo del teatro: descubrir el corazón del teatro y plasmarlo en el diseño. El diseño de iluminación del escenario de esta obra es uno de los grandes diseños de iluminación modernos.

Christopher Orme se formó en Arte y Diseño en la Universidad de West Sussex, Reino Unido, y sus diseños se pueden encontrar en teatros de todo el mundo. Ha recibido el premio Tony, el premio Olivier, el premio Evening Standard, el premio Garland y el premio a la innovación.

10. "Sucker Punch" (2010)

"Sucker Punch" es del famoso dramaturgo británico Roy Williams (Roy Williams), y se estrenó en el Royal Court Theatre. en Londres en 2010. La obra fue nominada al premio Laurence Olivier Drama del London Evening Standard a la mejor obra nueva. La famosa escenógrafa Miriam Buether transformó una vez el palacio en un carruaje tubular, permitiendo que el público y los actores se enfrentaran. En su escena de boxeo de 2010 para The Bad Guy de Roy Williams, Miriam Bittey transformó el King's Palace Theatre de Londres en un ring de boxeo, con sacos de arena gigantes colgando del techo y paredes cubiertas con anuncios patrocinados que cubrían la arena, y tubos fluorescentes brillaban ferozmente sobre los boxeadores. , cuyos golpes y golpes se reflejaban en los espejos que rodeaban el escenario. Este diseño escénico creativo le valió a Miriam Bittey el premio al Mejor Diseñador del London Evening Standard en 2010.

Miriam Bittey trabaja principalmente en Londres. Estudió escenografía en Central Saint Martins en Arte y Diseño y diseño de moda en Hamburgo.