Solicitando música moderna acompañada de instrumentos tradicionales japoneses.
Música tradicional
La música antigua de Japón Siglos V al IX Los japoneses ya tenían su propia cultura musical. Aunque la música de los primeros períodos Jomon, Yayoi y Kofun no se ha transmitido, según datos y documentos arqueológicos como "Kojiki", "Nihon Shoki" y "Man'yoshu" compilados en el siglo VIII, Los japoneses en la antigüedad tenían sus propias canciones, danzas e instrumentos musicales. Las armonías antiguas con 5 cuerdas son más pequeñas que las de 6 cuerdas. Las flautas antiguas incluyen flautas de bambú, flautas de piedra esféricas y ocarinas. La panza del tambor Doudumei es cilíndrica. Las campanas están disponibles en metal, cerámica y madera. Las campanas se utilizaban en aquella época como instrumentos musicales y como decoración. El dúo apareció alrededor del siglo I a. C. La forma del dúo de cobre es diferente de las campanas y dúos chinos. Los tipos básicos de instrumentos musicales estaban completos en el antiguo Japón. Después de ingresar a la sociedad agrícola, surgieron las primeras canciones y bailes donde hombres y mujeres se reunían para cantar y bailar, así como la música y el baile de las brujas.
Japón tiene una larga historia de intercambios musicales y culturales con países extranjeros, y los intercambios culturales con el continente euroasiático se llevan a cabo principalmente a través de Corea del Norte y China. Se habían importado artículos de bronce antes de Cristo y aparecieron altares de bronce. La música de Silla, la música de Baekje y la música de Goguryeo se introdujeron en Japón desde la península de Corea entre la segunda mitad del siglo V y el siglo VII. En Japón se les llama "música Sanhan". A principios del siglo VII, para revitalizar el budismo, el príncipe Shotoku alentó la introducción de la música continental y pidió a Aimayuki de Baekje que se estableciera en Sakurai, Yamato y enseñara música a los adolescentes japoneses (discípulos de Mano Shou, Shinkansaibun y otros). . La música Ji también se llama música Wu, y los instrumentos de acompañamiento utilizados incluyen flauta transversal, tambor de cintura (también conocido como tambor Wu) y platillos de cobre. En los siglos VII y VIII, la música de las dinastías Sui y Tang de China se introdujo en Japón. En el año 701, según el "Taiho Ryuto", el Gagakuryo se estableció bajo la jurisdicción del Ministerio de Asuntos Administrativos para hacerse cargo de la música y danza tradicionales japonesas llamadas música y danza japonesas, así como de la música y danzas extranjeras. En la ceremonia de consagración del Gran Buda celebrada en el templo Todaiji en 752, cientos de músicos y bailarines de Gaarayu y varios templos interpretaron música y danza tradicionales japonesas, así como música Samhan, música Tang, música San, música Linyi y Dora. música. Esto demuestra que han comenzado a aparecer músicos profesionales en Japón.
Nota: Los primeros 4 son los modos básicos de la música japonesa. Las notas blancas en el ejemplo son las notas centrales del modo. El ritmo se divide en ritmo de tiempo fijo (básicamente dos tiempos) y ritmo suelto. Sus métodos de canto y ejecución son únicos y presta atención a cambios sutiles en el timbre.
[Editar este párrafo] Música Moderna
En 1868, Japón entró en el período de la Restauración Meiji y la música japonesa entró en la etapa de desarrollo moderno. Su característica básica es que Japón absorbió rápidamente la cultura musical europea y estadounidense, lo que resultó en la coexistencia de "Bangaku" (música tradicional) y "música extranjera" que continúa hasta el día de hoy. La música tradicional durante este período cambió mucho. En 1871, se abolió la organización profesional para ciegos "Tangdao" y se prohibió la secta Puhua, lo que popularizó la música de cítara y shakuhachi. La pipa Satsuma y la pipa Chikuzen, que se originaron a partir de la pipa del monje ciego, entraron en Tokio desde la región de Kyushu y se extendieron por todo el país. La música de la corte, apoyada por el nuevo régimen, fue recuperando progresivamente su vitalidad y ampliando su influencia. En la década de 1920, el "Nuevo Movimiento Musical Japonés" iniciado por Michio Miyagi y otros utilizó instrumentos tradicionales japoneses y se basó en técnicas de composición de música clásica de Europa occidental para crear nuevas canciones, que desarrollaron aún más la música tradicional. Su composición "Spring Sea" (1929), a dúo de koto y shakuhachi, fue un gran éxito. El koto de diecisiete cuerdas creado por Michio Miyagi fue un logro importante en la reforma de los instrumentos musicales tradicionales en ese momento. Desde mediados de la década de 1950, los compositores se han comprometido a utilizar instrumentos tradicionales para crear música china moderna. Entre ellos, Minoru Miki contribuyó al desarrollo de los géneros musicales instrumentales japoneses y dio a la música tradicional japonesa un sabor moderno y vitalidad. Los grupos de interpretación de bongó más influyentes incluyen el Nippon Music Group, presidido por Minoru Miki y Katsutoshi Nagasawa, y el club de bongó de cuatro miembros, compuesto por el intérprete de shakuhachi Hōzan Kitahara y otros. Su práctica musical trajo nuevas tendencias a la escena musical Bang y creó las condiciones para cerrar la brecha entre la música Bang y la música occidental.
La primera música europea y americana introducida en Japón durante el periodo Meiji fue la música militar. En 1872, el gobierno japonés comenzó a introducir el sistema de educación musical europeo y americano, estipulando el establecimiento de cursos de música en las escuelas primarias y secundarias, en octubre de 1879, el Ministerio de Educación, Cultura, Deportes, Instituto de Investigación Musical (más tarde conocido como Tokio); Se estableció la Escuela de Música, ahora conocida como Facultad de Música de la Universidad de las Artes de Tokio), encabezada por el presidente de la Escuela Normal de Tokio, Shuji Izawa, que también está a cargo. Desde entonces, la formación de profesores de música y la recopilación y selección de materiales didácticos musicales para las escuelas primarias y secundarias han ido por buen camino, y la educación musical profesional ha comenzado a tomar forma. Marcada por las canciones escolares "Flor" (1900) y "Luna sobre la ciudad desierta" (1901), compuestas por el famoso compositor Taki Rentaro, la creación musical japonesa dio sus primeros frutos a principios del siglo XX.
La creación musical japonesa antes de 1912 estuvo compuesta casi exclusivamente por canciones. Durante el período Taisho (1912-1926), Yamada Kosaku fue el primero en componer una pieza orquestal compuesta por una gran banda, como "Mandala Flower" (1913). Desde la década de 1920, la creación de géneros musicales extranjeros como canciones solistas, coros, solos instrumentales y música sinfónica ha dominado gradualmente la cultura musical japonesa. La Nueva Orquesta Sinfónica, predecesora de la Orquesta Sinfónica de la Asociación de Radiodifusión de Japón (NHK), ha presentado actuaciones. Comenzó en febrero de 1927. La Asociación Nacional de Música, fundada el mismo año, organizó concursos corales y promovió actividades musicales de aficionados en todo el país. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial, 270 grupos de todo el país se unieron a la asociación y había 3.800 bandas de música en todo el país. Entre los compositores más conocidos de esa época se encuentran Moroi Saburo e Ikeuchi Yujiro, famosos en todo el mundo en términos de educación musical profesional, y Minosaku Akiyoshi, Kiyose Yasuji, Matsudaira Yorinoori, Hayasaka Fumio, Ifukube Akira y Sugawara Akihiro, quienes son autodidactas. Enseñar y prestar atención a las características nacionales.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Japón estuvo bajo un régimen militarista y las actividades musicales normales fueron destruidas. A partir de 1938 se suspendieron las actuaciones de músicos extranjeros en Japón y en 1940 se ordenó la disolución de varios grupos musicales. Al final de la guerra, las instituciones musicales como grupos escénicos, escuelas de música, fábricas de instrumentos musicales y compañías discográficas casi habían cesado todas sus actividades.
Desde la década de 1950, la cultura musical japonesa de posguerra ha logrado grandes avances en la creación, interpretación, apreciación, educación musical, investigación musical y otros aspectos. Después de la guerra, surgió una nueva generación sorprendente. La ópera nacional "Yizuru" de Dani Kuma, "Tres capítulos para cuerdas" de Yasushi Akutagawa y "Nirvana Symphony" de Dai Toshiro son obras maestras que han resistido la prueba del tiempo. Además de Dai Toshiro, los compositores que absorbieron activamente las técnicas modernas de composición europeas y americanas incluyen a Yoshiro Irino, Minami Shibata, Makoto Moroi, Joji Yusen, Kei Ichiyanagi y Yuji Takahashi, quienes fueron los primeros en Japón en adoptar el sistema de doce tonos. Yoshio Mamiya, que utilizó materiales de canciones populares japonesas para componer obras maestras como "Choral Works No. 1" y es conocido como el "Bartok de Japón" en la escena musical internacional, sus obras como "November Stairs" son refrescantes para Toru Takemitsu; , Matsumura Seizo, Miki Minoru, Ishii Maki, etc. han logrado resultados fructíferos al explorar el temperamento nacional de sus obras y crear música no europea occidental. Akio Yashiro, Akira Mizen, Kaguyuki Noda y Shinichiro Ikebe, que fueron alumnos de Yujirō Ikeuchi, y Hiroaki Minami y Seiaki Saegashi, que fueron alumnos de Yoshio Hasegawa, son todos compositores con personalidades distintivas que surgieron después de la década de 1960. En resumen, varias tendencias creativas en la escena musical internacional han sido absorbidas por la escena musical japonesa y tienen reflejos obvios en el mundo de la composición japonesa.
Después de 1946, la industria musical japonesa estableció sucesivamente organizaciones industriales como la Asociación Japonesa de Música Moderna, el Club de Músicos de Japón, la Unión de Interpretaciones de Japón, la Asociación de Escritores Musicales y la Asociación de Compositores de Japón para mantener la música. intereses y salvaguardar el desarrollo de las diversas actividades musicales. Tokio ya cuenta con más de 10 orquestas sinfónicas profesionales y hay un flujo constante de varios grupos musicales extranjeros, lo que brinda una variedad de oportunidades para apreciar la música. Hay 60 colegios y universidades en todo el país con departamentos de música, incluida la Facultad de Música de la Universidad de Música y Artes de Tokio y la Facultad de Música de la Universidad Toho Gakuen, que cada año aportan a la sociedad una gran cantidad de talentos musicales. un papel activo en la mejora del nivel internacional de los intérpretes japoneses y la popularización de la educación musical en la sociedad.
J-Pop es la abreviatura de Japanese Pop, que hace referencia a la música pop japonesa influenciada por Occidente. J-Wave (una estación de radio FM) acuñó el nombre J-Pop y lo usó para representar "música nueva". Desde entonces, se ha utilizado ampliamente en Japón para representar diferentes tipos de música, incluida la música pop, rock, música dance, hip-hop y soul.
Las tiendas típicas japonesas dividen la música en cuatro categorías: J-Pop, enka (una canción popular tradicional), música clásica e inglés/internacional. Parte de su música es una fusión de enka y J-Pop. Los cantantes representativos son Safeland y Nakajima Miyuki.
Historia
El J-pop (o Jpop) se originó durante la era Showa (el período del emperador Hirohito), cuando el jazz se hizo popular. El jazz introdujo más instrumentos en bares y clubes que al principio solo tocaban música clásica y música militar. Agregó un elemento "divertido" a la escena musical japonesa, y los "cafés musicales" se convirtieron en un lugar popular para la música jazz.
El jazz cesó temporalmente sus actividades durante la Segunda Guerra Mundial debido a la presión del ejército japonés.
Después de la guerra, durante la ocupación de Japón por los Estados Unidos, el ejército estadounidense y Far East Network introdujeron un número considerable de nuevos estilos musicales en Japón. Los músicos japoneses tocaron boogie-woogie, mambo, blues y música country para el ejército estadounidense. Algunas canciones, como "Tokyo Boogie-Woogie" (1948) de Shizuko Kasagi, "Tennessee Waltz" (1951) de Tomomi Eri, "Omatsuri Mambo" de Misora Yuki y "Omoide no Waltz" de Izumi Yukimura, se convirtieron en Algunos músicos y orquestas extranjeros (incluidos JATP y Louis Armstrong) visitaron Japón para actuar, y 1952 fue designado como el "Año del boom del jazz". músicos aficionados se dedicaron a la música country y estudiaron y actuaron en el Lejano Oriente, lo que resultó en un aumento significativo del género de la música country a partir de 1956. Se cree que comenzó una locura por el rock cuando un grupo de música country llamado Kosaka Kazuya and the Wagon Masters. Se volvió a cantar "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley en 1959. En su apogeo, algunas bandas de rock japonesas cantaron en películas. Sin embargo, la música rock japonesa también decayó con el declive de la música rock estadounidense, porque muchas bandas siguieron el estilo estadounidense y se vieron muy afectadas. Entre los músicos que comenzaron a combinar la música pop tradicional japonesa con la música rock, Ku Sakamoto logró el éxito con su canción "Kami no Yuki" (más conocida como "スキヤキ". La canción fue la primera canción japonesa en encabezar las listas de popularidad. Estados Unidos (cuatro semanas en la revista Cashbox y tres semanas en la revista Billboard), Japón y América, y recibió el premio Top Sales Award Un millón de "discos de oro"
Impacto en la cultura pop
El J-pop se ha convertido en parte de la cultura japonesa y es ampliamente utilizado en muchos lugares, tales como: animación japonesa, tiendas, anuncios, películas, programas de radio, programas de televisión y videojuegos... etc. y algunas estaciones de televisión reproducen canciones de J-pop al final de las noticias.
Ai Hui Global
Avex Co., Ltd. (Avex) es una. Gran compañía discográfica de Japón. Se fundó en 1988 y tiene una historia de 20 años. Actualmente, Avex es propietaria de Avex Trax, Avex Tune, Cutting Edge, Rhythm Zone y otros sellos musicales afiliados. Sus ídolos japoneses de un año incluyen a Namie Amuro, Ayumi Hamasaki, Hitomi, BoA, Globe y Every Little Thing, Kumi Koda y una gran cantidad de artistas japoneses de primera línea que son famosos como la "Familia Komuro".
Aihui Records se fundó en 1988. La empresa tiene su sede en Tokio, Japón. En 1999, sus acciones cotizaron oficialmente en la Bolsa de Valores de Tokio.
La filosofía empresarial de la empresa es “realizar creaciones y aportaciones únicas”. Siguiendo este concepto claro, todos los empleados, animadores y socios comerciales son activamente emprendedores y se han convertido con éxito en un grupo empresarial internacional que abarca la música y las industrias periféricas en la industria discográfica internacional que cambia ferozmente.
El negocio abarca todos los aspectos de producción y distribución de discos, gestión de artistas, publicación de revistas musicales, sitios web, teléfonos móviles, descubrimiento y formación de artistas, etc.
La empresa cuenta con una productora de animación dedicada, que ha producido la versión cinematográfica de la animación "Initial D Third Stage" y otros programas. En 1997, se creó la red avex para proporcionar información a la industria a través de Internet. En 2001 se creó un portal exclusivo para teléfonos móviles. En 2001 se fundó una escuela de música en Tokio. La empresa tiene sucursales en Hong Kong, Taiwán, Japón, Londres y Nueva York.
Como todos sabemos, Japón es el mercado musical más grande y completo de Asia. El florecimiento del KTV en zonas remotas, el sistema de música único perfecto, etc., son testimonio de la estandarización y la enormidad del mercado japonés.
Y Aihui Records debería ser el líder en la industria J POP. A diferencia de las compañías discográficas de otras nacionalidades, Aihui, como compañía discográfica local en Japón, tiene más su sede en Japón. La creación es casi una fuente de ingresos al estilo pop. Especialmente en términos de cantantes, Ayumi Hamasaki, Kumi Koda, Hitomi Shimaya, etc. son las cantantes femeninas más populares de Japón.
Aihui Records estableció una sucursal en Taiwán en 2001 y entró oficialmente en el mercado chino. Los cantantes de Aihui Records de Taiwán también tienen un fuerte estilo japonés. Actualmente, los artistas de Aihui Records incluyen a Lin Xiaopei, Vivian Hsu, Cyndi Wang, Xin, Tang Yuzhe, el grupo ídolo 5566 y las súper chicas recién unidas An Youqi, He Jie, etc. . El año pasado, "Moonlight Music" de Wu Bai & China Blue cooperó con "Ai Hui Records" y entró en el recién creado sello Cutting Edge de Ai Hui. Luego, Wu Bai lanzó el primer álbum "Bridge of Tears" firmado por Ai Hui. La incorporación de Wu Bo sin duda ha fortalecido la fuerza local de Aihui Records. Cyndi Wang es la primera recién llegada local creada por Taiwan Aihui en los dos años transcurridos desde su creación. Aunque la publicidad de Aihui es ligeramente insuficiente, los recursos y las ventajas complementarias de Taiwán y Japón, así como la exitosa experiencia de Aihui de Japón en la creación de ídolos, son las ventajas de Aihui Records.
Referencia: /view/1101448.htm
EMI
Introducción
EMI Records, nombre completo: Grupo de Energía y Música Eléctrica ( ELECTRICAL AND MUSICAL INDUSTRIES LTD), el grupo fue fundado en 1931 y tiene su sede en Londres, Inglaterra. Su predecesora fue la British Gramophone Company, fundada en Londres en 1897. Es la compañía discográfica más antigua en la actualidad y existe desde hace cien años. La historia de EMI es casi toda la historia del desarrollo de la industria discográfica, muchos sellos discográficos famosos tienen una relación constante de cordón umbilical con EMI.
Ya en la década de 1920, la discográfica francesa PATHE-MARCONT dependiente de EMI tomó la iniciativa de establecer una empresa en Shanghai. La palabra "EMI" es también la transliteración de PATHE. Ex superestrellas chinas como Zhou Xuan, Hu Die y Gong Qiuxia, así como músicos progresistas como Nie Er y Xian Xinghai, se reunieron en EMI.
Orígenes
EMI tiene dos orígenes. Una empresa HMV fundada por un berlinés en 1898. En 1900 se utilizó oficialmente la marca HMV del famoso cachorro escuchando el gramófono; la otra era la empresa Columbla; 1929. Los dos se fusionaron para formar Electrical And Music Industries (Electrical Industry Co., Ltd.), conocida como EMI. Esta fusión convirtió a EMI en la compañía discográfica más grande del mundo en ese momento, excepto Decca en el Reino Unido, Brunwick en Estados Unidos y DGG en Alemania, todos los demás sellos estaban controlados por EMI. Después de la Segunda Guerra Mundial, CBS tomó la iniciativa en el lanzamiento de discos LP de 33 rpm y discos sencillos de 45 rpm, pero EMI aún se apegó al antiguo formato de discos de 10 pulgadas y 78 rpm, lo que provocó que muchos de sus artistas renunciaran. A principios de la década de 1950, RCA y CBS, que originalmente estaban representadas por EMI como agentes de derechos de distribución en el Reino Unido y los países de la Commonwealth, también cooperaron con Decca y Philips.
En 1955, EMI adquirió Capitol Company para revertir la situación desfavorable, con la esperanza de utilizarla para abrir el mercado estadounidense. Sin embargo, el estilo conservador de Capitol impidió que EMI se beneficiara de la tendencia de la música rock que surgió en la década de 1950. Después de entrar en la década de 1960, EMI dio un giro positivo. Primero, la popularidad de Cliff Richard y Shadows, y luego el ascenso de la tendencia del rock británico representada por The Beatles. La mayoría de las bandas británicas de esta tendencia firmaron con EM. Entre sus marcas se encuentran Gerry & The Pacemakers, DC5, Animals, Hollies, Herman's Hermits, Yar Birds, etc. El líder de esta tendencia, The Beatles, se ha convertido en la "mina de oro" más grande de EMI en los últimos 30 años.
Sin embargo, Capitol, la filial estadounidense de EMI, dejó pasar la oportunidad de hacer una fortuna y se negó a firmar contratos con estas bandas británicas. Como resultado, estas bandas en Estados Unidos invirtieron en Epic, MGM y otras marcas. No fue hasta que EMI emitió una orden fuerte que Capitol lanzó la versión americana de "Meet The Beatles" del segundo álbum de The Beatles, "With The Beatles". Los buenos días de la década de 1960 pasaron rápidamente. Después de que The Beatles se separaron en 1970, Capitol inmediatamente se enfrentó a la bancarrota. Y la vida de EMI Corporation tampoco es fácil. EMI comenzó a tener problemas después de que el gobierno laborista llegó al poder y prohibió a las empresas británicas utilizar fondos para inversiones en el extranjero. En 1979, EMI fue adquirida por Thorn (Ciencia y Tecnología), pero aún mantenía operaciones independientes. Ese mismo año, el gobierno conservador de Thatcher llegó al poder e implementó una política económica abierta. EMI adquirió inmediatamente empresas como Imperial y Liberty en Estados Unidos. A lo largo de la década de 1980, las condiciones operativas de EMI fueron bastante buenas y David Bowie, Duran Duran, Queen, Pink Floy, Paul McCartney, etc. ganaron mucho dinero para la empresa. En 1992, EMI adquirió la famosa compañía independiente británica Virgin, convirtiéndose una vez más en la compañía discográfica más grande del mundo.