Técnicas de pintura gouache

Aprender bien a pintar con gouache

1. Composición precisa

2. Uso preciso de los colores

3. Pinceladas hábiles

1. La composición es una parte integral de las habilidades artísticas de la pintura, un vínculo en el proceso creativo y una forma de combinar las distintas partes de la obra en un todo. La forma de la composición debe obedecer al contenido de la obra y a los sentimientos internos del autor, y estar determinada según las reglas de belleza formal de la composición. Los conceptos y reglas de composición están estrechamente relacionados con la conciencia estética, los conceptos artísticos, la teoría y el estilo. Aprender a dominar los principios y leyes de la composición puede ayudar a los artistas a elegir los fenómenos de la vida, utilizar, organizar y procesar materiales para lograr la perfección formal, mejorando así el atractivo artístico. Sin embargo, es difícil crear una obra de arte vital basándose simplemente en reglas de composición. Por lo tanto, la teoría y las reglas de composición no son fórmulas estáticas: serán constantemente negadas en la práctica artística y se desarrollarán a través de cambios. Composición S: más impacto visual que las líneas diagonales.

2. Las reglas básicas de composición (ya sea una creación o una práctica, el contenido es una figura, un paisaje o un bodegón, la composición sigue generalmente las siguientes reglas):

Todo en una obra de arte, debe estar subordinado a la expresión del contenido básico de la obra.

Todos los factores formales en las obras de arte deben estar relacionados entre sí.

La obra debe estar compuesta para formar un centro visual que atraiga la mayor atención del público.

La estructura de composición de una imagen debe ser un todo unificado, cambiante y unificado. Debe hacer uso de las reglas de contraste y armonía de las formas, luces y sombras, líneas, colores y otros factores, así como. así como procesamiento espacial, combinación de volumen, ritmo y ritmo, etc. El método hace que la forma de la obra sea novedosa y vívida, y tenga la expresión artística más fuerte.

A la hora de organizar los objetos de la imagen y manejar los detalles, debes evitar todo azar y prestar atención a la estrecha conexión con el tema.

Aplica equilibrio en la composición para expresar estabilidad y quietud; aplica desequilibrio en la composición para expresar inestabilidad y movimiento.

El tamaño de la obra debe coincidir con su contenido; la relación de aspecto del marco debe cumplir con las necesidades de la composición.

3. Composición equilibrada

El equilibrio es una de las reglas más básicas en la composición pictórica. El equilibrio produce belleza formal a través de la visión. El equilibrio es diferente de la simetría. La simetría es el equilibrio más estable y simple. La simetría es una forma hermosa y se utiliza principalmente en decoración y patrones. Todos los edificios y templos tradicionales chinos adoptan un formato simétrico. Las estructuras fisiológicas del cuerpo humano y de algunos insectos hermosos también son simétricas. Las reglas compositivas de la simetría también se aplican en la pintura, pero no se trata de una simetría formal absoluta. La simetría muestra un estado de gran pulcritud, que tiene el efecto de perfección, solemnidad, armonía y quietud, pero también puede producir defectos como la monotonía y la falta de interés.

La regla de la composición equilibrada se ha aplicado amplia y permanentemente en la pintura, siendo diversas las formas equilibradas, que pueden mostrar la belleza de sus propias composiciones. El principio de equilibrio se desarrolla a partir de la respuesta psicológica de la imagen visual de las personas y la sensación de peso. El tamaño y la forma de los bloques de color en la imagen, la personalidad del color, el movimiento de un paisaje vivo o inanimado, o el estado estático, pueden producir diferentes pesos visuales. Por ejemplo, los animales son más pesados ​​que las plantas y las personas son más pesadas que los animales; sobre un fondo de color claro, los colores oscuros son más pesados ​​que los colores claros, por el contrario, sobre un fondo de color oscuro, los colores claros son más pesados ​​que los colores oscuros; las líneas finas son más pesadas que las finas; los volúmenes grandes son más pesados ​​que los pequeños; los tridimensionales son más pesados ​​que los planos; las líneas rectas son más pesadas que las curvas; la pureza del color fuerte es más pesada que las débiles; los fuertes claros y oscuros y los contrastes de color son más intensos que los débiles, etc. En la composición, si el peso descansa sobre una determinada esquina o lado del marco, provocará una sensación de inestabilidad visual. Este principio de equilibrio puede ilustrarse mediante el sencillo principio de que una libra de algodón y una libra de hierro están equilibradas en una balanza.

El cambio y la unidad en la composición también se pueden llamar contraste y armonía. Porque en pintura siempre buscamos el cambio a través del contraste y obtenemos la unidad a través de la armonía.

4. Composición clara y oscura

La luz y la oscuridad son uno de los factores importantes en la composición y el diseño. Luz y sombra se refieren a los distintos niveles de luz y oscuridad entre el tono oscuro más profundo y el tono claro más claro.

Los niveles de luz y oscuridad no sólo se utilizan para expresar la estructura física del objeto, sino que también logran cambios y equilibrio en la imagen a través del entrelazamiento de tonos claros y oscuros en la composición de la imagen, creando una sensación de ritmo. Generalmente se cree que la luz y la sombra son el lenguaje artístico único de la pintura occidental; la pintura tradicional china no parece prestar atención a los factores de luz y oscuridad. Por ejemplo, las obras de dibujo lineal no utilizan tonos claros y oscuros en términos de conceptos formales y técnicas de expresión. Solo utilizan líneas puras para expresar la forma y estructura de los objetos, y contrastan la densidad de las líneas en la composición y el diseño. De hecho, esto refleja el contraste entre la luz y la oscuridad, es decir, el tono es oscuro donde las líneas son densas y el tono es claro donde las líneas son escasas. Se puede ver que la densidad de las líneas también contiene el significado. de tonos claros y oscuros. El contraste de la densidad de las líneas es el contraste de la luz y la oscuridad. Además, aunque las impresiones en blanco y negro solo tienen un tipo de negro, en realidad utilizan el procesamiento de puntos, líneas y superficies para producir ricos cambios en los niveles de luz y oscuridad de la imagen, ejerciendo una fuerte expresión artística en la composición. Por tanto, el factor formal de luces y sombras se utiliza mucho en distintos grados y de diferentes formas en diversas pinturas. Ahora lo explicaremos desde los siguientes aspectos:

(1) Categorías de tono claro y oscuro de la imagen. Al expresar diversos temas y estados de ánimo en las pinturas, existen muchas categorías de uso de luces y sombras, que se pueden resumir aproximadamente en las siguientes tres categorías:

Tono Ming: la mayoría de los colores utilizados en la imagen tienen brillo fuerte y la imagen tiene tonos brillantes. Este tipo de color es adecuado para expresar emociones como alegría, relajación, tranquilidad, cordialidad, sencillez, etc. También se puede utilizar para temas tristes y trágicos. Los tonos brillantes son más conmovedores y poderosos que los tonos oscuros.

Tono oscuro: lo opuesto al tono claro, la imagen se compone de colores más oscuros. Los temas con estados de ánimo profundos, solemnes, ricos, tranquilos, misteriosos y aterradores tienden a utilizar tonos oscuros. En términos de combinación de colores, los colores oscuros se usan más, el blanco se usa menos y el negro se usa a menudo.

Medios tonos - varios tonos cálidos y fríos entre tonos claros y oscuros, que son los tonos más variados y utilizados. Bajo la luz normal, el entorno de vida y de actividad de las personas generalmente se encuentra en un tono medio. Por eso, al pintar temas que expresan diversos aspectos de la vida, se suelen utilizar tonos medios.

(2) Varias formas de procesamiento de claroscuro:

Un fondo oscuro resalta un sujeto brillante; varias formas son muy efectivas para resaltar el sujeto y a menudo se usan. Una forma que es particularmente común en muchas naturalezas muertas y retratos clásicos. Los personajes brillantes contrastan con un fondo oscuro y el efecto es simple, concentrado y fuerte.

Un fondo (o entorno) brillante resalta un sujeto más oscuro: muchos retratos del pintor itinerante ruso del siglo XIX Repin a menudo adoptan esta forma clara y oscura. El fondo brillante hace que la imagen brille y el objeto principal sea muy prominente.

Los tonos medios resaltan el objeto principal con un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad: según la experiencia de la gente al observar la vida diaria, los objetos cercanos siempre sienten que la imagen es concreta y prominente, el color es brillante y el contraste entre el blanco y el negro es fuerte. En comparación con el paisaje cercano, el paisaje lejano siempre aparece borroso y el contraste entre el blanco y el negro se debilita. Por eso, en pintura es muy común utilizar esta forma de claroscuro, que tiene sentido de realidad y es más fácil de expresar efectos espaciales, dando a las personas una sensación de inmersión.

El tratamiento de las formas claras y oscuras en la composición debe obedecer a las necesidades situacionales de expresión del tema. Al mismo tiempo, también se debe utilizar el contraste entre claros y oscuros para mostrar la relación correcta entre la parte principal y la parte metálica de la composición. En una pintura, también puedes utilizar una variedad de factores de contraste de luz y oscuridad al mismo tiempo para tratar temas complejos y expresar temas importantes.

(3) En la composición, los cambios en la forma y el área de los bloques de colores claros y oscuros pueden tener diferentes efectos de rendimiento. Los cambios de área de varios tonos en la imagen pueden ser grandes y pequeños, es decir, solo hay un área grande de tonos oscuros o tonos claros, también pueden ser pequeños y numerosos, es decir, muchas áreas pequeñas de tonos oscuros; o tonos claros; las formas tonales son rectas y redondas, con límites claros. Tanto el color como el desenfoque pueden expresar diferentes emociones y producir diferentes efectos: el área de color es grande, el contraste entre sí es obvio y los límites son claros. Puede producir un efecto vivo, activo y conmovedor. La configuración de grandes bloques de tonos oscuros y pequeños bloques de tonos brillantes tiene efectos como solemnidad, tragedia, profundidad y misterio. La combinación de una gran superficie de tonos brillantes y una pequeña cantidad de tonos oscuros tiene el efecto de resultar confortable, luminoso y alegre.

Los colores claros tienen un ambiente elegante e inocente; los colores suaves tienen efectos sutiles, líricos, elegantes, serenos y otros efectos expresivos.

(4) Las líneas son un factor de forma importante en la composición. Las pinturas prehistóricas chinas comienzan con líneas y las pinturas infantiles también comienzan con líneas. El dibujo lineal en la pintura tradicional china es la base del modelado, y las líneas se han convertido en una de las características artísticas de la pintura tradicional. Se refieren principalmente a la aplicación de líneas en el modelado. En cuanto al papel de las líneas en la composición de una imagen, es aún más amplio. Las líneas pueden lograr el propósito de guiar la atención del público hacia el centro del tema de la obra. Las líneas en sí también tienen su propia expresividad y belleza. Organizar las líneas puede crear una sensación de ritmo en la composición. Las líneas se pueden dividir en muchas categorías:

Líneas sólidas, es decir, líneas que tienen valor en sí mismas.

Líneas de contorno de formas de objetos, tales líneas incluyen líneas rectas, curvas o una combinación de ambas. Cuanto más simple y claro sea el contorno, más llamativo e intenso resultará. Como las xilografías en blanco y negro en las impresiones.

Algunos objetos muy estrechos también tienen efectos lineales. Como el suelo, la superficie del mar, carreteras, postes telefónicos, troncos de árboles, etc. cuando el punto de vista es muy bajo.

Líneas horizontales, líneas verticales, líneas oblicuas.

Líneas desiguales, como: el contorno de la intersección entre el grupo de edificios y el fondo, la intersección entre los árboles y el cielo, etc.

Curvas: curvas horizontales, curvas verticales, otras curvas.

Horizonte (el horizonte es muy importante en la imagen y está muy relacionado con la composición).

Línea de movimiento y línea que muestra fuerza.

Las líneas anteriores con diferentes características están estrechamente relacionadas con el efecto artístico de la composición. En la aplicación de líneas, las más importantes son las curvas, las rectas y las diagonales.

Las curvas se pueden dividir en curvas verticales, curvas horizontales y curvas irregulares. Las curvas dan a las personas una asociación femenina, suave, elegante y tersa. El uso inadecuado de las curvas puede hacer que la composición parezca inestable, débil y carente de potencia. Las curvas verticales, como las llamas, representan una especie de vitalidad; las curvas horizontales, como las olas del agua o los altibajos de montañas distantes, tienen una sensación de intimidad, gracia y movimiento lento.

5. Ventajas de varias composiciones: La composición en S tiene más impacto visual que las líneas diagonales. La composición de líneas fijas verticales da a la imagen una sensación de estabilidad, tranquilidad y elegancia; los triángulos se utilizan en el diseño creativo (los triángulos invertidos son inestables; las composiciones diagonales tienen elementos dinámicos; El efecto es una sensación de tranquilidad; la composición en forma de X es estable (utilizada principalmente para la composición de calles y paisajes de vías fluviales).

6. Uso de colores

(1) Mezcla de colores, este es el método más utilizado, que consiste en mezclar dos o más pigmentos para preparar otro color. Es diferente del color original en términos de matiz, croma y color, pero aún contiene los factores individuales del color original y tiene una relación armoniosa con el color original. Por ejemplo, el rojo y el azul se combinan en el morado, y el morado armoniza con el rojo o el azul y tiene los factores de personalidad del rojo y el azul. Si se mezclan colores complementarios contrastantes, dependiendo del peso de los dos colores durante la mezcla, la pureza del color puede debilitarse rápidamente en diversos grados, o incluso convertirse en un color débil que contiene gris. Por ejemplo, al mezclar rojo y verde, agregar una pequeña cantidad de verde al rojo puede producir un rojo gris, tranquilo y estable. Si se mezclan los dos componentes, puede aparecer un color gris-negro con tonalidad apagada y de baja pureza y luminosidad.

El propósito de la mezcla de colores es hacer que los colores sean más ricos, contrastantes y armoniosos. La relación entre colores puede cumplir con los requisitos del objeto de expresión. El método de mezcla de colores siempre reducirá la pureza del color. Este método puede hacer que la imagen se vuelva gris y pierda vitalidad. La gradación de color es un proceso complejo e importante. En una obra de color, la mayoría de los colores se mezclan en una paleta y luego se pintan en el marco. Por lo tanto, para dominar las habilidades de mezcla de colores, además de conocer algunos conocimientos básicos sobre el color, es principalmente necesario adquirir experiencia en la práctica del boceto. En algunas pinturas, la relación de color es desordenada y carece de sensación de armonía, o los colores son oscuros y la imagen pierde su vitalidad. Todo esto está relacionado con la paleta de colores. Cuando empiezas a aprender colores, siempre sientes que es muy difícil mezclar los colores de los objetos que observas y conoces, especialmente mezclar colores grises. Este es un proceso inevitable. Porque encontrar un color gris, qué colores hay que mezclar, cuánto de ellos hay que añadir, cuánto blanco hay que añadir, etc., es muy complicado.

El método de mezcla puede lograr un efecto de color aproximado del objeto, con un fuerte sentido de realidad. Sin embargo, el método de mezcla a menudo hace que el color pierda su pureza y pierda la viveza y el poder del color. Existen algunas reglas para mezclar colores, pero no existe una fórmula. Sólo se puede dominar gradualmente mediante la práctica continua.

(2) Restablecimiento de color

El método de superponer dos o más colores para producir otro color es el método de restablecimiento de color. Restablezca el tono del color resultante para aproximarse aproximadamente al efecto de fusión. Este método se utiliza mucho en la pintura con acuarela. Esto se debe a la transparencia de la pintura de acuarela, que también es una condición para utilizar el método de reinicio. Si primero dibujas un color amarillo y luego lo cubres con una capa de azul después de que se seque, el color amarillo brillará y se combinará con la capa azul para formar el verde. Si lo cubres con una capa de marrón contrastante, producirá un color gris pardo verdoso. Algunas acuarelas específicas y en profundidad deben completarse utilizando técnicas de restablecimiento de color. Debido a la opacidad de los pasteles, el método de reinicio no se utiliza habitualmente. Si agregas mucha agua al color gouache para que la pintura sea transparente, también puedes lograr un efecto de reinicio como el de la acuarela. Puede ajustar las relaciones de color restableciendo, como restablecer con colores fríos y transparentes para dibujar sombras de la luz del sol, etc. Para restablecer el color pastel, se debe escribir con decisión y rapidez, y no aplicarlo una y otra vez, porque el color subyacente se daña fácilmente. Otra técnica de reinicio para la pintura gouache es usar un bolígrafo seco u otra herramienta para sumergir un color opaco seco sobre la primera capa de color y luego volver a aplicar el segundo color sin cubrir completamente el color de fondo. Este enfoque tiene un efecto de color yuxtapuesto. No sólo puede ajustar las relaciones de color, sino también hacer que los colores sean más variados y sutiles, produciendo un efecto complejo de colores gruesos.

(3) Yuxtaposición de colores

El método de yuxtaposición consiste en utilizar pinceladas para conectar y yuxtaponer dos o más colores para crear un efecto de mezcla visual del espacio de color. Si se yuxtaponen los puntos de color amarillo y azul, se producirá un verde mezclado espacialmente. Este verde puede ser más brillante y más activo que el verde obtenido al mezclar los dos colores. Este método de yuxtaposición es la aplicación de principios ópticos en métodos de color, que se originaron a partir de la práctica del color de algunos pintores impresionistas y postimpresionistas en el siglo XIX.

De los tres métodos anteriores, el más utilizado es la mezcla de colores. El método de reinicio y yuxtaposición es una mezcla de colores de diferentes maneras y con diferentes efectos, si se usa correctamente, también puede lograr buenos efectos de rendimiento.

7. Contraste de color

Contraste significa la diferencia de color. Cuanto mayor es la diferencia, más fuerte es el contraste, y viceversa. Por lo tanto, en términos de relación de color, existe una distinción entre contraste fuerte y contraste débil. Por ejemplo, los tres colores complementarios: rojo y verde, azul y naranja, y amarillo y morado son los colores que contrastan más fuerte. Poco a poco, añadiendo una cantidad igual de blanco entre ellos aumentará su brillo al tiempo que debilitará su pureza, convirtiéndolos en rojos y verdes rosados, amarillos y morados, y naranjas y azules, formando un contraste débil. Si agregas la misma cantidad de negro, debilitarás su brillo y pureza, formando un contraste débil. Por el contrario, la pureza o brillo de un color se debilita, haciendo que éste pierda su personalidad tonal original. El contraste entre ambos colores se debilitará e incluso tenderá a encontrarse en un estado armonioso. Los factores de contraste de color incluyen principalmente los siguientes aspectos.

(1) Comparación de fases de color: entre los colores de la rueda de colores, puede haber muchas relaciones, como colores adyacentes, colores similares, colores intermedios, colores contrastantes, colores complementarios, etc. 180 en la rueda de colores. Los dos colores del ángulo son colores complementarios y son los colores con mayor contraste (mayor a 120 en la rueda de colores. Ambos colores del ángulo son colores contrastantes). La rueda de colores es 90. Los dos colores de la bocina son colores de contraste medio (como rojo y amarillo, rojo y azul, naranja y amarillo verdoso, etc.). También hay colores similares (como rojo oscuro, rojo brillante, rojo rosa, etc.) y colores adyacentes (como rojo y rojo anaranjado, rojo y rojo violeta, amarillo y amarillo verdoso, etc.). Los pigmentos similares que contienen son dominantes y el tono, el color y el brillo son muy similares. Los factores de contraste no son obvios y existen diferencias débiles, lo que constituye una relación de color armoniosa. Si los pigmentos similares entre dos colores adyacentes disminuyen gradualmente, se formarán contrastes de diferentes intensidades (como rojo y amarillo verdoso, rojo y cian, amarillo y verde, etc.). Los colores similares tienen un contraste más fuerte que los colores adyacentes y se encuentran aproximadamente en un ángulo de 600 en la rueda de colores. Los pigmentos rojo, amarillo y azul cian se denominan colores similares.

(2) Contraste de brillo: es decir, el contraste de la profundidad del color. La relación entre la profundidad del color es la relación del boceto.

Cada color que exprimimos del tubo de pintura ya tiene su propio brillo. Hay una diferencia de brillo entre los colores. Si los organizas de oscuro a claro, puedes obtener el siguiente orden: negro, azul, cian, verde oscuro, negro marrón, verde esmeralda, rojo intenso, escarlata, ocre, verde hierba. azul cobalto, bermellón, naranja, amarillo tierra, amarillo medio, amarillo limón, blanco. Si cada pigmento se mezcla con negro o blanco, se producirá la diferencia de brillo del mismo color; si se mezclan otros colores más oscuros o más claros que este color, se producirá la diferencia de brillo de diferentes características de color. Se puede observar que el contraste de brillo del color contiene factores bastante ricos y complejos. Es más fácil distinguir la luminosidad y el contraste de luminosidad de un solo color, pero no es fácil identificar correctamente el contraste de luminosidad que incluye factores como la pureza del color, la frialdad y la calidez.

(3) Contraste de pureza: el efecto de los colores se muestra contrastando entre sí. El contraste de pureza se refiere al contraste entre colores brillantes y turbios. Utilice colores no brillantes de baja pureza como colores de fondo para que los colores brillantes parezcan más intensos y llamativos. Si se yuxtaponen colores contrastantes rojo y verde de la misma pureza y área de color similar, no sólo no podrán realzar sus efectos de color, sino que se debilitarán entre sí. Si el verde se mezcla con gris para debilitar la pureza, el rojo será más vivo contra el contraste gris-verde. Observamos los coloridos ponchos y sombrillas que usan los peatones en las calles en los días de lluvia. Los colores brillantes y puros son sumamente llamativos y hermosos porque contrastan con los tonos grises oscuros y fríos del entorno. Los colores de alta pureza tienen características visuales que sobresalen hacia adelante, mientras que los colores de baja pureza tienen el efecto contrario. Un mismo color puede producir diferencias y contrastes de pureza a diferentes distancias espaciales. Por ejemplo, si observa tres banderas rojas a diferentes distancias, es decir, cerca, media y lejana, la bandera roja cercana es brillante en el plano medio aparece de color púrpura grisáceo en comparación con la bandera roja en el plano cercano; En contraste, en el plano lejano aparece la bandera. En comparación, es menos pura y parece gris. Este es el cambio de color debido a la relación espacial, que refleja el cambio de pureza del color y crea una sensación de distancia espacial. En una imagen, los tonos dominados por un débil contraste de pureza son elegantes y el efecto emocional expresado es básicamente tranquilo; por el contrario, el fuerte contraste de pureza tiene un efecto emocional excitante y activo;

(4) Contraste cálido y frío: la sensación cálida y fría del color proviene de la experiencia de vida fisiológica y psicológica de las personas. Por lo tanto, el contraste entre elementos de color cálidos y fríos puede ejercer especialmente el atractivo del color. La tendencia de los colores cálidos y fríos es relativa y debe mostrarse cuando dos colores tienen un contraste relativo. En el proceso de dibujar colores, comprender los cambios de contraste de los colores cálidos y fríos se basa principalmente en el método de comparación mutua. Observe el cielo en un día soleado. Si es de color gris púrpura, el cielo en el suelo o en las montañas distantes generalmente parecerá más cálido, mientras que el cielo arriba tenderá a ser más frío, con una ligera diferencia entre cálido y frío. El objeto está expuesto a la luz solar directa, la superficie receptora de luz será más cálida y la superficie de luz de fondo será más cálida, la parte de luz fuerte de la parte receptora de luz será más fría, la parte de la luz de fondo que se refleja en el cielo azul. la luz parece más fría y la parte de la luz de fondo que se refleja en la luz del sol desde el suelo está cubierta con un color cálido. A partir de la comprensión de las leyes naturales del color y la luz, podemos reconocer las leyes de contraste entre colores cálidos y fríos a través de la observación, lo cual es muy importante en el aprendizaje del color si no podemos reconocer y expresar este contraste entre colores cálidos y fríos; El color de la imagen puede tender a ser monótono.

(5) Contraste de área: el área, la forma y la posición del color se mencionaron en la sección sobre elementos de color. Este es uno de los factores asociados con la composición en el diseño artístico o la estructura del diseño en la pintura. La llamada área de color es generalmente relativamente clara en el diseño o la pintura decorativa, porque la mayoría usa bloques de colores planos con tonos simples, combinados con la forma de los bloques de colores, y mediante disposición e intercalación, para formar una fuerte Efecto rítmico , débil y ondulante. En las pinturas realistas, básicamente no existe un bloque de color plano simple. En un área de color, debe haber muchos cambios de color al mismo tiempo, pero aún tiene factores de forma de contraste como el área de color, la forma y la posición. El tamaño del área de color está relacionado con la formación del tono. Su función en la expresión artística es la obtención de efectos de color a través del contraste. Considerar la forma del bloque de color se refiere a la belleza de la apariencia y también incluye el contraste entre líneas y formas. El contraste entre un cuadrado y un círculo tiene un factor incongruente, que es diferente de la sensación de las líneas curvas.

8. Armonía de colores

(1) El contraste y la armonía son dos aspectos interdependientes y contradictorios. Ambos se utilizan para obtener la belleza del color y expresar pensamientos y sentimientos importantes. . En una imagen, dependiendo de los diferentes requisitos del tema, el tono del color puede basarse principalmente en factores contrastantes o en factores armoniosos. En términos de reflexión emocional, los sentimientos generalmente positivos, agradables, estimulantes, excitantes, vivos, brillantes, ricos y otros se expresan en tonos contrastantes. Emociones como comodidad, tranquilidad, sutileza, suavidad, sencillez, suavidad, elegancia y silencio deben expresarse en tonos armoniosos. Al contrastar dos colores, si se mezcla el mismo color complejo, es decir, un color gris, entonces los colores contrastantes se acercarán al color complejo mezclado, y el tono, el brillo, la pureza, la frialdad y la calidez tenderán a ser similares. , y los factores estimulantes de contraste se debilitarán o desaparecerán. El efecto de fusión aumenta en proporción directa a la cantidad de color mezclado. Colores contrastantes en ambos lados, si un lado se mezcla con el color del otro, o ambos lados se mezclan con el color del otro, la diferencia puede reducirse, debilitarse y tender a ser armoniosa.

(2) La armonía de un mismo tono se refiere a una serie de matices que pueden producir un simple cambio de brillo añadiendo gradualmente cualquier color básico al blanco o al negro. Los diferentes niveles de colores que tienden a ser brillantes u oscuros pueden denominarse el mismo color o el mismo color, y tienen propiedades extremadamente armoniosas. Si un conjunto de colores contrastantes se mezcla con blanco o negro al mismo tiempo, se reducirá la pureza, se debilitará el tono de la personalidad y se fortalecerá el sentido de armonía.

(3) La armonización de colores adyacentes y colores similares significa que los colores similares contenidos en el color son dominantes. Los factores de color como el tono, la pureza y el brillo son muy similares y las características contrastantes son. no es obvio Es una relación armoniosa. Como colores adyacentes rojo y rojo anaranjado, rojo y rojo violeta, amarillo y amarillo verdoso; colores similares como rojo intenso, rojo brillante, rojo rosa, bermellón, etc. El contraste de color de colores similares es ligeramente más fuerte que el de los colores adyacentes. No importa el color, cuando se combina con negros, blancos y grises acromáticos, puede producir un efecto armonioso. Entre dos colores contrastantes inarmónicos, puedes hacer que los dos colores contrastantes inarmónicos sean armoniosos tratando con un color que sea armonioso con ambos colores contrastantes. Por ejemplo, en los colores contrastantes del rojo y el verde, si el amarillo ocasionalmente armoniza con el rojo y el verde, la intensidad del contraste del rojo y el verde se debilitará y tenderá a ser armoniosa. Al organizar un boceto de naturaleza muerta, si hay colores fuertes contrastantes y descoordinados en el objeto principal, se debe considerar el color de entretela apropiado de acuerdo con las reglas anteriores al combinar la tela de entretela, de modo que la naturaleza muerta tenga un color general contrastante y armonioso. efecto.

9. Cómo usar bolígrafos

(1) Utilice bolígrafos según la forma y estructura

Confíe en las reglas de los cambios de luz y sombra de los objetos. cinco tonos principales para expresar objetos, acompañados de A medida que cambia la estructura física, la luz, la sombra y el color cambiarán. La dirección, el inicio y el final del bolígrafo deben usarse de acuerdo con los cambios en la estructura del cuerpo, lo que también puede entenderse como el uso del bolígrafo de acuerdo con la relación entre la luz, la oscuridad y el color. Porque los cambios en la estructura física están estrechamente relacionados con los cambios de luz, sombra y color. El tamaño del bolígrafo debe cambiarse según el tamaño de la forma, estructura simple; use un bolígrafo grande para expresar partes y formas grandes, como fondos, etc. Utilice bolígrafos pequeños para expresar diseños pequeños complejos, piezas pequeñas, formas pequeñas y detalles. Como copa, boca de porcelana, espesor de plato, etc. El simple hecho de usar trazos amplios definitivamente parecerá vacío y falto de refinamiento. Usar solo pequeños trazos puede fácilmente volverse trivial y difícil de dejar ir. Los dos deben estar conectados entre sí.

(2) Al utilizar el bolígrafo debes ser resolutivo, preciso y conciso.

Cada trazo que dibujes debe realizarse con amabilidad y no tanto en forma como en color. escribe al azar si no piensas bien. Una vez que escribas, debes ser resolutivo, preciso y nítido. Una vez que los trazos estén en el papel, no los traces ni los cambies simplemente. Esfuércese por dibujar bien de una vez. Además, el lápiz debe ser resumido y conciso, y con un solo trazo se debe tratar adecuadamente una zona, un punto de inflexión, etc. Es decir, completar una tarea o varias tareas de una sola vez. Por ejemplo, un trazo puede manejar luces y sombras, pureza, tono, superficie, autenticidad, etc. Trate de dibujar bien con un trazo, nunca con dos, y utilice la menor cantidad de trazos posible para representar bien el objeto. Evite trazar, pintar y manchar repetidas veces y de forma trivial con el pincel. Esto es un tabú cuando se utilizan pinceles de gouache. Debido a las limitaciones de la pintura gouache, la aplicación repetida hará que aparezca el color de fondo, especialmente los colores morados (rojo rosa, violeta). Estos colores son los más fáciles de obtener y ensuciarán la pintura. la gente se siente rígida y rígida, no relajada, no sencilla. Por tanto, se pierde la belleza de la pintura.

El pincel debe ser vívido, natural y uniforme

(3) El pincel debe ser vívido, natural y uniforme

Vivididad significa pintar de forma vívida, flexible y cambiante. Si las pinceladas son demasiado regulares y uniformes, la imagen parecerá rígida y rígida. La sincronía es el control de los cambios, la consistencia de las pinceladas. Los cambios son dialécticos al igual que la pintura, y las pinceladas se verán desordenadas si sólo se cambian. Caos significa cambio, no caos significa unidad, cambio y unidad son enemigos. Es necesario encontrar un equilibrio entre ambas partes. La teoría de la pintura china exige que al utilizar el pincel debemos lograr: "No hay caos en el caos, hay caos en el no-caos", "Un poco indisciplinado pero libre en la disciplina", "Aunque no haya uniformidad". , habrá uniformidad pero no uniformidad". Son excelentes debates a este respecto. "No hay caos en el caos" significa que este tipo de caos debe ser un caos controlado. Sin control, es un caos real, no la viveza requerida. "Hay caos en lo que no es caos" significa intentar lograr cambios dentro de un cierto grado de control.

10. Resumen

(1) Al mezclar colores en la pintura gouache, el agua se usa para dos propósitos: uno es diluir el color, lo que facilita el uso del pincel para colorear. libremente; la otra es que el agua puede adelgazar el color. En diversos grados, los colores brillantes del papel pueden penetrar la capa de color y mostrar cambios en el brillo. Si usas más agua y dejas que los colores fluyan sobre el papel, también puedes crear un efecto de mezcla de agua y color. Generalmente, la primera coloración (o aplicación del color base) de la pintura gouache se realiza principalmente con un método de pintura fina que contiene más agua, lo que puede hacer que la capa de color sea suave y sutil y tenga el efecto de retroceder. Este método se utiliza a menudo para dibujar sombras y vistas lejanas de paisajes. En el método de pintura fina, debido al contenido de agua y el color fino, el factor del polvo y el poder cubriente se debilitarán y las características artísticas de la pintura gouache no se pueden ejercer por completo. Por lo tanto, el método de pintura fina a menudo solo se usa en áreas locales. o pintar el primer color.

(2) El método de pintura espesa del gouache puede producir fácilmente las características artísticas de la pintura gouache. Por lo tanto, la cantidad de pintura en la caja de la paleta debe ser grande y debe mantenerse húmeda y no seca para garantizar que el pincel se pueda sumergir en la rejilla de pintura para extraer suficiente pintura. Al mezclar colores o pintar sobre papel. Puede quedar muy rico y lleno, y el pincel se puede usar sin problemas. Podrás hacer lo que quieras. A veces puedes sumergirte en varios colores diferentes y puedes ajustar el color correcto mediante la pincelada mientras le das forma al objeto en la pintura, lo que puede crear un efecto vívido de colores en competencia. Por supuesto, nunca es fácil hacer esto sin suficiente experiencia y habilidades básicas. Porque al expresar muchos objetos o paisajes brillantes, como el cielo, el agua, las carreteras, las casas, etc., es necesario agregar una gran cantidad de blanco para lograr los requisitos de brillo. Por lo tanto, cuando se necesita blanco para pintar gouache, se debe usar blanco. Úselo con audacia y asegúrese de que haya un cierto grosor que pueda hacer que la forma sea gruesa y poderosa, creando un efecto de contraste con las partes delgadas de la pintura. En términos generales, en términos del espesor del color utilizado, la pintura espesa es la principal forma de lograr mejores efectos de pintura gouache.