Edición de continuidad de técnicas de postproducción de cine y televisión.

Técnicas de postproducción cinematográfica y televisiva para el montaje de continuidad

La postproducción cinematográfica y televisiva es una parte del proceso de producción cinematográfica y televisiva. La posproducción comenzará después de la película y. Se completa el rodaje de televisión. ¿Cuáles son entonces las técnicas de postproducción cinematográfica y televisiva? A continuación he recopilado para ti las técnicas de edición de continuidad de postproducción de cine y televisión, ¡espero que te pueda ayudar!

Lo que dominó el cine clásico de Hollywood y luego fue adoptado por un gran número de producciones cinematográficas fuera de Hollywood fue el conocido "edición de continuidad" (también conocido como "edición fluida" y "edición de planos"). "). Tomó forma ya en los primeros días de la historia del cine y, alrededor de 1919, sus características más importantes ya estaban establecidas. El propósito de la edición de continuidad es permitir que la audiencia comprenda y preste atención a la historia sin interrupción. En consonancia con el manejo de las historias por parte de Hollywood, el principio básico es la "transparencia", es decir, las técnicas de presentación deben estar ocultas y no deben ser llamativas, de lo contrario la atención del público no se centrará en lo que está sucediendo, sino que se centrará en el cómo. sucedió.

Esto significa yuxtaponer tomas de una manera que minimice los rastros inherentes de la edición. Diseñe transiciones para evitar omisiones confusas del espacio de la pantalla o cambios desorientadores en la orientación de la pantalla. El rodaje de planos iniciales ayuda a distinguir el diseño y los límites de una escena, y las escenas más cercanas que siguen se entienden, en consecuencia, como escenas en este espacio más grande.

Otra técnica muy utilizada es la regla de los 180°, que asegura la coherencia espacial en planos consecutivos y evita el siguiente fenómeno en la puesta en escena: objetos que aparecían en este lado del encuadre en el plano anterior. La cosa, en la última toma, se ha movido al otro lado del encuadre (como una imagen reflejada). La regla de los 30° tiene un propósito similar: garantiza que haya suficiente cambio en el encuadre de la toma anterior a la siguiente para evitar cortes en salto. Para lograr una yuxtaposición espacial suave y coherente, también es importante hacer que las secuencias "coincidan" entre sí, como la coincidencia de líneas de ojos y de acciones. Todo esto nos da un mapa de posición que determina la relación espacial entre un fotograma y el siguiente, vinculando los planos con la historia misma: sus personajes y su trama. Como sugiere la "coincidencia visual", la edición es crucial para la construcción del punto de vista de los personajes en la película (es decir, lo que realmente ven, en contraposición al significado metafórico del término "focalización"). A su vez, el proceso de mostrar lo que miran los personajes en pantalla también resulta especialmente útil para comunicar claramente la conexión entre planos. También se considera otra técnica de reproducción de edición de continuidad y generalmente se denomina estructura de plano frontal-reverso. Se utilizan con mayor frecuencia para mostrar una conversación entre dos personajes, con la cámara colocada a la altura de los hombros. Esta técnica nos dice claramente dónde está cada hablante y qué está viendo, al mismo tiempo que transmite la intimidad de las interacciones de los personajes.

La apertura de "Girlfriend Friday" ofrece una demostración de continuidad en el montaje en acción: el plano inicial de la película sigue la trayectoria de la sala de redacción del Washington Post, lo que define la obra. El ajetreo del lugar también explica a grandes rasgos. las posiciones relativas de las oficinas de los editores (lado derecho de la escena), el área de reunión para reporteros y mecanógrafos (centro) y el ascensor (lado izquierdo). Una fusión posterior nos trae un primer plano de Hildy y Ralph *** tomando el ascensor. Su conversación se muestra con un plano frontal y posterior a la altura de los hombros, que es diferente del plano en movimiento anterior. para haber una sensación de tranquilidad en medio del ajetreo y el bullicio. En la ruidosa sala de redacción, crearon un mundo donde solo ellos dos estaban solos. Luego hay una serie de tomas que siguen a Hildy mientras pasa junto al equipo de mecanografía y entra a la oficina de Walter, donde la "coincidencia de acciones" resulta útil. Inicialmente, Hildy se para en la puerta y mira hacia la derecha de la lente de la cámara, luego pasa a Walter y Louis, quienes sabemos que son los objetos de la mirada de Hildy. Hildy saludó y anunció su llegada, y la cámara cambió a un plano medio. No solo aparecieron las tres personas en la pantalla, sino que también se explicó claramente el diseño básico de la nueva habitación.

Justo después de terminar el saludo, entró Duffy y se insertó un doble disparo de media-larga distancia, lo que permitió a Hildy y Walter tener una conversación más larga. Hildy estaba hablando, al otro lado de la imagen, ella estaba sentada detrás. Walter: ahora, ella está en el lado derecho de la imagen y Walter está en el lado izquierdo. Para hablar con Hildy, Walter gira su silla para quedar frente a Hildy y de espaldas a la cámara, luego hay un corte y Walter ahora está frente a nosotros; Aunque este corte cambia a Walter de estar de espaldas a nosotros, el movimiento de la cámara sigue siendo inferior a 180°, así como en el primer plano se establece claramente la posición de Walter ligeramente a la izquierda de la cámara, y en el segundo plano sólo está ligeramente desplazado hacia la derecha; lo que sigue es el plano desde el punto de vista de Hildy, en el que se conservan las relaciones espaciales establecidas en el plano medio-largo anterior, con Hildy todavía a la derecha y el hombro de Walter todavía visible en el lado izquierdo de la imagen; marco.

Esta escena sigue las reglas de edición de continuidad y muestra cómo se aplican los cambios dentro de las reglas. También pudimos haber notado que cuando Hildy se sentó detrás de Walter, cambió la posición del hipotético eje que rige la regla de los 180°: en ese momento había cuatro personas en la escena, tres de ellas entraban y salían, y esa línea es de puerta a ventana; una vez que la escena solo contiene a Walter y Hildy, Hilty ha recalibrado el eje dibujado entre los personajes, lo que equivale a expandirse de un extremo del eje al otro. . También hay algunos cortes inteligentes que insinúan cambios en las interacciones de los personajes, mientras Walter y Hildy se ríen, bromean y discuten sobre los detalles de la reunión. La edición de toda la escena es fluida y fluida, y nos ayuda a comprender la trama de alguna manera, pero la mayor parte pasa desapercibida para nosotros.

Dado que la edición de continuidad sigue siendo el principal "lenguaje" cinematográfico de las películas convencionales y artísticas, el público se vuelve cada vez más competente en las técnicas de expresión cinematográfica, lo que también aumenta las oportunidades para romper dichas reglas. y más frecuente. La regla de los 180°, en particular, a menudo se rompe en secuencias de acción, por ejemplo, donde los movimientos de la cámara y los cambios de encuadre se complementan con una puesta en escena dinámica. Las películas artísticas a menudo alteran la coherencia del montaje (como el uso de cortes de salto por parte de Godard) como parte de su exploración consciente de las técnicas cinematográficas.

Glosario:

Regla de 180°. Es decir, la regla del eje. Esta técnica de edición dicta que se tome un eje imaginario de la escena y que la cámara siempre debe estar a un lado de esta línea de puntos. De lo contrario, estará fuera de eje, lo que fácilmente puede generar confusión en la dirección espacial de la audiencia.

Regla de los 30°. Esta técnica de edición requiere que el ángulo de colocación de la cámara siempre cambie al menos 30° desde la posición de la cámara en la toma anterior.

Eyelinematch. En un corte, una toma muestra a alguien mirando hacia algún lugar fuera del encuadre, y la siguiente toma debe mostrar el objeto que se está mirando. Es más común mostrar primero al observador, pero en la edición real no es raro invertir este orden.

Partido en acción. Un corte que conecta dos espacios entre sí por el hecho de que una acción realizada en un plano puede completarse en el segundo plano.

Plano contraplano. Dentro del alcance de la regla de los 180°, los cambios se realizan en espacios complementarios o coincidentes, y en posiciones de cámara básicamente opuestas o casi enfrentadas.

Expansión: Guía de habilidades de postproducción de cine y televisión

1. Formación del editor

1. Capacidad de encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados.

2. La capacidad de editar materiales y encontrar los cortes que los conectan con la siguiente escena.

3. La capacidad de utilizar imágenes y selección de música para crear melodías y tramar creatividad.

4. El editor también necesita dar a la película, que se compone de imágenes fijas continuas, una sensación de movimiento e inyectar vida a la imagen.

5. El editor encontrará naturalmente la mejor expresión entre las muchas tomas y descubrirá qué punto es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando poco a poco en numerosos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.

2. ¿Cómo encontrar puntos de edición?

¿Dónde se deben realizar los cortes y las conexiones? Encontrar el punto de corte es sin duda una de las tareas importantes del editor. Cabe señalar que este es el vértice de la imagen.

El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como cuando los brazos del personaje están completamente extendidos, cuando termina la bajada de la cabeza después de asentir a modo de saludo. , cuando la pelota sube y está a punto de caer, cuando se retira la sonrisa, etc.

La imagen es una continuación de una serie de imágenes fijas. Debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas.

Por lo tanto, cuanto más intenso sea el movimiento, el corte en la parte superior de la imagen o justo antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en la película posterior, dejando una profunda impresión en el público.

3. Puntos cortantes que producen sensación de melodía

Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar el punto cortante.

Si comienzas a filmar desde un estado en el que la acción está completamente detenida, filma fielmente la acción de girar el libro desde el principio hasta el final, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción. de darle vuelta al libro.

Sin embargo, la belleza de la imagen no puede reflejarse simplemente dejando que la gente la entienda. Un sentido de melodía y comodidad también son indispensables. Entonces, ¿qué se debe hacer exactamente?

Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de girar un libro se divide en 1 a 24 escenas, entonces los primeros 3 a 4 segmentos se cortarán como punto de corte inicial.

Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión de la acción de girar el libro. Al contrario, también puede mostrar la melodía y la comodidad de la acción. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.

4. No existe sólo una forma correcta de editar una película.

Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único.

Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede utilizar como punto de corte, y cuando la acción de girar el libro está a punto de finalizar, también se puede utilizar como punto de corte.

Según las diferentes obras y las diferentes escenas antes y después, el punto de corte puede cambiar y el método de edición correcto no es único.

Por supuesto, la edición también tiene sus formas y convenciones fijas, que se pueden decir que son las reglas de la edición. Es importante conocer estas reglas, pero como la edición es un trabajo creativo, hay ocasiones en las que puedes romper las reglas y probar algo nuevo.

5. El propósito del montaje

Para liberarse de las limitaciones físicas y controlar libremente el tiempo y el espacio, en fotografía y producción, a veces es necesario dividir las tomas y darles forma. una trama más tarde.

En la obra se omite el paso real del tiempo en la historia, y se omite el movimiento del espacio en la historia. La trama se combina con la intención de la actuación de determinar la apariencia final de la obra. trabajar.

Conecta intencionadamente los planos para aclarar y enfatizar el contenido que se desea expresar, hacer más rigurosa la secuencia y estructura de los planos y resaltar los elementos argumentales.

6. Reglas fijas en la edición de acciones.

Método de edición cuando el objeto que se está fotografiando está en movimiento.

La conexión de acción se refiere a la edición de los movimientos del objeto fotografiado.

En el pasado, el rodaje de una acción a menudo tenía que interrumpirse debido al cambio de película. Sin embargo, la misma acción conectada con diferentes lentes se ve sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.

7. Edición de tomas

(1) Las acciones están conectadas en 7:3

Primero, echemos un vistazo a los conceptos básicos de la edición de acciones: conexión de acciones , conexión de acción Se refiere a un método de edición que utiliza dos imágenes para conectar una acción.

En teoría, la diferencia entre estos dos conjuntos de imágenes está únicamente en el tamaño de las imágenes. Describen la misma acción en el mismo momento, por lo que la edición se puede iniciar desde cualquier punto. Sin embargo, en este momento, los movimientos serán incoherentes o repetitivos, y la imagen editada final carecerá de sentido del ritmo.

El método general de edición de vídeo consiste en conectar acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr una acción fluida. De esta manera, no sólo los movimientos hacia adelante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge una sensación de ritmo y viveza.

Por supuesto, conectar según la proporción de 7:3 no es la verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano a veces produce la ilusión de repetición y salto. Por lo tanto, al recortar o superponer deliberadamente ciertas tomas, la acción parece más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.

(2) Conectar dos acciones en una

Conectar múltiples acciones de diferentes objetos fotografiados en uno, lo que comúnmente se conoce como un clip de acción única.

Ejemplo: El lanzador y el primera base que fueron golpeados por un jonrón miraron hacia atrás a la bola voladora. Los dos jugadores completaron la acción de "mirar hacia atrás" al mismo tiempo. Si desea aprovechar al máximo los materiales existentes, debe utilizar esta conexión: haga un jonrón -> el lanzador mira hacia atrás -> el base mira hacia atrás -> la pelota vuela muy lejos. Sin embargo, con este método de conexión, los movimientos de retroceso de los dos jugadores se repiten, lo que dará al público una impresión aburrida. Un clip de acción única integrará estos dos movimientos de giro en uno, eliminando la diferencia de tiempo mediante la edición. Específicamente, la primera mitad del movimiento de giro del lanzador se cortó y se conectó con la segunda mitad del movimiento de giro del primera base. Esto podría mejorar la sensación de velocidad y hacer que la imagen fuera coherente.

Conexión de puntos clave de acción

Dos cámaras toman dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si están en diferentes posiciones y ángulos, puedes usar esta regla para tratar. con.

Por supuesto, si el metraje no se rueda al mismo tiempo, siempre que se cambie el ángulo y se utilice como punto de corte el vértice de una determinada acción (una acción característica), hay muchas formas de conectarlos. Por ejemplo, primero capture el momento antes de que se suelte la pelota, luego capture la acción de la mano que se retrae hacia abajo después de soltar la pelota y luego conéctelos. Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.

1. Utiliza el plano más largo como plano principal.

2. Considera la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para no afectar la continuidad de la acción.

3. Cambiar sustancialmente la aplicación y la posición de la cámara cambiará el impulso de la imagen.

4. La conexión basada en el tiempo real parecerá más retrasada, por lo que es necesario comprimir la parte omitida de la acción de transición. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano.

5. Los materiales filmados simultáneamente se pueden editar en teoría en cualquier punto, pero eligiendo diferentes puntos de corte y repitiendo u omitiendo algunas tomas, la acción será más fluida.

6. Cuando utilices diferentes conexiones de pantalla para la misma acción, intenta conectar en el vértice de la acción.

(3) Superposición intencionada de acciones para enfatizar

La repetición intencionada para enfatizar una determinada acción se denomina acción doble o acción triple. En el ejemplo, el tiro del brazo del lanzador elevado a su punto más alto se utiliza como punto de corte, conectando el tiro de acción desde adelante y hacia atrás, y finalmente conectado con el tiro lateral completo de la mano que se retrae hacia abajo después de soltar la bola. De esta manera, la acción puede no ser tan fluida para el público, pero la acción de "disparar" se repite tres veces (triple acción), lo cual es muy impresionante. Las acciones dobles sólo son efectivas cuando conscientemente quieres resaltar una determinada acción, y deben ser lo más breves posible para evitar que sean largas.

(4) Las escenas de acción intensa pueden omitir la parte media

Uno de los propósitos de la edición es omitir tiempo y espacio si la edición se realiza de acuerdo con el paso real del tiempo. y el movimiento del espacio, ninguna cantidad de tiempo es suficiente para la actuación, y el público la encontrará larga y aburrida. En este momento, un método más eficaz es extraer algunos planos intermedios de la misma acción y luego conectarlos y combinarlos. Este método también se llama técnica de corte medio. Su función es reducir en gran medida el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público la vea sin cesar. Al utilizar esta técnica, debes elegir qué disparos eliminar. Esta es la dificultad. Lo más importante es no recortar el pico de la acción (acción característica). Los brazos se levantan al punto más alto, los brazos se bajan al punto más bajo, la cara es la más enojada, la cara es la sonrisa más brillante, etc. Si se quitan estas tomas superiores, es imposible entender en qué dirección está se desarrollará la acción.

La edición con salto desarrolló esta técnica, que es un tipo de técnica de corte por el medio que salta entre imágenes como la aguja de un tocadiscos. Jump editing se atreve a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo crear escenas impresionantes.

La técnica de recortar la mitad de la acción

A la hora de recortar los planos intermedios para omitir tiempo y resaltar la sensación de velocidad, debes prestar atención a lo que se debe omitir. Omitiendo otros tiros, el estado inicial, cuando el brazo alcanza su posición más alta al lanzar, y el brazo cae, estos tres tiros pueden expresar la acción de lanzar al mínimo.

　>>>> (5) Conecte las imágenes encuadradas y desencuadradas

Cuando el objeto que se está fotografiando está en el marco de disparo, se denomina encuadre en caso contrario, cuando el objeto está dentro; ser fotografiado sale del rango de encuadre de disparo se llama encuadre fuera. Personas que caminan o corren, animales, automóviles, tranvías, todos estos objetos en movimiento se pueden editar. Consideremos cómo conectar el encuadre y el encuadre de imágenes del mismo sujeto en diferentes fondos. En la escena en la que la bicicleta pasa frente a la cámara, se filmaron dos conjuntos del mismo tamaño en diferentes lugares.

Por supuesto, podemos conectarnos en el orden desde la bicicleta que entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no se fotografian objetos) hasta la bicicleta que sale de la toma. No hay nada de malo en este método de conexión, pero el espacio parece demasiado vacío y el movimiento no es lo suficientemente fluido. Un excelente método de vinculación de acciones rítmicas es conectar el conjunto anterior de tomas cuando el sujeto está a punto de abandonar el campo de tiro, y luego conectar el último conjunto de tomas cuando el objeto acaba de ingresar al campo de tiro.

El punto clave es utilizar una escena en la que la mitad del sujeto esté dentro de la lente y la otra mitad fuera de la lente, para que la acción conectada se vea más fluida. Si el ángulo del objeto que se está fotografiando es diferente en los dos conjuntos de tomas, agregar una toma de escenario vacía entre el cuadro dentro y fuera del cuadro hará que el frente y el reverso de la imagen sean más coherentes.

>>>> (6) Planos oscuros o el mismo punto de disparo para conectar los movimientos de diferentes objetos

¿Cómo conectar los movimientos de diferentes objetos? El ejemplo es la conexión entre un personaje corriendo y un automóvil a toda velocidad. Primero, deje que el personaje corriendo se acerque cada vez más hasta que llene toda la pantalla, volviéndola negra, y luego se conecte a tomas posteriores.

Aunque la velocidad de carrera de los personajes es diferente de la velocidad del coche, la pantalla negra (o la lente muy oscura) entre el ida y vuelta reproduce con éxito el movimiento suave.

Reglas fijas en la edición de diálogos. El método de edición de líneas de caracteres aquí se refiere a líneas. La edición de diálogos se refiere a la edición de las líneas de los personajes. Se ubica junto con la edición de acción como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama.

La edición de diálogos, que parece simple, en realidad consiste en algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.

8. Conexión de línea

(1) Las líneas están conectadas en una proporción de 1:3

Entre las líneas, excepto se y bgm, etc. , el resto Es un estado de silencio. Para la edición de imágenes, lo importante es cómo crear este estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película. El ejemplo es una escena en la que dos personas conversan en un automóvil. La clave para la edición es cuánto espacio debe haber entre las conversaciones de las dos personas.

Cada plano de diálogo se rodó utilizando una cámara en lugar de otro personaje, por lo que las dos personas no tuvieron una conversación real (= intervalo). Al editar, es importante crear espacios naturales entre las conversaciones.

En general, será más coherente si los intervalos entre conversaciones están conectados en una proporción de 1:3.

Si el espacio que queda después de las líneas en el primer plano es de 1 largo, entonces debe haber un espacio de 3 largos antes de que comience el diálogo en los planos siguientes.

(2) Mueva las líneas hacia arriba y hacia abajo para aumentar el efecto dramático

Mueva el diálogo hacia arriba y hacia abajo, es decir, inserte la parte de la línea en la toma anterior (muévala hacia arriba ) o arrastrarlo al siguiente plano. En la cámara (moviéndose hacia abajo), su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes debido al contenido del diálogo. Por ejemplo: alguien detiene al Sr. A, el Sr. B lo saluda y le dice "Hola, Sr. A", mueve esta parte hacia arriba y luego inserta las líneas del Sr. A movidas hacia arriba en la toma del Sr. B, "Esto ¿No es el Sr. B?”

De esta manera, toda la escena se vuelve más fluida y coherente.

Por ejemplo: mueva la palabra clave "Tengo a alguien que me gusta" en la toma anterior hacia abajo para resaltar el cambio en la expresión del actor bajo la influencia de esta frase. Este es el propósito de esta técnica. Por ejemplo: para resaltar los cambios en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la foto de la cara de la heroína.

Si las líneas no se mueven hacia arriba y hay un plano silencioso del rostro de la heroína en la pantalla, la película parecerá muy larga y no tendrá sentido del ritmo. No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de las tomas, pero es crucial hacer cortes intencionados al considerar la trama.

(3) Utilice montaje incrustado para expresar el estado de ánimo

Si desea que la escena anterior sea más dramática, puede utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, está bien mostrar algunas tomas de seguimiento. A mitad de las líneas de la heroína en la toma frontal, se inserta una toma del rostro del héroe. Esto no solo muestra el intenso cambio en la expresión del héroe después de escuchar la respuesta de su novia, sino que también enfatiza el estado anterior de calma y felicidad. Métodos de edición de diálogos y sin acción, transiciones de escenas y creación de puntos de conexión.

1. Los principiantes pueden utilizar el método tradicional o.l para hacer una transición suave de las tomas.

o.l (fotografía superpuesta), como el desvanecimiento y la aparición gradual, es un efecto de transición muy común que expresa el tiempo. El paso del tiempo y el movimiento del espacio también se pueden utilizar para expresar el estado de ánimo. Métodos de transición similares incluyen el método de limpieza, el método de dispersión, etc.

2. ¡Usa escudos para conectar diferentes escenas! Cambio de ventana

El cambio de ventana se refiere al método de edición de transición a tomas posteriores bloqueando el encuadre con el objeto cuando hay una obstrucción frente al sujeto que se está fotografiando.

Las coberturas se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: coberturas inamovibles (paredes u otros objetos de gran tamaño) y coberturas de objetos móviles como los peatones.

Ambos se pueden conectar directamente, pero usar un escudo para conectar parece más natural.

3. Utilice imágenes borrosas para conectar diferentes escenas.

La agregación y la no agregación se refieren a sintetizar gradualmente imágenes borrosas en imágenes claras o convertir gradualmente imágenes claras en imágenes borrosas.

Al ser una imagen muy abstracta, resulta muy natural utilizarla para conectar dos tomas diferentes.

Pero una cosa a tener en cuenta es que si no hay diferencia de color e imagen entre la imagen anterior y la posterior, el resultado final se verá muy disonante.

Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona a otra, etc., la imagen borrosa debe estar conectada a una escena concreta, en el escenario o en objetos filmados. Sólo se pueden utilizar cuando sean absolutamente idénticos en color y forma.

4. Utiliza el efecto de desenfoque causado por el movimiento para conectar la lente.

El disparo en movimiento rápido consiste en disparar moviendo la cámara hacia la izquierda y hacia la derecha (o hacia arriba y hacia abajo) a una velocidad extremadamente alta. velocidad rápida.

Al utilizar este método, aparecerá un efecto de desenfoque, conectando diferentes lentes.

Esta técnica da la impresión de centrarse en el movimiento espacial. Tenga en cuenta que se deben utilizar tomas muy cortas y rápidas. Si se utiliza un plano largo, será difícil utilizarlo como plano conector para las transiciones de escenas.

Tenga en cuenta que el fondo también debería cambiar significativamente en diferentes escenas.

5. Utiliza el mismo escenario para conectar los planos.

Un corte aéreo es cuando se conectan dos escenas diferentes que están sucediendo al mismo tiempo en el plano anterior, la cámara está. levantado para fotografiar el cielo, y luego Este es un método de edición de tomas que baja la cámara hacia otra escena. El cielo no es azul. Puedes usar la luna, el sol, las estrellas, etc. Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero debe haber un punto de conexión (como el mar).

6. Usa el efecto de exposición para conectar la lente

Al igual que usar un flash potente para disparar, usar un flash (una lente completamente blanca que aparece en un flash rápido) para conectar. la lente es diferente. El método se llama efecto brillo. Incluso cuando se conectan lentes sin puntos de comunicación, no hay sensación de falta de armonía en absoluto. Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.

7. Utilice pantallas divididas para pasar a tomas posteriores.

El enfoque general es dividir tomas simultáneas y juntarlas. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen.

Se divide la mitad derecha de la lente y se insertan otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos sincrónicos. Se puede decir que otros métodos de edición representativos son una colección de montajes. La última introducción son los métodos de edición representativos, como el recorte. Los editores pueden utilizar diferentes métodos de edición para hacer aparecer la trama y el estado de ánimo de los personajes. La imagen ha cambiado mucho, e incluso algunas obras han sufrido un giro de 180 grados. Montage crea una historia a través de la combinación de imágenes. Aquí te presentamos este método de edición muy efectivo.

8.Dejar que aparezcan alternativamente diferentes tomas que están sucediendo al mismo tiempo.

Dejar que aparezcan alternativamente cosas que suceden al mismo tiempo en diferentes lugares. Esto se llama backcutting (puede. también llamarse transversales). Los recortes no sólo enfatizan la continuidad de la escena, sino que también realzan la tensión y la expresividad.

Al cambiar la velocidad de disparo de la lente (cámara lenta), la trama se puede hacer más expresiva. En el recorte, las tomas de diferentes lugares aparecen alternativamente y finalmente ambas partes aparecen en el mismo lugar. Este método será más efectivo. Por ejemplo, si llega tarde a una cita, las tomas de hombres corriendo rápidamente se alternan con tomas de mujeres esperando en el lugar señalado. Al final, ya sea que los dos finalmente se encuentren o que el hombre no llegue y la mujer se vaya de compras sola, el efecto de la cámara será muy bueno. Un método de edición similar al recorte es el flash back. Flashback se refiere a la inserción de muchos planos ultracortos al mostrar los recuerdos o descripciones psicológicas de los personajes.

9. Cuando la conexión sea difícil, inserte escenas como si fueran pegamento.

El corte es un método de edición que conecta las tomas frontal y trasera como si fueran pegamento. Es un método teórico antitradicional que sorprende a toda la audiencia al conectar dos imágenes del mismo tamaño. Por ejemplo, cuando se filma una escena de dos personas en una cafetería, en lugar de conectar tomas específicas de las dos personas, se inserta una toma de cubitos de café en el medio para que la película parezca más rítmica. Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior. Por ejemplo, una toma de una mujer mirando una piedra preciosa, un primer plano de la piedra preciosa y una toma de sus compras en otras tiendas están conectadas entre sí. Siéntase usted mismo: si no hay una toma de esta joya, el público se sentirá diferente en términos de ritmo y conmoción.

10. ¡Utiliza tomas de diferentes fotogramas para conectarlas y crear una sensación de ritmo!

Acercar y alejar el zoom es una forma muy común de aportar novedad a las lentes comunes. Conecte tomas de estado de ánimo con diferentes fotogramas (generalmente primeros planos que pueden expresar el estado de ánimo del personaje) y tomas de escena (tomas de situación, generalmente tomas largas o tomas súper largas) en etapas. El enfoque habitual es dividirlos en tres etapas. las diferencias El encuadre de la toma es diferente. Por ejemplo, una toma de un hombre que fuma acercándose en tres tomas separadas (acercar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos. Este método se puede utilizar si el mismo cuadro es monótono. Lo maravilloso de "recortar" desde la perspectiva de las películas es una técnica de edición que hace que dos o más tomas de escenas diferentes aparezcan entrelazadas con cierto grado de correlación.

Este método puede parecer difícil, de hecho, podemos verlo a menudo en series de televisión y películas. Es una técnica de edición muy común. Por ejemplo, hombres y mujeres aparecen alternativamente en el teléfono. Esta es una toma muy común, pero utiliza el método de reducción. La ventaja de recortar es que permite que el paso del tiempo se repita, dando una sensación de tiempo más cercana a la de la película. Por ejemplo, al describir a un asesino y la policía persiguiéndolo, el uso de recortes llevará la película a un clímax, aumentará la sensación de velocidad y dará al público una mayor sensación de tensión.

El clímax de "El silencio de los corderos" está hábilmente desarrollado utilizando la técnica del backcutting. La técnica del recorte puede dar un nuevo significado al plano. Por ejemplo, hay una escena en la película de Hitchcock "Atrapar a un ladrón": cuando Kelly Brand y Grace Kelly estaban hablando en una habitación de hotel, se lanzaron fuegos artificiales fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí sirven como metáfora del amor entre los dos. Aquí, los planos de los fuegos artificiales se recortan para hacer más expresiva la trama de la película. ;