La relación entre el lenguaje cinematográfico y televisivo y el ritmo cinematográfico y televisivo
Ritmo del cine y la televisión
El ritmo es uno de los elementos artísticos importantes del cine. Se manifiesta como un movimiento continuo e intermitente, y también es el factor principal de la música como arte del tiempo. Dado que las películas son un complejo de tiempo y espacio, el ritmo en las películas se expresa tanto en el flujo del tiempo como en el movimiento del espacio.
El ritmo se desarrolla a través de la trama, la psicología del actor, los movimientos corporales y verbales, la combinación y contraste de imagen y color, el ángulo y escenografía de la cámara, los cambios de longitud y movimiento, la transición entre planos. y La combinación se refleja en aspectos como la sincronización del lenguaje, la música, el sonido y la intensidad de los movimientos. El ritmo cinematográfico también se expresa como el ritmo de un cuerpo unificado de múltiples factores artísticos. Es una combinación orgánica de ritmo visual y ritmo auditivo.
La base para procesar el ritmo de la película proviene de la vida. Las elecciones subjetivas deben realizarse de acuerdo con las necesidades del contenido y la forma de la película, y el creador debe tener una comprensión precisa de la narrativa de la trama y la psicología de los personajes. y emociones. En este sentido, la melancolía determina en cierta medida el ritmo general de la película.
El ritmo en las películas generalmente toma la forma de suavidad, contraste, repetición, salto, suavidad, estancamiento, pausa, etc. Se utilizan comúnmente términos como alto y bajo, rápido y lento, apretado y suelto. Al crear una película, es necesario determinar el ritmo general de toda la película bajo el concepto unificado del director, y también ocuparse del ritmo específico de cada unidad. Y se refleja a través de los departamentos de performance, fotografía, arte, música, grabación y edición bajo el control del ritmo general.
1. Lenguaje cinematográfico y televisivo
El arte cinematográfico y televisivo es una combinación de arte sonoro y pictórico sin uno de los dos, no se puede llamar arte cinematográfico y televisivo moderno. Los elementos sonoros incluyen los factores lingüísticos del cine y la televisión. En el arte cinematográfico y televisivo, los requisitos del lenguaje son diferentes de los de otras formas de arte y tienen sus propios requisitos y reglas especiales.
(1) Características y funciones del lenguaje cinematográfico y televisivo
El lenguaje cinematográfico y televisivo tiene sus propias reglas especiales y se diferencia de las novelas, la prosa y el lenguaje televisivo. El lenguaje cinematográfico y televisivo se utiliza de forma flexible de acuerdo con los requisitos especiales de la transmisión cinematográfica y televisiva y no necesita cumplir plenamente con las "reglas" de composición. Resumimos sus funciones y características en los siguientes aspectos.
·Coherencia del lenguaje, armonía del sonido y la imagen
En los programas de cine y televisión, si desglosamos el lenguaje, muchas veces no parece un artículo completo, el lenguaje es intermitente, hay grandes saltos y puede que no necesariamente haya una lógica estricta entre los párrafos. Pero si relacionamos el lenguaje con las imágenes, podemos ver la inseparabilidad y la lógica estricta del programa en su conjunto. Esta lógica se refleja en el hecho de que el lenguaje y las imágenes no se suman simplemente, ni se sintetizan simplemente, sino que se penetran, se disuelven, se complementan y se complementan. En la combinación sonido-imagen, a veces la imagen es la principal, lo que explica la connotación abstracta de la imagen; a veces el sonido es la principal y la imagen es sólo un recordatorio de la imagen; Según nuestro análisis anterior, el lenguaje cinematográfico y televisivo tiene estas características y funciones: profundizar y sublimar el tema, expresar la imagen vívida en el lenguaje puede resumir la imagen de manera abstracta y expresar la imagen específica como un concepto abstracto; las emociones de diferentes personajes y la mentalidad; el lenguaje también puede conectar las imágenes y hacer que la transición de las tomas sea fluida; el lenguaje también puede omitir las imágenes y algunas imágenes innecesarias.
·Lenguaje coloquial y popular
Los programas de cine y televisión se enfrentan a una audiencia multinivel. Salvo algunas películas concretas, se debe utilizar el lenguaje popular.
La llamada lengua popular es la lengua hablada utilizada en la película. Si el lenguaje no es claro, complicado y difícil de entender, distraerá a la audiencia mientras mira. Esta barrera auditiva obstaculizará la función visual y afectará la sensación y la comprensión de la imagen por parte de la audiencia. . efectos visuales y auditivos.
·Lenguaje conciso y resumido
El arte cinematográfico y televisivo se basa en imágenes, por lo que el lenguaje cinematográfico y televisivo debe ser conciso y directo. El tiempo y el espacio ahorrados deben expresarse a través de imágenes, permitiendo al público fantasear e imaginar libremente en un tiempo y espacio limitados.
El comentario también debe seguir la imagen, o estar lleno del programa, lo que pondrá en tensión el oído y la vista del espectador, centrándose en uno y perdiendo de vista el otro, lo que interferirá con y enmascarar la audiencia.
·El lenguaje es preciso y apropiado
Dado que las pinturas de cine y televisión se muestran frente a la audiencia, cada detalle es claramente visible para la audiencia, por lo que los requisitos para el cine y la televisión El lenguaje es bastante preciso. Cada línea debe resistir la prueba de la audiencia. Esto es diferente del lenguaje de la radio, que a veces no es lo suficientemente preciso y puede resultar confuso para el oído de la audiencia. Frente a programas de cine y televisión con imágenes audiovisuales, el público puede ver claramente las imágenes y escuchar los efectos de sonido, y compararlos entre sí, si hay alguna diferencia, el público puede descubrirlas.
Si hay diferentes explicaciones y explicaciones para la misma imagen, depende de si su comprensión es correcta y si las palabras utilizadas son apropiadas. Si hay una contradicción, lo más probable es que se deba a una expresión incorrecta. idioma.
2. Grabación de lenguaje
La grabación de lenguaje en programas de cine y televisión incluye diálogos, comentarios, narraciones, monólogos, ruidos, etc. Para mejorar el efecto de grabación, se debe prestar atención a la calidad del comentarista, las habilidades de grabación y los métodos de grabación.
·Calidad del comentarista
Un comentarista calificado debe comprender completamente el guión, ser consciente del contenido y los puntos clave del guión, y debe comprender algunas palabras más profesionales. Al leer, también debes captar el tema y determinar el tono de la voz, es decir, la atmósfera y el sentimiento general. El estilo de doblaje debe expresar una distinción clara entre amor y odio, un equilibrio entre dureza y suavidad, y ser riguroso y vívido. Las líneas y el diálogo deben ser coherentes con la personalidad del personaje, y la voz de la narración debe ser suave y fluida sin ser vaga o confusa.
·Grabación
Técnicamente, la grabación requiere crear condiciones materiales favorables en la medida de lo posible para garantizar una buena calidad de sonido y volumen, y se puede realizar en un estudio de grabación profesional en la medida de lo posible. En el lugar de grabación debe haber un ingeniero de sonido que proporcione un mando unificado y una cooperación tácita. Al grabar comentarios, primero es necesario editar el metraje y luego los actores de doblaje pueden verlo y doblarlo.
·Formas de narración
En la narración de programas de cine y televisión, existen muchas formas de narración, las cuales deben determinarse según el contenido de la película. Se puede dividir a grandes rasgos en tres categorías: narración en primera persona, narración en tercera persona y formas libres en las que se alternan la narración en primera persona y la narración en tercera persona, etc.
3. Música de cine y televisión
En la historia del cine, las películas musicales han estado muy relacionadas con la música desde su aparición. Ya en 1896, las películas de los hermanos Lumière utilizaban acompañamiento de piano. Más tarde, fue mejorando gradualmente y la música penetró gradualmente en la película, en lugar de ser un acompañamiento externo. Más tarde, con la aparición de las películas sonoras, la música del cine y la televisión desarrolló una etapa más colorida.
El papel de las técnicas de montaje en cine y programas de televisión
La técnica de montaje de combinar tomas y efectos de sonido es un factor importante para determinar el éxito de una película. La actuación en la película incluye los siguientes aspectos.
(1) Expresar significado y crear concepción artística. La división y combinación de planos, la combinación orgánica y la interacción de sonido e imagen pueden crear nuevos significados psicológicos para el público. Un solo plano, imagen o sonido sólo puede expresar su propio significado específico y no tiene ningún otro significado ideológico o contenido profundo. Y si utilizamos técnicas de montaje y técnicas de expresión, podemos hacer que una serie de tomas o imágenes no relacionadas tengan significados especiales, expresen el significado del creador o produzcan significados específicos.
(2) Selección y compensación, generalización y concentración. Se selecciona una película de decenas de minutos entre muchos metrajes. Estas tomas materiales no solo son diferentes en contenido, composición y programación de escenas, sino que incluso la velocidad de movimiento de la cámara es muy diferente y, en ocasiones, hay algunas repeticiones. El director debe analizar e investigar cuidadosamente los materiales según el tema y el contenido que se expresará en la película, realizar selecciones y proyecciones con cuidado y audacia, y recombinar los planos para garantizar la visibilidad.
(3) Las técnicas de montaje del montaje pueden guiar la atención de la audiencia y estimular las asociaciones de la audiencia de acuerdo con los hábitos psicológicos de la audiencia.
Dado que cada toma individual solo muestra un cierto contenido específico, después de ser ensamblada, existe una secuencia determinada que puede regular y guiar estrictamente, afectar las emociones y la psicología de la audiencia e inspirar a la audiencia a pensar.
(4) Puede crear el concepto de tiempo en la pantalla (pantalla). El uso de la tecnología de montaje puede cortar, organizar, procesar y transformar la vida y el espacio reales, haciendo que el tiempo y el espacio del cine y la televisión sean extremadamente amplios en el campo de la expresión de la vida real y el contenido cinematográfico, ampliando el espacio de la pantalla (pantalla) y logrando el papel de abarcar el tiempo y el espacio.
(5) La técnica del montaje permite que la película forme diferentes ritmos. El montaje puede combinar factores objetivos (cantidad de información, velocidad de movimiento de los personajes y lentes, efectos de sonido de color, efectos de audio y procesamiento de efectos especiales, etc. ) y factores subjetivos, una investigación exhaustiva sobre los factores (los sentimientos psicológicos de la audiencia), a través de la edición entre tomas, combina orgánicamente el ritmo interno y el ritmo externo, el ritmo visual y el ritmo auditivo, haciendo que el ritmo de la película sea colorido, vívido, natural y armonioso. resultando en un fuerte atractivo artístico.
2. Montaje de combinación de planos
Este tipo de combinación de planos no considera efectos de audio y otros factores. Según su forma de expresión, dividimos este tipo de montaje en dos categorías: Montaje narrativo y montaje expresivo.
(1) Montaje narrativo
También conocido como montaje narrativo en el arte cinematográfico y televisivo, se compone según el desarrollo de la trama, el tiempo, el espacio, la secuencia lógica y la relación causal. Planos, escenas y pasajes. Muestra la continuidad de los acontecimientos, promueve el desarrollo de la trama y orienta a la audiencia a comprender el contenido. Es el método narrativo más básico y comúnmente utilizado en programas de cine y televisión. La ventaja es que es claro y lógicamente coherente. El método narrativo del montaje narrativo también se divide en varios métodos específicos, como el montaje continuo, el montaje paralelo, el montaje intersectante y el montaje repetido en operaciones específicas.
·Montaje continuo, este método narrativo cinematográfico y televisivo es similar al método narrativo secuencial en las novelas. En general, tiene una línea principal única y clara, que se narra de forma rítmica y continua según la secuencia lógica del desarrollo de los acontecimientos. Este método narrativo es relativamente sencillo y las pistas relativamente claras, lo que hace que los acontecimientos a narrar sean fáciles de entender. Pero también tiene sus propios defectos. Demasiadas técnicas de montaje continuo en una película harán que la gente se sienta prolongada y prolongada. Por lo tanto, cuando realizamos una edición no lineal, debemos tener en cuenta estos aspectos, y es mejor combinarlos orgánicamente con otras técnicas narrativas y utilizarlas en conjunto.
·Montaje de igualdad, este es un método de expresión narrativa. Narrar dos o más hilos argumentales por separado y unificarlos en una trama completa. Este método favorece la concentración del resumen, el ahorro de espacio y la ampliación de la capacidad de la película. Debido a la interpretación paralela y el contraste mutuo, puede formar contraste y eco, y producir una variedad de efectos artísticos.
· Montaje cruzado*, esta técnica narrativa es la misma que el montaje de igualdad. La técnica del montaje paralelo solo presta atención a la unidad de la trama y el tema, la conexión interna de los eventos y la claridad de la línea principal. El montaje interactivo enfatiza la relación interactiva entre múltiples pistas yuxtapuestas y la simultaneidad y contraste de eventos, la influencia mutua y la promoción mutua entre estos eventos. Cuando varias pistas se fusionan en una al final, esta técnica narrativa puede crear un fuerte contraste y una atmósfera intensa, fortalecer la agudeza de los conflictos y despertar el suspenso. Es un medio importante para captar las emociones de la audiencia.
·Montaje repetitivo, esta técnica narrativa consiste en reaparecer repetidamente planos o escenas que representan un determinado significado en momentos clave, creando efectos artísticos como énfasis, contraste, respuesta y renderizado. Para profundizar la impresión de un determinado significado.
(2) Montaje de expresión
Este tipo de montaje de expresión también se llama montaje simétrico en el arte cinematográfico y televisivo. Se basa en la secuencia de planos, conectando o superponiendo los planos. El contraste mutuo y el impacto en la forma o el contenido pueden producir significados que una sola toma no tiene o tiene significados más ricos. Para expresar una determinada emoción del creador, también crea una fuerte impresión visual y psicológica en la audiencia, aumentando el atractivo emocional. Su función estética es estimular las asociaciones de la audiencia e inspirarla a pensar.
El propósito de esta técnica de montaje no es narrar la trama, sino expresar emociones, expresar moralejas y revelar significados de la memoria. Las principales formas de montaje son las siguientes:
·Montaje metafórico, esta técnica narrativa utiliza el. lens Clasifica la actuación de cola o intersección de (o escena), expresando implícita y vívidamente cierto significado o emociones subjetivas del creador sobre un determinado evento. A menudo expresa ciertas características similares entre cosas análogas para despertar la asociación del público, comprender el significado del creador y apreciar el color emocional subjetivo del evento.
La característica estética de esta técnica de expresión es la combinación de un enorme poder de generalización y una técnica de expresión concisa, que tiene un fuerte atractivo y un vívido poder expresivo. En el programa que queremos producir debemos combinar los factores metafóricos con las pistas que queremos narrar, para lograr el efecto artístico que queremos expresar. Los elementos utilizados para la metáfora deben ser coherentes con el tema a expresar y pueden complementar el tema en el método de expresión, y no pueden insertarse sin rodeos fuera de la trama. Este método requiere que sea apropiado, natural, implícito y novedoso.
·Montaje de contraste, esta técnica de expresión del montaje consiste en crear un efecto de contraste en el contenido o la forma de la toma, dando a las personas una sensación de contraste, y también es la coordinación mutua y el conflicto de contraste del contenido. utilizado para expresar El contenido, las emociones y los pensamientos expresados por el significado o diálogo del creador.
·Montaje psicológico, esta técnica de expresión consiste en expresar directa y vívidamente las actividades psicológicas y el estado mental del personaje a través de una combinación de lentes, como los destellos, recuerdos, sueños, alucinaciones, imaginación y otros aspectos psicológicos e incluso subconscientes del personaje. Las actividades son la expresión de la forma psicológica del personaje. Esta técnica se utiliza a menudo en escenas que muestran recuerdos.
La técnica de expresión del montaje psicológico se caracteriza por el carácter fragmentario de la imagen y la incoherencia de la narrativa. Se utiliza principalmente para expresar intersecciones, colas e intercalaciones, con un fuerte color subjetivo.
3. Normas generales y métodos de montaje de planos
Todos sabemos que no importa qué película o programa de televisión sea, está compuesto por una serie de planos ensamblados en un orden determinado. . La razón por la que estas tomas se pueden continuar para que el público pueda ver en la película que se fusionan en una unidad completa es porque el desarrollo y los cambios de las tomas deben obedecer ciertas leyes. Explicaremos estas leyes en detalle en el siguiente contenido. Narrativo.
(1) La combinación de planos debe ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de actuación cinematográfica y televisiva.
La combinación de planos debe ajustarse a la lógica de la vida y. La lógica del pensamiento. Si no tiene sentido, el público no lo entenderá. El tema y la idea central a expresar en un programa de cine y televisión deben estar claros. Sólo así podremos determinar qué planos elegir en función de las exigencias psicológicas del público, es decir, la lógica del pensamiento, y cómo combinarlas.
(2) El cambio de escena debe adoptar un método "paso a paso".
En términos generales, al filmar una escena, el desarrollo del "escenario" no debe ser demasiado drástico, de lo contrario no funcionará. Fácil de conectar. Por el contrario, el "paisaje" no cambia mucho, el ángulo de disparo no cambia mucho y las tomas no son fáciles de montar. Por las razones anteriores, debemos adoptar un enfoque paso a paso para el desarrollo y los cambios del "escenario" al filmar. Cambiar gradualmente las lentes a diferentes distancias visuales puede crear conexiones fluidas y formar varios patrones de oraciones de montaje.
·Patrón de oración progresiva: este patrón de oración narrativa se refiere a la transición del paisaje desde una vista lejana y panorámica a un primer plano y un primer plano. Se utiliza para expresar emociones y desarrollar la trama de menor a mayor.
·Patrón de oración hacia atrás: este patrón de oración narrativa va de cerca a lejos, indicando emociones deprimidas y de mayor a menor. En la película, la expresión varía desde los detalles hasta la expansión y el todo.
·Patrón de oración circular: combina oraciones hacia adelante y hacia atrás. Desde panorama – plano medio – primer plano – primer plano, y luego de primer plano – primer plano – plano medio – plano lejano, o también podemos usarlo al revés. Expresa emociones de menor a mayor y luego de mayor a menor. Este tipo de patrón de oración se usa generalmente en largometrajes.
Al combinar tomas, si te encuentras con la misma posición de la cámara, la misma escena y el mismo sujeto, no podrás combinarlos.
Debido a que las escenas filmadas de esta manera tienen pocos cambios, los subcuadros se ven iguales y, cuando se conectan entre sí, parece que la misma toma se repite sin cesar. Por otro lado, si se conectan dos tomas con pocos cambios en la posición de la cámara y el paisaje, siempre que el paisaje en la imagen cambie ligeramente, provocará saltos en la visión de las personas o parecerá como si se hubiera cortado una lente larga. muchas veces la sensación de "película extranjera" y "linterna giratoria" destruye la continuidad de la película.
Si nos encontramos en una situación así, además de volver a filmar estas tomas desde cero (esto puede solucionar el problema para películas programadas con un número reducido de tomas), para otras tomas con la misma posición de cámara y escenario que durar mucho tiempo Para algunas películas de cine y televisión, volver a filmar parece ser una pérdida de tiempo y dinero. La mejor manera es utilizar tomas de transición. Por ejemplo, filme desde diferentes ángulos y luego ensamble y conecte, intercale transiciones de subtítulos, de modo que la posición y los movimientos del artista cambien antes de ensamblar y conectar. De esta forma, el cuadro ensamblado no tendrá la sensación de salto, discontinuidad y dislocación.
(3) Dirección de disparo y reglas de eje en el montaje de la lente
Cuando el sujeto entra y sale de la pantalla, debemos prestar atención a la dirección general de disparo y disparar desde un lado. del eje; de lo contrario, cuando las dos imágenes estén conectadas, el objeto principal "chocará".
La llamada "ley del eje" se refiere a si el disparo tiene el fenómeno de "salto del eje". Al disparar, si la posición de la cámara está siempre en el mismo lado del eje de movimiento del sujeto, entonces la dirección del movimiento y la ubicación de la imagen serán consistentes; de lo contrario, se producirá un "salto de eje". Se utiliza excepto para necesidades especiales. Otros no se pueden conectar.
(4) La combinación de tomas debe seguir las reglas de "la acción sigue a la acción" y "la estática sigue a la estática"
Si las acciones del mismo sujeto o de diferentes sujetos en la imagen son coherente, puede La acción sigue a la acción para lograr el propósito de una transición suave y concisa. Lo llamamos "movimiento tras movimiento" para abreviar. Si el movimiento del sujeto en las dos imágenes es incoherente, o hay una pausa entre ellos, entonces la combinación de las dos tomas debe realizarse después de que el sujeto en la imagen anterior haya completado una acción completa y se haya detenido, y luego el de la imagen anterior. todavía para El primer plano de movimiento, esto es "tranquilo tras silencio". Cuando se combina "estático tras estático", el momento de detenerse al final del disparo anterior se denomina "ángulo de caída", y el momento de quietud antes del movimiento del siguiente disparo se denomina "cuadro inicial". El fotograma y el fotograma final duran aproximadamente uno o dos segundos. La combinación de lentes móviles y lentes fijas también debe seguir esta regla. Si a un plano fijo le sigue un plano panorámico, el plano panorámico debe comenzar con un ángulo inicial; por el contrario, si a un plano panorámico le sigue un plano fijo, entonces el plano panorámico debe tener un "ángulo de caída"; ", de lo contrario, la imagen dará a las personas una sensación visual de salto. . Para efectos especiales, también hay tomas estáticas y en movimiento o en movimiento y estáticas.
(5) La duración del tiempo de montaje de la lente
Cuando filmamos películas y programas de televisión, la duración del tiempo de inactividad de cada lente se basa primero en la dificultad del contenido a expresarse, está determinado por la capacidad del público para aceptarlo y, en segundo lugar, también deben tenerse en cuenta la composición de la imagen y otros factores. Por ejemplo, debido a diferentes selecciones de escena en la pantalla, el contenido incluido en la pantalla también será diferente. Las imágenes con tomas grandes, como tomas largas y tomas medias, contienen más contenido. El público necesita ver el contenido de estas imágenes con claridad, y las imágenes con tomas pequeñas, como primeros planos y primeros planos, contienen menos. contenido, la audiencia sólo necesita un corto tiempo para ver con claridad, por lo que el tiempo de permanencia en la pantalla puede ser más corto.
Además, otros factores en una imagen o en un grupo de imágenes también restringen la duración de la imagen. Al igual que las partes más brillantes de una imagen pueden atraer la atención de las personas que las partes más oscuras. Por lo tanto, si la imagen quiere mostrar las partes brillantes, la longitud debe ser más corta, y si la imagen quiere mostrar las partes oscuras, la longitud debe ser más larga. En la misma imagen, las partes móviles atraen la atención visual de las personas antes que las partes estáticas. Por lo tanto, si el foco es mostrar partes en movimiento, la imagen debe ser más corta; si el foco es mostrar partes estáticas, la duración de la imagen debe ser ligeramente mayor;
(6) La unidad de tono y color en el montaje de la lente
El tono se refiere a la pantalla negra. El paisaje en la pantalla negra, sin importar de qué color sea, está representado por muchos tonos diferentes de blanco y negro compuestos de diferentes tonos suaves y duros. En el caso de las fotografías en color, además del problema del tono, también existe un problema de color.
Ya sea que se trate de un montaje de imágenes en blanco y negro o en color, se debe mantener la coherencia del tono y el color. Si se conectan dos tomas con un fuerte contraste entre luz y oscuridad o color (excepto para necesidades especiales), la gente se sentirá rígida e incoherente, afectando la expresión fluida del contenido.
(7) El ritmo del montaje del plano
El tema, el estilo, el estilo del cine y los programas de televisión, así como la atmósfera ambiental de la trama, las emociones de los personajes, los altibajos de la trama, etc., están de acuerdo con el ritmo general de los programas de cine y televisión. Además de la actuación de los actores, el cambio y movimiento de las tomas, la coordinación de la música, los cambios de tiempo y espacio de la escena, etc., el ritmo de la película también necesita ensamblarse y ensamblarse para controlar estrictamente el Tamaño y número de disparos. Se puede completar clasificando y ajustando el orden de las tomas y eliminando detalles redundantes. También se puede decir que el ritmo de montaje es el último componente del ritmo general de la película educativa.
Ante cualquier trama o grupo de escenas de un programa cinematográfico, el tema del ritmo debe abordarse en función del contenido expresado en la película. Si se utilizan cambios de cámara rápidos en un ambiente tranquilo y pacífico, la audiencia se sentirá abrupta y psicológicamente inaceptable. Sin embargo, en algunas escenas con un ritmo fuerte y gente emocionante, se deben tener en cuenta varios factores de impacto para que la tasa de cambio de las tomas sea consistente con los requisitos psicológicos de la audiencia joven, a fin de mejorar la emoción de la audiencia joven y lograr el propósito de atracción e imitación.
(8) Cómo ensamblar y conectar lentes
Además de utilizar principios ópticos, también puedes cambiar directamente entre lentes a través de reglas de conexión para hacer la trama más natural y interesante. suave, a continuación presentamos varios métodos de ensamblaje efectivos.
·Conexión: Serie de dos o más planos conectados que muestran las acciones de un mismo sujeto.
·Conexión en cola: Una combinación de planos conectados pero no del mismo sujeto. Debido al cambio de tema, la apariencia del sujeto del siguiente plano hará que el público piense en la relación entre los superiores. y cuadros inferiores, que sirven de eco, contraste y metáfora El papel del florete. A menudo puede revelar creativamente un nuevo significado.
·La combinación de cuadrículas en blanco y negro: para crear un efecto visual especial, como un rayo, una explosión, un efecto de flash en un estudio fotográfico, etc. Al ensamblar, podemos reemplazar las piezas brillantes requeridas con marcos blancos, combinar varios marcos negros en el momento en que se conectan varios vehículos, o usar marcos blancos y negros para cruzarlos cuando sea apropiado. Ayuda a fortalecer el ritmo de la película y realza el. atmósfera y mejorar el suspenso.
·Montaje de lentes en dos etapas: Es un método de montaje en el que un plano de primer plano salta directamente a un plano panorámico, o un plano panorámico cambia directamente a un plano de primer plano. Este método puede hacer que el desarrollo de la trama cambie del movimiento a la quietud o un cambio en la quietud, dando al público un fuerte sentido de intuición, formando cambios repentinos de ritmo y produciendo efectos visuales y psicológicos especiales.
·Combinación de tomas de flashback: al utilizar tomas de flashback, como insertar tomas de personajes que recuerdan eventos pasados, esta técnica de combinación se puede utilizar para revelar los cambios internos de los personajes.
·Análisis del mismo plano: Utiliza el mismo plano en varios lugares. Cuando se utiliza esta técnica de combinación, a menudo se debe a las siguientes consideraciones: ya sea porque los materiales fotográficos necesarios no son suficientes o porque una determinada toma se repite intencionalmente para mostrar el cabello negro y los recuerdos de un determinado personaje o para enfatizar un determinado personaje; personaje El significado simbólico único de una imagen se utiliza para expresar el pensamiento de la audiencia o para crear una conexión entre el principio y el final, a fin de brindar a las personas un sentimiento completo y riguroso en términos de estructura artística.
·Costura: A veces, aunque filmamos muchas veces en exteriores y el tiempo de disparo es bastante largo, las lentes disponibles son muy cortas y no logran alcanzar la longitud y ritmo que necesitamos. En este caso, si hay planos con contenido igual o similar, podemos combinar entre ellos las partes disponibles para conseguir la longitud necesaria de la pantalla del programa.
·Insertar combinación de tomas: cambia en medio de una toma e inserta otra toma que muestra un sujeto diferente. Por ejemplo, una persona camina por la carretera o está sentada en un automóvil mirando hacia afuera y, de repente, se inserta una toma que representa la línea de visión subjetiva de la persona (toma subjetiva) para mostrar lo que la persona ve inesperadamente, sus sentimientos intuitivos y una toma. que evoca asociaciones.
·Combinación de acciones: Utiliza la coherencia y similitud de acciones e impulso de personajes, animales, vehículos, etc. como medio para cambiar de disparo.
·Combinación primer plano: El último plano finaliza con un primer plano de una determinada parte de un personaje (cabeza u ojos) o de un objeto, y a partir de este primer plano, el campo El campo de visión se amplía gradualmente para mostrar el entorno de otro episodio. El propósito es cambiar, sin saberlo, la escena y el contenido narrativo cuando la atención del público se centra en la expresión de una determinada persona o en una determinada cosa, sin provocar un sentimiento repentino e inapropiado.
·Combinación de planos de paisajes: Utiliza planos de paisajes como transición entre los dos planos. Hay planos con la escena como parte principal y los objetos como contraste, que pueden mostrar diferentes entornos geográficos y paisajes, y también. Expresa el cambio de tiempo y estaciones, y también es una técnica de expresión lírica basada en la escenografía. Por otro lado, es una lente que enfoca los objetos y el paisaje como una lámina. Esta lente se utiliza a menudo como medio de conversión de lentes.
·Transición de sonido: utiliza comentarios para hacer la transición de escenas. Esta técnica es generalmente más común en películas científicas y educativas. Utilice voz en off y voz en off para alternar escenas, como algunas escenas telefónicas. Además, se puede utilizar el canto para lograr efectos de transición y se pueden utilizar diversos contenidos para cambiar de escena.
·Transición multipantalla: Esta técnica se llama multipantalla, multicuadro, multicuadro y multipantalla. Es una técnica nueva en el arte cinematográfico y televisivo moderno. Dividir la pantalla o pantallas en varias partes puede permitir que tramas duales o múltiples vayan de la mano, comprimiendo enormemente el tiempo. Por ejemplo, en la escena del teléfono, cuando se realiza la llamada, hay personas en ambos lados. Después de realizar la llamada, el drama de la persona que llama desaparece, pero el drama de la persona que llama comienza.
Las técnicas de montaje de lentes son diversas y se crean según la intención del creador y el contenido y necesidades de la trama. No existen normativas ni restricciones específicas. En la posedición específica, podemos hacer todo lo posible para adaptarnos a la situación, pero no debemos desviarnos de la situación y las necesidades reales.
4. Plano largo
Plano largo, en el arte cinematográfico y televisivo, también se denomina plano de párrafo y se refiere al plano realizado por la cámara después de moverse durante un tiempo relativamente largo. sin parar. Tomas continuas, algunas tomas largas pueden durar más de varios minutos.
La teoría de las tomas largas fue propuesta por primera vez por el teórico del cine francés André Bazin. Él cree que el movimiento de la lente y la profundidad de la lente pueden evitar limitar estrictamente el proceso de percepción de la audiencia, centrarse en la realidad, la normalidad y los movimientos completos de las cosas, garantizar que se respete el progreso del tiempo y permitir que la audiencia vea la imagen completa. del espacio de visualización y la conexión real de las cosas. Su importancia no sólo puede reducir en gran medida el número de combinaciones de montaje, sino que también desempeña un papel importante en la exploración y el estudio del potencial artístico del montaje dentro de la lente. Especialmente para las emociones que deben expresarse continuamente, las acciones deben ser coherentes, los planos que son de una sola vez y los planos que deben introducir continuamente el vasto espacio tienen su valor artístico especial.
Pero Bazin hizo absoluta la importancia estética de los planos generales, enfatizando sólo la realidad e ignorando la esencia artística de las técnicas de combinación de montaje externo. A través de múltiples técnicas de combinación de montaje, podemos seleccionar tomas típicas y representativas para lograr el efecto de crear novelas, que abarquen el tiempo y el espacio, acortando tomas espaciales sin sentido, de modo que la audiencia pueda verse afectada por su efecto artístico, en lugar de simplemente afectar el tiempo objetivo. Impresiones de copiar y observar. Los planos largos se utilizan ampliamente en las películas para televisión nacionales, que a menudo dan a las personas una sensación de arrastre y duración, y no les dan una sensación de ritmo tan intensa como las de Hong Kong, Taiwán o las películas occidentales.
La teoría del plano largo y las técnicas de expresión son parte integral del arte cinematográfico y televisivo, y pueden complementarse con técnicas de montaje. Pero no podemos abusar de él, especialmente en largometrajes y vídeos musicales. Podemos usarlo apropiadamente en documentales, películas educativas o algunos noticieros para mostrar algunas cosas detalladas.
5. El equipo sonido-imagen retoma el montaje
Antes de 1927, las películas no tenían sonido. En la pantalla, las expresiones y movimientos de los actores se utilizan principalmente para despertar la asociación del público y lograr una comprensión tácita del sonido y la imagen. Posteriormente, el efecto artístico de la fusión de sonido e imagen se mejoró aún más mediante la combinación de lenguaje detrás de escena o la combinación de sonidos artificiales como el piano, el gramófono y el acompañamiento de una banda con la pantalla.
Sin embargo, fue sólo después de la aparición de la tecnología de grabación de sonido, de películas de inducción electroacústica y óptica, y especialmente de la tecnología de grabación en cinta, que el sonido se integró en los programas de cine y televisión como un componente del arte cinematográfico y televisivo.