Apreciación de las obras de Jan van Eyck
Retablo de Gante
Como símbolo del arte holandés del siglo XV, se trata del "Retablo de Gante" de los hermanos Van Eyck. Esta obra maestra de arte que apareció a principios del Renacimiento de los Países Bajos tiene un significado histórico.
¿Por qué dices eso? Después de apreciar el "Retrato del señor y la señora Arnolfini" de Jan van Eyck, entenderemos el motivo que hay detrás.
El "Retablo de Gante" fue un biombo de iglesia encargado por el alcalde de Gante, Jodocus Weed, a los hermanos Van Eyck en 1415. Hubert van Eyck (1370-1426; ha habido debate sobre su fecha de nacimiento) y su hermano Jan van Eyck (1385/90-1441) comenzaron a cooperar desde este año hasta 1426, cuando su hermano Hubert van Eyck. Después de la muerte de Bert van Eyck, su hermano lo pintó solo hasta que se completó en 1432, lo que duró 18 años. Puede describirse como una obra maestra.
Después de terminar la pintura del altar, sólo quedaban 20 escenas. Era la obra de arte eclesiástica más prestigiosa de la época. Todos los fieles querían entrar a la iglesia de San Bavón en Gante. . Es una colección de pinturas en miniatura tradicionales holandesas. Ahora analizaremos y presentaremos todas las imágenes de este cuadro de altar, que mide unos 343 × 440 centímetros. El llamado retablo se coloca frente al altar de la iglesia. Parece una mampara, pero en realidad es más grande que la mampara. Está compuesto de tablas de madera y tiene 20 cuadros interiores y exteriores que forman una barrera de biombo. En tiempos normales, debido a que las dos alas del altar están cerradas, solo se puede ver el exterior de este conjunto de pinturas. Las pinturas del exterior están divididas en tres capas: superior, media e inferior. La capa superior representa a cuatro profetas y profetas que predicen el nacimiento de Jesús, separados en la parte superior curva de la pantalla. En el piso medio está pintado el tema tradicional "Notificación de la Concepción". En este piso, el espacio es relativamente espacioso. El ángel que anuncia la buena noticia y la María apasionada están dispuestos en dos extremos de los cuatro cuadros. El centro representa una habitación vacía sin muebles excepto alféizares y nichos. La luz entra por la ventana, el ambiente es extremadamente simple y la sensación de perspectiva es fuerte. Como para enfatizar la santidad de María, los detalles se mantienen simples. El alféizar de la ventana en el medio expone el paisaje de la ciudad, dando a la gente la impresión de la vida cotidiana de la gente contemporánea. El lavabo y la toallita colgante están representados en detalle, e incluso lo más destacado de un objeto en el nicho está representado en detalle. Detrás de la imagen del ángel y María, hay detalles vagamente perceptibles, como ventanas enrejadas y libros. La sombra detrás del ángel es muy realista, mostrando el estilo de la pintura de género. Las dos estatuas en el medio son Juan el Bautista y el Apóstol. John; en ambos lados están los donantes Dorcus Weed y su esposa, Elizabeth Blout, llenan el cuadro. El donante se arrodilla como donante del retablo, expresando su devoción a Cristo. Estas dos figuras arrodilladas tienen características de retrato. Las habilidades del pintor son muy altas, las imágenes son realistas y la estructura es ajustada. Las dos estatuas del medio fueron copiadas utilizando habilidades de dibujo muy hábiles. Las pinturas de los santuarios son casi tan realistas como las estatuas. Se puede ver que estos dos pintores fueron expertos en modelar el realismo, que también es un símbolo importante del nivel de la pintura en el Renacimiento holandés. Cuando el biombo del altar se despliega lentamente en medio de la solemne música sacra del órgano de tubos, toda la imagen del interior se vuelve aún más deslumbrante y fascinante. Las pinturas relucientes de repente parecieron oro brillante, deslumbrando a la gente. Cuando estas 12 pinturas aparecen repentinamente junto con el ritmo melodioso de la música sacra, sublimarán las emociones de los creyentes a un estado deificado y obtendrán de ellas un fuerte sentimiento de belleza. El lado central de estas 12 imágenes está dividido en capas superior e inferior; las tres capas superiores representan a Dios, la Virgen María y Juan Bautista. El Dios en el centro es el núcleo de estas tres pinturas. Es más alto que otras figuras a su alrededor: Dios está sentado erguido, mirando directamente a los ojos, sin expresión. Esta es una fórmula para pintar a Dios. Sentirse aburrido. Sostiene el cetro en su mano izquierda y levanta ligeramente su mano derecha en una ceremonia de bendición. Pero la túnica roja adornada con oro de Dios estaba pintada con gran vitalidad. El artista parecía haber invertido deliberadamente sus sentimientos artísticos en los pliegues de esta túnica en lugar de representar su rostro. En este piso, con este ídolo como centro, se dispuso solemnemente la formación de la Santa Orden. Las imágenes de la Virgen María y Juan Bautista en los lados izquierdo y derecho son relativamente libres y libres, y los colores están llenos. Aunque las figuras están sentadas una frente a la otra, sus posturas no parecen apretadas en absoluto.
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
"Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa" es extraordinario en la historia del arte. Sin embargo, una obra maestra así no es originalmente un retrato o una pintura de género como muchos de nosotros pensamos cuando intentamos definirla. Arnolfini fue una persona real que fue nombrada caballero por el duque Felipe en 1420. El pintor representa fielmente la imagen típica de la burguesía. No sólo reproduce la apariencia y las características personales de la pareja, sino que también representa el ambiente interior de forma extremadamente realista, lo que demuestra el especial talento del pintor para el modelaje. Los gestos, movimientos y accesorios ambientales en "Retrato del Sr. y la Sra. Giovanni Arnolfini" tienen todos significados folclóricos, lo cual es muy interesante: los gestos de la pareja Arnolfini expresan lealtad mutua, y tomar la mano de la esposa expresa el amor eterno del marido. Para mantener a la esposa; mientras que las palmas de la esposa apuntando hacia arriba indican que siempre será fiel a su marido. La ropa lujosa muestra la riqueza de los personajes; el candelabro que cuelga en la parte superior del cuadro está iluminado con una vela, lo que significa que la luz que conduce al cielo, un par de pantuflas colocadas en la esquina inferior del cuadro significa matrimonio, el cachorro; a los pies significa lealtad, y el pañuelo blanco de la mujer significa castidad, virgen, el verde representa la fertilidad, el color rojo en la cama simboliza la armonía, la manzana en el alféizar de la ventana representa la paz, el rosario en la pared representa la piedad y el palo de escoba representa. la pureza; el espejo redondo con esquinas en el centro del cuadro representa el cielo. Todos estos símbolos tienen tanto creencias cristianas como conceptos seculares. El artista los incluyó uno por uno en la pintura y los pintó con gran detalle. Hay un espejo colgado en la pared entre las figuras. El marco tiene 10 cuadrados que sobresalen en forma de flor. Dentro de cada cuadrado hay una pintura de una historia sobre Jesús. es difícil de reconocer. El espejo circular central refleja el paisaje de toda la habitación. Este tipo de pintura al óleo meticulosa y delicada es poco común en el mundo y solo se puede ver en las pinturas en miniatura de los Países Bajos. Se dice que este tipo de representación sutil asombró incluso a los fotógrafos modernos. El uso del reflejo en el espejo para ampliar el espacio de la imagen es otra característica de esta obra maestra. Estas características artísticas tuvieron una gran influencia e inspiración en las pinturas de género holandesas posteriores.
La Virgen de la Canciller de Lorena
Retrato de Margarita de 66 x 62 cm pintado hacia 1435
Para reflejar como un espejo toda la realidad. De hecho, Van Eyck no solo mejoró las técnicas de pintura, sino que también inventó las pinturas al óleo, utilizando aceites para preparar pinturas para poder aplicarlas a tableros de pintura. La mayoría de las pinturas utilizadas por los pintores en el pasado estaban hechas de plantas o minerales coloreados. Primero, las plantas o minerales coloreados se molían hasta convertirlos en polvo, antes de su uso, se agregaba un poco de líquido para convertir el polvo en una pasta. de clara de huevo, pero estaba demasiado seco y no es fácil que los colores se transformen lentamente entre sí para lograr suavidad. Van Eyck no quedó satisfecho con aquella fórmula y empezó a utilizar aceite en lugar de clara de huevo, para poder pintar con más tranquilidad. Creó pigmentos brillantes que podían usarse en capas transparentes de color y podía usar un bolígrafo afilado para dibujar bandas de alto brillo en el lienzo para lograr un efecto más realista.