Ilustraciones de moda y zapatos: ¡el ilustrador de moda contemporánea más popular! ¿Cómo se hace?

¿Cuáles son los campos de aplicación de las ilustraciones de moda que son muy populares ahora? ¿Puedes presentarlo en detalle?

La mayoría de las ilustraciones de moda están dirigidas principalmente a la apreciación del arte y la publicidad, y prestan más atención a la aplicación de las habilidades pictóricas y al impacto visual de la imagen. En general, su efecto pictórico es más cercano al del arte pictórico, con un arte extremadamente obvio y características de personalidad distintivas. A menudo se usa en promociones de muestra y carteles publicitarios, y su función es guiar a los consumidores a consumirlo y hacerlo popular. avance.

La audiencia también presta atención y recopila elementos de moda actualmente populares en su vida diaria. Por ejemplo, muchos diseñadores de ilustraciones recopilarán una gran cantidad de términos y colores populares al diseñar, y también prestarán atención a los populares. maquillaje y personajes más populares, y extraer elementos de moda de esta estética de la moda, transformarlos en elementos gráficos necesarios para el diseño de ilustraciones de moda e integrarlos de manera flexible en ilustraciones de moda. Solo de esta manera podemos diseñar productos verdaderamente excelentes y únicos. Ilustración artística de moda. Al crear, generalmente es necesario mejorar su capacidad para recopilar elementos de moda y su capacidad para integrar colores populares en el diseño de ilustraciones.

1. Colección de elementos de moda

Los elementos de moda son ampliamente utilizados en los campos de los negocios y el arte, liderando diversos diseños de productos y expresiones artísticas. El elemento de moda de la ropa puede ser una silueta, un método de combinación o incluso un accesorio. Por ejemplo, MarMurube nació en 1979. Comenzó a pintar cuando era muy joven y es una figura importante en la industria de la moda internacional. ilustradores más famosos, sus trabajos cubren diversos campos como revistas de moda, publicidad, diseño de productos, empaques y publicaciones. Sus trabajos se caracterizan por fuertes elementos de moda, colores brillantes y muy frescos y enérgicos. Se recomienda que recopile algunas revistas de moda, como "VOGUE", "Tatler", "InStyle", "MarieClaire", "ELLE", etc., para comprender los elementos de la moda popular actual y copiar la ropa y el estilo de los personajes. a juego, para enriquecer sus materiales creativos.

2. Aplicación de colores populares

Los colores populares, los materiales de la ropa, los estilos y otros elementos juntos constituyen la belleza de la ropa. Para la mayoría de los grupos, "colores populares" "" es un sustantivo. que representa la moda. También indica la tendencia popular. Es un color que puede cambiar con los tiempos. Tiene las características de popularidad rápida pero de ciclo corto.

En general, los colores populares no permanecen inalterados. Ocurre cuando la aplicación del color es reconocida, seguida e imitada por el público en una determinada etapa, lo que hace que se forme una determinada tendencia. Siempre evoluciona con el tiempo. Por lo tanto, los colores populares son la paleta de la moda. Si dominas el timón de los colores populares, puedes liderar la tendencia. A través de las conferencias de lanzamiento de nuevos productos de moda de algunas marcas de ropa famosas, encontrará que cada año se diseña una conferencia para explicar los colores populares. Por lo general, los colores populares no se limitan a un solo color, sino a un color que combina con un estilo de moda popular. . En términos generales, los colores básicos de la ropa representan una proporción relativamente grande en la ropa, mientras que los colores populares representan una proporción menor. Por lo tanto, al formular y lanzar colores populares para el próximo año, a menudo se utilizan dos o más colores. Se combinan perfectamente con los colores básicos de la ropa, de modo que puedan resaltar la tendencia de moda actual manteniendo su propia singularidad. Si los colores populares pueden predecirse e integrarse con precisión en los colores principales de las ilustraciones, las ilustraciones de moda serán rápidamente buscadas por el público y recordadas por todos. Ilustración de moda: El "diablo de la moda" con 500 años de historia

La ilustración de moda existe desde hace casi 500 años. Desde la aparición de la ropa, es necesario transformar las ideas o imágenes del diseño de ropa. ilustraciones de moda. Esta forma visual se originó en la ilustración, el dibujo y la pintura, y también se la conoce como "dibujo de moda". Los diseñadores de moda utilizan principalmente "dibujos de moda" para generar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en el diseño es obtener una vista previa y visualizar el resultado final antes de coser la ropa real.

A continuación, echaremos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, el "diablo de la moda" con una historia de 500 años, por etapas.

1. El comienzo de la ilustración de moda

La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a la fascinación de la gente por la ropa de personas de varios países del mundo.

Se imprimieron libros que ilustraban la vestimenta adecuada para diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social provocado por estos descubrimientos.

Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, que contenían paneles de figuras vestidas según una nacionalidad o casta concreta. Estas son las primeras ilustraciones de ropa y el prototipo de las ilustraciones de moda modernas. Es probable que los diseñadores de vestidos, modistas y sus clientes utilicen estas ilustraciones para inspirar nuevos diseños.

Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear detalles realistas de trajes y trajes de época.

Estas publicaciones periódicas comenzaron en Francia e Inglaterra en la década de 1670 y se consideran las primeras revistas de moda, e incluyen Le Mecure Gallant, The Lady's Magazine, La Gallerie des Modes, Le Cabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modos. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta al creciente número de lectoras femeninas ávidas de las últimas novedades sobre moda. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX que las ilustraciones de estilo masculino adquirieron tanta importancia como las ilustraciones femeninas.

2. La placa de moda en el siglo XIX

La placa de moda saltó a la palestra a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período aparecieron publicaciones como la de Horace Venet. Los objetos "Incroyable set Merveilleuses", etc., así como una serie de fotografías de moda en acuarela grabadas por Georges-Jacques Gatine durante el período de Napoleón I, se hicieron famosas por un tiempo.

La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda constante de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron como resultado más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan orientación general sobre confección.

En esta etapa también apareció la personalización de la alta costura (apareció en la década de 1860). Las empresas de moda contrataban ilustradores, que trabajaban directamente con los diseñadores de ropa femenina. Cuando los diseñadores colgaban las telas sobre los modelos vivos, las ilustraciones. El diseñador esbozará el nuevo diseño. También crean ilustraciones de cada diseño de la colección terminada, que luego pueden enviarse a los clientes.

A finales del siglo XIX, la impresión a mano en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales podía verse desde atrás o de lado, para que la prenda pudiera verse desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Se adhieren a convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.

3. Las revistas de moda y las ilustraciones en el siglo XX

En las primeras décadas del siglo XX florecieron por primera vez las ilustraciones de moda en el sentido moderno. A medida que la distribución de los últimos estilos de moda se volvió cada vez más rentable, el trabajo de ilustrador de moda se convirtió en una profesión. La moda, que antes era obra de artistas individuales, se está convirtiendo ahora en una industria que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas inventaron un nuevo pasatiempo cuyo nombre completo es la cultura de compras.

Gazettedubonton, revista francesa de lujo publicada entre 1912 y 1925, reunió a un grupo de jóvenes artistas a quienes se les dio una libertad sin precedentes para interpretar la moda. Iribe fue la figura principal entre estos ilustradores de moda, contribuyendo a prestigiosas publicaciones que también incluían a Charles Martin, Eduardo García Benito, George · George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi.

Las planchas que produjeron para la Gazette mostraban la influencia de los grabados en madera japoneses, así como nuevos cambios en el estilo Art Déco.

En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales así como tendencias de ropa contemporáneas. La revista Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con el genio Erte, que duró de 1915 a 1938 y fue uno de los contratos más largos en la historia editorial.

Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la revista "Vogue" siempre contó con ilustraciones en sus portadas. Las primeras portadas de Vogue presentaban ilustraciones de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X.

Después de la Primera Guerra Mundial, se les unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud) y AndreMarty.

4. La edad de oro de la ilustración de moda

Las décadas de 1920 y 1930 representaron la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista de moda y un dibujante consumado. Muchas personas pueden representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela con autoridad y convicción.

Los nuevos avances tecnológicos en fotografía e impresión comenzaron a colocar reproducciones de fotografías directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los gráficos de moda ya no eran representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción de la revista; Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y que se comenzaban a incorporar ilustraciones en las páginas interiores.

Con la recesión económica que siguió a la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos dio grandes pasos, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media dependían de costureras calificadas para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para las modistas domésticas.

El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a los lectores tanto como sea posible. La fotografía libera a los ilustradores de la necesidad de registrar con precisión la ropa y se inclina más a interpretar la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas, interesados ​​principalmente en obtener efectos pictóricos y decorativos interesantes, se sienten agobiados y, por tanto, aburridos de reflejar fielmente cualquier cosa que esté en el espíritu de la moda contemporánea".

El "New Look" de Dior " de finales de la década de 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a tiempos más alegres y optimistas.

5. La destrucción y el resurgimiento de la ilustración de moda

En la década de 1950, los editores de moda habían destinado más presupuestos a la comunicación editorial de la fotografía. La posterior elevación de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tuvieron que contentarse con producir artículos sobre lencería y accesorios, o trabajar en campañas publicitarias.

Durante los años 60, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas para adolescentes dirigidas a los jóvenes, muchas de las cuales se publicaron en los años 60, todas Todas las ilustraciones se centran en la ilustración como una alternativa económica a la fotografía.

Antonio López (Antonio López) fue el único artista que apareció regularmente en la revista Vogue durante este período. Su carrera comenzó en "Women's Wear Daily".

En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda luchó por sobrevivir, y no fue hasta la década de 1980 cuando empezó a resurgir. La nueva generación de artistas apareció en revistas como La Modeenpeinture (1982), Conde Nast's Vanity (1981) y Visionaire (1991).

Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, específicamente a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.

6. La ilustración de moda hoy

Entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Dado que la belleza y la elegancia se han vuelto obsoletas tanto en la moda como en el arte, la ilustración de moda a veces parece un retroceso a una época anterior.

La fotografía es muy buena para registrar los detalles de una prenda, por lo que el foco del ilustrador ya no está en una representación exacta de la prenda, sino en explicar la prenda y su posible portador. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una variedad de estilos artísticos únicos, habilitados por herramientas digitales y plataformas de redes sociales. En la década de 1990, los ilustradores pioneros Ed Tsuwaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a surgir en el campo de los gráficos por computadora.

Este período fue testigo del surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como del resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer ilustración como un elemento específico de sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo miran hacia los maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Las ilustraciones de moda basadas en métodos clásicos han complementado con éxito las ilustraciones creadas mediante procesos más modernos.

Recientemente, la ilustración se ha vuelto popular a través de colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita para causar una impresión duradera.

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Es el ilustrador más popular

También es el mejor portavoz de la moda

David Downton,

Nacido en 1959 en Londres .

Desde pequeño,

el mejor regalo para él es una gran página en blanco.

Sin embargo,

Lo que David no esperaba era que

podría ganarse la vida con la pintura mucho tiempo después.

▲David Downton pintaba cuando era joven

▲El estudio es una pintura en sí misma, no menos hermosa que el estudio de Picasso.

▲Puedes crear trabajos impresionantes en el banco de trabajo "interesante e informativo".

David estudió inicialmente diseño gráfico,

su primer trabajo fue a principios de los años 1980,

un diseño de portada para la revista WhichComputer.

▲ Ilustraciones de moda realizadas por David Downton en Nueva York en 1998. Realizado en tinta y papel acetato.

▲Una ilustración de moda dibujada por David Downton para Christine Lacroix en 1998. El material es papel de caja de color tinta.

Durante 15 años,

David ha sido ilustrador independiente.

Pase lo que pase,

Él disfruta de la vida de un ilustrador independiente.

▲Ilustraciones realizadas por David Downton en 1999 para un diseño de moda diseñado por Jean-Paul Gaultier. Un vestido largo negro combinado con gafas de sol negras es aún más impresionante. David toma a Kate Moss como prototipo y utiliza el estilo pop para expresar el encanto clásico de la moda. Esta obra es bastante famosa en la industria de la moda y es una de las obras más representativas de la industria de la ilustración de moda de los últimos años.

▲Una ilustración de moda dibujada por David Downton para Valentino en 1999. Similar al estilo de pintura de Lacroix, Eric y otros, los colores que utiliza están llenos de modernidad.

▲Paloma Picasso, una ilustración de moda creada por David Downton en Londres en 1999. El material es gouache, papel para cartuchos de tinta y revestimiento de papel de acetato.

▲Las pegatinas de botellas cortadas en papel realizadas por David Downton en Londres en 1999, con Iman como modelo. Dibujado con tinta sobre papel Pantone recubierto de papel acetato.

Las líneas de las obras de David son simples y suaves,

muy texturizadas y el estilo no es pretencioso.

Bien puede mostrar la elegante postura del cuerpo humano.

Debido a este estilo de pintura único,

Algunas personas comenzaron a invitarlo a crear ilustraciones de moda.

Entre ellos,

la leyenda inmortal Carmen Dell'Orefice, de 85 años,

es también una de las musas de David.

▲ Ilustraciones de moda dibujadas por David Downton en Nueva York en el año 2000. La modelo es Carmen Dale Orpheus y el vestuario está diseñado por Thierry Mugler. Esta obra se dibujó primero con pasteles al óleo sobre papel Pantone, que luego se revistió con papel de acetato y luego se pintó con tinta.

▲David Downton pintó un retrato de Anna Page, la editora jefe de la famosa revista de moda europea, en 2001. Capturó con gran éxito el alma de esta "madrina de la moda". Combinación de colores exagerada, expresiones juguetonas, actitud desinhibida combinada con pinceladas aparentemente salvajes pero muy hábiles ~ ¡perfecto!

▲David Downton fue el director de diseño de Chanel para Amanda en 2002. Retrato de Harleezy.

Siempre ha admirado a artistas como Lacroix, Antonio y Eric.

Por lo tanto,

También existen similitudes en colores y líneas en los primeros estilos de pintura.

En 1996, produjo ilustraciones para desfiles de moda de alta gama para revistas.

En 1997, participó activamente en desfiles de alta costura de París.

Al principio estaba deslumbrado y completamente desprevenido,

pero,

el desfile de París era real,

inspiró a un artista. .

París tiene las mujeres más bellas y los mejores trabajos de diseño.

Y todo aquí es fascinante.

David nunca pinta cuando las modelos están en la pasarela.

Porque descubrió que era imposible hacerlo en absoluto,

Simplemente tomó fotografías o miró desde el margen,

y realmente sintió cada momento conmovedor. .

Aprovechó todas las oportunidades para pintar.

Ningún momento en el que el modelo estaba quieto podía escapar a sus ojos.

Por ejemplo: al probarse ropa,

A veces incluso cuando la modelo está haciendo un descanso en una rueda de prensa...

▲Los cosméticos también son suyos herramientas, toca el corazón entre el momento en que comienzas a escribir y el momento en que terminas de escribir, adecuado tanto para colores claros como oscuros.

David dijo: "Cuando comencé a dibujar, pensé que era mi responsabilidad restaurar la apariencia de la ropa de acuerdo con la pasarela en el escenario. Sin embargo, la primera vez que asistí a una conferencia de moda fue En el desfile de Versace Arriba, solo dibujé los brazos de Kate Moss antes de que desapareciera. ¡Así que es mejor disfrutar de los detalles que muestra la modelo actual”.

▲El borrador también es conmovedor

y luego las proporciones, colores y otros detalles.

Sin embargo, esto es más difícil. hacer.

▲Los borradores también se mueven

David dibujó innumerables borradores de diseño,

y luego seleccionó los mejores,

Cuando las pinturas estaban casi completos, comenzó a eliminarlos,

"descomponerlos y reconstruirlos".

Siguió pintando,

hasta que parecían naturales.

Ha escrito para reconocidos medios de todo el mundo,

como "The Times", "The Independent",

y Harper's Bazaar (un versión australiana), etc.

Escribir reportajes relacionados con la moda.

Ha realizado tres exposiciones individuales en Londres y una exposición individual en Nueva York.

En los últimos años,

también ha diseñado imágenes visuales para centros comerciales en Hong Kong,

e ilustrado la serie de moda femenina Vogue.

▲La portada dibujada por David Downton para el "Saturday Evening Post" en 2004. Esta obra fue creada en París y está realizada en gouache, acuarela y papel.

▲El cartel publicitario diseñado por David Downton para la conferencia de moda de TopShop en septiembre de 2004. Esta marca es obra de jóvenes diseñadores.

▲Ilustración de David Downton, Valentin Fitting, encargada por Vogue (Edición China) en 2005. Los materiales son tinta, gouache y papel, papel acetato.

▲ Ilustraciones de moda dibujadas por David Downton para YSL en 2006. Los materiales son tinta, acuarela y papel.

▲Una pintura de moda dibujada por David Downton para YSL en 2006, utilizando tinta, gouache, carboncillo y papel.

▲Ilustración de moda de David Downton encargada por la revista Madame (edición alemana) en 2007. Esta obra fue dibujada primero sobre papel con pasteles al óleo, luego recubierta con papel de acetato y luego pintada con tinta y gouache.

▲Ilustraciones encargadas por David Downton al Times de Londres en 2007. Los materiales son tinta, gouache y papel.

▲Ilustraciones dibujadas por David Downton para su revista PourquoiPas en 2008. La modelo es Dita Vontes. La ropa está diseñada por Lacroix. Los materiales son tinta, gouache y papel, fibra de acetato.

¿David dibujó vívidamente a la sexy bailarina?

Si quieres moler un mortero de hierro hasta convertirlo en una aguja~

Si quieres tener la capacidad de superar otros,

¡Debemos cultivar nuestras habilidades al extremo!