Imágenes ilustrativas del guión gráfico de Año Nuevo: cómo aprender a ser ilustrador
Qué escuela de formación en diseño de animación es la mejor
Busque una madura que al menos establezca un sistema completo de servicio docente de clase, sea responsable de la gestión y coordinación general de la clase, responde a las necesidades de los estudiantes de manera oportuna y permite que los estudiantes aprendan de manera más fácil y feliz.
Recomiende las cinco mejores instituciones de formación en animación de China como referencia:
1. Clase ligera
La clase ligera es un estudio de dibujo en tablero muy popular en China. Los cursos principales de la plataforma incluyen ilustraciones japonesas, pinturas originales de juegos, ilustraciones antiguas, cómics animados, etc. La clase de capacitación especial de pintura del diablo para clases menores es popular en Internet. El modo de promoción de paso + inspección del diablo es muy popular entre los estudiantes y atrae. ¡Un gran número de internautas para desafiar su servicio de "entrenamiento del diablo" y "Devil Inspector"!
2. Touch Station
Touch Station es la plataforma de pintura más popular de China. Debido a la gran cantidad de pintores conocidos en Touch Station, Touch Station reúne los cursos ofrecidos por varios profesores de pintura famosos que también incluyen cursos en línea de ilustración, animación, cómics, pintura original, ilustración comercial, etc. Hay una gran cantidad de pintores en el sitio y cada día se actualizan más de 10,000 obras. Es una plataforma para que los pintores reciban pedidos y generen popularidad. También es un sitio web para que los entusiastas de la pintura vean, busquen y obtengan imágenes. aprender a pintar.
3. Huachu Paiyou
Huachu Paiyou es una escuela de aprendizaje en línea que se centra en la pintura CG. Se centra en el pago mensual y no cobra el pago completo, lo que ha atraído a muchos estudiantes. ¡La "conciencia" reduce en gran medida la presión de aprendizaje de los estudiantes!
4. Yangke.com
Yangke.com es un sitio web gratuito de aprendizaje de ilustración con una gran cantidad de ilustraciones generadas por computadora, pintura en tablero,. Pintura japonesa bidimensional, juegos originales y otros cursos de aprendizaje, que proporcionan principalmente una plataforma de aprendizaje gratuita para el aprendizaje basado en intereses.
5. Art Plus
La escuela en línea Art Plus es una plataforma de aprendizaje desde arte para pasatiempos, arte para exámenes de arte hasta ilustración profesional. Proporciona aprendizaje para arte de interés, arte para exámenes de arte y arte manual. clases de pintura e ilustración en línea.
Todos deben prestar atención al hecho de que el nivel de servicio de muchas instituciones de formación en animación no es alto y no pueden responder a las necesidades de los estudiantes de manera oportuna, lo que hace que los estudiantes no puedan aprender fácil y felizmente. Investigación sobre guiones de planos de diseño de animación
Investigación sobre guiones de planos de diseño de animación
Los guiones de planos son transformaciones creativas de guiones de texto en imágenes que combinan audio y vídeo, y utilizan imágenes para contar historias Y sus esquemas son claros. La función está a la vanguardia del proceso de diseño de animación. A continuación se muestra la investigación de guiones que recopilé para usted sobre el diseño de animación. ¡Bienvenido a leer!
Interpretación de la narrativa visual de animación
La animación es un tipo de integración de la literatura, la pintura, diseño, es una forma de arte integral y única que combina diversas técnicas de expresión como la fotografía y la dirección. Es un estilo artístico lleno de vitalidad, creatividad y poder expresivo. La esencia y el derecho a existir de diferentes cosas son su particularidad, y la forma en que expresan su existencia de manera diferente a otros fenómenos es el valor importante de esta particularidad. Las características especiales y el valor de la narrativa de animación son su expresión existencia de una manera diferente a la narrativa literaria y la narrativa cinematográfica. La animación es un cuerpo narrativo que utiliza la forma de pintura, o aparece en un solo cuadro, y es un cuerpo narrativo que combina pinturas y obras de arte a través de algunas técnicas de filmación cinematográfica. De hecho, contar una historia es una narrativa. Aunque las formas y métodos de contar historias han cambiado ahora, el propósito del narrador sigue siendo el mismo: transmitir información a la audiencia. Que la historia pueda dejar una impresión profunda en las personas depende de si el narrador puede hacer que la audiencia se sienta inmersa en la historia y si puede captar su atención. Para lograr tal efecto, debe completarse a través de la historia y la información transmitida simultáneamente por la imagen. Con la invención y el desarrollo de la televisión, el cine, la fotografía y las computadoras, contar historias con imágenes ha alcanzado un nuevo pico. El uso de guiones gráficos para convertir la historia en un tablero de proceso de dibujo de imágenes es ahora el método más popular en películas, televisión, animación y. incluso la publicidad, es un elemento muy importante y necesario para la narración visual en etapas de preproducción como TV y MTV.
2. La animación utiliza imágenes para contar historias.
El uso de imágenes para contar historias ocurrió antes de que los humanos inventaran el lenguaje. Las primeras pinturas rupestres eran una forma de comunicación. Este método se remonta incluso al Paleolítico, hace entre 20.000 y 30.000 años. En las famosas pinturas rupestres de Altamira, en España, se encuentra un jabalí cuyas patas y cola fueron pintadas varias veces. movimiento. De hecho, estas son las primeras narrativas visuales de la animación y son las "tomas" de la animación.
La textura rugosa del igualmente famoso "Tapiz de Bayeux" describe la trágica historia de la invasión de Inglaterra por parte de Guillermo el Conquistador. Aún así, tenemos razones para creer que el Tapiz de Bayeux es también uno de los primeros "tomas". El guión gráfico es una herramienta que se utiliza para el diseño de preproducción y la vista previa visual de la producción de animación. La clave del proceso de visualización es el guión del guión gráfico, que explica la historia con la continuación lógica del proceso de pintura y diseño. El proceso de visualización en esta etapa está esencialmente vinculado a la narrativa, que significa literalmente utilizar imágenes para contar una historia.
En la etapa de preproducción de cualquier película, el uso de subplanos es un medio importante, ya sea una película de acción real o una película animada, el diseñador de subplanos debe presentar la historia. en una secuencia narrativa lógica. La producción de planos consiste en dibujar una serie de bocetos y explicar cada escena básica y cada configuración de cámara en la escena. Es una exhibición visual de toda la película o animación antes del rodaje o la producción. Recuerde que un guión gráfico no es una simple ilustración y reproducción. de un guión de texto, sino una recreación de un guión de texto basada en el uso de un lenguaje de animación.
3. Plano dividido de animación - plano de construcción de animación
David Hand, el director del famoso largometraje de animación "Blancanieves y los siete enanitos", mencionó que estaba dirigiendo la animación cuando Al hacer un cortometraje, el plan cinematográfico inicial es la clave para hacer una buena película. Está muy claro, ¿en qué se basa el director para controlar la situación general? ¿Es hacer el guión de la película para que el guión se convierta en el plano de construcción de una película animada?
El guión de animación es un avance de la actuación para los actores de animación. Cada parte de la película se planifica en detalle durante la etapa de guión de grabación, incluyendo: modelado de personajes, actuación, acción, ritmo, trama, diálogo y efectos especiales. , y planos. La producción de guiones gráficos comienza con el análisis y la disección del guión de texto y su división en segmentos visuales. También es una especie de mapa mental, que se utiliza para ilustrar, imaginar y visualizar guiones escritos, ayudando a todo el equipo de producción a descubrir los ángulos, la orientación espacial, la luz, el movimiento y otros aspectos de la futura producción y rodaje del guión en el plano visual. pantalla antes de los requisitos reales del rodaje, proporcionando así un modelo para la producción cinematográfica final. El director mostrará sus intenciones creativas, su estilo único y su concepción artística en el guión rodado para dar forma al contenido a expresar. Por tanto, el guión del storyboard es la principal base y garantía para que el equipo de producción unifique sus ideas creativas y realice el trabajo de forma planificada. El guión gráfico también es una forma básica de obtener una vista previa de la historia que desea contar. El método comienza con un boceto conceptual aproximado, luego un cuaderno de bocetos en color, luego una animación continua y finalmente un borrador final. De esta forma, la relación entre toda la trama queda clara de un vistazo. Si el guión está en su lugar, los efectos visuales presentados al público deben ser maravillosos.
El storyboard se compone de una serie de bocetos. Sketch es una herramienta, una herramienta auxiliar para transformar las ideas en el lenguaje cinematográfico final con una serie de imágenes. Debido a que el producto visual más similar en forma de guiones gráficos son las tiras cómicas con diálogos de personajes de dibujos animados, y las funciones entre los dos son diferentes. Los guiones gráficos no son un producto independiente como las tiras cómicas o las ilustraciones. el entretenimiento y los guiones son una herramienta para ayudar a la producción de animación.
En la década de 1830, Webb Smith, un famoso dibujante de Disney, utilizó guiones gráficos por primera vez. Al mismo tiempo, Disney se dio cuenta e inmediatamente abrió un departamento de desarrollo de historias independiente. Webber Smith arregló todos los bocetos y diálogos en la pared en el orden de desarrollo de la historia desde el principio hasta el final, ajustó la secuencia de las tomas y guió la estructura de la historia para que fuera muy fluida. Los guiones de tomas verificados por hechos ocupan una posición indispensable. Más de diez años después, este método se ha vuelto popular en la producción cinematográfica. Las películas de acción real también han sentido la importancia de los guiones gráficos (guiones rodados) también han comenzado a utilizar guiones rodados para dibujar tramas de acción detalladas y escenas de efectos especiales. Esto presagia el efecto de sus películas. Hoy en día, la revolución digital parece haber inyectado nueva vitalidad a la industria cinematográfica, pero los guiones gráficos siguen siendo indispensables. Por ejemplo, obras maestras como "Piratas del Caribe", "El señor de los anillos", "Harry Potter", "Avatar" y "La era del hielo" utilizan la forma de guiones divididos para presentar el "aspecto" de la película.
Todo el proceso de creación de una animación se compone de tres partes: preproducción, producción intermedia y posproducción, que se heredan, entrelazan y promueven mutuamente simultáneamente.
El trabajo de pre, mitad y posproducción es indispensable, y trabajar juntos garantiza la producción de dibujos animados de alta calidad.
4. El lenguaje de los guiones de planos de animación
(1) Planos y escenas. El teórico del cine francés Mardin enfatizó repetidamente en "El lenguaje del cine" que las imágenes son los elementos básicos del lenguaje cinematográfico. La "imagen" mencionada aquí se refiere a la imagen de la "lente" o la imagen de la "película", que es diferente de la imagen de la "pintura". La unidad más básica de las obras de cine y televisión es la lente, que se refiere a imágenes tomadas continuamente desde un ángulo. En otras palabras, desde que se enciende la cámara hasta que se dispara hasta que se apaga, se obtiene una nueva lente. Si se cambia la posición de la cámara para obtener un nuevo punto de vista, esta también es una nueva lente. _La escena es una forma importante para completar la configuración del espacio de las imágenes audiovisuales de cine y televisión. El paisaje es una de las unidades básicas de planos que componen el lenguaje audiovisual. Se refiere a la amplitud del tema presentado en la imagen. La aplicación racional de las escenas es la garantía del éxito de la presentación y narrativa artística al estilo de los dibujos animados. La diferencia de escena de la imagen depende de dos factores: la distancia entre la cámara y el sujeto y la distancia focal del objetivo utilizado. Las imágenes de diferentes escenas producirán diferentes proyecciones y diferentes sentimientos en las emociones físicas y psicológicas de las personas. No existen límites muy estrictos en la división de escenas. La clasificación de las escenas en dibujos animados y películas de la vida real es básicamente la misma. Según la distancia de visión, generalmente se divide en plano general, panorama, plano medio, primer plano y primer plano.
(2) Ángulo y eje de la lente. El ángulo de la cámara es "el punto de vista de la cámara al disparar, es decir, utilizar el visor fotográfico para observar y seleccionar la posición de disparo de la imagen al componer la imagen". La elección del ángulo de la lente incide directamente en la composición plástica del cuadro. El ángulo de encuadre no sólo afecta la visión que el público tiene de los personajes, sino que también afecta la presentación de la escena. Cuando el director se centra en un determinado ángulo en el guión de la sub-plana de animación, se formará un estilo visual dominante, que afectará el contenido narrativo y el estilo de estilo de toda la película en términos de todo el efecto visual. Los ángulos de la cámara a menudo crean escenas dramáticas y agregan movimiento a la escena. En operaciones prácticas generales, lo dividiremos en tres categorías: ángulo horizontal, mirando hacia abajo y mirando hacia arriba. El eje es una línea virtual que se utiliza para determinar la posición del actor en la pantalla. En el proceso de creación del guión de la toma, para lograr la suavidad y continuidad de las tomas, el factor decisivo es la dirección de la pantalla, la dirección del movimiento de la cámara en la pantalla.
(3) Planos en movimiento. Una lente móvil se refiere a una imagen de televisión que se toma moviendo la posición de la cámara, girando el eje óptico de la lente o haciendo zoom al tomar imágenes continuas. Los cambios de movimiento de la lente se refieren principalmente a los cambios en la posición de la cámara, que generalmente se dividen en varios tipos, como lentes de empuje, lentes de tracción, lentes de empuje, lentes panorámicas, lentes de seguimiento, lentes de desplazamiento horizontal, lentes de elevación y lentes integrales. lente de movimiento.
(4) Composición. La composición es "melodía inaudible". Deja que la imagen hable, deja que la imagen reproduzca una melodía más bella y conmovedora, más acorde con las características de la película. La imagen es la base de la composición cinematográfica y las imágenes de la película están encerradas dentro del marco de la pantalla. La palabra composición proviene del latín y su significado original incluye composición, estructura y conexión. Está tomado del arte de la fotografía y se refiere al proceso creativo completo desde la selección del material, la concepción hasta el modelado. Es decir, el proceso de pensamiento y el proceso de encarnación organizacional. La imagen es un símbolo extremadamente complejo. Elementos como líneas, formas, texturas y escalas interpretan el significado en la composición. Una explicación más sencilla se refiere al diseño y composición de una fotografía. Significa organizar conscientemente los objetos que se expresarán dentro del marco de acuerdo con los requisitos del tema y el contenido, y expresar la intención del fotógrafo. El propósito de la composición es mejorar la expresividad de la imagen, expresar mejor el contenido de la imagen, hacer que el tema sea claro y la forma novedosa y única.
(5) Ritmo. El ritmo de una película es causado por varios factores que constituyen su movimiento, como la duración de los cambios de tiempo y espacio, la velocidad, la fuerza y las leyes del movimiento y la quietud. Sin embargo, este problema no debe ser visto superficialmente. De ninguna manera está compuesto de factores formales, sino que es el resultado de la acción simultánea de muchos factores de esencia interna y fenómenos externos. El ritmo de la película está relacionado con el contenido y los factores de forma de la película, está restringido por ellos, está compuesto por ellos y cambia con sus cambios. Si quieres dejar estos y buscar un ritmo puro pero abstracto, no podrás conseguirlo. Richter dijo: "Crear el ritmo de objetos comunes en el tiempo y el espacio muestra la belleza de sus formas". Y esta "belleza de las formas" es una expresión de ritmo.
Cómo aprender a ser ilustrador por tu cuenta
Las sugerencias para el autoestudio como ilustrador son las siguientes:
En primer lugar, debes estar familiarizado con el software que deseas utilizar. Puede encontrar muchos tutoriales sobre este software en Internet y puede inscribirse en algunas clases en línea. No es necesario que sea caro comprar una tableta pintada a mano. Compre una barata pintada a mano. La sensación de estar pintada a mano y pintada con el ratón es diferente. Puede experimentar los trazos y la fuerza de la tableta pintada a mano. tú mismo. Para imitar, primero puedes encontrar algunas ilustraciones simples para copiar. Después de lograr un efecto satisfactorio, puedes encontrar algunas ilustraciones relativamente difíciles que te gusten y practiques.
Cuando la pintura esté casi terminada, puedes agregar lentamente tus propias ideas y concebir para completar tu propia creación independiente. Normalmente leo más trabajos de ilustración, aprendo técnicas de pintura de otras personas y las ejercito para fortalecerme. La persistencia es la victoria y el éxito es un proceso largo y difícil.
Ilustrador:
Un ilustrador es una persona que realiza ilustraciones como profesión. Su trabajo principal incluye el dibujo para libros, revistas, periódicos, manuales de instrucciones, novelas, libros de texto y otras publicaciones. Ilustraciones, portadas, y también se dedica a pintar tarjetas de felicitación, carteles, anuncios, aerosoles, cuadros de humor, etc.
Ilustrador es un término relativamente general: entre ellos se encuentran ilustradores de la industria editorial de medios, ilustradores infantiles y autores de cómics. Las obras de algunos autores de cómics chinos se han publicado en mercados extranjeros como Europa y China. se han convertido en parte de la cultura china. Hay pioneros en la producción; también hay ilustradores realistas para la industria publicitaria y luego están los diseñadores de mascotas de dibujos animados.
Existe una gran demanda de diseñadores ilustradores de juegos, cine y televisión. Al igual que en la industria de los juegos, cada trabajo de cine y televisión también requerirá una gran cantidad de trabajo de dibujo de guiones gráficos y diseño de escenas. demanda.