Los antecedentes de la creación pictórica del Renacimiento y sus figuras representativas
El Renacimiento se refiere a un período histórico importante en la historia del desarrollo cultural y artístico de los países de Europa occidental y central desde el siglo XIV al XVI. Es el segundo pico en la historia cultural europea después de las antiguas Grecia y Roma. El significado original del Renacimiento fue el resurgimiento del arte y la literatura bajo la influencia de las normas clásicas. Sus cambios se basan en el cuidado, el respeto y una cosmovisión centrada en las personas. Esta cosmovisión se estableció en el siglo XIV mediante el redescubrimiento de la literatura y el arte antiguos por parte de una serie de científicos, pensadores y escritores. En ese momento, la gente descubrió la importancia de la naturaleza y el valor del cuerpo humano a partir de documentos antiguos, lo que condujo a su descubrimiento. para marcar la diferencia entre los humanos y la naturaleza. Se ha publicado una nueva calificación. De hecho, la importancia del Renacimiento como gran punto de inflexión en la historia europea es mucho más amplia. El surgimiento del humanismo afirma que los seres humanos son los creadores o dueños de la vida. Exigieron que la literatura y el arte expresaran los pensamientos y sentimientos de las personas, que la ciencia beneficiara la vida, que la educación desarrollara la personalidad de las personas, que los pensamientos, los sentimientos y la sabiduría se liberaran de las cadenas de la autoridad divina y que se defendiera la libertad individual contra la dependencia personal. El arte renacentista se desarrolló sobre esta base.
2. El Renacimiento temprano en Italia
En los primeros tres cuartos del siglo XV, los artistas italianos del Renacimiento temprano rompieron con las normas medievales y se basaron en la racionalidad y el conocimiento científico para intentar crear. arte en los primeros tres cuartos del siglo XV. Abre una nueva situación, permitiendo que imágenes y escenas vívidas se reflejen en obras de arte y lo conviertan en un arte reproducible. En el campo de la pintura, exploraron e hicieron todo lo posible para que el plano bidimensional tuviera una sensación de espacio tridimensional y que las actividades de los personajes fueran tridimensionales, para lograr el efecto de ilusión perseguido por los antiguos griegos y Dejemos que la gente considere el arte como una representación de la vida real y como algo que se puede sentir, fundir y conocer. La práctica comenzó en Florencia y gradualmente se extendió por toda Italia. Encarna el nuevo espíritu, se adapta a las exigencias de la época y allana el camino para la llegada del apogeo del Renacimiento.
(1) Arte del Renacimiento temprano en Florencia
A través de las siguientes figuras y obras representativas, podemos ver las características del arte del Renacimiento temprano en Florencia:
Respuesta : Ghiberti
Ghiberti (1378-1455) es una figura que encarna la transición del arte gótico al arte renacentista. Tiene talento y sus actividades creativas abarcan diferentes campos, pero su mayor logro es el campo de la escultura. La obra representativa "Puerta del Paraíso" (1424-1452) es un relieve de bronce en la puerta del Baptisterio de Florencia. Basándose en técnicas de pintura, se utilizan puntos elevados de diferentes alturas para dar forma fina a las formas y rostros de los personajes individuales. Se utiliza la perspectiva para reproducir la posición de los personajes y la profundidad del entorno espacial; Algunos hermosos estilos góticos internacionales todavía se conservan en el tratamiento de los movimientos de los personajes y los patrones de vestimenta.
b: Brunelleschi
Filippo Brunelleschi (1377-1446) hizo grandes contribuciones al ser pionero en nuevos caminos y nuevos estilos. Es un hombre de muchos talentos. Inicialmente se dedicó a la creación de esculturas y artesanías en oro y plata, y fue uno de los grandes representantes de la arquitectura renacentista. Combinó creativamente formas arquitectónicas romanas antiguas con estructuras góticas. La iglesia sobre el pedestal se destaca claramente entre la multitud, solemne, ligera y elegante, con un fuerte atractivo visual. Brunelleschi quería basar el diseño arquitectónico en las ciencias matemáticas y consideraba la proporción y la armonía como la esencia de la arquitectura clásica. Utilizó el vocabulario de la arquitectura clásica para lograr un efecto brillante, simple, elegante y armonioso, dando al edificio una belleza racional. Hizo una contribución inconmensurable al desarrollo de la pintura. Los resultados de su investigación en perspectiva online proporcionan una base científica para nuevas creaciones pictóricas. Crear la ilusión de un espacio real con la ayuda de la perspectiva lineal fue la gran ambición y el logro sobresaliente de los pintores del Renacimiento italiano.
Director: Donatello
Donatello (1386-1466) fue la primera generación de artistas italianos del Renacimiento temprano y el escultor más destacado del siglo XV. Se puede decir que su admiración y referencia por el arte clásico son las mismas características de los artistas italianos durante el Renacimiento. Donatello creó a lo largo de su vida una gran cantidad de esculturas dinámicas, solemnes y tranquilas. Obras representativas: "David" (hacia 1430-1432) es la primera obra que revive la antigua tradición de las estatuas desnudas. Donatello utilizó los métodos de composición correspondientes creados por los antiguos griegos para mostrar a la gente la imagen de un adolescente con proporciones y estructura precisas. Este personaje bíblico ya no es un símbolo conceptual, sino una vida viva de carne y hueso.
Estatua de San Jorge (1415-1417) y Estatua Ecuestre de Tamela (1445-1450).
Masaccio
Masaccio (Masaccio, ¿1401-1428?) fue una figura clave y con gran influencia en el desarrollo de la pintura renacentista. En su creación, se deshizo por completo del estilo elegante y el significado decorativo de la pintura del gótico tardío y dio máxima prioridad a la creación de imágenes reales y espacios reales.
Obra representativa: Pago de impuestos (1425-1428) es un gran mural que representa temas religiosos (los murales eran un estilo de pintura muy popular en Italia en ese momento). Los diferentes personajes y las diferentes escenas son todos reales y llenos de volumen. Las expresiones y movimientos de los personajes se describen desde la perspectiva de mostrar sus diferentes relaciones y estados psicológicos. En esos entornos arquitectónicos y naturales que se ajustan a las leyes de la perspectiva lineal, los personajes se sientan en sus lugares, como escenas reales de la vida. No existe ninguna pintura gótica internacional que enfatice la disposición decorativa del cuadro y persiga líneas elegantes y sombras de color. La figura regordeta puede resultar un poco incómoda, pero es real. El ritmo lineal de la forma refuerza la monumentalidad del mural. Verdaderas y espectaculares, estas son las características del arte de Masaccio
Alberti
Leon Battista Alberti (1404-1472), un famoso humanista. El autor es el típico polifacético. Concede gran importancia al papel de las matemáticas en las bellas artes. Preocuparse por cuestiones teóricas y considerar el arte no como una pura habilidad sino como una manifestación de sabiduría, esta era una actitud común entre los artistas del Renacimiento. Escribió obras sobre pintura, escultura y arquitectura, y sus diez libros de arquitectura publicados en 1485 tuvieron una influencia considerable en el desarrollo de la arquitectura renacentista. Se puede decir que la preferencia por las formas geométricas como cuadrados y círculos es una característica de esta época y también de su propio arte.
②Arte del Primer Renacimiento en otras zonas de Italia.
Florencia tiene un innegable papel importante en el desarrollo del Nuevo Arte, pero algunos artistas destacados también han surgido en otras ciudades del centro y norte de Italia, y también han contribuido a ampliar los logros y la influencia del Nuevo Arte. Arte. Un gran aporte.
Francesca
Francesca (1416?-1492) es la figura más famosa dedicada a las actividades creativas en la ciudad del centro de Italia. Este pintor explorador también concedió gran importancia a la perspectiva y la utilizó como base para pintar. Escribió "Perspectiva en la pintura" (1482). En su serie de pinturas religiosas, las figuras geométricas permanecen tranquilas en ambientes arquitectónicos y naturales que cumplen estrictamente con las leyes de la perspectiva, y los colores brillantes crean una atmósfera luminosa solemne.
Obras representativas: “La Leyenda de la Vera Cruz” (1452-1464), “La Flagelación de Cristo” (hacia 1456-57).
B: ¿Giovanni? Bellini
¿Giovanni? Bellini (alrededor de 1429-1516) fue el pintor más destacado de Venecia en el siglo XV. Se puede decir que con él comenzó la famosa Escuela de pintura veneciana en la historia del arte. A diferencia de los pintores florentinos que enfatizaban el modelado de líneas y la gestión de la composición, Giovanni? Bellini era un pintor al que se le daba bien utilizar el color.
Obra representativa: El Éxtasis de San Francisco de Asís (hacia 1485) El paisaje ocupa la mayor parte del cuadro, todo está bañado por la luz del sol y los maravillosos colores parecen brillar. El uso de escenas naturales para realzar la atmósfera se convirtió más tarde en una de las características básicas de los pintores venecianos.
c: Mesina
Mesina (alrededor de 1430-1479). Hizo una gran contribución al retrato. Los retratos del Renacimiento temprano se ven a menudo de perfil completo, pero cambió el tema a un perfil de tres cuartos para que la figura de la pintura mire fijamente al espectador. Esta forma más natural y amigable se convirtió más tarde en el modo más popular de pintar retratos. Las obras de Messina tienen pinceladas suaves, colores brillantes y una concepción artística tranquila.
Obra representativa: Martirio de San Sebastián (hacia 1475-1477).
3. El arte renacentista italiano en su apogeo
El primer cuarto del siglo XVI en Italia fue un período de tensión política y guerra casi constante. Fue durante este período de extrema agitación que se formó el floreciente arte renacentista. Se trata de un concepto claro y noble, un arte grande y sobrio, en definitiva, un arte clásicamente equilibrado. Tres artistas destacados del Renacimiento: el famoso artista Da? Vinci (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564), Rafael (1483-1520).
Cada uno de ellos era un individualista destacado y, aunque hubo chispas de inspiración entre ellos, nunca formaron un grupo. Los tres lograron extraordinarios logros técnicos y una perfecta coordinación de mente, ojos y manos. Las dificultades de los primeros artistas se resolvieron sin mucho esfuerzo. La forma artística de sus obras siempre muestra bellamente un contenido racional. Durante el apogeo del Renacimiento, Da? Un grupo de artistas representados por Vinci, Miguel Ángel y Rafael mejoraron aún más la exploración italiana en el siglo XV, unificando perfectamente razón y emoción, realidad e ideales en las obras de arte, y haciendo que la relación entre forma y espacio fuera altamente armoniosa, estableciendo así. un estilo clásico para el arte replicable y que proporciona el mejor ejemplo para las generaciones futuras. En el desarrollo futuro del arte occidental, siento todo el tiempo su poderosa influencia. Ya sea que lo elogies o lo niegues, todo es porque eres consciente de su existencia. A través de la introducción y las obras de estos artistas, podrás ver el apogeo del arte del Renacimiento italiano.
(l): ¿Gundam? Pinzones
Da? Leonardo da Vinci (1452-1519) nació en la ciudad de Vinci. Quizás nunca en la historia de la humanidad haya logrado esto. Un tipo completo como Finch. Increíblemente, se ha expandido a una amplia variedad de campos y ha logrado un gran éxito. El arte es sólo una de sus formas de entender el mundo. No le llevó todo su tiempo y energía, pero logró resultados sorprendentes en esta área. La introducción del conocimiento de las ciencias naturales en las bellas artes fue una importante contribución de los italianos en el siglo XV. Fincher continuó esta tradición y la mejoró enormemente.
Obra representativa: "La Última Cena" (alrededor de 1495-1498) es famosa por su composición perfecta, forma y espacio armoniosos, rica descripción psicológica y profunda naturaleza humana, que muestra la belleza clásica. Mona. ¿Lisa (alrededor de 1503-1506)? Finch pintó este busto durante varios años. Trató a la esposa del empresario de una manera que naturalmente cruzaba las manos y giraba el cuerpo y la cabeza en diversos grados, lo que no sólo supera la monotonía sino que también parece tranquilo. Mona. La sonrisa misteriosa y de carne y hueso de Lisa, combinada con el fondo distante de las montañas y ríos chinos, deja un espacio ilimitado para la imaginación y permite a las generaciones futuras hacer diferentes interpretaciones. Este sentimiento, tan complejo y rico como la vida real, es una cualidad que caracteriza las mejores obras de la literatura y sienta el modelo de los bustos para la posteridad.
(2): Miguel Ángel
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), el mayor escultor de Occidente. Si bien estaba comprometido con la comprensión de los logros de los antiguos, también estaba comprometido con la disección del cuerpo humano y el estudio de su estructura y movimiento, lo que lo convirtió en uno de los artistas que dio pleno juego al poder expresivo del cuerpo humano. ¿Diferente de la belleza llena de profunda sabiduría? El arte de Vinci y la obra de Miguel Ángel son conocidos por su poder e impulso, tienen una cualidad heroica. Quizás sea el artista más cercano al reino de Beethoven. En sus esculturas y pinturas destacan majestuosas imágenes de gigantes, e incluso sus figuras femeninas son valientes, como si se tratara de las míticas mujeres amazónicas.
Obras representativas: La estatua de David (1501-1504) es la obra maestra inmortal más familiar de la historia del arte, y también es la obra que demuestra más vívidamente las características del arte italiano durante el apogeo del el Renacimiento. Al tallar la imagen de David en una piedra preciosa abandonada hace mucho tiempo, realmente realizó su ideal de liberar vida de la piedra, tallando este coloso heroico perfecto con habilidad soberbia y gran confianza.
(3) Rafael
Rafael Sanzio (1483-1520) siempre ha sido considerado la encarnación más perfecta del espíritu del arte clásico. Ángel lo llamó el mayor dios de la pintura. . Rafael es el maestro que mejor da forma a la imagen de la Virgen en la historia del arte occidental. Su serie de estatuas de la Virgen unifican armoniosamente la belleza perceptiva y la belleza espiritual, transmitiendo así los hermosos deseos y las emociones eternas de los seres humanos. La accesibilidad y la afabilidad son las mayores características de las obras de Rafael. En sus obras, el conocimiento profundo y la deliberación meticulosa se integran en el mundo artístico relajado compuesto de líneas suaves. Todo parece ser una expresión natural de la naturaleza y una voz natural. Puras y hermosas, solemnes y naturales, brillantes y claras, armoniosas y concisas, estas cualidades más importantes del arte clásico están encarnadas más vívidamente en Rafael. Por lo tanto, aquellos artistas que admiran la moda clásica lo consideran un modelo ideal. Como dijo Reynolds: Él mismo se convirtió en el modelo para todos los pintores posteriores.
Obra representativa: “El Hermoso Jardinero” (hacia 1606) Rafael utilizó líneas redondas y suaves para integrar armoniosamente las bellas imágenes de la Virgen, Jesús y San Juan, creando un mundo lleno de humanidad y felicidad. bondad. El mundo de Dios. Este mundo está lejos del espíritu de la Edad Media y su pureza, claridad, sencillez y encanto natural se acercan más al espíritu de Grecia.
(4): Tiziano y los destacados representantes de la Escuela Veneciana.
En el desarrollo del arte renacentista italiano, Florencia y Roma jugaron un papel muy importante. La mayoría de los artistas del siglo XV vivieron en estas dos ciudades. Otras ciudades, como Venecia en el norte de Italia, alguna vez fueron centros de comercio entre Oriente y Occidente. Sus sistemas políticos y políticos, así como su atmósfera empresarial, hacen que su vida social esté llena de fuertes colores seculares y emociones alegres. En esta situación única, el arte veneciano también presentó una mirada única, diferente de Florencia y Roma. Sus pinturas dan pleno juego al poder expresivo del color lleno de encanto sensual, muy diferente de las pinturas florentinas y romanas que enfatizan las líneas y los bocetos.
Respuesta: Tiziano
En su larga vida, Tiziano (1488/90-1576) se convirtió en un maestro de la pintura veneciana con sus ricas creaciones. En la práctica, creó un estilo lleno de alegría, energía y grandeza. ¿Convertirse en Yu Da? Vinci, Miguel Ángel y Rafael juntos simbolizan los principales representantes de los gloriosos logros del arte italiano durante el apogeo del Renacimiento.
En la obra representativa "Cristo con corona de espinas" (hacia 1570), los pintores venecianos son famosos por su buen uso del color, y el principal factor que constituye el encanto de sus obras es el color. Ésta es la diferencia entre un artista florentino y un artista veneciano. Esta diferencia a menudo permite a las generaciones posteriores de pintores al óleo obtener inspiración técnica de las obras de pintores venecianos como Tiziano. La pintura al óleo, una forma que puede expresar la luz y el color, fue perfeccionada en Italia por Tiziano y otros. En las últimas obras de Tiziano se desarrollaron plenamente las características del lenguaje pictórico al óleo. Al crear, utiliza trazos amplios y atrevidos para pintar diferentes colores y los utiliza para dar forma a la forma y realzar el impulso. Aquí no hay formas y líneas claras, ni la atmósfera brillante y alegre de sus trabajos anteriores. La configuración de colores rica y solemne se ha convertido en un arma poderosa para expresar fuertes emociones trágicas. En esta pintura, que demuestra las magníficas habilidades de Tiziano para pintar al óleo, podemos ver el desarrollo y los cambios de su espíritu y lenguaje.
(5) Artistas de otras regiones
A: Sarto
Sato (1486-1530) nombre real Andrea? ¿Dagna? Di? Frances Co. Después de que los tres maestros del Renacimiento abandonaran Florencia, Sarto se convirtió en el pintor más famoso de la ciudad. Sarto era un pintor que sabía modelar y utilizar la luz. Sus magníficas habilidades le valieron el título de pintor consumado.
La obra representativa es el retablo “La Virgen de Habib” (1517). La solemne composición clásica y la elegante imagen tienen las características del apogeo del arte renacentista, pero tienen diferentes significados en el tratamiento de la luz.
4. Arte manierista
Da? La gran cantidad de brillantes obras de arte creadas por maestros como Vinci, Miguel Ángel, Rafael y otros son el ejemplo perfecto. A los ojos de la gente, son las encarnaciones más ideales y perfectas, y los artistas posteriores no pueden evitar sentir los cambios al enfrentarlos. Algunos jóvenes artistas italianos se inspiraron en las creaciones de Miguel Ángel y Rafael y trataron de imitar y desarrollar sus estilos independientemente del espíritu inherente de las obras. Otros, más talentosos y ambiciosos, apuestan por cambios e innovaciones en el lenguaje formal y se centran en mostrar sus propias características en sus obras. En general, sus creaciones se desviaron de los ideales y principios básicos del apogeo del arte renacentista, abandonando su estilo artístico natural, armonioso y sencillo. Persiguieron un estilo con imágenes únicas y un fuerte sentido de la forma. Las obras que producen a menudo tienen un sabor deliberadamente elaborado, frío y distante, y son bastante subjetivas e imaginativas. Pero para personas con gustos únicos, resulta bastante atractivo. Este fenómeno artístico se hizo popular después del Renacimiento y antes de la época del Barroco. Los historiadores lo llamaron arte manierista. Los chinos también lo tradujeron al arte manierista o manierista según los idiomas occidentales. Florencia es la cuna y el centro más importante del arte manierista. Bajo Sarto aparecieron Pontormo y Russell, los primeros representantes del manierismo.
(1) Pandormo
Pandormo (1494-1557) ¿De quién es el verdadero nombre de Jacob? Carlucci tiene un estilo personal distinto y sus obras muestran más factores nuevos.
En la obra representativa "La Cruz de Cristo" (hacia 1526-1528), las figuras que llenan la imagen son casi planas en primer plano. Estas figuras suaves y de colores claros parecen flotar en el vacío, sin una sensación real de espacio como las nubes. Carecen de volumen y peso, como finos recortes de papel. Toda la imagen está llena de un sentimiento de ensueño y un significado poco realista.
(2) Russell
Inocente octavo Rosso Florentino (1495-1540) fue un pintor talentoso y único. Russell trabajó en Francia por invitación del rey Francisco I, que amaba el arte italiano, dejando así el manierismo en Fontainebleau e influyendo en la cara del arte francés.
Aunque la obra representativa “La Cruz de Cristo” (1521) tiene la misma temática que la famosa obra de Pandor Mo mencionada anteriormente, tienen sus propias características. Cruces geométricas, escaleras y formas angulosas y contundentes forman un mundo pictórico estancado. Todos los personajes de la imagen permanecen allí, como si hubieran sido encantados, dando a la gente una sensación extraña y aterradora, fortaleciendo así el significado trágico de la obra.
(3) Bronzino
El pintor florentino Angollo Bronzino (1503-1572) fue una figura representativa del apogeo del manierismo. Desarrolló su propio estilo bajo la tutela de Pandora Mo. Sus obras son famosas por su delicada pincelada, frías emociones y colores deslumbrantes.
Obras representativas: Heleno La de Toledo y su hijo Giovanni? ¿Virtud? Medici (c. 1550) es un ejemplo perfecto de su estilo pictórico. El fondo azul oscuro realza las figuras fijas con ropas preciosas. La noble dama es muy delicadamente indiferente, como una figura de porcelana, con un estilo fresco y elegante.
5. El arte renacentista fuera de Italia
El Renacimiento europeo se originó en Italia. Bajo su influencia, el Renacimiento también brotó en los países de Europa occidental. Debido a diferencias geográficas, históricas, tradiciones populares y otros factores, el arte de estos países está influenciado por la tradición del arte gótico medieval y tiene una fuerte atmósfera religiosa. El espíritu del Renacimiento se refleja más aquí en la descripción de las costumbres seculares. Al mismo tiempo, en comparación con Italia, sus obras artísticas carecen del impulso majestuoso exclusivo del arte renacentista italiano, pero los Países Bajos, Alemania, Francia, España y otros departamentos han hecho sus propias contribuciones al desarrollo del arte renacentista europeo.
(1) Arte renacentista holandés
La palabra Países Bajos significa tierra baja y las áreas a las que se refiere generalmente incluyen los Países Bajos, Bélgica, Luxemburgo y el noreste de Francia. Las actividades artísticas en los Países Bajos estuvieron inicialmente estrechamente asociadas con Francia. En el siglo XIV d.C., la corte francesa empleó a muchos artistas de los Países Bajos. No sólo trajeron el estilo artístico holandés a Francia, sino que también aceptaron la influencia del estilo artístico italiano popular en Francia. Después de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), la capital de Blantyre se trasladó a Flandes, donde el arte renacentista holandés comenzó a desarrollarse en el proceso de transformación y desarrollo del arte gótico tardío, obra de artistas holandeses del siglo XIV. Área principal de actividad. Allí decoraron iglesias, palacios y edificios municipales con pinturas y esculturas, pero la mayoría de estas obras fueron destruidas y quedan muy pocos. A finales del siglo XIV apareció en los Países Bajos el famoso escultor Slote (hacia 135/1360-1405). No hay forma de verificar su vida y sus primeras actividades artísticas, pero la exquisita escultura "El Pozo de Moisés" que creó para la Abadía de Dijon fue elogiada por las generaciones posteriores por su magnífica capacidad de realismo. El Pozo de Moisés fue escrito entre 1395-1403. Originalmente era la base de una enorme cruz, de forma hexagonal, decorada a cada lado con una estatua del profeta de tamaño gigantesco. Entre ellos estaban Moisés, que guardaba los mandamientos, David, que era alto y majestuoso, e Isaías, que era calvo. Estos personajes y estatuas tienen personalidades distintas y sus técnicas artísticas son simples y realistas. La figura regordeta y fuerte y las líneas suaves y elegantes la convirtieron en una obra maestra del arte escultórico holandés y tuvo una fuerte influencia en el arte de la pintura. ¿Quién fue el fundador original del arte renacentista holandés? Los hermanos Ecker. Su pintura "Retablo de Gante" (1415-1433) es una famosa obra representativa del arte del Renacimiento holandés temprano.
②Arte renacentista alemán
El arte renacentista alemán se originó en el siglo XV y quedó por detrás del arte italiano y holandés del mismo período. Esto se debió principalmente a que Alemania todavía se encontraba en un estado de separatismo feudal en ese momento, el débil poder real no pudo brindar una protección fuerte a estas ciudades extremadamente dispersas, y el arte gótico todavía ocupaba una posición dominante. De 1420 a 1540, se produjo el Renacimiento en Alemania y algunas ciudades económicamente desarrolladas se convirtieron en centros de escuelas de arte locales. Las pinturas y esculturas del Renacimiento alemán temprano fueron influenciadas por algunos factores del arte gótico tardío, y los retablos religiosos estaban más desarrollados. En las iglesias solemnes se colocan retablos únicos o múltiples pintados sobre tablas de madera para agregar una atmósfera solemne. Desde mediados del siglo XV, los artistas alemanes se preocupan por el entorno de vida de las personas. Les gusta representar el entorno natural y enfatizar el realismo en el modelado de los personajes. Un ejemplo de ello es el pintor KonradWitz (c. 1414-1446). Su "Cristo en el mar" (también conocido como "El milagro de la pesca") representa la escena real del lago de Constanza. Aunque es un tema religioso tradicional, la imagen es muy vívida y natural. En este período también hubo artistas famosos, como Martin Schöngol (1445/1450-1491), a quien se puede considerar el pionero del arte renacentista alemán. Hay que decir que el logro más destacado del arte renacentista alemán fue el grabado. un impacto importante en el arte de toda Europa tuvo un impacto positivo. Entre los primeros pintores famosos, los grabados de Schengauer estuvieron a la vanguardia. Su sucesor, el maestro del Renacimiento alemán Durero, desarrolló y perfeccionó aún más el grabado. El pintor más destacado de la segunda generación del Renacimiento alemán fue Han Solbein el Joven (alrededor de 1497-1543). Estudió arte con su padre en sus primeros años y tuvo amplios contactos con humanistas. El estilo artístico de Holbein es conocido por su tranquila objetividad. Su gran número de retratos registran con precisión la apariencia y las características psicológicas de varios personajes del siglo XVI. La estatua de Erasmo en el Louvre (c. 1523) es una obra maestra de su retrato. El autor manejó cuidadosamente la relación entre la luz y la oscuridad en la imagen, centrándose en los rostros, las manos y los manuscritos de los personajes de la pintura, revelando el estilo de un sabio estudioso de las humanidades. Los bocetos de Holbein también son excelentes, con líneas simples pero perfectas. Aunque casi no hay sombras, puede expresar completamente el volumen y la textura. Después de 1532, el pintor se instaló en Londres y se convirtió en pintor de la corte del rey Enrique VIII de Inglaterra, contribuyendo al desarrollo de la pintura británica.
③Arte del Renacimiento francés
Después de la Guerra de los Cien Años, Francia recuperó los territorios ocupados por los británicos, formando una situación unificada y creando las condiciones para el desarrollo de la cultura nacional. El Valle del Loira es la cuna de la arquitectura palaciega francesa. El rey Carlos VIII de Francia, Luis XII de Francia y Francisco I construyeron allí un gran número de residencias nobles y cotos de caza. Entre los más famosos se encuentran Chenon Suofu y el Palacio de Chambord. Estos lujosos edificios son una combinación de nuevos estilos y tradiciones antiguas. A partir de la década de 1930, artistas italianos llegaron a Francia para participar en la construcción de Fontainebleau, llevando la arquitectura renacentista francesa a una nueva etapa de desarrollo. En 1530, el pintor manierista italiano Russell llegó a Fontainebleau para realizar trabajos de decoración. Para adaptarse al gusto de la corte francesa, el estilo pictórico de Rosseau cambió un poco. El cuerpo humano sigue siendo alargado y la imagen es particularmente delicada y hermosa. Escultores y pintores locales, liderados por él y otros pintores manieristas italianos, decoraron el Palacio de Fontainebleau, formando gradualmente la Escuela Fontainebleau. Esta escuela creó un nuevo efecto decorativo que combinaba el alto relieve de yeso con la pintura, persiguiendo la elegancia y el encanto. Tomemos como ejemplo la famosa Galería François I, donde las figuras en alto relieve que rodean la pintura parecen saltar de las paredes. Además, los patrones decorativos envueltos alrededor del marco como si fueran cuero también fueron iniciados por ellos y luego se hicieron muy populares en toda Europa. La pintura y la escultura del Renacimiento francés tuvieron un comienzo tardío. Jane Fouquet (aproximadamente 1420-1477), una famosa pintora francesa del siglo XV, fue el orgullo de la pintura francesa temprana y tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior del arte francés. Fouquet fue un artista polifacético. Sus obras incluyen óleos, superficies finas, esmaltes y algunos dibujos. La Virgen y el Niño en "Las dos caras de Mullen" (hacia 1450) es su obra importante. El retrato francés ocupa una posición destacada en el siglo XVI, y entre los pintores famosos se encuentran Chloë y su hijo. simple. Cloy (ca. 1485/90-ca. 1540/41) fue un pintor llamado Jean Clouet y cortesano de Francisco I. Pintó a muchos dignatarios y celebridades de la época. "La estatua de Francisco I" (alrededor de 1525-30) es su obra de mayor éxito.
¿Su hijo Francisco? Cloue (ca. 1510-1572) también fue un retratista popular en la corte. "Retrato de Isabel de Austria" (1571) es su mejor obra. Se puede ver en las obras de Chloe y su hijo que son hábiles en la pintura y buenos para capturar las expresiones y expresar las personalidades de los personajes, que también es el punto fuerte de los retratistas franceses. Los principales representantes de la escultura son Gujon y Pilong (alrededor de 1525-1590). La obra representativa de Goujon son los seis relieves "Diosa del agua en el bosque" (1549) que creó para la Primavera de París. La obra está basada en la mitología griega antigua y Gujon representa la postura ligera del dios con exquisita habilidad. Los personajes están llenos de energía y, aunque el espacio de la composición es pequeño, no hay sensación de moderación. El manejo por parte del escultor de las líneas de ropa es muy natural y suave, mostrando perfectamente el encanto de las mujeres, y todo el relieve está lleno de un fresco sabor clásico.
④Arte del Renacimiento Español
El arte del Renacimiento español apareció por primera vez en Cataluña y Valencia. En el siglo XV, los brotes del capitalismo aparecieron antes en estas dos regiones, y tuvieron estrechos intercambios artísticos con Italia y los Países Bajos. Pero es el famoso pintor El? quien verdaderamente representa la cima más alta del arte renacentista español. El Greco (El Greco, 1541-1614). Como la Sagrada Familia y la Natividad de Cristo. Greer fue un pintor controvertido. Utiliza el color y la luz como principales medios de expresión. Las figuras alargadas están nerviosas e inquietas, reflejando la mentalidad melancólica de la aristocracia en decadencia. Su grandeza también reside en revelar las contradicciones sociales y comprender la crisis de España con la aguda visión de un filósofo. El arte de Greco no ha sido reconocido por los historiadores del arte durante mucho tiempo. No fue hasta principios de este siglo que la gente comenzó a reestudiar a este maestro, descubriendo cada vez más el encanto de su estilo pictórico único, y lo consideraron como el mayor representante del manierismo.