¿Qué caricatura es?
No entiendo~
Deberías referirte a: ¿Qué es una caricatura? O ¿Qué es una caricatura? ¿Bar?
La animación es una categoría de arte integral, un producto de los seres humanos que buscan la liberación espiritual en la sociedad industrial. Integra muchas categorías de arte como pintura, cómics, películas, medios digitales, fotografía, música y manifestaciones literarias. .
La animación en inglés incluye: animación, caricatura, caricatura animada, cámara. Entre ellos, la palabra más formal "Animación" proviene de la raíz latina anima, que significa alma; el verbo animar significa dar vida, que se extiende al significado de hacer que algo cobre vida. Por lo tanto, la animación puede explicarse como hacer que algo originalmente inanimado se mueva como si estuviera vivo gracias a la disposición del creador.
Al principio, la animación se llamaba película artística en China; ahora, en general, se la llama película de dibujos animados a nivel internacional.
Luru+C.C. La animación es un arte de fantasía, que facilita la expresión y expresión intuitiva de las emociones de las personas. Puede convertir lo que es imposible de ver en realidad y expandir la imaginación y la creatividad humana.
En un sentido amplio, la animación es la transformación de algunas cosas originalmente inactivas en imágenes móviles mediante la producción y proyección de películas. El nombre chino para "animación" debería decirse que proviene de Japón. Antes y después de la Segunda Guerra Mundial, Japón llamaba "animación" a las obras de cómic dibujadas con una sola línea.
La animación es una imagen que crea cambios continuos en la visión segmentando las expresiones, movimientos, cambios, etc., de personas y objetos en muchos cuadros, y luego usando una cámara para filmar continuamente una serie de cuadros. Sus principios básicos son los mismos que los del cine y la televisión, que son principios visuales. La ciencia médica ha demostrado que los humanos tienen la característica de "persistencia de la visión", lo que significa que después de que los ojos humanos ven una pintura o un objeto, no desaparece en 0,1 segundos. Usando este principio, reproducir la siguiente imagen antes de que desaparezca una imagen creará un efecto de cambio visual suave. Por lo tanto, las películas se graban y reproducen a una velocidad de 24 fotogramas por segundo, y los televisores se graban y reproducen a una velocidad de 25 fotogramas por segundo (sistema PAL, que utiliza la televisión china) o 30 fotogramas (sistema NTSC). Si dispara y reproduce a una velocidad inferior a 10 fotogramas por segundo, se producirán pausas.
La forma de definir la animación no son los materiales utilizados ni la forma de creación, sino si la obra se ajusta a la esencia de la animación. Hoy en día, los medios de animación han incluido varias formas, pero no importa cuál, tienen algunas similitudes específicas: las imágenes se graban cuadro por cuadro en forma de película, cintas de video o información digital, además, las imágenes son "movimiento"; creó una ilusión, no algo que existe en primer lugar.
La animación se ha desarrollado hasta la actualidad y se divide en dos tipos: animación bidimensional y animación tridimensional. La animación bidimensional se produce mediante software como flash, mientras que la animación tridimensional se produce. producido principalmente usando maya o 3D MAX. En particular, Maya, un software de producción de animación 3D, ha provocado una locura por la animación 3D y la producción cinematográfica en el país y en el extranjero en los últimos años, y han surgido una gran cantidad de excelentes e impactantes películas de animación 3D, como "Toy Story", " Buscando a Nemo", "Los Increíbles", "Shrek", "Transformers", "Kung Fu Panda", etc.
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Clasificación de animaciones
No existen reglas determinadas para la clasificación de animaciones. Desde la perspectiva de la tecnología y los medios de producción, la animación se puede dividir en animación tradicional basada en dibujo manual y animación por computadora basada en computadora. La animación, que se distingue por la expresión de los movimientos, se puede dividir a grandes rasgos en "animación perfecta" (televisión animada), que se acerca a los movimientos naturales, y "animación limitada" (animación de diapositivas), que utiliza movimientos simplificados y exagerados. Desde la perspectiva de los efectos visuales espaciales, se puede dividir en animación bidimensional (como "Dragon Ball" y "Slam Dunk") y animación tridimensional (como "Final Fantasy"). Desde la perspectiva de los efectos de reproducción, también se puede dividir en animación secuencial (acciones continuas) y animación interactiva (acciones repetidas). En cuanto al número de fotogramas por segundo, hay animación completa (24 fotogramas por segundo, animación de Disney) y semianimación (menos de 24 fotogramas, animación de tercera categoría). Para ahorrar dinero, las empresas de animación chinas suelen utilizarla. Semianimación.
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Una breve historia de la animación
Análisis de un bisonte corriendo en una cueva de la Edad de Piedra hace 25.000 años, un intento de los humanos de capturar el movimiento. La primera evidencia es una imagen que combina acciones que ocurren en diferentes momentos al mismo tiempo. Este concepto de "simultaneidad" muestra indirectamente el deseo humano de "moverse". Los cuatro brazos pintados en el Cuerpo humano de proporción áurea de Leonardo da Vinci representan los movimientos hacia arriba y hacia abajo de las manos; en la historia de la pintura china, los artistas tienen la tradición de dar vida a pinturas estáticas, como el vívido encanto defendido en "Seis métodos". " y "Liao Zhai" Los personajes de "El inmortal en la pintura" salen del pergamino, etc. (aunque debes confiar en tu imaginación para compensar la dinámica). Estos conceptos son similares a los de la animación, pero la tecnología para animar los retratos se desarrolló en la lejana Europa.
En 1826, Joseph Plateau inventó el espejo móvil con plataforma giratoria, que era una tarjeta con una hendidura en el borde y un ciclo de dibujos pintados en ella. El espectador sostiene la tarjeta hacia un espejo y mira a través de la rendija mientras la tarjeta gira. El público ve una serie de imágenes cerca de la circunferencia de la tarjeta como una imagen en movimiento.
En 1828, el francés Paul Roquette descubrió por primera vez la persistencia de la visión. Inventó el disco de fotografías. Es un disco por el que se pasa una cuerda o un palo de madera entre sus dos lados. Se dibuja un pájaro en un lado del plato y una jaula vacía en el otro lado. Cuando se gira el disco, el pájaro aparece en la jaula. Esto demuestra que cuando el ojo ve una serie de imágenes, retiene una imagen a la vez.
En 1831, el francés Joseph Antoine Plateau colocó en orden los cuadros pintados en el círculo de una máquina.
La placa del espejo Phenacci podía ser accionada por la máquina. Esta máquina también tiene una ventana de visualización para ver efectos de imágenes en movimiento. Impulsado por la máquina, el disco gira a baja velocidad. Las imágenes del disco también giran con el disco. Mirando a través de la ventana de observación, la imagen parece moverse, formando una imagen en movimiento. Este es el prototipo de la animación original.
En 1906, el estadounidense J. Steward produjo una película cercana al concepto de animación moderna llamada "Humorous Phase of a Funny Face" (Fase humorística de una cara divertida). Después de repetidas reflexiones y deliberaciones, revisó constantemente los dibujos y finalmente completó este cortometraje cercano a la animación.
En 1908, el francés Emile Cohl fue pionero en el uso de películas negativas para producir películas animadas. La llamada película negativa es una película cuya imagen es exactamente opuesta al color real, al igual que los negativos de película comunes de hoy. . El uso de películas negativas para producir animación resuelve conceptualmente el problema de los soportes cinematográficos y sienta las bases para el desarrollo futuro de las películas animadas.
En 1909, el estadounidense Winsor Mccay utilizó 10.000 imágenes para expresar una historia animada, lo que es reconocido como el primer cortometraje de animación decente del mundo hasta el momento. Desde entonces, el nivel de creación y producción de dibujos animados se ha vuelto cada vez más maduro y la gente ha comenzado a producir conscientemente dibujos animados que expresan diversos contenidos.
En 1915, el estadounidense Eerl Hurd creó un nuevo proceso de producción de animación. Primero dibujó dibujos animados en una película plástica y luego filmó las imágenes dibujadas en la película plástica en películas animadas. Este proceso de producción de animación se utiliza desde hace muchos años.
En 1928, el conocido Walt Disney creó la primera animación sonora "Steamboat Willie"; en 1937, creó el primer largometraje de animación en color "Steamboat Willie" Blancanieves y los siete enanitos". Poco a poco impulsó las películas animadas a la cima. Mientras mejoraba el sistema de animación y la tecnología de producción, también vinculó la producción de películas animadas con el valor comercial y es conocido como el padre de la animación comercial. Hasta el día de hoy, la compañía Disney que fundó sigue creando animaciones coloridas para personas de todo el mundo. Se puede decir que es la compañía de animación más grande del siglo XX.
En 1995, Pixar produjo el primer largometraje de animación tridimensional "Toy Story", que revitalizó la industria de la animación.
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Pasos de producción de animación
La producción de animación es un trabajo muy tedioso y pesado, y la división del trabajo es extremadamente detallada. Generalmente se divide en preproducción, mitad de producción, postproducción, etc.
La preproducción también incluye planificación, entorno de trabajo, recaudación de fondos, etc.; la producción incluye guiones gráficos, pintura original, pintura intermedia, animación, coloración, pintura de fondo, fotografía, doblaje, grabación, etc.; la postproducción incluye edición, efectos especiales. , subtítulos, Composición, proyección de prueba, etc. En la animación actual, la incorporación de computadoras ha simplificado la producción de animaciones, por lo que muchas personas en Internet usan FLASH para crear animaciones cortas. Para diferentes personas, el proceso y los métodos de creación de animaciones pueden ser diferentes, pero las reglas básicas son las mismas. El proceso de producción de la animación tradicional se puede dividir en cuatro etapas: planificación general, diseño y producción, creación específica y rodaje y producción. Cada etapa tiene varios pasos:
1. p >1) Guión. El primer paso en cualquier producción cinematográfica es crear un guión, pero el guión de una película animada es muy diferente al guión de un largometraje de acción real. El diálogo en las películas en general es muy importante para la actuación del actor, pero en las películas animadas se deben evitar en la medida de lo posible los diálogos complejos. Lo más importante aquí es utilizar imágenes para expresar acciones visuales. La mejor animación se logra a través de acciones divertidas, en las que no hay diálogo, sino creación visual para estimular la imaginación de las personas.
2) Guión gráfico. Según el guión, el director debe dibujar un boceto de la historia (guión de dibujo) similar a una tira cómica para expresar las acciones descritas en el guión. El guión gráfico se compone de varios fragmentos. Cada fragmento se compone de una serie de escenas. Una escena generalmente se limita a un lugar determinado y a un grupo de personajes, y la escena se puede dividir en una serie de tomas que se consideran unidades de imagen. , construyendo así la estructura general de una caricatura. Mientras el storyboard va dibujando cada sub-plano, se deben explicar en consecuencia las acciones, tiempo de diálogo, instrucciones de fotografía, conexiones de pantalla, etc. que sirven como contenido. Generalmente, para un guión de animación de 30 minutos, si hay alrededor de 400 subtomas, se dibujará un guión de aproximadamente 800 imágenes: un guión gráfico.
3) Calendario de rodaje. Este es un cronograma para toda la producción cinematográfica compilado por el director para guiar a todos los miembros del equipo de creación de animación a trabajar de manera unificada y coordinada.
2. Etapa de diseño y producción
1) Diseño. El trabajo de diseño se basa en el guión gráfico para determinar la forma del fondo, el primer plano y los accesorios, y completar el diseño y la producción del entorno de la escena y las imágenes de fondo. Además, también debes diseñar los personajes u otros personajes y dibujar varios dibujos estándar de cada forma desde diferentes ángulos para que otros animadores los utilicen como referencia.
2) Sonido. En la producción de animación, debido a que los movimientos deben coincidir con la música, la grabación de sonido debe realizarse antes de la producción de la animación. Una vez completada la grabación, el editor debe descomponer con precisión el sonido grabado en la posición de cada imagen, es decir, en qué segundo (o en qué imagen) comienza el discurso, cuánto dura el discurso, etc. Finalmente, todo el proceso sonoro (es decir, la pista de audio) debe desglosarse en una tabla correspondiente a la posición de cada imagen y el sonido de referencia de los animadores.
3. Etapa de creación específica
1) Creación de pintura original. La creación de pintura original se produce cuando un diseñador de animación dibuja algunas escenas clave de la animación. Por lo general, un diseñador es responsable de un solo personaje fijo u otro rol.
2) Producción de ilustraciones intermedias. La ilustración del medio se refiere a la imagen entre dos posiciones importantes o imágenes enmarcadas, generalmente la imagen entre las dos pinturas originales. El asistente de animación crea un dibujo intermedio y los artistas restantes interpolan y dibujan dibujos conectados de los movimientos del personaje. Las pinturas de acción continua interpoladas agregadas entre cada pintura original deben cumplir con el tiempo de acción especificado para que puedan expresar movimientos cercanos a los naturales.
4. Etapa de rodaje y producción
Esta etapa es una parte importante de la producción de animación. Aquí se producirá cualquier detalle en la pantalla, lo que se puede decir que es la clave para determinar. la calidad de la animación (el otro es el diseño del contenido, es decir, el guión).
La siguiente es una introducción a la división específica del trabajo o los pasos en la producción de animación bidimensional y animación tridimensional en esta etapa.
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Producción de animación bidimensional
Supervisión de animación
Corrige la pintura original y la animación terminada para ver si el personaje La forma de la cara es correcta. Se ajusta a la configuración del personaje, si los movimientos son suaves, etc. Debes poder volver a dibujar cuando sea necesario, por lo que debes ser un pintor y animador original experimentado para ser competente.
Designación de color
El trabajo de especificar colores se llama. Los nombres varían. A veces también se le llama configuración de color, incluye Configuración de color, Estilo de color, Diseñador de color. Coordinador de color, Clave de color y otros nombres. Además de especificar "la ropa debe ser roja y los pantalones negros", lo más importante es especificar las tonalidades y gradaciones necesarias a la hora de colorear el celuloide, y utilizar pintura XXX.
Shishang
El significado original de Shishang en japonés es finalización y finalización. En chino, significa colorear. En inglés, significa pintura y acabado. Pinte el reverso de la lámina de celuloide según el número de pintura marcado en cada bloque.
Supervisor de Sonido
Responsable del arreglo de bandas sonoras insertadas, preparación de efectos de sonido, grabación de doblaje, supervisión de proyectos de mezcla, etc.
Productor
El trabajo del productor es principalmente planificar el programa de producción, organizar el progreso diario de la producción, encontrar el grupo de producción/empresa de producción y buscar inversores externos. Al mismo tiempo, debe trabajar con producción ejecutiva para garantizar que cada elemento del proyecto se complete a tiempo y correctamente.
Modelo GK
El texto completo de "GK" es Garage Kit, y su significado original es "componente de garaje", porque los occidentales están acostumbrados a utilizar el garaje como taller, y En este lugar nació el modelo GK.
Los modelos originales de GK eran solo obras creadas por algunos jugadores. El detalle de los modelos variaba de persona a persona, pero generalmente eran SOLO UNO, el único en el mundo. Los materiales (materias primas) utilizados para la fabricación no son necesariamente limitados. Se pueden utilizar arcilla, yeso, tableros de madera y metal. Por lo tanto, los modelos que se fabrican por sí mismos o se producen en pequeñas cantidades se denominan GK. Más tarde, debido a que algunos productos terminados especiales eran muy populares, se me ocurrió la idea de venderlos como productos básicos. Después de vender y vender, un día dos chicos de repente se enamoraron de una obra al mismo tiempo. Algunas personas comenzaron a usar su cerebro para copiar el modelo GK dándole la vuelta. En ese momento, es posible que hayan usado materiales como yeso. como plantilla para copiar, pero el yeso no es duradero y puede ser completamente diferente después de copiarlo una o dos veces. Hoy en día, la silicona (SILICONA) se utiliza como material de plantilla para girar moldes. No solo tiene una excelente elasticidad, sino que también es mucho más duradera que el yeso. Sin embargo, todavía tiene limitaciones en el número de copias. Básicamente, cualquier modelo de plástico que no esté moldeado por inyección y pueda producirse en masa se llama GK. Generalmente hay resina sólida, plástico blando hueco y metal blanco (bajo punto de fusión, aleación blanda de plomo y estaño). o películas. Los GK expuestos en HGA son principalmente personajes animados hechos de resina sólida (la primera fuente fueron residuos industriales) (como HB, Bastet (cardo), THEO).
Supervisión
Supervisión en realidad está escrita en japonés y en inglés es Director, que es el director chino. El director de producción de animación japonesa es la clave para determinar la atmósfera y el estilo de toda la obra, y está a cargo del ritmo de la historia, las transiciones atmosféricas, etc. Incluso si tienen la misma ambientación de personajes, el mismo estilo de pintura y el mismo equipo de producción, tendrán estilos completamente diferentes dependiendo del director.
Ambientación de personajes
La persona encargada de diseñar la apariencia y el estilo de vestimenta de los personajes se llama ambientación de personajes. Su trabajo no es sólo hacer saber a los pintores posteriores cuál será la persona a dibujar. cómo se ve, también se les deben decir los rasgos faciales, ojos, expresiones, etc. del personaje, y la cara del mismo personaje debe diseñarse para ser vista desde varios ángulos diferentes, así como flequillos que sean diferentes a los comunes. Cómics y líneas cerradas. El responsable del diseño de los robots, vehículos y armas que aparecen en escena es el escenario mecánico. Además de dibujar la forma de la máquina, también se deben marcar posibles estructuras detalladas, modos de movimiento, aberturas, etc. . A menos que se especifique lo contrario, los borradores de diseño son generalmente borradores de líneas limpias y sin sombreado.
SINARIO
Escenario en inglés y guión en chino. Escribe la trama de la historia en texto puro, incluidas escenas, ubicaciones, efectos de sonido de fondo, diálogos de personajes, acciones de personajes, etc.
Guión gráfico
El inglés es guión de continuidad y el chino se llama guión gráfico. Este paso es el primer paso para convertir las cosas en el papel en las imágenes que se presentarán en el futuro. La persona que dibuja el guión gráfico sigue las instrucciones del guión, convierte las imágenes en imágenes en su mente y luego las dibuja. en el papel.
El propósito de dibujar un guión gráfico es descomponer las acciones continuas de la animación en 1 unidad de Corte (guión gráfico) y marcar el método de movimiento de la cámara, el diálogo, los efectos especiales, etc. de esta escena al lado. Las cosas más importantes, como el tiempo y la cantidad de tomas de cada corte, también se escribirán en el extremo derecho del guión gráfico.
Diseño
El diseño es un trabajo relativamente raro. La naturaleza del trabajo es cercana a la composición china. Solo se puede utilizar en algunas obras teatrales, como el diseño de fondos de varias capas. para que cada capa de fondo con diferentes velocidades de movimiento pueda mostrar una sensación realista de distancia y distancia. La persona que dibuja el diseño debe ser consciente de la existencia de la cámara en su mente, mirar las plantas y árboles en la escena desde el punto de vista de la cámara y luego dibujar estos dibujos en detalle.
Tengo este trabajo, principalmente para compensar los guiones gráficos elaborados por directores que no son buenos dibujando, y presentar cuidadosamente las imágenes simples y desordenadas, que servirán de base para futuras pinturas originales. animaciones, fondos, especificaciones de color, etc. de acuerdo con. Las obras de Mamoru Oshii, como Patlabor The Movie, Patlabor The Movie 2, Ghost in the Shell, etc., son ejemplos del uso de mucho diseño, y su característica es que "la pintura 2D también puede expresar con precisión efectos visuales 3D". .
Actuación
La palabra japonesa "actuación" es un título profesional único en la producción de animación japonesa. En pocas palabras, él es la persona que ayuda al director y su papel en la serie de televisión es diferente al de las versiones OVA y MOVIE.
En las series de televisión, debido a que el director está demasiado ocupado, es imposible cuidar cada episodio, por lo que la "actuación" de cada episodio equivale al "director exclusivo" del episodio, siguiendo el Intención del director en jefe, totalmente a cargo de la producción del episodio. En OVA y películas, la posición de "actuación" se parece más a la de un asistente de dirección (asistente de dirección), que comprende las intenciones del director y ayuda a manejar los detalles de la actuación ("actuación" es el proceso de convertir el texto del guión en imágenes de la cámara. , que es un poco como la llamada puesta en escena de las películas o obras de teatro occidentales). Su trabajo es bastante similar al de un supervisor y debe ser realizado por alguien que esté muy familiarizado con el lenguaje de la animación, pero no necesariamente tiene que ser bueno dibujando (al igual que el director no necesariamente tiene que ser bueno). dibujo), por lo que algunas personas lo traducen como "Codirector", y algunas traducciones humanas son "Subdirector" o "Director Ejecutivo".
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Producción de animación tridimensional
1. Storyboard (Storyboard)
Después de tener una buena idea para la historia, Se puede incluir en la animación del guión gráfico. Esto puede reflejar la expresión básica del personaje, la postura, la ubicación de la escena y otra información. Es un poco como una versión simplificada de un librito. Todo el trabajo posterior se basa en esto. Si hay alguna modificación, el coste será mínimo.
2. Set Dressing
Este paso es para completar la escena. No requiere iluminación ni efectos especiales. Pero esta es la base del trasfondo de los siguientes pasos; en este paso es necesario construir muchos modelos (como edificios, plantas, etc.). Estos modelos suelen ser complejos y están compuestos por miles de polígonos. Para que parezcan reales y naturales, los animadores tienen que esforzarse mucho para hacerlo.
3. Diseño (Layout)
Este paso consiste en crear el diseño de la escena tridimensional de acuerdo con el guión gráfico, probablemente significa diseño o planificación. Este es el primer paso para convertir de bidimensional a tridimensional, que puede reflejar con mayor precisión la relación posicional entre el diseño de la escena y las tareas. La escena no requiere elementos muy detallados como iluminación, materiales, efectos especiales, etc. El director puede lograr el objetivo viendo el movimiento, la duración, los cambios y la postura básica precisos del personaje.
4. Animación de bloqueo (Animación de bloqueo)
Este paso requiere que el animador cree una Animación de bloqueo de acuerdo con el escenario y las tomas diseñadas en Layout, lo que inicia la etapa de producción de animación real. Es para establecer la pose clave de la acción, y los movimientos corporales, las expresiones, el comportamiento y otra información del personaje se pueden reflejar aquí en detalle. El siguiente paso sólo se puede dar después de la aprobación del director.
5. Animación
Después de pasar el paso anterior, el animador puede crear más detalles de animación basados en la animación de bloqueo. Agregue apretar, estirar, seguir, superponer, acciones secundarias, etc. (como la forma de la boca al hablar). En este punto las acciones del animador están completas. Este es también el núcleo de la película. Otros efectos especiales, iluminación, etc. son cosas que ayudan a que la animación sea más brillante.
6. Simulación y sombreado
Este paso es para hacer cosas relacionadas con la dinámica, como cabello, telas de ropa, etc. A través del mapeo de materiales, los personajes y los fondos tienen color, lo que los hace lucir más detallados, reales y naturales. Después de este proceso, el color puede cambiar con diferentes luces (como el vidrio que refleja el paisaje circundante).
7. Efectos especiales (Efectos)
Los efectos especiales se utilizan para crear fuego, humo, flujo de agua y otros efectos. Aunque estas cosas son condimentos, el efecto de animación de Cars sería muy inferior sin ellos.
8. Iluminación
No importa lo buena que sea la escena sin una iluminación bonita, es sólo un producto semiacabado. Al colocar fuentes de luz virtuales para simular la luz en la naturaleza y editar la reflectividad y otros conjuntos de datos de acuerdo con la escena y el material creado en los pasos anteriores, después de iluminar la escena, será casi igual que el paisaje en la naturaleza (por supuesto). , esto requiere que solo se pueda ver después de renderizar).
9. Renderizado
Este es el último paso en la producción de videos de animación 3D. Representa los datos complejos en la computadora y los genera, además de la posproducción (agregando audio, etc.). Es una película que se puede utilizar para proyección, porque los efectos de los pasos anteriores deben renderizarse para poder visualizarse (debido a limitaciones del hardware durante el proceso de producción, no se pueden visualizar imágenes de alta calidad en tiempo real). Hay muchos métodos de renderizado, pero todos se basan en tres algoritmos de renderizado básicos: Scan-liner, Ray-trace y Radiosity ("Cars" utiliza tecnología de trazado de rayos para hacer que el paisaje luzca hermoso. Parece más realista, pero también aumenta considerablemente el tiempo de renderizado).
Maestros de la producción de animación
Estados Unidos: David Ellick, Walt Disney
Japón: Osamu Tezuka, Hayao Miyazaki
China: Wan Hermanos, Te Wei, Xu Jingda
Herramientas de producción de animación
Debido a la precisión y meticulosa división del trabajo requerida en la producción de animación, sus técnicas de producción son principalmente de una sola línea y existen escenas La relación entre personas, personas y objetos, y límites de color, etc. Por lo tanto, existe una serie de herramientas de producción especializadas y sistemáticas para facilitar la producción rápida y precisa de películas animadas.
1. Tabla de animación
También conocida como "tabla transparente" y "tabla de copia". Se diferencia de los escritorios comunes en que utiliza vidrio esmerilado como escritorio y se instala un tubo de luz debajo, de modo que el escritorio puede transmitir luz y ver múltiples dibujos superpuestos entre sí. Se utiliza para dibujar y copiar líneas de animación. dibujos. La parte del escritorio suele estar diseñada para estar inclinada para evitar que la luz incida directamente sobre los ojos y facilitar el trabajo.
2. Copiar tabla [1]
Copiar tabla [1], también conocida como tabla transparente [1], es una herramienta que se utiliza para copiar originales. Hay una plataforma compuesta por lámparas fluorescentes, paneles acrílicos blancos, vidrios y cajas.
3. Regla de posicionamiento
La utilizan los animadores para fijar el papel de dibujo de animación al dibujar borradores de diseño y animaciones originales, o para garantizar que los dibujos de fondo y las hojas de celuloide estén alineados durante el proceso. Fotografía de animación tradicional. Herramientas utilizadas para un posicionamiento preciso. En todos los aspectos de la producción de animación, el diseño del personal de cada departamento es inseparable de su función de posicionamiento. La regla de posicionamiento puede contener docenas de trozos de papel de dibujo perforados con agujeros estándar a la vez y también se puede utilizar para hojear dibujos.
4. Papel de animación
Según los diferentes usos, el papel de animación generalmente se puede dividir en tres tipos: papel de dibujo original, papel modificado y papel de animación.
El papel de animación general puede ser papel blanco con una densidad de 70~100g/m2. Al realizar animaciones de cine y televisión, los tamaños de papel se dividen principalmente en dos tipos: los tamaños son aproximadamente 24 cm * 27 cm y 27 cm * 33 cm (generalmente conocidos como 9F y 12F), que se configuran de acuerdo con las diferentes necesidades del marco de la imagen y la pantalla. . El papel de animación debe tener buena transparencia, el papel debe ser uniforme, blanco y liso, y los bordes del papel deben ser duros, finos y tener buena dureza.
El papel de dibujo original no tiene altos requisitos de calidad.
Papel modificador La mayoría del papel moldeador utiliza un papel de seda de color amarillo claro.
5. Punzonadora
La función de la punzonadora corresponde a la regla de posicionamiento. La función principal es imprimir orificios de tres postes fijos (un cilindro, dos postes largos) del mismo tamaño y distancia equidistante, de modo que estos papeles se puedan colocar con precisión en la regla de posicionamiento.
6. Borrador, borrador, regla, clip de hierro
7. Bolígrafo de animación
Los bolígrafos de animación generalmente se refieren a los utilizados en la pre y postproducción. de dibujos animados de varios bolígrafos. Incluye principalmente lápices, portaminas, lápices de colores, bolígrafos para firmas, bolígrafos, rotuladores, pinceles, bolígrafos de acuarela, gouache, etc.
8. Película de celuloide
También conocida como “película transparente”, es una película transparente hecha de material de poliéster con una superficie lisa y es completamente transparente como el papel de seda. Este material se utiliza al hacer dibujos animados. Se pueden pintar diferentes personajes de acción en diferentes películas para filmar en múltiples capas sin afectarse entre sí. Al mismo tiempo, también se pueden filmar superpuestos con el fondo para mejorar las capas de la imagen. efecto tridimensional.
9. Tinta de calco, pigmentos colorantes
10. Papel de fondo
11. Cronómetro
12. Cámara de cuadro
Una cámara que graba efectos de animación. Es una cámara de cuadro que puede grabar dibujos de animación uno por uno. Se coloca verticalmente en la columna de un soporte de cámara especialmente utilizado para filmar dibujos animados y se puede mover hacia arriba y hacia abajo mediante una manivela según sea necesario.
13. Ficha fotográfica
La ficha fotográfica se utiliza para registrar los requisitos de tiempo, velocidad, diálogo y fotografía de fondo de las acciones interpretativas de los personajes animados. y filmar cada toma de animación de acuerdo con. La tabla está marcada con el título de la película, número de lente, especificaciones, segundos y contenido, así como sincronización de labios, requisitos de fotografía y otros elementos. Sirve como guía para el director, pintura original, animación, dibujo lineal, coloración. revisión y rodaje para comunicar las intenciones de cada uno.