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Monte Saint-Victoire 1904-1906, óleo sobre lienzo, 73×91 cm, Colección de Arte de Filadelfia.
Cézanne fue el pintor que más pintó en su vida, probablemente paisajes. Después de 1882, Cézanne vivió recluido en un pequeño pueblo cerca de su ciudad natal, concentrándose en pintar el paisaje local. Se sintió profundamente atraído por la forma única del monte Saint-Victoire y el espectacular paisaje que lo rodea. Año tras año, describió repetidamente esta roca gigante que aflora de la tierra, analizando sus sutiles y complejas cualidades y estructura. Pintó hasta setenta u ochenta "retratos" de esta montaña durante su vida.
Este "Monte Sainte-Victoire" en el Museo de Arte de Filadelfia es la última pintura de la montaña de Cézanne. Vemos, en un mundo vasto y deshabitado, las majestuosas montañas parecen surgir de la atmósfera clara y clara, sus figuras sólidas, cóncavas y convexas se reflejan en el balanceo de luces y sombras; Todo el cuadro es solemne, sublime y ligeramente melancólico, y refleja el profundo mundo espiritual de Cézanne. En esta pintura, cada bloque y forma ha sido tratado con gran rigor, lo que recuerda a sus representaciones de manzanas en sus naturalezas muertas. Pero las pinturas de paisajes de Cézanne son ricas y variadas en color, algo que no tiene comparación con sus bodegones. En esta pintura de paisaje utilizó pinceladas sencillas y ordenadas para expresar las sutiles diferencias de color de los objetos. Aunque no hay muchos tipos de colores en la pintura, cada color tiene ricos cambios de gradación. El verde espeso y constante realza los colores caqui, caqui y azul de diferente brillo y pureza, haciendo que toda la imagen parezca una armoniosa sinfonía de colores. Al mismo tiempo, innumerables trazos se colocan de manera sensible y racional sobre la imagen, volviéndose gruesos y llenos de cambios de textura. Las diversas direcciones, disposiciones, conexiones, transformaciones y entretejidos de las pinceladas constituyen espacio y estructura, formando un orden armonioso y contrastante. Frente a esta pintura, podemos sentir elementos visuales abstractos como bloques de color, pinceladas y líneas flotando desde la imagen del paisaje objetivo, formando una nueva realidad en la pintura. ¡Y el significado de esta "nueva realidad" es el núcleo de la pintura de Cézanne!
Tarde de domingo en la isla Radawan 1884-85
Era un domingo por la tarde en Grand Bay Island, y era la unidad entre las estructuras de luz. Este trabajo adopta principalmente un método de expresión muy estricto para describir los cambios de color del paisaje y los personajes bajo el sol, qué tipo de hierba es, de qué color es la hierba en la oscuridad y de qué color es la hierba en la luz. Debido a que es demasiado estricto, no es muy expresivo, no tan expresivo como el impresionismo.
Este "Domingo en La Grande Jatte" Seurat tardó un año entero en contar sus puntos. Tan pronto como este cuadro apareció en la VIII Exposición de Arte Impresionista, inmediatamente suscitó repercusión social, con voces de ataque y elogios llegando al mismo tiempo. Algunos escribieron que era una muestra de "nuevo estilo", mientras que otros lo llamaron una "extraña combinación de infantilismo y pedantería". En definitiva, este refrescante método pictórico es esencialmente la influencia nociva del positivismo filosófico en la práctica artística de aquella época. "Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte" describe un día soleado en la isla de Grande Jatte en Aunières, cerca de París, donde los turistas se reúnen para descansar al sol en el bosque junto al río. Algunas personas caminan, otras están tumbadas en el césped y otras pescan junto al río. En primer plano, una gran área de tonos verde oscuro indica sombras, y en el medio hay tonos amarillos brillantes, que muestran la fuerte luz del sol de la tarde, y la hierba es de color amarillo verdoso. La luz del sol se filtra a través del bosque y proyecta sombras sobre la hierba, claramente definidas por el color. La ropa roja y blanca, las sombrillas y el césped adquieren un color amarillo vaporoso. Los puntos de color se cruzan y hacen eco entre sí, creando el efecto de una alfombra decorativa. Los personajes del cuadro también son muy divertidos. No podían ver la cara o los rasgos faciales con claridad, e incluso el contorno mismo estaba borroso por pequeños puntos. Todo parece borroso. Todo el proceso de creación de esta pintura se divide en cuatro pasos: (1) usar el boceto para contrastar el color claro y oscuro; usar el boceto como fondo de organización principal;
Después de "Domingo en La Grande Jatte", fue imposible volver a realizar una exposición de obras de los impresionistas. Todos sintieron que había nacido algo nuevo.
Se puede aceptar o rechazar esta novedad, pero es imposible ignorarla en la evolución posterior de los estilos artísticos. En cuanto al propio Seurat, estaba convencido de que después de pintar "El domingo en la isla de La Grande Jatte", su método pictórico había quedado completamente establecido y sólo le quedaba esperar que sus obras le satisficieran. El temor de que un método dañara o castrara la autenticidad emocional del artista era algo que Seurat no consideró.
Los grandes óleos de Seurat con muchas figuras solían pintarse en el estudio, a veces incluso de noche. Su teoría de la mezcla de colores era tan precisa que no vio la necesidad de tener en cuenta los cambios que la iluminación artificial provocaba en la percepción humana del color. Mucha gente admira este talento para el diseño, que consideran un signo de destreza intelectual pero también es un signo de que el artista está a punto de perder el sentido; Así que Seurat salió del estudio y se fue a la playa a dibujar: en 1885 fue a Grand Can, en 1886 a Honfleur, en 1888 a Port Bassin, en 1889 a Lecrotova y en 1890 a a Gravelinas. Durante el período comprendido entre 1885 y 1890, todas las pinturas de paisajes de Seurat se completaron bajo luz exterior y su método de observación fue único. Es un artista que persigue sentimientos fuertes, pero organiza y procesa estos sentimientos de manera razonable. Este sentimiento le da a su trabajo energía y poder. Seurat logró un equilibrio entre emoción y teoría en estas pinturas de paisajes realizadas entre 1885 y 1890. Estos paisajes son, por tanto, las obras mejor representativas del artista, y su genio se expresa más plenamente en ellos que en aquellas obras compositivas, como "El Canal de Gravelina".
La Cézanne y el lenguaje estructural
En el libro Pintores franceses modernos, R.H. Willensky describe la tendencia contra la pintura impresionista francesa en la década de 1980 como resultado del resurgimiento generalizado del movimiento del clasicismo. En línea con este argumento, algunos pintores, en particular Renoir, Seurat y Cézanne, regresaron a la tradición clásica francesa y enfatizaron elementos arquitectónicos duraderos en la estructura de las pinturas, expresando así su descontento con el espíritu del naturalismo que era tan preciso como base. del esquema impresionista. Esta explicación de la llamada "Crisis del Impresionismo" tiene sentido pero carece de claridad, ya que algunos pintores postimpresionistas intentaron mantener el naturalismo mientras restablecían los principios básicos del diseño y la estructura pictórica tradicionales. Como vimos en el Capítulo 1, Renoir hizo precisamente eso (Fig. 18). Amplió sus retratos y amplió su estilo, creando en una pintura rococó los colores festivos de un festival rural francés del siglo XV y una reminiscencia de la tradición clásica que se originó con Rafael. Georges Seurat a menudo rindió homenaje al espíritu del naturalismo bajo el pretexto de "valorar la ciencia", mientras que Paul Cezanne completó la innovación formal más valiente con la ayuda de los brillantes colores del impresionismo y dotó a estos colores de su propia visión fresca y vívida de la naturaleza. . Sentir.
Seurat murió a la edad de 31 años, dejando sólo seis grandes óleos, una serie de marinas, innumerables óleos y un número considerable de exquisitos bocetos. Sin embargo, aunque Seurat sólo pintó "La Grande Jatte", sigue siendo uno de los pintores más destacados de los tiempos modernos. Después de la muerte de Seurat, Pissarro escribió en una carta a su hijo Lucien: "Creo que tienes razón. El puntillismo se acabó, pero creo que tiene una gran influencia en el arte futuro. Seurat ciertamente hizo algo que complementó la principal contribución de Seurat". Fue su renovado interés por la estructura y composición de la pintura, cuestiones formales fundamentales que se pensaba que los impresionistas habían ignorado. Seurat buscó explorar los usos coloridos del color, no sólo para la representación sino también para dar forma a formas precisas, y su arte se convirtió así en un puente entre las grandes innovaciones del impresionismo y Cézanne. El amor de Seurat por las pantallas planas, sus exageraciones cómicas y sus variopintas compañías de teatro y circo también lo conectan con Toulouse Laurec, sobre el cual volveremos en el próximo capítulo.
Paul Cézanne
Un nuevo interés por la tridimensionalidad de los objetos y una profunda preocupación por los aspectos y formas más atemporales de la naturaleza se reflejan de forma más destacada en Paul Cézanne (1839 -1906). ) en pinturas revolucionarias de gran alcance. En vista del impacto de las exploraciones de Cézanne en el siglo XX, se le llama "padre del arte moderno" y, efectivamente, es digno de ese título. Cézanne fue uno de los pintores más importantes del siglo XIX. Es un mago que lleva toda su vida innovando.
Podemos ver en "Astak Bay" que Cézanne utilizó el sentido tridimensional de la casa en el primer plano del plano (el plano en sí se distingue por la profundidad del color), y utilizó una estructura superpuesta para expresan la posición y profundidad de la casa dentro de la imagen, pero su sensación de profundidad se ve disminuida por líneas continuas de techo a techo o de hastial a techo. Además, la vista lateral que pintó es como la impresión que obtuvo de frente o de atrás, que es muy plana, casi un lienzo rectangular.
Además de las formas y líneas mencionadas anteriormente, Cezanne utilizó además el color y las "pinceladas estructurales" para reflejar la imagen del motivo que observaba desde varios puntos de vista, dentro de los límites de dos dimensiones. La expresión del motivo confiere a toda la imagen la densidad, textura y profundidad del mundo real. De esta manera, no sólo las casas en primer plano están construidas con planos codificados por colores y sin el uso de contornos descriptivos, sino que esta técnica de configuración del color también está presente en los distintos bloques; El paisaje de la tierra en primer plano es de color naranja cálido y el agua del mar en el medio es de un azul frío, por lo que las capas son muy claras al mismo tiempo, el amarillo es muy fino y el azul es muy espeso, lo cual es; opuesto a la profundidad expresada por estos dos colores. El contraste entre las montañas y el cielo no es evidente, y el azul utilizado no es ni espeso ni claro, lo que hace que la gente se sienta como si estuviera en un lugar lejano. Pero el azul no parece muy frío cuando se mezcla con amarillo, por lo que no puede expresar las montañas y el cielo detrás del mar en la escena central.
Además, las pinceladas de Cezanne (cada una de las cuales expresa un sentimiento específico) no sólo sirven para dar forma a las formas en el espacio, sino que también vinculan estrechamente las formas con las superficies. Las pinceladas son siempre planas y dispersas, como pizarras, en el justo equilibrio con la variedad de colores. Cézanne ignoró la textura de la naturaleza misma y utilizó pinceladas para darle a toda la superficie una sensación de realidad. Esto permite que la forma sea algo sincera, con planos que se cruzan naturalmente, como se ve en el punto más alto del techo en la parte inferior izquierda, con pinceladas fuertes que expresan simultáneamente la pendiente del techo, la cumbrera y el fondo distante. De este modo, el primer plano "fluye" hacia el fondo, cuyas manchas de color representan de forma abstracta el paisaje y parecen microcosmos de objetos más grandes a corta distancia.
La planitud de la pintura convierte la omnipresente luz del sol del Mediterráneo en una luz pasiva "interna", proyectando sombras exactamente como el artista necesita para expresar el cuerpo, unificando así la imagen. Cézanne, una fuente de luz fija, tendía a revelar todos los objetos en detalle independientemente de la distancia, justo cuando la empinada vista oscura inclinaba el suelo hacia adelante, acercándose al plano de la pintura. Cada detalle está representado por un punto de color independiente. Cada punto de color es natural y parte del sentimiento, al mismo tiempo que desempeña un papel estructural. Cuando todos los trazos se unen, crean un mundo colorido y atractivo, que en última instancia se distingue por la perspicacia y la creatividad del artista.
Cézanne perdió el enfoque de la pintura en perspectiva renacentista y su extraordinaria confianza en sí mismo, y también perdió el culto ciego del que disfrutaba el arte renacentista. Sólo pudo combinar los paisajes uno a uno, paso a paso. Sin embargo, este método es consistente con las leyes de nuestra experiencia visual en la vida real. El sentido de unidad en su trabajo y la grandeza de sus diseños arquitectónicos no provienen de algún procedimiento mecánico establecido, sino de su búsqueda de un sentido de armonía y refugio en su trabajo. Es con él que el artista analiza la parte auditiva de la obra según su propia comprensión del tema y su necesidad de un sentido de armonía en la imagen. Cézanne descubre un método, más que un procedimiento, a través del arte basado en sentimientos personales. De esta manera, la delicada red de formas de color hace de cada pintura un registro de una hazaña heroica, un registro de los esfuerzos del artista por conseguir orden a partir de la naturaleza caótica y azarosa de la naturaleza. Incluso si el tema es trivial o abiertamente emocional, usar este método de presentación brillará. El fuerte espíritu y la mente creativa del pintor hacen que cada trazo esté lleno de vitalidad y el motivo quedará sublimado. Las obras de Cézanne se diferencian de las pinturas del Renacimiento en que el espectador no puede obtener toda la inspiración de ellas a la vez. Expresan connotaciones de forma musical, con continuidad en el tiempo pero aún conectadas en el espacio.
Para Cézanne, la naturaleza muerta era un motivo más ideal que el paisaje, porque al pintar naturalezas muertas, no tenía que explorar formas geométricas del mundo real, solo tenía que elegir representarlas, como " Cesta de manzanas" como en "Naturaleza muerta" (Figura 30).
Al igual que las vívidas y claras acuarelas de Cézanne en sus últimos años (Fig. 33), las montañas del valle de Saint-Victoire demuestran la habilidad del autor para controlar el fuego. Cézanne a menudo observaba los detalles desde diferentes ángulos al pintar, sin renunciar nunca a cada pequeño sentimiento del tema. Esta condición a veces dura mucho tiempo. Por lo tanto, si no presta atención a "toda la imagen avanza al mismo tiempo", es probable que pierda el control de la imagen. Esto significa que debe recibir otro golpe para equilibrarlo desde el primer empujón, por lo que sigue ajustándose, rompiendo y reconstruyendo constantemente el equilibrio, incluso hasta alcanzar el equilibrio final, convirtiendo la fuerte oposición en una "paz emocionante". Por lo tanto, no importa cómo pinte Cézanne, no hay sensación de inacabado. Incluso el blanco en la pintura de acuarela de la Figura 33 es extremadamente sensible, como otros colores, y juega un papel importante en el logro del efecto general.
Cézanne esperó durante toda su vida recuperar el método pictórico de Poussin de aprender de la naturaleza. Al final logró pintar una mujer desnuda. La organización del fondo era tan exagerada y rigurosa como la de los maestros anteriores, pero pintó un método completamente nuevo de observación directa de la naturaleza, que había aprendido de los pintores impresionistas durante muchos años. de. La Gran Bañista fue escrita durante el período 1898-1905 (Fig. 84). Esta es la pintura más magnífica de Cézanne, y la escala por sí sola es suficiente para ilustrar la importancia que tiene este motivo para él. Abandonó la práctica de disponer desnudos reales en paisajes, y en su lugar convirtió el cuerpo humano en una estructura ajustada, eliminando el elemento de sensualidad y luego inyectando su propio poder emocional en todo el concepto. De esta manera, el desnudo en la pintura se mezclará con la arquitectura natural con el cielo como la parte superior. La delicada pincelada del artista, similar a una acuarela, unifica el cielo, las plantas y el cuerpo humano en la suave niebla azul verdosa de principio a fin, mientras. Los colores rosa pálido y ocre del cuerpo humano y de la tierra son los colores que surgirán de este suave objeto. En términos de simetría e inhibición. "El gran bañista" no es sólo la más espectacular de las obras de Cézanne, sino también la combinación de color más perfecta. En esta obra, romance y clasicismo, color y línea han alcanzado el equilibrio más preciso y se han expresado satisfactoriamente.
65438 En los años 1980 y principios de los 1990, las pinturas de Cézanne sólo se podían ver en la tienda de Tang Juyi. Fue en esta tienda donde el arte del maestro influyó en toda una generación de pintores postimpresionistas, los más famosos de los cuales fueron Paul Gauguin, Maurice Denis, Pierre Bonnard y Edu Ayre ·ville. Creen que los esfuerzos de Cézanne apuntaban a lograr una mezcla angular entre naturaleza y pensamiento, así como entre la realidad observada y la vida ideal. Los impresionistas más antiguos estaban tan insatisfechos con la impresionante obra de Cézanne que persuadieron a Volard para que le ofreciera a su solitario compañero una exposición individual. Esta exposición se celebró en 1895. Los críticos conservadores creían que Cézanne se había vuelto más esquivo que nunca, mientras que otros afirmaban que era "... un hombre de gran verdad... y en el futuro encontrará su camino hacia el Louvre. Hacia 1906. Con el paso de los años, uno". Los movimientos modernistas reconocieron abiertamente que el desarrollo artístico de Cézanne se basó en esto, y el propio Cézanne se basó en cierta medida en esta afirmación, insistiendo en que su arte era sólo "una "forma original", una "perspectiva". que no entendió del todo. Para Matisse, el color liberador de Cezanne lo era todo, pero para Picasso y Braque este elemento era insignificante. Se inspiraron en Cézanne para buscar geometrías subyacentes en la naturaleza, a partir de las cuales más tarde desarrollarían una nueva forma de imagen unificada. El tratamiento de Cézanne del plano del objeto y del plano espacial, la profundidad de campo extremadamente reducida y la estructura mejorada, la transferencia de múltiples ángulos y planos en una misma imagen (formada por líneas de contorno discontinuas entre objetos independientes), proporcionaron a Braque y Picasso El camino Se inauguró con el establecimiento del cubismo en 1908. Así, aunque Cézanne se mantuvo fiel a temas identificables, sus obras constituyeron sin embargo una transición del arte sensual del antiguo siglo XIX al arte puro, geométricamente abstracto o poco realista del siglo XX.