Música folclórica francesa

Los orígenes de la música francesa se remontan a la música folclórica de los celtas, los galos y otras tribus que vivieron por primera vez en Francia. Del 58 a. C. al 51 a. C., los romanos conquistaron las Galias y formaron la cultura galorromana. En los primeros cientos de años después de la era cristiana, los francos ocuparon la Galia, los godos invadieron el suroeste de Francia y los borgoñones invadieron el sureste, todos trayendo sus propias culturas. La música de estas tribus se ha convertido en la base para el desarrollo de la cultura musical francesa.

Los primeros registros escritos de música folclórica francesa se pueden encontrar en documentos del siglo IX. Describe la música narrativa antigua, las canciones de juegos de números y el uso de instrumentos musicales como flautas, charlatanes, cascabeles y cuernos, cuando la música desempeñaba un papel importante en la vida de las personas y las ceremonias religiosas.

La mayoría de las canciones populares francesas son monofónicas, en su mayoría canciones solistas, pero también duetos. Popular en Bretaña es un dúo en el que dos cantantes se turnan para cantar a dúo al final de cada verso. Las canciones polifónicas son populares principalmente en las regiones del sur de Vasco y Córcega. La característica de las canciones populares francesas es que se centran en la recitación de la letra, y algunas melodías antiguas se procesan preliminarmente en cánticos a partir de tonos de discurso. El ritmo típico es el ritmo, a veces combinado con ritmo y ritmo. También hay canciones en las que el ritmo del canto principal y el ritmo del canto están conectados. La mayoría de las canciones populares antiguas comienzan con una progresión melódica desde la tónica hasta la quinta. La música de baile en algunas zonas se ha hecho famosa, la música de baile es popular en varios lugares, como la Gavota de Bretaña, el Farandore de Provenza, etc. Los modos de la música folclórica francesa son principalmente mayor y menor natural, y los modos naturales antiguos y los modos alternos también son muy comunes.

Música medieval La música profesional francesa se remonta a la música religiosa del siglo V d.C. Hasta la primera mitad del siglo VIII, los galos utilizaban el canto galo como música litúrgica, que contenía elementos politeístas y seculares. A finales del siglo VIII, cuando los carolingios adoptaron los ritos de la iglesia romana, el canto gregoriano desplazó al canto galo y se volvió dominante. Los monasterios de Limoges, Metz, Rouen y otros lugares establecieron escuelas de himnos para promover el canto gregoriano. Normandía, Lemosín y otros lugares tenían notación simbólica y había teóricos especializados en la investigación musical. Durante el colapso del imperio de Carlomagno y el declive del papado en el siglo IX, surgieron nuevas formas musicales en la música religiosa. Los monjes de la Abadía de Jumièges y St. Gall en Rouen crearon los "Siquons" (melodías coloratura de poesía en prosa). y "Trop" (con letra de una melodía de coloratura). Ésta es la penetración de la música secular en la música religiosa. Las actividades de música polifónica de la Abadía de Saint-Martial de Limoges formaron la escuela de música original en la historia de la música europea. Desde entonces hasta finales del siglo XV, Francia se convirtió en un centro muy desarrollado de música religiosa polifónica. Desde el siglo XI, la música secular se ha desarrollado enormemente. Entre los artistas ambulantes y los cantantes folclóricos, circulan comúnmente la canción lírica solista "Estampier" y la canción de baile "Ballard". En los siglos XII y XIII, los bardos del sur y del norte de Francia se convirtieron en los principales creadores de canciones líricas monofónicas. Un tipo de ellos son los amantes de la música aficionados que provienen de la aristócrata, y el otro tipo son los compositores profesionales que provienen de la gente común. El bardo de origen noble iba acompañado de animadores errantes, y el bardo de origen plebeyo aportaba a este arte las características de artesanos y ciudadanos, por lo que no era sólo un arte de caballeros. La mayor parte de lo que cantaban los bardos trataba sobre el amor, las costumbres mundanas y las Cruzadas. Los géneros incluyen canciones pastorales, canciones matutinas, poemas épicos, canciones de juegos antifonales, estanpierres, etc. Los bardos del norte se centraron en la ciudad de Arras, y su compositor representativo Adam de la Al (alrededor de 1250 ~ alrededor de 1306) creó la obra dramática "Robin y Marion" con música. Desde la segunda mitad del siglo XII hasta el siglo XIII, el centro de las actividades de la música sacra polifónica se trasladó de Limoges a París, y surgió la Escuela de Música de Notre Dame, representada por Léonan y Perrotin. En esta época, además de añadir nuevas melodías al canto gregoriano hasta el organon de 4 partes, también aparecieron motetes con nuevas melodías que añadían letras diferentes a la melodía del canto, y melodías para todas las partes. como "condoctus", todos de nueva creación por compositores, completaron la etapa de desarrollo del llamado "arte antiguo". El siglo XIV fue el período llamado "Art Nouveau".

Francia es la cuna del "arte nuevo". Esto ha demostrado que la gente comenzó a deshacerse de las limitaciones de los cánones medievales, la cosmovisión y la estética del primer Renacimiento, y las técnicas de expresión musical se enriquecieron enormemente (ver imagen en color [Carnaval musical"). en Francia en el siglo XIV (Pintura) ]). La característica más importante de los motetes de este período es la adopción de patrones isorrítmicos, es decir, la melodía fija y otras partes se repiten en el mismo patrón rítmico, lo que fortalece en gran medida la unidad de la estructura musical. Vitri discutió temas como la notación cuantitativa y el ritmo en su obra maestra teórica "Arte Nuevo" (alrededor de 1320. Llamó a este nuevo tipo de música "Arte Nuevo"). El maestro del "arte nuevo" es Ma Shao, que se dedica a la creación tanto de música secular como religiosa. Las baladas y rondos que compuso eran en su mayoría solos acompañados por dos o tres instrumentos. Su misa de cuatro partes "Mother's Miss" fue la primera música polifónica a gran escala completada de forma independiente por un compositor. En el siglo XV, el poder político y económico del Principado de Borgoña aumentó rápidamente y su cultura floreció. La escuela de música de Borgoña saltó a la vanguardia del desarrollo de la música polifónica en Europa. Los representantes de esta escuela de música son G. Dufay y G. Banchois. Esta escuela de música se dedica principalmente a la exploración y experimentación del estilo musical polifónico, por lo que se ha desarrollado el género musical polifónico a gran escala. Este período marcó la transición del estilo "Art Nouveau" al renacentista. Edite este párrafo Renacimiento y Clasicismo En el siglo XVI, la música francesa floreció durante el apogeo del Renacimiento. El género musical que representa el espíritu del humanismo francés son las baladas profanas. Las baladas reflejaron los pasatiempos de la clase civil y establecieron el carácter nacional de la música francesa. Conscientemente ya no imitaron las engorrosas técnicas polifónicas de la última escuela de música holandesa, evolucionaron hacia la música de clave principal y restauraron la simplicidad, la suavidad y la sencillez de la música. el estilo francés. Su representante es C. Janekank. Entre sus obras famosas se encuentran "La batalla de Marion", "La caza", "El canto de los pájaros", "El sonido de París", etc. La balada se hizo popular en toda Europa, y posteriormente la música instrumental adaptada de ella en Italia recibió el nombre de "Canzona francesa", que fue el germen del rápido desarrollo de la música instrumental en la época barroca. Los principales instrumentos musicales en esta época eran el laúd, el violín de seis cuerdas, etc. En aquella época, el violín todavía era un instrumento puramente popular. Poco a poco se convirtió en el principal instrumento musical durante el Renacimiento. Cultura civil y cultura aristocrática. Desde el siglo XVII hasta la primera mitad del siglo XVIII, los historiadores franceses lo llaman período del clasicismo y la historia de la música lo llama período barroco. En esta época, el estilo rococó, que representaba el gusto estético de la corte francesa, era popular. Bajo la monarquía absoluta de la dinastía Luis, floreció la música de la corte. Al mismo tiempo, varios matrimonios con la familia Medici en Florencia también trajeron una fuerte influencia italiana. En 1659 se representó la ópera de la corte de R. Campbell (aproximadamente 1627-1677), el drama pastoral "Issy". En 1671 se representó su drama pastoral en cinco actos "Pomona" en la ceremonia de inauguración de la primera ópera de la corte francesa. El florentino J.-B. Sus óperas "Armida" y "Teseo" se basan en mitos griegos antiguos e historias de héroes históricos y tienen las características de una tragedia lírica. Hay muchas escenas de danza y coro, y el monólogo dramático: el tono de recitación absorbe las características de recitación de la tragedia clásica francesa, mostrando así el ritmo de la poesía francesa. Lully también diseñó la forma "Obertura francesa", que consta de tres partes: lenta, rápida y lenta, que tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música instrumental europea. Después de Lully, la ópera francesa se desarrolló hacia el entretenimiento y la tragedia lírica se convirtió en una representación lúdica. A mediados del siglo XVIII se estrenó la idílica ópera de estilo pastoral de J.-P. Sus óperas estaban claramente influenciadas por el estilo rococó popular en la época. Sus obras representativas son "Encantadora tierra extranjera" y "Cástor y Polideuces". Rameau también creó teorías sobre acordes, inversiones de acordes y funciones armónicas básicas. Él y F. Couperin son los fundadores de la escuela Hapsicord en Francia. El estilo de esta escuela es famoso por su gracia, elegancia, uso de materiales de danza folclórica, representación de escenas de la vida cotidiana y rica ornamentación. Crearon suites de danza y piezas principales, y presagiaron las técnicas de textura del piano moderno. Editar este párrafo Ópera francesa bajo la influencia de la Ilustración A mediados del siglo XVIII, las óperas divertidas italianas se introdujeron en Francia, lo que provocó una feroz controversia en la industria musical, conocida en la historia como la "Controversia Arlequín".

De hecho, fue una lucha entre la intelectualidad civil representada por la Escuela de la Enciclopedia y los representantes del arte aristocrático, y entre el punto de vista estético civil y el punto de vista estético aristocrático. El resultado fue un nuevo género de ópera francesa. Su primera obra es "El adivino del pueblo" de J.-J. El protagonista de la obra ya no es un héroe de mitos y leyendas sino un hombre común, y se utiliza el diálogo en lugar de la recitación. En 1702, se fundó en París el Teatro de la Ópera Comique Italiana, que a menudo representaba óperas cómicas francesas. Desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el siglo XIX, hasta H. Berlioz, la música nacional francesa atravesó un período de decadencia. Los compositores extranjeros, como C.W. Gluck y L. Khairux, desempeñaron un papel destacado en la escena musical francesa. Bini, G. Spontini, G. Rossini, G. Meyerbeer, etc. Viven en Francia desde hace mucho tiempo y en Francia se han creado y representado muchas obras. La reforma de la ópera de Gluck se basó en la ópera italiana y la ópera francesa, especialmente la ópera "Ifigenia en Tauro", que creó mientras estaba en París. Sus escenas líricas y escenas de costumbres mundanas obviamente se basan en la tradición de la ópera francesa. Sus óperas también influyeron en la creación de la ópera francesa. En vísperas de la Revolución Francesa apareció una ópera cómica seria. Predica que la nobleza o la humildad de una persona no depende de su origen, sino de su calidad personal, y preparó la "Ópera del Salvamento" durante la Revolución Francesa. Su compositor representativo es el belga A.-E.-M Gretry. Sabía utilizar técnicas de representación sinfónica y adoptó lo que más tarde se llamó motivo dominante. Su famosa obra es "Ricardo Corazón de León". Edite este párrafo La Revolución Francesa y el período de la dictadura napoleónica La Revolución Francesa provocó cambios fundamentales en la naturaleza social de la música. La música, que había sido monopolio de las cortes imperiales y los salones aristocráticos, ahora se trasladó a las calles y plazas, con actuaciones al aire libre para celebraciones masivas revolucionarias. Las canciones revolucionarias más populares en esa época eran: "Just Do It" y "Camagnola", ambas canciones con melodías populares. "La Marsellesa" de C.-J. Rouge Delisle, su melodía está llena de trompetas y gritos, inspirando y llamando, el ritmo es sonoro y poderoso, y lleno de espíritu heroico. En esta época, los coros y cantatas servían a las actividades revolucionarias de celebrar la victoria, llorar a los mártires y alabar la revolución; las óperas se ocupaban principalmente de los temas revolucionarios y del levantamiento popular, y apareció la "ópera de la salvación", cuyas obras representativas son "La Cueva". de J.-F. Lesueur, "Lodoiska" y "Dos días" de Cherubini, etc. La naturaleza masiva, social y ética de la música durante la Revolución Francesa tuvo un gran impacto en la música y el arte posteriores. Edite este párrafo Durante la dictadura napoleónica, de 1797 a 1814, la música francesa se encontraba en un estado de estancamiento. El escenario de la ópera está inundado de obras del llamado "estilo imperial", apasionadas y magníficas en la superficie, pero que en realidad son pretenciosas y llamativas. Sólo "La Virgen" de Spontini puede mantener la tradición de las óperas de Gluck. Utilizó la técnica del desarrollo sinfónico de la música para centrarse en representar la pasión de los personajes y el conflicto de las contradicciones dramáticas, lo que allanó el camino para la creación de la gran ópera francesa, especialmente Meyerbeer, y también influyó en la creación de Berlioz. Edite este párrafo Período del romanticismo Desde la década de 1910 hasta la de 1920, la ópera cómica francesa comenzó a romantizarse. Uno de sus compositores representativos es F.A. Bovaldieu. La protagonista de su ópera cómica "La chica de blanco" se acerca a los personajes de la literatura romántica de la época. Usó coloridas técnicas orquestales (como el uso del arpa) y utilizó melódicamente el lenguaje musical escocés para darle a la ópera un nuevo aspecto. Desde la década de 1830 hasta la de 1840, se reforzaron los elementos líricos y se utilizaron materiales de canciones populares en las óperas cómicas de D.F.E. Aubert, A. Adam, E.L. Las óperas cómicas de Aubert como "Fra Diavolo", "La capa negra" y "El caballo de bronce" son agudas, ingeniosas y llenas de alegría francesa. Su gran ópera "El mudo del porte" está basada en el levantamiento popular de Nápoles de 1697, que coincidía con la inminente situación revolucionaria de aquel momento. Su estreno en Bruselas (1830) inspiró a los belgas a rebelarse contra los holandeses.

En la década de 1830, la música francesa entró en un período de prosperidad. En términos de creación de ópera, estaban la gran ópera "El judío" de Allévi, el drama de danza de Adam "Giselle" y Meyerbeer, quien fundó el arte de la ópera romántica francesa. "Roberto el Diablo", "Los hugonotes", "La dama africana", etc. En el ámbito de la música instrumental, el compositor H. Berlioz hizo contribuciones destacadas al desarrollo de la cultura musical francesa. Creó la sinfonía del título. La característica de la música sinfónica de Berlioz es que resalta su efecto escénico y su título. Desarrolló los logros de las oberturas de Rameau, Gluck, Lesuure y Spontini, y combinó a Virgilio, Shakespeare y Bayer con los personajes escritos por maestros de la literatura clásica como Frankfurt; y Goethe fueron llevados a la música, restaurando la tradición artística democrática y de masas de la Revolución Francesa. Berlioz fue un innovador en el campo de la orquestación. Dio a la orquesta arreglos modernos y expresividad y escribió "Métodos de orquestación". En las décadas de 1930 y 1940, París fue un centro de la cultura musical europea. Aquí atrajeron a músicos de muchos países, como F.F. Chopin, N. Paganini, G. Rossini, F. Liszt, etc. La escuela francesa de violín ha ejercido influencia en Europa desde principios del siglo XIX. Su creador es J.-M. Posteriormente, el violinista italiano G.B. Viotti vivió en París durante 10 años a partir de 1782. Su forma de tocar con sus discípulos P. Rhodes, R. Krutzer y P. Bayeux formó el estilo de la escuela de violín francesa. A finales de la década de 1940, la ópera francesa fue influenciada por la tendencia literaria y artística realista y apareció la ópera lírica. Entre ellas, formas más orientadas a la vida y de interior, como romances, baladas, baladas y cánticos, han reemplazado la enorme estructura de las grandes óperas. Se han desarrollado coros y dúos. Los temas de las óperas líricas se han tomado en su mayoría de clásicos de la literatura, como por ejemplo. "Fausto" y "Romeo y Julieta" de C. Nod, "Mignon" y "Hamlet" de A. Thoma, "Werther" de J. Massenet, etc. La mayoría de estas obras ponen el tema del amor en primer lugar, pero no logran demostrar plenamente el significado social y filosófico de la obra original. Algunas se basan en materiales orientales, como "Los pescadores de perlas" de G. Bizet, "Lakme" de L. Delibes, etc. Las técnicas realistas de la ópera lírica francesa alcanzaron la perfección en la ópera "Carmen" de Bizet, de la que se puede decir que es la cúspide del arte operístico francés del siglo XIX. Sus personajes son distintivos, realistas y vívidos, la estructura dramática es estricta y compacta, y la música de las costumbres y escenas del mundo es rica en color. Pero los logros realistas de Bizet no se desarrollaron en las óperas francesas posteriores. Debido a la influencia del realismo italiano, la creación de la ópera francesa tuvo una tendencia naturalista. Como forma de arte independiente, el ballet ha sido popular en Francia desde la década de 1830. El mayor logro en ese momento fue "Giselle" de Adam. En la década de 1970, Delibes aportó una estructura dramática completa y un amplio impulso sinfónico al ballet. Sus obras representativas son "Coppelia" y "Sylvia". A finales de la década de 1950 surgió un nuevo género de teatro musical: la opereta. Las operetas de J. Offenbach tienen una variedad de temas, pero los temas centrales tienen que ver con representar las modas contemporáneas y criticar la moral burguesa de la época, al mismo tiempo que toleran los gustos frívolos y vulgares de la época. El estilo lírico de Offenbach quedó plenamente desarrollado en su última creación, la ópera "Los cuentos de Hoffmann". Editar este párrafo Comuna de París y Escuela Nacional de Música Durante la Comuna de París, la vida cultural francesa experimentó cambios importantes. La comuna propuso el lema "Arte para las masas" y llamó a los artistas a estar entre las masas. F.S. Danielle se convirtió en un destacado activista musical de su época. Durante su mandato como director del Conservatorio de París, redactó un plan de reforma educativa, pero no se implementó debido al fracaso de la Comuna y su ejecución. En 1888, en un festival de trabajadores en Lille, se cantó por primera vez el himno de guerra de la revolución proletaria, "La Internacional". La letra fue escrita por el poeta Baudier y el compositor fue el compositor obrero francés P. Duguet. . Esta canción ha sido considerada por los pueblos revolucionarios de todo el mundo como una declaración de unidad y lucha del proletariado internacional. Después de la guerra franco-prusiana, Francia fortaleció el movimiento para revivir las tradiciones musicales nacionales y promovió el desarrollo de la música instrumental.

La Asociación Nacional de Música se fundó en 1871. Uno de sus organizadores fue C. Saint-Saens. Su música instrumental se esforzaba por ser armoniosa y rigurosa, con puro gusto artístico y un estilo elegante. Sin embargo, a veces sólo buscaba la forma perfecta e ignoraba el contenido. Profundidad. El presidente de la Asociación Nacional de Música desde 1886 fue F. Poulenc. Buscó combinar la música romántica francesa con el clasicismo. Sus obras están llenas de emociones trágicas y sublimes, en marcado contraste entre la introspección solitaria y las emociones extáticas, y utilizan la armonía cromática, los acordes de séptima y novena para formar colores fuertes e intensos. Entre los compositores instrumentales de este período también se encuentran E. Lalo, E. Chausson, E. Chabrier y G. Fauré, conocido como el "Schumann francés", etc. Editar esta sección Música del Siglo XX A finales del siglo XIX y principios del XX, C. Debussy, figura representativa de la música del Impresionismo, se vio influenciado por la pintura y el simbolismo de la poesía y el teatro sobre la base del impresionismo. tradición musical nacional, absorbió elementos de la música oriental, creó un estilo completamente nuevo, que enriqueció enormemente el poder expresivo de la música. Sus creaciones tendían a ser descriptivas y carecían de un pensamiento más profundo. La exploración e innovación de Debussy en armonía, tonalidad, tema y orquestación tuvieron un impacto significativo en la música modernista. Otro maestro del impresionismo, el señor Ravel, tenía el mismo agudo sentido del color y el mismo delicado gusto estético que Debussy. Pero Debussy dejó volar su imaginación, mientras que Ravel prestó más atención al rigor formal y le gustaba utilizar materiales de música folclórica, especialmente melodías y ritmos españoles. Entre los que contribuyeron a la música francesa durante este período se encuentran P. Ducasse, Fauré, C. Koshland, V. Dandy, A. Roussel, etc. A principios del siglo XX surgió repentinamente la industria musical francesa. E. Satie levantó la bandera contra el impresionismo. Su obra representativa fue el drama de danza "Showman". Bajo la influencia de Satie, D. Milhaud, A. Honegger, Poulenc, G. Auric, L. Dire y G. Tayefer (1892), conocido como el "Grupo de los Seis" ~1983), no tienen principios unificados en creación y pensamiento, pero están unidos en una misma posición de contraponer romanticismo e impresionismo. El más prolífico entre ellos fue Milhaud, que estaba obsesionado con la innovación de diversas técnicas, hasta el uso de la escritura politonal. Honegger es suizo. Su pieza orquestal "Pacific 231" lo hizo famoso en toda Europa. Sus obras más valiosas son el oratorio "Juana de Arco en la pila en llamas" y obras sinfónicas. El mayor de los DeLay es miembro del Partido Comunista Francés y ha compuesto Concierto fantástico para violonchelo, Cuarteto de cuerdas, etc. Compuso "La larga marcha" para tenor, coro y orquesta basada en los poemas de Mao Zedong. Orric es el sucesor de Satie. Tiene una mente aguda, un carácter humorístico y su música es divertida y original. Las creaciones de Poulenc combinaban claridad clásica y mordaz ironía, y en sus últimos años recurrió a un estilo nuevo y serio, que se reflejó en la ópera "Diálogo de las Hermanas Carmelitas" y el Concierto para timbales para cuerdas. Tayefer es una compositora y pianista que ha compuesto conciertos para piano, baladas para piano, etc. En 1936 apareció en Francia un nuevo grupo de jóvenes compositores, "Young France", en el que participaron O. Messiaen, A. Jolivet, etc. Declararon públicamente su apoyo al espiritismo y utilizaron tecnología musical moderna para promover la doctrina católica. Messiaen es uno de los principales representantes de la música occidental moderna. Estudió la música india y el canto de los pájaros, y estuvo profundamente influenciado por las obras de C.-A. Franck en el siglo XIX, formando su estilo único. Jolive explora la síntesis de la música occidental con la música africana, polinesia y del Lejano Oriente. El concierto que escribió para el instrumento electrónico "Marteno" y la orquesta es una obra representativa en este ámbito. R. Leibovitz, alumno de A. Schoenberg y A. von Weben, utilizó sus propias creaciones y trabajos teóricos para promover el dodecafonismo. técnica. Su alumno P. Blaize dedujo además los principios creativos de Webern en un método holístico de creación de secuencias.