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Nombres completos: Pablo Diego José Francisco de Paul Jeannipo Mucino Santísima Trinidad Luis Picasso.

Pablo Diego José Santiago Francisco de Paula Juan Nepomuceno

Nacimiento y muerte: 1881 10 25 de octubre—8 de abril de 1973.

Descripción: Pintor, dramaturgo y poeta

Lugar de nacimiento: España

Pintor y escultor español. Miembro del *** Partido de la Producción francés. Es el fundador del arte moderno (arte abstracto) y el principal representante de la pintura modernista occidental. Es español y ha tenido un talento artístico extraordinario desde pequeño. Mi padre es profesor de arte. Recibió una estricta formación en pintura en la Academia de Bellas Artes y tiene sólidas habilidades como modelo.

[Editar este párrafo] Acontecimientos de la vida

¿Pablo? Pablo Picasso (1881 ~ 1973) nació en Málaga, España. Es el artista más creativo e influyente del Occidente contemporáneo. Él y sus pinturas ocupan una posición inmortal en la historia del arte mundial.

Infancia de 1881 a 1900

1881-10 Picasso nació en Málaga, sur de España;

En 1889, completó su primer óleo "El Matador". ";

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Primera exposición en 1894;

Ingresa en la Escuela de Arte Ronja de Barcelona en 1895;

Ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1897. Su óleo "Ciencia y Caridad" obtuvo el Premio de Honor en la Exposición Nacional de Arte de Madrid y posteriormente la Medalla de Oro de Málaga.

1900-1903 Periodo Azul

1902 completó el "selfie azul"; 1903 completó su vida y la expresó con un fuerte tono azul El sufrimiento de la pobreza, la vejez y la soledad; la vida de Picasso

1904-1906 Rose Period (Período Rosa)

Los "barcos de lavandería" que comenzaron a instalarse en París en 1904 comenzaron durante el Período Rosa. Conocieron a Fernand Olivi y vivieron juntos;

En 1905, escribió "El niño" con una pipa, que fue comprada por la filántropa Sra. John Hesitney por una enorme suma de 30.000 dólares. Niño sosteniendo una pipa

En 1906, conoció al maestro fauvista Matisse y pintó un retrato del escritor y coleccionista estadounidense Chang Chu Stein. El "Retrato de Stein" fue el trampolín de Picasso desde el "Período Rosa" hasta el "Cubismo".

Periodo del cubismo 1907-1916

En 1907, conoce a Braque y comienza a crear el estilo cubista, creando "Les Demoiselles d'Avignon";

1909 Analítica Comienza el cubismo; crea "La cabeza de Fernando"; 1912 pega papel adhesivo sobre la pintura para desarrollar aún más el cubismo; 1917-1924 Periodo clásico

En 1917, conoció a la bailarina Olga Kokova en Italia y creó un retrato de Olga. en 1918 se casó con Olga y realizó una exposición conjunta con Matisse;

1920 versión coral pintada a mano de "Tricorn Hat";

1922 creó dos mujeres corriendo por la playa. ;

Periodo del surrealismo 1925-1932

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En 1927, conocí a Marie-Thérèse Woelki, que sólo tenía 17 años, y se convirtió en modelo de Picasso. y dio a luz a una hija, Maggie;

En 1929, él y el escultor Gong Salles crearon esculturas y estructuras de alambre. Produjo una agresiva serie de pinturas con cabezas femeninas como tema, mostrando la crisis del matrimonio y la comprensión de Dalí;

Período de metamorfosis 1932-1945

En 1932, creó "Mujer en el Sillón Rojo”;

1933 Realizó grabados con la temática del taller del escultor.

[1] En 1934 creó una obra con la temática del toreo;

En 1936 estalló la Guerra Civil Española. Conoce a Dora.

Maar, y creó el retrato de Dora Maar;

Guernica fue creado en 1937;

En 1942, creó el grabado "La historia de la naturaleza"

1943 Conoció a François Giraud, de 22 años;

Se unió al Partido Comunista Francés en 1944;

1945 comenzó a intentar la creación de litografías;

1946-1973 Pastoral Época

En 1947 nació su hijo Claude. Realizó alfarería en el taller del alfarero Hamil. A partir de 1948 * * *, produjo 2.000 piezas de arte alfarero; en 1948 produjo "La paloma de la paz" y "Veinte poemas de Góngora" para la Conferencia Mundial de la Paz

Creó la serie Carmen en 1949;

Recibió la Medalla Lenin de la Paz en 1950;

En 1953 conoció a Jacqueline Locke en el Taller de Cerámica de Madura;

En 1954, comenzó a componer la serie de variaciones sobre "Mujeres argelinas" de Delacroix;

En 1956, se estrenó la película "El misterioso Picasso", con Clouzot* * *

En 1957, se celebró la exposición del 75 aniversario de Picasso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y él creó el grabado "Serie taurina".

En 1958, Picasso creó el mural "La caída de Ícaro" para la sede de la UNESCO en París.

En 1959, creó una serie de variaciones imitando "El almuerzo sobre la hierba" de Manet; " ;

Se casó con Jacqueline Locke, de 35 años, en 1961 para celebrar el 80 cumpleaños de Picasso;

Pintora en color y modelo en 1963;

1966, el Gran Palais y el Petit Palais de París acogen una exposición retrospectiva a gran escala de Picasso. Creación de la serie Quicksand;

En 1968 crea las series de grabados "Celestite" y "Ridiculous Man"

En 1970, cerca de 2.000 obras tempranas conservadas en España fueron donadas a Picasso; Museo de Bellas Artes de Barcelona;

En 1971, el Museo Nacional de Arte Moderno de París celebró una exposición retrospectiva para celebrar el 90 aniversario del nacimiento de Picasso.

1973, 92 años, fallece el 8 de abril en James, cerca de Cannes. Fue enterrado en el jardín de la Villa Fuwennaju el 10 de abril.

Picasso fue un pintor prolífico. Según las estadísticas, tiene un total de casi 37.000 obras, entre ellas 1.885 óleos, 7.089 bocetos, 20.000 grabados y 61 litografías.

La vida de Picasso fue brillante. Fue el primer pintor que vivió para ver su obra recogida en el Louvre. En una encuesta realizada por un periódico francés en febrero de 1999, fue elegido entre los diez pintores más grandes del siglo XX con un elevado 40% de los votos. Respecto a sus obras, Picasso dijo: "Cada pintura mía contiene mi sangre. Este es el significado de mi pintura. Entre las 10 pinturas con los precios de subasta más altos del mundo, las obras de Picasso representan cuatro".

Las pinturas y estilos de Picasso cambiaron varias veces a lo largo de su vida. Quizás debido a su sensibilidad y precocidad ante la impermanencia del mundo y su familia pobre, las primeras obras de Picasso estaban llenas de melancolía precoz, y sus primeras pinturas se aproximaban a temas expresionistas. Durante sus estudios, Picasso estudió técnicas académicas y temas tradicionales, creando obras que representan temas religiosos, como la Primera Comunión. Los colores pastel de Degas y los temas de clase alta perseguidos por Lautrec también fueron temas de los primeros estudios de Picasso. En pinturas como "Garrett's Mill" y "Woman Drinking Absinthe", siempre se pueden ver los fantasmas flotantes de sonido y luz manipulados por Roethrec, y hay una vaga tristeza. Cuando Picasso tenía catorce años, se mudó a Barcelona con sus padres y conoció nuevas ideas y arte local. Sin embargo, justo cuando estaba ansioso por intentarlo, se encontró con el fracaso de la guerra colonial española en ese momento. Los cambios políticos dramáticos han llevado a la miseria de la gente, y Barcelona, ​​​​como ciudad importante, es la primera en llevar la peor parte. Quizás fue este estímulo dual de excitación y desesperación lo que dio a Picasso el poder melancólico del Período Azul en su subconsciente.

Picasso, que se mudó a París, era empobrecido y vivía en una extraña y ruinosa residencia llamada "Laundry Boat", que era un lugar de reunión de artistas ambulantes en ese momento. También fue en esta época cuando Olive, de diecisiete años, entró en la vida de Picasso en un día lluvioso. Como resultado, el alimento y la dulzura del amor suavizaron su actitud originalmente obstinada y reprimida hacia la vida, y el color azul deprimido y doloroso de sus pinturas comenzó a provocar emociones saltantes.

Quemando cuidadosa y lentamente viejas penas, todo el estilo ahora amplifica la ternura de la felicidad y la alegría de la intimidad emocional.

En las obras del Período Rosa Rojo, aunque las expresiones de los personajes aún son indiferentes, se ha prestado atención a la belleza armoniosa y al sutil cuidado humanista. Además de la riqueza de colores, el conjunto ha escapado al abismo desesperado del anterior período azul. Abandonad los símbolos tristes y sin vida de la pobreza y la enfermedad y reemplázalos con interés, cuidado y confianza en la vida. Debajo de la camisa de la mujer, una imponente camisa de tul delinea suavemente el cuerpo de Dong emergiendo de la oscuridad, extendiéndose con firmeza, revelando la arrogancia y confianza de la joven. Hay una belleza delicada y ligera que fluye como un fantasma. La atmósfera general se transmite de una manera suave y meticulosa, permitiendo que el cuerpo misterioso se compadezca de la belleza morbosa en la niebla. La razón principal para la formación del arte del collage surge del deseo de Picasso de romper las limitaciones del espacio, que es el producto. de un golpe divino. De hecho, el collage no fue iniciado por Picasso. Existía en la artesanía popular en el siglo XIX, pero Picasso lo llevó a la pintura y lo separó del estatus de artesanía. Las primeras obras de collage, "Naturaleza muerta sobre una silla de ratán" y "Guitarra" de 1913, son la mejor interpretación del cubismo mediante collage.

Las pinturas posteriores se centraron en el arte primitivo y las imágenes simplificadas. De 1915 a 1920, el estilo pictórico viró hacia el realismo. La década de 1930 se inclinaba claramente hacia el surrealismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso pintó el óleo "Guernica" para protestar contra los bombardeos indiscriminados de los fascistas alemanes e italianos a la ciudad de Guernica, en el norte de España. Esta pintura es la pintura abstracta más famosa de Picasso que combina cubismo, realismo y surrealismo. Sus violentas deformaciones, pinceladas distorsionadas y exageradas, acumulación de bloques geométricos de color y formas abstractas expresan dolor, sufrimiento y animalidad, y expresan las complejas emociones de Picasso. Posteriormente, creó una gran cantidad de esculturas, grabados y cerámicas, y también logró logros destacados. Picasso desarrolló actividades artísticas desde finales del siglo XIX hasta la década de 1970. Picasso fue el pintor modernista más influyente de todo el siglo XX. Las obras de Picasso tienen una gran influencia en las escuelas de arte occidentales modernas.

Picasso era un buscador de técnicas artísticas en constante cambio. Las técnicas artísticas del impresionismo, el postimpresionismo y la Bestia fueron absorbidas por él y reseleccionadas como su propio estilo. Su talento radica en mantener su personalidad tosca y poderosa en diversas variaciones de estilo, y en lograr unidad interior y armonía en el uso de diversas técnicas. Ha alcanzado tal nivel que sus obras, ya sean cerámicas, grabados o esculturas, parecen un juego de niños. En su vida, nunca hubo un maestro específico, ningún niño específico, pero ningún pintor activo en el siglo XX pudo evitar por completo el camino abierto por Picasso.

En 1973 falleció tranquilamente, como deseaba, y vivió hasta los 93 años.

Las muchachas de Aviñón

Esta pintura al óleo increíblemente grande no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno, desencadenando La Nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" se inició en 1906 y se completó en 1907, con muchas revisiones durante el período. En este cuadro, cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas forman una composición formal. El título de la pintura fue añadido por el amigo de Picasso, Andreu Selman. Se dice que al propio Picasso tampoco le gustó. Pero en fin, este es sólo el nombre de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras, y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para explicar el contenido de sus obras. Lo mismo debe decirse de Las señoritas de Aviñón de Picasso. La intención original del cuadro era ser una alegoría sobre las enfermedades de transmisión sexual, titulada "La recompensa del pecado", lo cual es claramente evidente en el boceto original que presentaba a un hombre sosteniendo un esqueleto en su mano, recordando una antigua moraleja española; máxima: "Todo es vanidad". Pero durante la creación formal del cuadro, estas anécdotas o detalles implícitos fueron eliminados por el artista. Su impacto final no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.

Este cuadro es la primera obra cubista. Las imágenes de las tres mujeres desnudas del lado izquierdo del cuadro son obviamente rígidas deformaciones del cuerpo humano clásico; los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas del lado derecho están llenos de características salvajes del arte primitivo. Los pintores descubrieron el encanto primitivo de las esculturas africanas y oceánicas y presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien destruyó la estética clásica con el arte primitivo. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la totalidad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Entonces la pintura es (como dijo un crítico) "como vidrios rotos".

Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero en el proceso de destrucción, ¿qué ganó? A medida que nos recuperamos del impacto de ver la pintura por primera vez, comenzamos a ver que la destrucción es bastante ordenada: todo, tanto la imagen como el fondo, está dividido en bloques geométricos angulares. Notamos que estos fragmentos no son planos, tienen una sensación tridimensional porque están sombreados. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, mientras que otros parecen fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan al cuadro cierta unidad y continuidad.

En esta pintura podemos ver un nuevo método para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método se utilizó por primera vez en las pinturas de Cézanne. Vemos que las caras de las dos imágenes en el centro de la imagen están de frente, pero sus narices están dibujadas de perfil; las cabezas están en el lado izquierdo de la imagen, pero los ojos están de frente. Vídeos desde diferentes ángulos se combinan en una misma imagen. Este lenguaje llamado "video sincronizado" se usa más obviamente en la imagen en cuclillas en el lado derecho del cuadro. Esta imagen de tres cuartos de la espalda está separada del eje central de la columna debido al desmontaje y empalme. Sus piernas y brazos están alargados para sugerir profundidad; su cabeza está volteada para mirar al espectador. Picasso parece haber dado vueltas de 180 grados alrededor de la imagen antes de componer imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones de perspectiva de los pintores en los 500 años transcurridos desde el Renacimiento italiano.

Picasso intentó mantener el cuadro plano. Aunque muchos de los bloques de la pintura son cóncavos y convexos, no son profundamente cóncavos ni convexos. El espacio que se muestra en la pantalla es tan poco profundo que la pintura parece una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a la mancha azul del fondo a la derecha, podemos detectar la originalidad del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para contrarrestar este efecto, Picasso enmarcó estas manchas azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que destacaban desesperadamente.

Les Demoiselles d'Avignon es en realidad una estructura de pintura independiente que no se preocupa por el mundo exterior. Lo que le importa es el mundo formado por sus propias formas y colores. Nació de la inmortal obra de Cézanne que representa a una chica bañándose. Forma una estructura pictórica pura en un orden diferente al orden natural.

El disfrute de Cassler

"Retrato de Cassler", Picasso, 1910, óleo sobre lienzo, 100 × 61,5 cm, Chicago, Art Center of Chicago.

Las pinturas de Picasso del período del "cubismo analítico" de 1909-1911 demuestran aún más el abandono de la representación objetiva. Durante este periodo, las imágenes de sus obras, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestas, dejando al espectador con poca comprensión de ellas. Aunque cada pintura tiene un título, es difícil para las personas encontrar el objeto relacionado con el título. Esas formas descompuestas y fondos se fusionan entre sí, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con líneas verticales, diagonales y horizontales. En esta compleja estructura de red, las imágenes emergen lentamente pero pueden disolverse instantáneamente en bloques complejos. Aquí se minimiza el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de líneas, formas y formas, y la tensión que emana de esta estructura.

Este retrato de Cussler demuestra claramente cómo Picasso aplicó el lenguaje analítico del cubismo a la creación de figuras específicas. Lo sorprendente es que Picasso nunca dejó de utilizar modelos como referencia en esta representación extremadamente abstracta de imágenes en descomposición y abandono del color. Para pintar este cuadro, le pidió a su viejo amigo el Sr. Kessler que se sentara pacientemente frente a él veinte veces. Se esforzó por descomponer la forma en detalle, obteniendo así una estructura pictórica que parece estar compuesta de capas de bloques de color transparentes superpuestos. Los únicos colores del cuadro son el azul, el ocre y el violeta grisáceo. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la imagen del Sr. Canwell todavía puede verse débilmente en el entrelazado de líneas y cuadrados, es difícil juzgar su parecido con la persona real. Roland Penrose, el experto en Picasso más famoso, comentó una vez después de ver este cuadro: "Cada vez que se separa una cara, un plano se separa de la parte adyacente, moviéndose constantemente hacia atrás, produciendo constantemente una sensación directa, que recuerda a las capas de ondas en el agua.

Mientras tus ojos vagan a través de estas ondas, puedes captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello cuidadosamente peinado, una pulsera, un par de manos cruzadas. Pero cuando la mirada se vuelve de un punto a otro, siente constantemente el placer de nadar alrededor de algunas superficies que convencen por su apariencia similar... Al ver una imagen así, surge la imaginación: la imagen, aunque ambigua, parece real; y hace su propia interpretación con alegría, impulsado por la vida simétrica y armoniosa de esta nueva realidad. ”

Botella, Vidrio y Violín

1890-1892, óleo, 45×57 cm, en el Museo de Orsay, París.

Desde 1912 , Picasso recurrió a Experimentó con la pintura en el estilo del "Cubismo sintético". Este nuevo estilo se demuestra claramente en este cuadro llamado "Botella, vidrio y violín". En él podemos distinguir varias figuras basadas en objetos cotidianos: una botella, un vaso y un violín están representados por recortes de periódico. Aquí, el foco del pintor es en realidad la forma básica.

Sin embargo, este problema se abordó con una actitud completamente nueva, la. La imagen se redujo a sus elementos básicos, es decir, se dividió en muchos pedazos pequeños. Picasso usó estos bloques de construcción como elementos. Se formó un nuevo orden de objetos y espacio en sus pinturas. Usó pinceladas cortas y gruesas para yuxtaponer. y conectar esos bloques para obtener una estructura de imagen clara, que encarna el proceso de pintura riguroso y racional, simplemente adoptó el procedimiento opuesto. Ya no tomó objetos reales como punto de partida y los descompuso en básicos. elementos, pero utilizó elementos básicos como punto de partida para transformar formas y bloques básicos en objetos gráficos objetivos, es decir, antes de mostrar botellas, tazas y violines, había organizado y ordenado una estructura de imagen abstracta. Con la pincelada, incluso logró una realidad más objetiva con periódicos, papeles pintados, etc. Se utiliza papel de grano de madera y otros materiales similares para hacer collages de diferentes formas de bloques de construcción. Estos bloques, por un lado, muestran el mundo fuera del cuadro, y por otro. Por otra parte, su combinación orgánica muestra la unidad y la independencia del propio mundo de la pintura. No es de extrañar que su marchante de arte y amigo Kahn Weiler comentara sobre él: "Aunque no sepa jugar con el pincel, puede hacerlo". Todavía crea excelentes obras. "En este collage, un trozo de periódico a la izquierda representa una botella, y el papel impreso en madera representa un violín. Y unas líneas fuertes dibujadas con carboncillo hacen realidad esta transformación, reuniendo aquellas cosas que no son materiales coherentes. un todo orgánico.

Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el principal símbolo de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: "Incluso desde un punto de vista estético, la gente está confundida. Se puede preferir el cubismo. Pero el papel maché es el verdadero corazón de nuestro descubrimiento. "En el uso de este lenguaje de collage, Picasso es obviamente más audaz e imaginativo que otros pintores cubistas (como Braque y Grice). Cuando otros pintores organizan diferentes papeles, deben considerar si son consistentes con la realidad. Una cuestión de lógica. Siempre limitaron el papel con vetas de madera a los objetos que representaban la madera (como mesas y guitarras). Picasso rompió por completo con esta restricción y podía usar un papel tapiz estampado para representar la mesa, o un trozo de periódico recortado para hacer un violín. . Picasso explicó una vez su visión sobre el collage en una conversación con François Giraud:

“El propósito del papel es señalar diferencias que pueden introducirse en la composición, convirtiéndose en una realidad en la pantalla que rivaliza. naturaleza. Intentamos deshacernos de la perspectiva y encontrar el espíritu del trompe l'oeil. Nunca se utilizan fragmentos de periódicos para representar periódicos. Los usamos para representar una botella, un piano o una cara. Nunca utilizamos el material según su significado literal, sino fuera de su contexto habitual, creando así un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final. Si los fragmentos de periódico se pueden convertir en una botella, la gente pensará en los beneficios de los periódicos y las botellas. El objeto es desplazado a un mundo extraño, un mundo en el que está fuera de lugar. Sólo queremos que la gente piense en esta extrañeza porque nos damos cuenta de que vivimos solos en un mundo muy perturbador. "("Picasso en las obras de los amantes" traducido por François Giraud y otros, Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60).

Guernica.

Guernica, Picasso, 1937, óleo sobre lienzo, 305,5 × 782,3 cm, Museo del Prado.

El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico creada por Picasso en los años 30. La pintura fue encargada por el gobierno español para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. Esta pintura muestra la atrocidad del bombardeo de la Luftwaffe a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro. Completó esta obra maestra en apenas unas semanas como condena y protesta contra las atrocidades fascistas.

Aunque Picasso estaba interesado en la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad. Dijo: "No soy surrealista y nunca me he divorciado de la realidad. Siempre permanezco en la situación real de la realidad". Esta también puede ser una razón importante por la que eligió pintar Guernica. Sin embargo, la expresión de la realidad en sus pinturas es completamente diferente al realismo tradicional. El rico significado simbólico de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violencia, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza. Por supuesto, en el cuadro también se representan muchas escenas de la vida real. En el lado derecho de la pintura, una mujer sostiene a un bebé muerto y llora. Debajo de ella hay un soldado tirado en el suelo, sosteniendo flores y flechas rotas en sus brazos. En el lado izquierdo de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó al cielo. No muy lejos de él, la mujer que se agachó para escapar estaba tan asustada como si sus patas traseras estuvieran detrás de ella. Todos estos son retratos reales de las víctimas de horribles bombardeos aéreos.

Muchas imágenes del cuadro reflejan la absorción por parte del pintor de factores pictóricos tradicionales. La imagen de una madre sosteniendo a su hijo muerto parece provenir de la tradición de la Piedad; la mujer que sostiene una lámpara de aceite recuerda la forma de la Estatua de la Libertad. La imagen de las manos gritando en el aire es similar a la postura moribunda del patriota en la pintura de Goya; la imagen del soldado tirado en el suelo con los brazos extendidos parece estar relacionada con las imágenes de algunas pinturas de guerra del Renacimiento italiano temprano. Se puede ver que Picasso no sólo fue un innovador audaz con un espíritu rebelde, sino también un artista que respetaba y dominaba la tradición.

A primera vista, la organización de la imagen y la disposición de la composición de este cuadro son muy aleatorias, e incluso podemos sentir que está un poco desordenada. Esto parece coherente con la atmósfera caótica en la que los residentes estaban dispersos presa del pánico durante el bombardeo. Sin embargo, cuando miramos de cerca esta pintura, encontramos que todas las formas e imágenes en este largo espacio pictórico han sido cuidadosamente concebidas y consideradas, y tienen un orden estricto y unificado. Aunque muchas de las imágenes son dinámicas, sus formas textiles revelan claramente algún significado clásico. Vemos que en el centro de la imagen, diferentes imágenes brillantes se superponen entre sí para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo simplemente divide toda la imagen en forma de franja en dos cuadrados; Y las imágenes en los lados izquierdo y derecho de la pantalla están muy equilibradas. Se puede decir que esta composición llamada pirámide tiene algunas características similares a "La Última Cena" de Leonardo da Vinci. Además, toda la pintura se puede dividir en cuatro secciones de izquierda a derecha: la primera sección resalta la imagen del toro; la segunda sección enfatiza el caballo herido y luchando, y las deslumbrantes luces eléctricas de arriba parecen ojos asustados y solitarios; en el tercer tramo, lo último que llama la atención es la "Estatua de la Libertad" sosteniendo una lámpara y asomando la cabeza por la ventana. En el cuarto párrafo, inmediatamente nos llama la atención la imagen de un hombre asustado extendiendo la mano hacia el cielo, su gesto desesperado es inolvidable. Picasso utiliza esta composición cuidadosamente organizada para expresar imágenes exageradas y deformadas llenas de dinámica y emoción de una manera unificada y ordenada. No solo representa detalles ricos y variados, sino que también resalta y enfatiza puntos clave, mostrando sus profundas habilidades artísticas.

Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del recorte. Sin embargo, el efecto visual del recorte en la pintura no se logra mediante métodos de recorte reales, sino mediante pintura a mano. Los personajes de "cortar y pegar" superpuestos uno sobre otro se limitan a tres colores: negro, blanco y gris, resaltando así eficazmente la atmósfera tensa y aterradora de la imagen.