¡Pregúntame! Obras representativas y compositores de la música modernista.

Generalmente se refiere a toda la creación musical profesional occidental desde la música impresionista de finales del siglo XIX y principios del XX hasta la actualidad. Sin embargo, en los últimos 90 años, los estilos y géneros de la música occidental han sido muy complejos y la evolución ha sido muy drástica. Desde la perspectiva del estilo histórico, la música moderna se refiere específicamente a obras de un estilo especial creadas en el siglo XX. no Se refiere a todas las obras escritas en el siglo XX. Porque aunque algunos compositores (como C.B. Rachmaninov, J. Sibelius, etc.) también escribieron muchas obras importantes en el siglo XX, en términos de estilo general todavía pertenecen a la música romántica del siglo XIX. En comparación con el romanticismo y su anterior música tradicional occidental, la música moderna no sólo ha sufrido grandes cambios, sino que sus estilos también son muy diversos. Bajo la influencia de las tendencias económicas, políticas, científicas y otras tendencias artísticas modernas, y bajo la influencia de las leyes inherentes del propio arte musical, las leyes básicas de la música tradicional occidental se han ido rompiendo una por una en este proceso, debido a la adopción; de varios compositores Los enfoques y métodos son diferentes, por lo que los géneros, compositores y obras son más complejos que nunca en la historia. En períodos históricos pasados, siempre hubo un estilo musical dominante, pero en el siglo XX, no es raro que se produzcan varios desarrollos paralelos diferentes, incluso opuestos, de tendencias musicales. Los cambios en el estilo musical determinan la innovación de varios componentes dentro de la música. La música moderna ha logrado avances sin precedentes en diversos aspectos como el tono, el ritmo, el timbre, la intensidad y la estructura organizativa. Por un lado, esto constituye las principales características acústicas de la propia música moderna. Por otro lado, el ámbito de expresión musical también se ha ampliado sin precedentes. Los compositores han adquirido más y más ricos medios creativos, pero como estas técnicas a menudo van más allá de los hábitos de escucha de la gente y del pensamiento musical familiar, suele existir una profunda brecha entre el público y la música moderna. El síntoma del surgimiento de la música moderna es la disonancia del sonido. Esto se puede ver en las obras de muchos compositores románticos del siglo XIX, como F. ​​Liszt, □.P. Mussorgsky, E. Grieg y otros. El compositor alemán R. Wagner contribuyó con fuerza a la desintegración de los modos y funciones tonales clásicos mayores y menores, lo que condujo a la "liberación de la disonancia" (palabras de Schoenberg). En las obras de Wagner, adoptó muchas progresiones de acordes cromáticos, y la armonía se liberó de las cadenas de la tónica modal, y la relación tradicional entre los modos mayores y menores y la tonalidad comenzó a temblar. La música impresionista, representada por el compositor francés C. Debussy, es el género más importante en la transición a la música moderna. Finalmente completó la desintegración de las funciones clásicas de tonalidad y armonía y, por lo tanto, tuvo un impacto inconmensurable en el desarrollo de la música occidental en el siglo XX. En la música impresionista, la disonancia se usaba con tanta libertad que casi alcanzó el mismo estatus que los intervalos de consonancia. Debido al uso extensivo de escalas diatónicas, modos de iglesia, acordes paralelos, acordes de séptima y novena no resueltos, acordes superpuestos y otras técnicas, la música impresionista rompió en gran medida las leyes de la música tradicional en términos de organización del tono. Además, para lograr efectos auditivos novedosos y expresar el estado de ánimo y la atmósfera con luz y color nebulosos, la música impresionista rompe el equilibrio del ritmo, se opone a la simetría en la forma musical y requiere transparencia en el timbre, todo lo cual se aparta de la tradición anterior. Las convenciones y leyes de la música abrieron la puerta a la música del siglo XX. Además del singular compositor francés M. Ravel, muchos otros compositores, aunque no impresionistas, fueron fuertemente influenciados por la música impresionista, como P. Ducas de Francia y O. Respighi de Italia, F. Dillius del Reino Unido y M. . de Faria de España, etc. El expresionismo y la música de doce tonos se produjeron inmediatamente después del impresionismo y son completamente diferentes del impresionismo en términos de ideas estéticas y técnicas creativas. La música expresionista es el primer género de la música moderna. El expresionismo fue un género artístico que surgió en Alemania antes de la Primera Guerra Mundial y se hizo popular en Europa y Estados Unidos después de la guerra.

En 1911, el pintor ruso V. Kandinsky (1866-1944), activo en Alemania, y los pintores F. Mark (1880-1916), A. Mark (1887-1914), etc. fundaron la revista "The Blue Rider", que no sólo publicó sino también pinturas de Kandinsky y otros, y también publicó muchas teorías expresionistas sobre el drama, la pintura, la poesía, etc., incluidas las obras del músico austriaco A. Schoenberg, dando inicio así al movimiento expresionista. El expresionismo, que se originó en la pintura, apuntaba a la objetividad del impresionismo. Creen que el arte no debe "describir" ni "simbolizar", sino que debe expresar directamente el espíritu y la experiencia humanos. Es decir, el arte no es "describir objetivamente lo que vemos ante nuestros ojos", sino "expresar subjetivamente los objetos que tenemos ante nuestros ojos". "El gesto que aparece en los ojos", es decir, para expresar el mundo espiritual del autor, el llamado espíritu interior, pero este mundo espiritual y espíritu interior están relacionados con emociones morbosas como la locura, la desesperación, el miedo y. ansiedad, así como el increíble destino de los "seres humanos", etc. El expresionismo en la música está representado por el austriaco Schoenberg y sus discípulos A. Berg y A. von Weben. Su búsqueda de una libertad absoluta en las formas y la ruptura de viejas tradiciones están en consonancia con el expresionismo en la pintura. La música expresionista es completamente contraria a la antigua tradición. Ignora por completo las leyes tonales del pasado. Dar igual valor a los doce semitonos de la octava y abandonar los conceptos tradicionales de tonos tónicos y dominantes, dando así a la atonalidad una ventaja absoluta. Debido a que la antigua trayectoria de la melodía se destruye, la melodía no tiene equilibrio ni repetición y, por lo tanto, es solo una serie de sonidos únicos. Además, el ritmo es esquivo y se ignora el compás. En términos de forma, parece ser muy libre ya que ignora los bandhas, las repeticiones y los métodos de equilibrio convencionales. Pero su forma basada en nuevas teorías tiene las maravillosas características de ser única, fluida y de desarrollo infinito. En términos de contrapunto, existe la sensación de abandonar la armonía tradicional y convertirse en una progresión libre y compleja de líneas melódicas, que es el llamado contrapunto libre lineal. En términos de formación y orquestación de la orquesta, se diferencia de la enorme estructura exagerada y el sonido perseguido por el romanticismo tardío. En cambio, adopta un arreglo pequeño, exquisito y simple, a menudo con características obvias de música de cámara. Sus colores no son tan misteriosos e indistintos como el impresionismo, sino simples, brillantes y fuertes. La primera canción hablada de Schoenberg, "Pierrot Lunaria", y la obra unipersonal "Expectation" son obras típicas del expresionismo. El primero se basa en los poemas del poeta decadente A. Giraud y describe las distintas escenas de la rapsodia de un poeta neurótico Piero mirando a la luna. A veces es la horca, a veces es la lujuria loca de la anciana, a veces. el propio fantasioso se convierte en sacerdote, preside la "Misa Sangrienta", saca el corazón ensangrentado y ora por la bendición de Dios. Toda la obra está llena de horror, locura y contenido grotesco. "Expectation" cuenta la historia de una mujer que camina por un bosque oscuro en busca de su amante, pero lo que encuentra es el cuerpo de su amante. Schoenberg exigió que la actuación "haga comprender al público que está lleno de miedo en el bosque, y que toda la actuación no debe perder la impresión de una pesadilla". En estas obras, Schoenberg no sólo utilizó la atonalidad y el contrapunto que perdían el sentido de la armonía, sino que también utilizó una entonación extremadamente exagerada de la melodía, lo que se llama "canto hablado". Las obras representativas de Berg como expresionista son dos óperas "Wozzeck", "Lulu" y "Concierto para violín". "Wozzeck" es una adaptación de una tragedia inacabada del escritor alemán del siglo XIX G. Büchner. El contenido describe a Wozzeck, un barbero en el campamento militar, que para mantener a su amante y a sus hijos gastaba 3 céntimos al día. y niños. Un "animal de experimentación" barato para los médicos. Mientras él sufría pobreza y humillación, el director de la banda militar engañó a Mary para que perdiera su integridad. Wozzeck, desesperado y dolorido, la mató y se arrojó al lago. Esta tragedia refleja en cierta medida la oscuridad de la sociedad feudal alemana y se solidariza con quienes han sido insultados y perjudicados. Sin embargo, el excesivo enfoque en representaciones psicológicas de los celos, la desesperación y la locura también refleja la negatividad morbosa y neurótica del expresionismo. El mayor desarrollo del expresionismo de Schoenberg, Berg y otros en el pensamiento musical consiste en encontrar la base de la unidad lógica en la música atonal libre.

La intuición y la sensibilidad no pueden garantizar la coherencia y la unidad de la música atonal, por lo que debe depender de limitaciones racionales. Aquí es donde aparece la música dodecafónica. Schoenberg dividió los doce semitonos de la escala en varias columnas de tonos. Los tonos individuales de cada columna de tonos no se repiten ni son continuos para crear una secuencia de tonos (grupo) con una sensación de armonía funcional. Esta técnica de composición basada en la "secuencia de notas" y sus diversas deformaciones permite al compositor dar rienda suelta a su creatividad dentro de un rango limitado. Al mismo tiempo, también garantiza la precisión de las obras musicales atonales (especialmente las estructurales). unidad. Quizás sea la forma más singular de pensar sobre la música que ha surgido después de la desintegración del pensamiento tonal tradicional. Schoenberg, Berg y Weben demostraron a través de su propia práctica la posibilidad de este tipo de pensamiento en la música. En 1923, Schoenberg comenzó a utilizar técnicas de creación musical dodecafónica en ciertos pasajes de "Five Piano Pieces" y en la música de cámara solista "Serenade". Berg escribió el "Concierto para violín" y la ópera "Lulu" utilizando música dodecafónica. Webern desarrolló aún más la técnica dodecafónica de Schoenberg hasta convertirla en "música secuencial". Más tarde, él y sus sucesores ampliaron la "secuencia" para combinarla con melodía, ritmo, dinámica y timbre para formar la llamada "secuencia general". En sus últimos años, Weber creó la "música puntillista", que componía música con muchos grupos armónicos cortos separados por silencios, como una pintura "puntillista". Sus obras principales incluyen "Variaciones para piano" (Op. 27), "Six Dittys" (Op. 9), "Variaciones orquestales" (Op. 30) y muchas piezas vocales. Música neoclásica Después de la Primera Guerra Mundial, en la música occidental aparecieron, por un lado, muchas escuelas experimentales y corrientes de pensamiento (como el "futurismo" italiano, la música microtonal del compositor checo A. Haba, etc.), y, por otro, algunas importantes Los compositores han pasado por un proceso relativamente estable de desarrollo de estilo. Surgen uno tras otro nuevos conceptos estéticos y pensamientos musicales. Desde principios de los años 1920 hasta los años 1950, el neoclasicismo fue posiblemente el género musical más influyente. En términos de tendencias estéticas, el neoclasicismo no sólo niega el título y la subjetividad de la música romántica, sino que también niega las ilusiones y expresiones exageradas del romanticismo tardío y el expresionismo del que derivó. El neoclasicismo defiende que la creación musical no necesita reflejar una sociedad y una política caóticas, y aboga por adoptar una postura "neutral" o de "primero el arte" y la creación debería volver a los "clásicos" y "a una era más alejada de Bach". la belleza de la música (no mezclada con poesía o pintura, etc.); el compositor debe deshacerse de la subjetividad y reproducir las formas clásicas uniformes y equilibradas con técnicas modernas con tranquila objetividad. El neoclasicismo, que como sistema influyó en las generaciones posteriores, está representado por el compositor italiano F. Busoni y el compositor ruso I.F. Busoni creía que la música debía mantener un espíritu objetivo estricto y una actitud neutral, y las técnicas clásicas de contrapunto y formas clásicas como Partita, Concerto Grosso, Toccata, Passacaglia y Richerka eran la mejor manera de practicar esta teoría. Después de que Stravinsky publicara su manifiesto "Regreso a Bach" en una revista británica en 1927, desató una locura por el neoclasicismo. Las creaciones típicas del neoclasicismo temprano son la "Obertura cómica" y la "Sonata para piano" de Busoni, pero las más típicas son la música de baile de Stravinsky "Apolo, señor de las musas" y "El beso del hada", "Sinfonía del salmo" y " Concierto para piano", etc. Algunas de estas obras se seleccionan de historias mitológicas antiguas y otras utilizan temas religiosos medievales. Musicalmente, se esfuerzan por imitar estilos musicales antiguos y combinarlos con técnicas modernas para formar un nuevo tipo de imitación de estilos musicales antiguos. El neoclasicismo, defendido por Busoni y Stravinsky, ha tenido una profunda influencia en muchos compositores modernos destacados. Los primeros "Cuarteto de cuerda" y "Sonata para violín n.º 1" escritos por A. Honegger del conjunto francés de seis piezas, así como el posterior "Concierto de cámara", "Sonata para violín sin acompañamiento", "Suite Acai" y otras obras. Hay características neoclásicas obvias en el concepto y estructura de la música. El contenido profundo y los métodos de expresión elegantes e intelectuales de sus sinfonías reflejan características clásicas.

D. Milhaud, otro compositor del Conjunto de Seis miembros, aunque sus primeras obras estuvieron influenciadas por los románticos tardíos, entre ellas, la "Sonata para piano" (1916), la suite sinfónica "Proud" y la colección para piano "Soldado de Brasil" "(1919~1920), seis "Sinfonías" en miniatura y el "Concierto de primavera", "Concierto para piano", "Suite para violín, clarinete y piano" (1936), "Suite francesa", n.° 14~ Los 16 cuartetos de cuerda, así como muchas sinfonías y conciertos para piano, tienen características neoclásicas obvias. Muchas obras de F. Poulenc del período medio, como "Suite francesa" (1936), "Concierto para dos pianos", "Concierto para orquesta en sol menor" (1939), "Piano y sexteto de viento", "Piano, Trío de oboe y fagot” puede incluirse en esta categoría. Aunque P. Hindemith de Alemania es conocido como el representante del Nuevo Objetivismo, estableció un nuevo sistema en la teoría de la armonía. Pero nunca se alejó mucho de la tonalidad tradicional y la organización armónica. Utilizó técnicas de contrapunto frescas y sofisticadas para escribir muchas fugas modernas. Es bueno combinando géneros clásicos con nuevo vocabulario musical. Los húngaros B. Bartók y Z. Kodaly eran ambos neonacionalistas. El primero aplicó temas musicales nacionales, pero no se limitó a copiarlos, sino que descompuso la tonalidad, el ritmo, la melodía y otros elementos y los integró cuidadosamente. gramática musical. Su "Música para instrumentos de cuerda, percusión y celesta" (1936), "Sonata para dos pianos y percusión", "Sonata para violín", "Concierto para piano nº 3" y "Concierto para orquesta" son todas una obra típica del neoclasicismo. Mientras usaba canciones populares de Mazar, Kodaly se esforzó por hacer que el lenguaje y las melodías estuvieran estrechamente integrados y accesibles. Por ejemplo, la suite orquestal "Harry Janos", "Garanta", "Concierto orquestal", Cuarteto de cuerdas nº 1 y nº 2 y "Sonata para violonchelo sin acompañamiento" son sus representantes. Prokofiev y Shostakovich de la Unión Soviética combinaron ideas sociales, nacionales y modernas con un pensamiento clásico, serio y racional, ampliando enormemente el alcance del estilo musical neoclásico. Aunque el compositor francés Ravel tenía una orquestación muy colorida, hizo un uso extensivo de modos antiguos y exóticos como España, China, Arabia y Grecia, y evitó la escala natural y los intervalos vacíos de cuarta y quinta, lo que lo hizo único. Pero su ingeniosa técnica, su tema claro, su clásico sistema de armonía de tres acordes y su respeto por las formas clásicas también pueden clasificarse como neoclasicismo. Música secuencial integral y música estadística especulativa Si antes de la Segunda Guerra Mundial había sólo unos pocos géneros de música moderna, entonces la música moderna después de la guerra es demasiado numerosa para contarla. La primera etapa importante del desarrollo de la música moderna de posguerra fue la popularidad de la música secuencial. Inspirados por la técnica dodecafónica de Schoenberg y algunas de las prácticas creativas más radicales de Weben, los compositores comenzaron a combinar todos los elementos de la música (incluido el tono, la duración, el volumen, el timbre, el método de ataque, etc.) y se incorporan a la red computacional de la secuencia. el resultado es que todos los elementos de la música reciben la misma importancia y la generación de una organización estructural en la música depende enteramente de rigurosos cálculos matemáticos. Esta tendencia es causada por la extrema racionalización del pensamiento musical. Las exploraciones teóricas y prácticas del francés O. Messiaen han tenido la mayor influencia. Los "Four Rhythm Etudes" escritos en 1950 y el "Organ Ditty" escrito en 1951 fueron los precursores de la secuencia general. El compositor francés P. Boulez, discípulo de Messiaen, desarrolló aún más la estructura del puntillismo de Weben hasta convertirla en una secuencia musical más sofisticada. Se pone especial énfasis en los patrones rítmicos, y las células rítmicas se exploran a fondo para descubrir organizaciones rítmicas en constante cambio, que sirven como pilares de la estructura musical. Fue el intento más audaz desde "La consagración de la primavera" de Stravinsky. Otro alumno de Messiaen, I. La combinación con la filosofía muestra una nueva perspectiva de la música y la ética.

Considera la mayoría de los instrumentos de la banda como grupos simultáneos e independientes de instrumentos solistas. A través de este "grupo de sonido", se producen "partículas de sonido" extremadamente densas, creando un sonido extremadamente amplio y fluido, parecido a una nube. "Formado por la estructura de mosaico es como una fuerte lluvia que arrastra el edificio y miles de ranas cantan en los campos. La sensación de este tipo de sonido se llama "concepto total". Xenakis también cree que cuando escuchan música, los oyentes suelen realizar un comportamiento de cálculo inconsciente. Esto no solo ha sido discutido por los antiguos filósofos chinos y griegos, como las diversas relaciones entre sonidos y números, sino que incluso en los períodos clásico y romántico, varios cálculos matemáticos estaban ocultos en la música. A partir de esta teoría, establecieron una única. teoría estadística especulativa de la música, que más tarde se integró estrechamente con la aplicación de las computadoras electrónicas. Entre los que se dedican a la investigación en esta área se encuentran el francés M.P. Filippo (1925~) y el japonés Takahashi Yuji (1938~). La música incierta y la música accidental son contrarias a la música de secuencia racional y matemática y a las estadísticas especulativas. En la década de 1950 apareció la música accidental representada por el compositor estadounidense J. Cage y el compositor alemán K. Stockhauer. A diferencia de otras músicas modernas, la música accidental no es una técnica, sino una expresión de ideas y puntos de vista musicales, derivados del Libro chino de los cambios y del Zen budista, especialmente el misticismo que contienen. En este tipo de música, Cage incluso considera el silencio como música. En el pasado, hubo muchos compositores que consideraban el resto de la música como el sonido del silencio. Sin embargo, no tiene precedentes que Cage equipare el sonido silencioso con el sonido, e incluso lo considere más importante que el sonido. Durante la interpretación de la obra silenciosa de Cage "4 Minutes and 33 Seconds", el pianista abrió la tapa y permaneció frente al piano durante 4 minutos y 33 segundos. Cage creyó que aunque el piano estaba en silencio en ese momento, había varias emociones. entre el público diferentes reacciones. En 1953, el compositor H. Emmott produjo música electrónica antigua "Ejercicio de combinación de sonidos" en esta estación de radio. Pero la mayor influencia a este respecto fue Stockhausen. En 1954, produjo dos "Estudios electrónicos" y los grabó en discos. En este trabajo, utilizó ondas sinusoidales para producir 193 tipos de materiales sonoros, que tuvieron una gran influencia en los compositores europeos y americanos. En 1956, produjo "Song of a Boy" No. 8, que combinaba sonidos electrónicos con sonidos concretos (el canto del niño) y se convirtió en una obra maestra de la música electrónica antigua. La producción de música electrónica utiliza tecnología electrónica para obtener una variedad de nuevas fuentes de sonido. Puede usar ondas sinusoidales para producir los llamados sonidos puros sin matices, o usar instrumentos de percusión e instrumentos de ruido para hacer ruido, o usar voces humanas o combinarlos. con música específica para crear sonido a través del sonido. Los filtros y equipos de respuesta lo deforman, alteran y mutan, y luego usan otros instrumentos electrónicos y tecnología de grabación para editarlo para regenerarlo, componerlo y componer el trabajo. Al utilizar estas tecnologías electrónicas, los productores pueden combinar arbitrariamente varios sonidos extraños y ritmos variados para crear un rango y una velocidad que las voces humanas y los instrumentos musicales no pueden lograr. También pueden producir varios sonidos etéreos en el universo imaginario, etc. A principios de la década de 1950, la música electrónica se producía después de varios cálculos. A finales de la década de 1950, aparecieron los sintetizadores de sonido electrónicos, que pueden controlar directamente el tono, el ritmo, la intensidad y el timbre. Los productores pueden producir todo tipo de música maravillosa eligiendo utilizar botones. La mayoría de las instituciones de investigación de música electrónica están ubicadas en estaciones de radio y laboratorios de electrónica de determinadas universidades. Las más famosas son: Southwest Radio de Alemania, NHK Radio de Japón, Radio Milán de Italia, Universidad de Berlín en Alemania, Universidad de Illinois en. Estados Unidos, Tottenham en los Países Bajos, la Universidad Lechte, la Universidad de Toronto en Canadá, así como la Gimmins Company en Munich y el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en los Estados Unidos. Hay muchos compositores que se dedican a la música electrónica. Entre los más influyentes se encuentran el alemán E. Krenek, los franceses C.-A. de Berio y E. Varèse y los estadounidenses O. Lüning y M. Bit, V. Usachevsky. , H. Badings de los Países Bajos y Makoto Moroi, Shinichi Matsushita, Toshiro Dai, etc. del Japón. En cuanto a sintetizadores electrónicos, están M. Subotnik e Isao Tomita de Japón.

Produjeron con éxito mucha música de sintetizador de sonido electrónico adaptada de la música clásica, mientras que S. Martinano utilizó computadoras electrónicas para producir música. El compositor estadounidense de música electrónica V. Usachevsky y sus instrumentos electrónicos Con el rápido desarrollo de la música electroacústica y electrónica, apareció la música espacial en los años cincuenta y sesenta. Separa y organiza varias fuentes de sonido a través de equipos de audio multicanal y luego las reproduce desde todas las direcciones, creando así un timbre y un efecto de sonido extremadamente ricos y maravillosos. Ya a principios del siglo XX, C.E. Ives de los Estados Unidos utilizaba dos grupos de instrumentos de viento, tocando de izquierda a derecha y moviéndose hacia el centro. Luego se cruza y luego se separa hacia la izquierda y hacia la derecha, creando una sensación sonora con una sensación de espacio fluido. La música espacial utiliza muchos altavoces instalados en diferentes direcciones, de modo que el público no sólo puede escuchar claramente los niveles cambiantes de polifonía y orquestación, sino también sentir claramente la combinación y separación de varios sonidos. Estos sonidos pueden aparecer en todas las direcciones o en direcciones específicas a través de altavoces multicanal y pueden moverse en cualquier dirección de forma individual o colectiva. En 1970, en la Exposición Universal de Japón, la sala esférica "Otteriam" del Pabellón Federal Alemán y la sala de conciertos circular "Space Theatre" del Pabellón de Acero disponían de tales equipos y dispositivos. Esta transformación de la calidad y cantidad de la música espacial está completamente controlada por la tecnología electrónica; sólo las obras que sean compatibles con este sistema técnico pueden utilizarse como repertorio de música espacial. Nuevas exploraciones en la música y el sonido concretos Mientras que el pensamiento musical se está volviendo extremadamente racional, casi todos los compositores radicales de "vanguardia" no sólo están interesados ​​en encontrar nuevos timbres y experimentos acústicos en la música instrumental y vocal tradicional, sino también en el ruido. realizado. Ya en los años 20 apareció en Italia la música noise "futurista". En la década de 1930, el francés Varèse realizó varios experimentos de percusión llamados "percusionismo". Después de la Segunda Guerra Mundial, la tecnología de grabación apareció nuevamente para utilizar varios sonidos específicos de la vida diaria como material para crear "música concreta" a través de un procesamiento complejo, que es diferente. de la música que la gente está acostumbrada a tocar con hermosos tonos. La música concreta surgió en 1948. Por primera vez, P. Scheifele, ingeniero de Radio París, recogió los sonidos ruidosos de la vida concreta, como el ruido del viento y de la lluvia, el rugido de los trenes, los aullidos de los animales, los susurros de hombres y mujeres, campanas, silbatos, etc., usando cintas de audio y tecnología electrónica para cambiar su timbre e intensidad, o procesar la cinta acelerando, desacelerando, invirtiendo, combinando y ejecutando la misma pista repetidamente para crear "Railway Etude", "Record Etude", " Wok Etude”, y “Flauta Mexicana” “Y otras obras. En 1950, colaboró ​​​​con el compositor francés P. Henri para crear la "Sinfonía única", que combinaba sonidos del interior y del exterior del cuerpo humano (como la respiración, el canto, los gritos, los silbidos, los pasos, los golpes a la puerta, la interpretación de la piano, etc.) Compuesto por múltiples movimientos de música concreta. En 1953, en el Festival de Música Moderna celebrado en Donaueschengen, Alemania, los dos hicieron un sonido basado en la mitología griega, utilizando varios ruidos, además de hapsicordio, música de cuerdas, arias femeninas, griegas, francesas, etc. La extraña gran ópera " Orfeo 53". Dado que los materiales sonoros de la música concreta son ilimitados, muchos compositores utilizaron esta tecnología en la década de 1950. Después del auge de la música electrónica, se integró estrechamente con la música electrónica. Además, también se combina con la música tradicional. Después de la década de 1950, además de la popularidad de la música concreta y la música electrónica, el desarrollo del timbre y el sonido de los instrumentos musicales y las voces se ha convertido a menudo en el hecho que más preocupa a los compositores. Constantemente se inventan métodos no tradicionales para tocar instrumentos tradicionales, y la gama de instrumentos utilizados ha comenzado a expandirse a un rango sin precedentes, incluidos instrumentos orientales e instrumentos recién inventados. Ya después de la Primera Guerra Mundial, Bartok y Hindemith trataron el piano como un instrumento de percusión, mientras que Weben utilizó diversos métodos especiales para tocar las cuerdas en sus cuartetos de cuerda. En sus "Variaciones para piano" también utilizó muchos "dibujos puntuales" interpretados con pausas y descansos. H. Cowell (1897-1965), de Estados Unidos, ya a principios del siglo XX utilizó la "agrupación de sonidos" (un método de tocar varias teclas al mismo tiempo con las manos, los brazos o barras de madera). el instrumento electrónico de teclado acústico "Ritmicon".

Cowell estudió música no occidental, utilizando no sólo música pentatónica y atonal iraní, persa, japonesa e irlandesa, sino también el pizzicato interno del piano. El húngaro G. Ligeti (1923~) utilizó el método de ejecución del "grupo de sonidos" en el órgano para crear una música extremadamente majestuosa. El posterior compositor polaco K. Penderecki hizo muchas exploraciones en los sonidos de la música instrumental. En "Elegía para las víctimas de Hiroshima", escrita en 1960, utilizó glissando microtonal y añadió glissando al instrumento para formar grupos de sonidos. creando una estructura de sonido dinámica. En términos del desarrollo de las voces humanas, hubo un mayor desarrollo en la década de 1950. El "canto hablado" en obras expresionistas como "Pierrot Lune", escrita por Schoenberg en 1912, parecía obsoleto para los compositores de la década de 1950, que continuaron explorando mayores posibilidades para la expresión de la voz humana. Durante mucho tiempo ha sido común en la música electrónica transformar las voces humanas en varios sonidos sorprendentes. Penderecki no sólo utilizó grupos de sonidos instrumentales, sino que también utilizó grupos de sonidos vocales. Muchos compositores no sólo utilizan las voces de las personas, sino también otros sonidos que las personas hacen en la vida (llanto, risa, suspiro, gritos, etc.). Además de la voz humana, el compositor también estudió los sonidos de los animales. Messiaen enfatizó el papel rítmico de la música y finalmente encontró su nuevo mundo en los sonidos de los pájaros. Escribió una variedad de música sobre pájaros y obtuvo de ellos cambios de ritmo muy ricos. G.H. Crumb (1929~) se inspiró en los sonidos de las ballenas. Grabó los cantos de las ballenas en el mar colombiano y los utilizó como material musical. En "Así que Dios creó la ballena", escrita por otro compositor estadounidense, A. Hovanes (1911~), las olas se describen con cuerdas de ritmo incierto, el mar se describe con metales bajos y el sonido se registra con grabaciones de audio. El sonido de la ballena descendiendo se convierte en el "protagonista" de la obra. Además de la búsqueda de diversos timbres en la música instrumental y vocal, la búsqueda de la dinámica también produjo cambios sin precedentes en los años cincuenta. Ligeti creía que entre los diversos elementos de la música, el timbre y la intensidad deberían reemplazar el predominio habitual de la melodía, el ritmo y la armonía en la música. En "Atmosphere", escrita en 1961, la intensidad era la base pppp-mp. aumentó a la fuerte intensidad de ffff. La actuación de la banda a veces parece completamente silenciosa y otras veces se intensifica hasta alcanzar un unísono de 87 voces. El estadounidense S. Reich (1936~) se centró en los cambios en la duración y el ritmo de cada parte para formar una música única e interesante, mientras que el francés J.-C Elouard (1938~) se centró en el timbre, maneja complejos musicales; instrumentos en varios aspectos como rango, densidad y duración para producir sonidos únicos. Música de pasta y música combinada Mientras se exploran nuevas fuentes de sonido, la música moderna también ha producido varios métodos nuevos en términos de formas estructurales. Los más destacados incluyen música de collage, música combinada, trabajos para eventos, etc. La música pasta es un tipo de música nueva que utiliza obras musicales antiguas de diferentes estilos y tipos y las combina según una idea determinada. Ya en 1913, el estadounidense Ives utilizó la "Sinfonía Patética" de P. Tchaikovsky y la "No. 2" de J. Brahms en su "Cuarteto de Cuerda No. 2" "Segunda Sinfonía", la "Novena Sinfonía" de L. van Beethoven y algunas canciones e himnos populares como material musical. Pero como género se fue formando poco a poco después de la Segunda Guerra Mundial. Representado por el compositor italiano L. Berio. Se inspiró en el teatro moderno y utilizó diversos sonidos con diferentes características como materiales del lenguaje musical, intentando crear una concepción artística entre la música y la poesía. En 1972 publicó el "Recital nº 1" compuesto para Carthy, que utilizaba canciones líricas y arias de ópera de G. Verdi, J.S Bach, F. Schubert, H. Wolf, G. Mahler y Rave de Erl, Milhaud, Poulenc, Stravinsky y G. Bizet, además de los oratorios de Prokofiev, Schoenberg, L. Byrne, etc. Las propias obras de Stan y Berio, así como sus propias líneas, fueron interpretadas en vivo por su esposa, la cantante Cassie Berberian, para formar un musical. La partitura se divide en tres partes: canto y diálogo, orquesta y piano. Cada parte mantiene un ritmo independiente, formando una superposición y movimiento de niveles musicales.

Se trata de un tipo de música muy diferente de los conceptos estéticos tradicionales. En sus obras posteriores, Berio prefirió combinar música compuesta de materiales inarmónicos, desequilibrados y desconectados. Su llamado "mosaico superpuesto", como "Epifanía", es una obra compuesta por dos piezas de diferentes estilos interpretadas al mismo tiempo. "Encounter" escrito por Maki Ishii de Japón es una combinación de música de piano, música shakuhachi, música orquestal y gagaku tocadas simultáneamente. Las obras de eventos amplían la composición de la música y aparece un fenómeno sonoro o un comportamiento visual que existe de forma independiente en el espacio, y la llamada "obra de eventos" se forma mediante combinación o transferencia libre. Su objetivo es transformar el arte espacial en arte temporal, y su figura representativa es Stockhausen. En 1961 compuso una obra titulada "Prototipo", un drama musical, utilizando música de una cantata que había escrito en 1960 para teclado, percusión y piano. La interpretación de la obra es la síntesis de una serie de tomas inorgánicas: "El rugido del director de escena, la joven romántica cambiándose de ropa frente al espejo, el violinista tocando música moderna mientras toca la sirena, el fotógrafo capturó estas tomas junto con el público, y luego se proyectó en la pantalla; luego los actores empezaron a hablar, y la música alcanzó un clímax pronto se convirtió en el sonido de ancianas vendiendo periódicos, pintoras de vanguardia pintadas en lienzos, y luego quemadas; ellos; el director de escena leyó solemnemente el Código de Actores de Stanislava Slavsky, el poeta recitó oscuros poemas escritos en más de 20 idiomas de países... Finalmente, apareció la armonía final al final de la cantata, las linternas brillaron por todas partes, todos abandonaron el escenario. , y sólo se escuchó a la cantante. Una canción pop tarareaba profundamente en el escenario..." La partitura de 90 minutos fue "tocada" de esta manera. La partitura contiene varias pistas para los personajes en escena