El desarrollo de la música francesa
El siglo XIV fue el período del llamado "arte nuevo". Francia es la cuna del "Art Nouveau", que demostró que la gente comenzó a deshacerse de los grilletes de los cánones medievales, y la cosmovisión y la estética del Renacimiento temprano se enriquecieron enormemente (ver mapa en color [Carnaval musical (pintura) en Francia en el siglo XIV]) La característica más llamativa de las canciones clásicas de este período es el uso del isorritmo, es decir, las canciones fijas se repiten al mismo ritmo que otras partes, lo que fortalece enormemente la unidad de la estructura musical 1320. ) discutió las cuestiones de la notación cuantitativa y el ritmo, y llamó a este nuevo tipo de música "Arte Nuevo". El maestro del "Arte Nuevo" fue Ma Shao, quien se dedicó a la creación de música secular y religiosa. Los solos de Landau están equipados con dos o tres instrumentos, y sus "Cuatro Misas de la Virgen" son la primera música polifónica a gran escala completada por un compositor de forma independiente.
En el siglo XV, el principado político de Borgoña. y el poder económico aumentó rápidamente y su cultura floreció. La escuela de música de Borgoña saltó a la vanguardia del desarrollo de la música polifónica en Europa. Los representantes de este género musical son G. Dufay y G. Bingjoyce. Los estilos llevaron al desarrollo de géneros musicales polifónicos a gran escala. Este período marcó la transición del "Art Nouveau" al estilo renacentista, que representó a Francia durante el apogeo del Renacimiento. El género musical de espíritu humanista son las baladas. Reflejan las preferencias de la clase civil y establecen el carácter nacional de la música francesa. Dejan conscientemente de imitar las engorrosas técnicas polifónicas de la última escuela holandesa y evolucionan hacia la música melódica principal, restaurando a Francia en su estilo simple, suave y descriptivo. Es C. Janequin. Sus obras famosas incluyen "La batalla de Marion", "El canto de los pájaros", "El ruido de París" y otras baladas, que son populares en Europa. La música instrumental italiana fue llamada más tarde. "Canzona francesa", que fue el germen de la música instrumental de rápido desarrollo en la época barroca. Los principales instrumentos en esta época incluían laúdes, violines de seis cuerdas, etc.
En aquella época, el violín era todavía un instrumento puramente popular. Poco a poco se convirtió en el instrumento principal durante el Renacimiento, encarnando la dura lucha entre la cultura civil y la cultura aristocrática. Desde el siglo XVII hasta la primera mitad del XVIII, los historiadores franceses lo llaman período del clasicismo y la historia de la música lo llama período barroco. En esta época prevalecía el estilo rococó, que representaba el gusto estético de la corte francesa. Bajo la monarquía absoluta de la dinastía Luis, floreció la música de la corte. Al mismo tiempo, varios matrimonios con la familia Medici en Florencia también trajeron una fuerte influencia italiana. En 1659 se representó la ópera de la corte de Campbell, el drama pastoral "Issy". En 1671, su drama pastoral en cinco actos Pomona se representó en la ceremonia de inauguración del Palacio Real de la Ópera de Francia. Florence J.B. Lurie fue la fundadora de la Ópera Nacional de Francia. Sus óperas "Armida" y "Teseo" se basan en la mitología griega antigua y en historias heroicas históricas, y tienen las características de una tragedia lírica. Hay muchas escenas de danza y coro, y las dramáticas melodías de recitación de monólogos absorben las características de recitación de la tragedia clásica francesa, mostrando así el ritmo de la poesía francesa. Lu Li también diseñó la "Obertura francesa", que consta de tres partes: lenta, rápida y lenta, que tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música instrumental europea. Después de Lurie, la ópera francesa se desarrolló hacia el entretenimiento y la tragedia lírica se convirtió en una representación lúdica.
A mediados del siglo XVIII d.C. salió a la luz la ópera pastoril de Mora. Sus óperas estaban claramente influenciadas por el estilo rococó popular en la época. Entre sus obras representativas se encuentran “Una encantadora tierra extranjera”, “La oreja de Custer” y “Bordeyucos”. Mora también creó la teoría de acordes, modulaciones de acordes y funciones armónicas básicas. Él y F. Coupland son los creadores de la escuela francesa Harper's Secord, famosa por su estilo hermoso y elegante, el uso de materiales de danza folclórica, la descripción de escenas de la vida cotidiana y los ricos sonidos decorativos. Crearon suites de danza y piezas principales, prediciendo las técnicas de textura del piano moderno. A mediados del siglo XVIII, las divertidas óperas italianas se introdujeron en Francia, lo que provocó un feroz debate en la industria musical, conocido en la historia como la "Controversia del Joker". De hecho, fue la lucha entre los intelectuales civiles representados por la Escuela de la Enciclopedia y los representantes del arte aristocrático, y entre la estética civil y la estética aristocrática, la que dio origen al nuevo género de la ópera francesa. Su primera obra es "El profeta del pueblo" de J.-J. El protagonista de la obra ya no es un héroe de mitos y leyendas, sino que se utiliza el diálogo en lugar de la recitación. En 1702 se fundó en París la Ópera Italiana, que a menudo representaba óperas francesas. Desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el siglo XIX, hasta H. Berlioz, la música folclórica francesa estaba en declive y los compositores extranjeros dominaban la música francesa, como C.W. Gluck, L. Cherubini y G. Spontini, G. .Rossini, G. Meyer, etc. Muchos de ellos viven en Francia desde hace mucho tiempo. La reforma de la ópera de Gluck se basó en la ópera italiana y la ópera francesa, especialmente Ifigenia en Tauro, que compuso en París. Sus escenas líricas y sociales se inspiran claramente en la tradición operística francesa. Sus óperas también influyeron en la creación de la ópera francesa.
En vísperas de la Revolución Francesa, apareció una ópera cómica seria. Predicó que la nobleza y la inferioridad de una persona no dependen de su origen, sino de su calidad personal, preparándose así para la "Ópera del Salvamento" durante la Revolución Francesa. Su compositor representativo es el belga A.-E.-M Gretry. Sabía utilizar las técnicas de descripción sinfónica y adoptó lo que más tarde se llamó el motivo dominante. Su famosa obra es "Ricardo Corazón de León". Desde la década de 1810 hasta la de 1920, la ópera cómica francesa comenzó a romantizarse. Uno de sus compositores representativos es Bovaldieu. El protagonista de su ópera favorita "La chica de blanco" es cercano a los personajes de la literatura romántica de la época. Usó coloridas técnicas orquestales (como el arpa) y lenguaje musical escocés en la melodía para darle a la ópera un nuevo aspecto. 65438+En las décadas de 1930 y 1940, en las óperas cómicas de D.F.E. Obet, A. Adam y E.L. Halevy, se reforzaron los factores líricos y se utilizaron canciones populares. La ópera cómica de Aubert, Fra? Diablo, manto negro, caballo de bronce, etc. Todos son agudos e ingeniosos, llenos de alegría francesa. Su gran ópera "El Mudo del Portage" está basada en el levantamiento popular de Nápoles en 1697, coincidiendo con la inminente situación revolucionaria de aquel momento. Su estreno en Bruselas (1830) inspiró a los belgas a rebelarse contra los holandeses. Desde 1965 hasta la década de 1930, la música francesa entró en un período de prosperidad.
En cuanto a la creación de ópera, se encuentran la gran ópera de Halevy "La muchacha judía", el ballet de Adam "Giselle" y Meyer, quien fue pionero en el arte de la ópera romántica francesa. Sus obras representativas incluyen "Robert the Devil" y "The Hugues". nórdica", "niña africana", etc. En el ámbito de la música instrumental, el compositor H. Berlioz hizo contribuciones destacadas al desarrollo de la cultura musical francesa. Compuso la sinfonía que da título. La música sinfónica de Berlioz se caracteriza por sus efectos escénicos y títulos; en la "Obertura" desarrolló los logros de Larmore, Gluck, Lesser y Spontini, y combinó los personajes de Virgilio, Shakespeare, Byron y Goethe, restaurando así la masa. y tradición artística democrática de la Revolución Francesa. Berlioz fue un innovador en el campo de la orquestación. Dio a la orquesta una organización y expresión modernas y escribió el "Método de los instrumentos orquestales".
París en las décadas de 1930 y 1940 fue el centro de la cultura musical europea, y músicos de muchos países se sintieron atraídos aquí, como Chopin, Paganini, Rossini y Liszt. Desde principios del siglo XIX, la escuela francesa de violín ha tenido influencia en Europa. Su antepasado es J.-M. Posteriormente, el violinista italiano G.B Viotti vivió en París durante 10 años a partir de 1782. Su forma de tocar con sus discípulos P. Rhodes, R. Rudolf Krutzel y P. Bayeux formó el estilo de la escuela de violín francesa. A finales de la década de 1940, la ópera francesa fue influenciada por la corriente literaria realista y apareció la ópera lírica. Romances, baladas, narraciones, recitaciones y otras formas más realistas y de interior reemplazaron la enorme estructura de la gran ópera. Se desarrollaron coros y dúos. La mayoría de los temas de las óperas líricas están tomados de obras maestras literarias, como "Fausto y Romeo y Julieta" de C. Gounod, "La madre perdida" y "Hamlet" de A. Thomas y "Víctor" de J. Massenet. 》. La mayoría de estas obras ponen el tema del amor en primer lugar, pero no logran demostrar plenamente el significado social y filosófico de la obra original. Otros proceden de Oriente, como "Pearl Fishers" de G. Bizet y "Lakeme" de L. Delibes.
El realismo de la ópera lírica francesa alcanzó su extremo en la ópera "Carmen" de Bizet, de la que se puede decir que es la cúspide del arte operístico francés del siglo XIX. Los personajes son vívidos, realistas, animados, la estructura dramática es limpia y compacta; las costumbres sociales y la música de las escenas son ricas en color. Sin embargo, los logros realistas de Bizet no se desarrollaron en óperas francesas posteriores. Debido a la influencia del realismo italiano, la creación de la ópera francesa tiene una tendencia naturalista.
El ballet, como forma de arte independiente, ha sido popular en Francia desde la década de 1930. El mayor logro en ese momento fue "Giselle" de Adam. En la década de 1970, Delibes aportó al ballet una estructura dramática completa y una dinámica sinfónica amplia. Entre sus obras representativas se encuentran "Gabriella" y "Sylvie".
A finales de la década de 1950, surgió un nuevo tipo de teatro musical: la opereta. Las operetas de Offenbach tienen varios temas, pero el tema central es representar la moda contemporánea, criticar la moral burguesa de la época y, al mismo tiempo, tolerar el gusto frívolo y bajo de la época. El estilo lírico de Offenbach quedó plenamente desarrollado en su última obra, "Los cuentos de Hoffmann". A finales del siglo XIX y principios del XX, C. Debussy, figura representativa de la música impresionista, recibió la influencia de la pintura impresionista, la poesía simbolista y el teatro. Sobre la base de la tradición musical nacional, absorbió elementos de la música oriental y creó un nuevo estilo que enriqueció enormemente el poder expresivo de la música. Sus creaciones tienden a ser descriptivas y carecen de contenido ideológico más profundo. La exploración e innovación de Debussy en armonía, tonalidad, tema, orquestación, etc. tuvieron una gran influencia en la música modernista. Otro maestro del impresionismo, M. Lavelle, tenía el mismo agudo sentido del color y el mismo delicado gusto estético que Debussy. Pero Debussy dejó volar su imaginación, mientras que Ravel se preocupó más por el rigor formal y favoreció el uso de materiales de música folclórica, especialmente melodías y ritmos españoles. Ducasse, Fauré, Cochrane, Dandy y Russell contribuyeron a la música francesa de este período. A principios del siglo XX, surgió de repente la industria musical francesa. E. Satie levantó la bandera contra el impresionismo y su obra representativa es el ballet "Show Me Your Skills".
Bajo la influencia de Saadi, D. Miyue, A. Oneg, Planck, G. Orich, L. Deere y G. Tullfield (1892 ~ 1983) fueron conocidos como el "Grupo" de las "Seis Personas" que no tiene principios unificados en la creación. y pensamiento, pero sólo opone romanticismo e impresionismo. Entre ellos, Miyue es la más prolífica. Estuvo obsesionado con la innovación de diversas técnicas hasta que utilizó la escritura polifónica. Onig es suizo y su música orquestal "Pacific 231" lo hizo famoso en Europa. Sus obras más valiosas son el oratorio "Juana de Arco en la hoguera ardiente" y sus obras sinfónicas. El mayor es miembro del partido y productor francés que ha escrito fantasías para conciertos para violonchelo, cuartetos de cuerda, etc. Compuso la Larga Marcha con tenor, coro y orquesta basada en el poema de Mao Zedong. Orric es el sucesor de Sadie. Tiene una mente aguda y sentido del humor, y su música es divertida y original. Las composiciones de Poulenc combinaban la lucidez clásica con una mordaz ironía y en sus últimos años se transformaron en un nuevo estilo serio, como se refleja en la ópera "Diálogos de las Hermanas del Carmelo" y el Concierto para cuerdas y timbales. Taylor Field es una compositora y pianista. Ha escrito conciertos para piano, baladas para piano, etc.
En 1936, apareció en Francia un grupo de nuevos jóvenes compositores "Young France", entre los que se encontraban O. Messiaen, A. Jolivet, etc. Profesaban abiertamente su apoyo al espiritismo y utilizaban la tecnología musical moderna para promover las enseñanzas católicas. Messiaen es uno de los principales representantes de la música occidental moderna. Estudió música india y cantos de pájaros, y estuvo profundamente influenciado por las obras de C.-A Frank en el siglo XIX, formando su estilo único. Jolivet explora la fusión de la música occidental con música de África, Polinesia, Asia occidental y el Lejano Oriente. El concierto que compuso para el instrumento electrónico "Materno Electric Piano" y orquesta es una obra representativa de los alumnos de A. von Wei Behn, A. Schoenberg y R. Leibovitz, quienes lo impulsaron con sus propios trabajos creativos y teóricos. La técnica dodecafónica . Su alumno P. Blaise interpretó además los principios creativos de Wei en un conjunto de métodos creativos.