Cómo coreografiar un baile con una canción
La fuente de los movimientos de danza: como se mencionó en los capítulos anteriores, uno es el refinamiento de los movimientos de la vida y el otro es el "material de danza" de los tiempos antiguos y modernos en el país y en el extranjero (es decir, lo que solemos ver, oír, aprender algunas cosas básicas). Para convertirlo en el "lenguaje de danza" de una obra, debe refinarse y elaborarse de acuerdo con las necesidades del contenido y los personajes, en lugar de aplicarse mecánicamente. ¿Cómo empezar a coreografiar? 1. Las emociones son la información de los movimientos: lo primero que un coreógrafo debe descubrir es qué emociones y personalidad quiere expresar el personaje. Primero, diseñar el estado de ánimo continuo, la conciencia e incluso el subtexto del personaje de acuerdo con las pistas de la estructura de la danza. y seguir este contexto para forjar acciones. Primero puedes asumir el papel y dejar que los personajes de la obra cobren vida en ti. Luego, sobre la base de una comprensión profunda del rol, a partir de los materiales de danza vital acumulados por uno mismo, uno puede identificar y refinar la imagen de danza necesaria para este momento, aquí y esta situación, y utilizar la experiencia de la emoción como base. fuerza impulsora de los movimientos. 2. Tipicidad de los movimientos: Las obras exitosas tienen movimientos típicos. Los movimientos de baile típicos no deben ser lo más completos posible, sino tener una personalidad fuerte, pero tener un carácter destacado y emociones claras. El ser humano tiene siete emociones: alegría, ira, tristeza, miedo, amor y odio... A la hora de diseñar movimientos de baile, primero debemos dejar claro qué son las emociones. Pero la gente está dividida en hombres, mujeres, viejos y jóvenes, tiempos antiguos y tiempos modernos, esta nación y aquella nación. Expresan emociones diferentes, por lo que sus movimientos deben tener personalidades distintas. 3. La "concepción artística" de la danza: Si las montañas no son altas, el agua será espiritual. Los movimientos de la danza no deben ser "complejos" ni "simples". Si se puede resaltar la "concepción artística", la danza será. ser espiritual. La "concepción artística" de las obras de danza es la concepción artística que transforma el pensamiento temático en "concepción poética y artística". Es la unidad de "emoción" e "intención" y "paisaje" y "paisaje". de los seres humanos. La "concepción artística" de una obra de danza es la situación general. Los coreógrafos deben centrarse en la situación general, comenzar con cosas pequeñas (movimientos) y considerar la concepción artística en torno a los movimientos. 4. Los movimientos temáticos de la danza: Son los movimientos representativos que configuran la imagen dancística de la obra. Este planteamiento es habitual en la danza folclórica. Las danzas folclóricas de las distintas regiones varían mucho, pero siempre son inseparables de unos pocos movimientos más representativos. Se convierten en la base del "lenguaje de la danza" (combinaciones de movimientos) y de las acciones recurrentes en el trabajo de danza. Las combinaciones de acciones deben coreografiarse de forma vívida, suave y conmovedora. Cabe señalar: A. Debe haber cambios contrastantes: los contrastes incluyen rápido y lento, fuerte y débil, extendido y corto, etc. en el tiempo (ritmo), hay grandes y pequeños, altos y cortos, cuadrados (forma); espacio (las líneas son nítidas, angulares) y redondas (suaves, suaves), expansión (extensión) y contracción (contracción), movimiento y quietud, etc. Los movimientos contrastantes aumentan los altibajos de los cambios emocionales, haciendo que varias emociones parezcan más vívidas y prominentes en términos relativos, por lo que pueden hacer que el lenguaje de la danza sea más vívido. B. Repetición y reproducción necesarias: La danza y la música son ambas artes temporales. Aunque la danza todavía sólo tiene la imagen del espacio, no puede permanecer allí estática para siempre como una "escultura" a la vista de todos. Para mantener la imagen de la danza y la "concepción artística" en el corazón del público, las técnicas de repetición y reproducción también son indispensables. Hay muchas maneras de hacerlo: (1) El tema y la acción se desarrollan en todo momento. (2) Las acciones temáticas aparecen en diferentes tramas, párrafos y ritmos. (3) Las principales combinaciones de baile (pasajes) aparecen repetidamente. (4) El principio y el final son la misma elaboración danzaria o reproducción de la "concepción artística". 5. Composición: La composición es un factor importante en la coreografía. La composición incluye puesta en escena e imaginería. La composición está diseñada para seguir el comportamiento y el desarrollo emocional de los personajes en escena. No existe un "programa" fijo. La clave es hacer avanzar el escenario hacia el espacio y ámbito requerido por el trabajo a través de cambios en el patrón de formación. En cuanto a la composición del escenario, los hábitos estéticos tradicionales de mi país son "equilibrados" y "proporcionados". "Equilibrio" es lo que se suele decir, "no seas parcial". Hay dos tipos de composiciones equilibradas, una es de equilibrio simétrico y la otra es de equilibrio asimétrico. Las diferentes composiciones dejarán diferentes impresiones en el público: los círculos hacen que la gente se sienta llena; los cuadrados se ven serios y limpios (pero rara vez se usan) y los triángulos están en el medio, son más flexibles y fáciles de formar pequeños arcos de varias formas; una sensación de profundidad; la columna tiene una sensación de acercamiento y opresión; la fila horizontal es pacífica; la fila diagonal es un futuro brillante.
En términos de programación de etapas: caminar en línea recta parece estar cerca y la distancia es corta; caminar en una curva parece estar lejos y la distancia es larga; caminar en la figura "8" puede hacer que la distancia sea infinita. caminar de la mañana a la noche, lo que puede provocar que esté de atrás hacia adelante y lejos y la sensación de estar cerca; el carácter "V" avanza, dando una sensación de impacto y presión, la formación de cruz puede exagerar la tensión, el fuego y otras atmósferas; la formación de densa a difusa puede crear un deseo de ocupación, lo que puede generar impulso. La atmósfera fuerte e imparable que de repente avanza, a veces hacia atrás, a veces hacia la izquierda, a veces hacia la derecha, da a la gente una sensación de turbulencia y cambios rápidos; , que puede representar navegar en el viento y las olas, la ilusión de los altibajos del corazón, feroces batallas, etc. .... Cabe señalar que la composición de la danza no se puede diseñar de forma aislada, sino que debe combinarse. con la combinación de movimientos de danza, y también es inseparable del vestuario y atrezzo. 6. Seleccione actores para ensayar la danza: Al seleccionar actores, debe considerar (1) si pueden asumir las habilidades y técnicas de danza necesarias para darle forma al papel. (2) Si coincide o se acerca a la identidad, personalidad y apariencia del personaje (3) Cumple con las características requeridas por el género del programa para los actores, tales como: es el actor de comedia o tragedia, lírico o de artes marciales; etc. . Luego de identificar a los actores, el director debe analizar el tema, contenido, personajes, tramas, escenas (párrafos) y escenas de la obra a los actores para que los actores tengan un concepto claro y completo de la obra. Después de analizar más a fondo el papel y aclarar las tareas del actor, se familiariza con la música de baile, luego enseña los movimientos uno por uno y ensaya sección por sección (acompañado de piano o instrumentos musicales sencillos) hasta completar toda la danza. A. Ensayo: primero puede ensayar (es decir, preparar el escenario) y puede agrupar las acciones de principio a fin. B. Invitar adecuadamente al público a ver el ensayo, lo que puede aumentar las emociones de los actores. C. Durante los ensayos hay que prestar atención: los actores deben entrar en el papel. 7. Combina la música: La música se sincroniza con los movimientos, y la música se combinará después de la enseñanza. 8. Síntesis escénica: Esto es lo que llamamos ensayo. Poner la obra en escena es la etapa de "síntesis". Antes de la síntesis, el director debe presentar el contenido del trabajo y presentar requisitos de diseño para todos los aspectos del trabajo escénico: escenografía, iluminación, vestuario, utilería, efectos de sonido, etc., y finalmente determinar el plan. (1) El escenario de la danza debe ilustrar la época de la obra y crear un ambiente específico. La configuración debe ser concisa y clara. (2) La iluminación del escenario debe mostrar la hora del baile, los cambios climáticos, los augurios de buena y mala suerte, la representación de los sentimientos internos de los personajes, etc. (3) La ropa ayuda a expresar la identidad y los atributos nacionales de un personaje, y el color de la ropa también puede resaltar la personalidad de un personaje. Se requiere que sea ligero y en forma, hermoso y distintivo, exagerado pero no distorsionado. La composición incluye: pasarela, exposición, ensayo de maquillaje, ensayo general. A. Caminar en el escenario: Es un experimento que combina escenas, escenografía y danza en el escenario. Deje que los actores se familiaricen con la superficie del escenario y la posición del escenario, y los arreglos de danza, formaciones y posiciones de las imágenes deben fijarse de principio a fin. Al mismo tiempo, comprueba si la composición de la escena y el baile están coordinados. B. Iluminación: Es un experimento de diseño de iluminación y danza. La iluminación debe fijarse de acuerdo con la presentación del contenido de la danza y la programación de los actores. C. Ensayo de maquillaje y ensayo general: Ambos son ensayos que pertenecen a la síntesis total (incluyendo banda, actores, maquetación, iluminación, vestuario, maquillaje, utilería, efectos de sonido, etc.). Cuando el director está instruyendo el ensayo de maquillaje, puede detenerse en cualquier momento para coordinar la cooperación de todos los aspectos del escenario, segmento por segmento y escena por escena. Una vez completada la "síntesis", el ensayo debe realizarse en uno. Vaya, para verificar, encontrar problemas y luego hacer más ajustes. En este punto nació una obra de danza realizada en escena.