Red de conocimiento informático - Material del sitio web - Hola a todos, ¿alguien conoce a los directores representativos de Nueva Alemania y sus obras maestras? ¡Gracias!

Hola a todos, ¿alguien conoce a los directores representativos de Nueva Alemania y sus obras maestras? ¡Gracias!

A mediados del siglo XX, el nuevo cine alemán entró en un clímax creativo. Figuras representativas de este período fueron Wilger Herzog, Falco Schlendorff, Rainer Werner Fass y Wim Wenders.

W.H. Stipetich de Wilger Huer (también conocido como: W.H. Stipetich)

Si el artista es un "solitario y solitario", en el Nuevo Cine Alemán el personaje que mejor encarna esta característica es Herzog, al igual que los protagonistas "solitarios" de sus películas, él mismo es un artista solitario. Herzog dijo:

"Sólo porque estoy solo y seguiré trabajando solo, es difícil clasificar aquí mis películas en un determinado género".

Después de filmar el cortometraje "Signs of Life" en Grecia en 1967, filmó "Fata Morgana" (1968) en Sahara; "Also Grew Up" (1968), se fue a Perú; y Brasil para filmar "Aguirre - La ira de Dios". La película utilizó técnicas documentales legendarias para describir al monje Aguirre que exploró el Reino Dorado en 1590. Expresa la desintegración de un determinado orden social y el fracaso de la fantasía frente a la realidad. Esta es una "narrativa de engaño e indulgencia". En 1976 dirigió la película "Todos para sí, Dios contra todos", que cuenta la historia de Caspar Howler, un marginado que padecía prejuicios sociales en el siglo pasado. Era retrasado mental y anormal. Esta película semidocumental y semiautobiográfica expone la hipocresía y el egoísmo de una sociedad basada en privilegios e instituciones eclesiásticas. El sueño del protagonista capturado en una película de 8 mm es muy distintivo y se ha convertido en la "película más poderosa y estilísticamente unificada" de Herzog y ganó el Premio del Festival Internacional de Cine de Cannes. En 1978 rehizo también "Nosferradu" de Murnau. En 1982, Herzog dirigió "El Desembarco". El protagonista sueña con construir un teatro de ópera en el bosque de la parte alta del río Amazonas y dejar cantar al gran Caruso a través de las montañas. La película despierta el estado psicológico más obsesivo y loco del artista en el magnífico paisaje natural y las costumbres populares simples e inocentes. Herzog dijo: "Mi película nació de una fuerte obsesión..." La película ganó el Premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

La soledad y la locura, así como los paisajes naturales de tierras extranjeras, se han convertido en temas constantes en las películas de Herzog. En las películas de Herzog, le gusta retratar personajes marginados y solitarios y explorar la mente de "loca obsesión" del personaje. En este sentido, es similar a las películas francesas de "Left Bank". Sus películas son muy románticas, con un fuerte sentido del estilo y conmovedora música clásica. Sus dramas cinematográficos son ligeramente inferiores, al igual que el barco de "The Boat", que se estrena pero no se retira, lo que debilita la tensión dramática y hace que el público se sienta aburrido, arrastrado y, a veces, oscuro y difícil de entender.

Forman. Schlendorff,

estudió ciencias políticas en París en sus primeros años y luego ingresó en la Ecole Supérieure du Film de París para estudiar producción cinematográfica. Anteriormente trabajó como asistente de dirección para Mahler, Resnais y Melville, y también comenzó su carrera creativa con cortometrajes. En 1966, su primera película, "Young Tellers", "anunció el despertar del nuevo cine alemán". La guionista de la película fue su posterior esposa y principal socia, Trotta.

En 1967, "Strong" fue un éxito. de "La pelea" lo llevó a firmar un contrato de seis años con Columbia y comenzó a filmar películas históricas. El "Brote del pobre Kombach" de 1971 se originó en el folclore y describía la historia del robo de un automóvil por parte de trabajadores inmigrantes. Qian Che expresa los sentimientos de la clase baja y critica a la sociedad. "Es una contribución al desarrollo de películas locales con nuevas características". Después de 1972, pasó de la historia a la época contemporánea y filmó una serie de análisis incisivos de la situación actual. de la sociedad alemana, y pasó del concepto más limitado de "cine de autor" en 1960 al público más amplio en "La deshonrada Katarina Bloom", de 1975, que retrata a una mujer joven que acoge a un anarquista y finalmente se convierte en víctima del público. opinión.

En 1976 filmó "La ejecución", que fue una adaptación de la obra original de Yusnel. En "Alemania en otoño" de 1978, sus "habilidades eran aún más exquisitas". La película de 1978 "El tambor de hojalata" hizo una poderosa crítica de la historia y la realidad alemana a través de la historia de un niño que no quería crecer. Esta película épica gigante empató con "Apocalypse Now" en la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1979 y ganó el Premio de la Academia de Estados Unidos a la Mejor Película Extranjera en 1980.

Sus años 80 siguen siendo ricos; "Forgery" (1981), "Swann's Love" (1983), "A Nanny's Story" (1989), etc. Schlöndorff dirige bien películas artísticas. Es "la persona con el lenguaje cinematográfico más moderno entre todos los directores". También es una persona que presta atención al mercado y se comunica con el público. Schlöndorff se centra en la escritura cinematográfica y dramática y tiene una sólida base literaria. Sus obras representativas "El tambor de hojalata" y otras obras, la descripción de la psicología anormal de los personajes bajo presión social y su dependencia de las obras literarias lo acercan mucho a los cineastas franceses de la "margen izquierda" y sus obras. Sin embargo, su énfasis en las técnicas cinematográficas básicas, la consideración por el público y sus numerosas colaboraciones con estrellas de cine lo diferenciaron significativamente de estos directores y otros del Nuevo Cine Alemán. Actualmente hace películas principalmente en Estados Unidos, y estas "superproducciones disminuyen su talento artístico".

Rainer Welles Fassbinder

El prolífico genio del nuevo cine alemán, Fassbinder, fue un hombre polifacético que había trabajado como periodista, dramaturgo y director de teatro. En la década de 1970, fundó su propia compañía y pasó del teatro al cine, creando una serie de personajes que vivían en un cobertizo en la pantalla. De 1969 a 1976 dirigió 29 largometrajes y un ciclo de cinco episodios.

En 1969, "El amor es más frío que la muerte", que fue una sensación en el Festival de Cine de Berlín, "mostraba a los pobres inútiles. La fotografía móvil de la película recibió reacciones encontradas. Fue su primera". trabajar. . En 1970, "Cuidado con la Santa Puta" llevó a la pantalla la alegría, la ira, la tristeza y la alegría del ensayo de un drama.

En 1971, Fassbinder contó en "El mercader de las cuatro estaciones" la historia de un comerciante de verduras que murió después de beber porque no podía satisfacer las necesidades de su madre. La película sólo tardó 11 días hábiles en rodarse y está llena de estilización y rastros de arte escénico. El estilo creativo de Fassbinder alcanzó su punto máximo y el tema de la homosexualidad apareció por primera vez en su película. En 1972, Fassbinder completó "Las amargas lágrimas de Petra von Kant" en sólo 10 días. En 1973 dirigió "La pesadilla se come el alma", en la que una mujer de 60 años se casa con un joven trabajador extranjero marroquí. Si bien logró superar los prejuicios raciales de la sociedad, no pudo superar las diferencias raciales que enfrentaban. La película de 1975 "Freedom of Power" mostró una vez más el tema favorito de Fassbinder: un joven gay fue aprovechado y luego abandonado, y murió trágicamente en la calle. "La ruleta china" dirigida en 1977, "Las bodas de María Brown" con temas antifascistas en 1978, "Alemania de otoño" codirigida con Schlöndorff en 1978, y en 1980, otra película antifascista La película de temática fascista " Lily Marlene" es liberada. Cuando Fassbinder lo entrevistó en "Le Monde" en abril de 1981, dijo: "Si la vida lo permite, espero rodar 12 películas que reflejen diferentes períodos de Alemania; la primera que describa el tema del Tercer Reich es "Lily, Ma " "Lian". Pero no será la última..., estoy buscando mi lugar en la historia de mi patria, ¿por qué soy alemán?" La afirmación de Fassbinder refleja el despertar y la responsabilidad del nuevo artista cinematográfico alemán. Murió en 1982 a la edad de 36 años después de dirigir "Veronika Firth" y la muy estilizada película "Sailor Claire".

El lenguaje cinematográfico de la mayoría de las películas de Fassbinder no tiene ideas nuevas y adopta el modelo cinematográfico americano "Hollywood" que él admira, que es un melodrama tradicional. Lo más importante es su sinceridad con el arte y su abierta crítica a la sociedad. Se atreve a poner en la pantalla la pesada conciencia del pecado de Alemania. También se arranca el abrigo y analiza uno por uno todo tipo de deseos anormales y psicologías oscuras.

La búsqueda estética y las tendencias creativas de Fassbinder están muy cerca del "manual cinematográfico" del período de la Nueva Ola francesa, y el "pensamiento utópico" y el "pesimismo y desesperación" de sus películas son tan negativos como su manual tiende a ser. Puede ser "simplista" y su análisis social es a veces "subjetivo" y superficial. Sin embargo, entre los nuevos artistas del cine alemán, su sinceridad es la más inolvidable.

Wim, Wenders

Esto. Estudiante universitario que estudió medicina y filosofía fracasó cuando se postuló para la Escuela Superior de Cine de París. Se volvió autodidacta viendo un gran número de películas en la Filmoteca de París.

En 1971, Wenders dirigió. su primer largometraje, "Verano en la ciudad", que era "una historia de un crimen". En la película, los prisioneros escaparon por miedo al pasado. También filmó algo que no tenía trama, "La ansiedad del portero". Penalty Shot" sin buscar expresión; este estilo también se reflejó en la obra "Alicia en la ciudad" de 1974 y en "El proceso del tiempo" de 1976, dirigida por el actor estadounidense Denis Hope en 1977. En 1980, protagonizó la película atmosférica The American Friend, que llevó a la pantalla la historia biográfica del director estadounidense Nicolas Rey, que narraba el interminable viaje por carretera entre un mecánico de cine y su amiga Cammy. En 1984, se estrenó otra road movie de estilo europeo, "Paris, Texas", de Golden Palm Yan. Seleccionado en el Festival de Cine de Cannes, marcó un hito cultural. En 1985 realizó un documental sobre su ídolo, el director Ozu Yasujiro, "Tokyo". En 2006 se estrenó "Over Berlin", una obra llena de atmósfera surrealista. La migración y los viajes son temas comunes en las películas de Wenders. Su lenguaje cinematográfico excluye básicamente el montaje, formando un estilo "sin edición de movimientos y escenas".

La decadencia de lo nuevo. Movimiento cinematográfico alemán:

Al igual que las películas de la Nueva Ola, la nueva generación de cineastas alemanes se opuso a la comercialización de películas y defendió las "películas de autor" y las "películas de arte". Las nuevas películas alemanas tienen muchas similitudes con las New Wave en sus búsquedas estéticas y métodos de producción, cientos de directores rodaron casi cuadros de películas desde mediados de los años 1960 hasta mediados de los años 1970, formando un clímax creativo continuo. hizo la siguiente evaluación del cine alemán durante su próspero período: "Los últimos 10 años pertenecen al nuevo cine alemán, y Alemania Occidental es el único que marca la diferencia ahora. "Film Country".

Sin embargo, A mediados y finales de los años 70, la crisis económica ya había demostrado el declive del cine alemán y el mercado cinematográfico estaba deprimido. Según las estadísticas, los ingresos procedentes de las proyecciones nacionales de películas alemanas apenas podían cubrir los costes de producción. sólo el 10% de todos los ingresos cinematográficos, en comparación con el 4% en 1977. La dependencia de las nuevas películas de los grupos de financiación hizo que el arte cinematográfico quedara sujeto a estos grupos y a las redacciones de televisión, así como a las actitudes políticas de esos departamentos. El "Consejo Alemán de Cine Juvenil" perdió su influencia por falta de financiación y se disolvió en 1976.

En 1977, Fassbinder también causó sensación al anunciar que en el futuro sólo haría películas en el extranjero, lo que generó mucho debate. Algunos críticos sostienen que "si bien es comprensible que los directores de cine expresen su descontento con una comunidad disfuncional y una falta de apoyo crítico, la cuestión es si las condiciones para filmar en otros países europeos o fuera de Europa son mejores que las de la República Federal de Alemania. "Pero es dudoso." Fassbinder falleció a principios de los años 1980 y los otros tres grandes directores se habían ido al extranjero para hacer películas. El declive de la producción creativa del Nuevo Movimiento Cinematográfico Alemán en el extranjero confirma los temores de los críticos. En la década de 1990, el mercado cinematográfico alemán estaba completamente ocupado por Hollywood y las películas nacionales con tradiciones de expresionismo de vanguardia, drama de cámara alemán y realismo crítico fueron desapareciendo gradualmente.