Si alguien tiene información sobre la historia de la música occidental, la estoy buscando urgentemente. . . . .
La lira tiene muchas variaciones durante su desarrollo, la más importante de las cuales es la kisara. La disposición de la escala musical en el período griego antiguo era una secuencia de cuatro tonos. Las actividades litúrgicas del cristianismo medieval se dividían en dos categorías: servicio diario y misa. La notación Newm comenzó en el siglo XI con la creación de la notación de alambre, es decir, la notación de cuatro líneas.
La evolución de la notación: 24 letras griegas - Notación Newm - Notación de alambre - pentagrama
Franco de Alemania en el siglo XIII en "Quantitative Song Art" "La notación cuantitativa se propuso en " . Tipos de música polifónica temprana: Organon-Discount, Gorgeous Organon, Discount,
Condoctus-motet (canciones sencillas) Escuela de Arte Antiguo Dos figuras representativas: el Organon a dos voces de Leonan "Aleluya, el Cordero que me absuelve del pecado"
Organon a cuatro voces de Perrotin Las consecuencias del desarrollo de la polifonía en el siglo XIII: 1 Es la formación de la cadencia de la música polifónica. El segundo es el desarrollo de la notación. El significado y las características del nuevo arte.
Significado: Generalmente se refiere a la música en relieve del siglo XIV, que es relativa al "arte antiguo" que se refiere a la música polifónica del siglo XIII. Características: En este siglo, una gran cantidad de creaciones musicales se separaron de las actividades de adoración. La creación musical fue sin precedentes secular. Los compositores combinaron técnicas polifónicas religiosas con vocabulario musical secular para explorar varias formas nuevas de crear formas musicales. posible, lo que provocó una serie de cambios en las técnicas de composición y formas musicales. Figuras representativas del Art Nouveau: (Francia) Machaud y (Italia) Landini. El período medieval de la música: la mayoría de los historiadores de la música chinos y extranjeros definen el período comprendido entre el siglo V d. C. y los siglos XIV y XV como la "Edad Media" desde la perspectiva de la historia cultural de la escuela de música romana: la Misa Papal del "Caballo" de Palestrina. Cerros”.
Escuela de Venecia: G Gabrieli (el padre de la orquestación moderna).
Escuela Flamenca: "Echo" de Lasus es el maestro de la música polifónica desde la Edad Media.
?La primera obra musical con un lenguaje armónico tonal plenamente maduro la compuso el (italiano) Corelli, y (Farramo) la explicó por primera vez. La obra representativa es "Harmony". La fuente más directa de la ópera es el interludio de finales del siglo XV. La ópera más antigua es "Daphne" compuesta por Perry. Características: Basada en este mito griego
La primera ópera con preservación musical completa es "Euridice" compuesta por Perry y libreto de Linuccini Estilo musical medieval: música religiosa, música profana Música, música religiosa y profana La primera. verdadera ópera en la historia de la ópera: el "Orfeo" de Monteverdi El primer oratorio fue el "Drama del alma y del cuerpo" de Cavalielli (Roma) en Representado en febrero de 1600. Sentó las bases de la ópera romana, que los historiadores llaman oratorio. Tiene el prototipo de ópera y su contenido involucra aspectos religiosos y morales. El primer teatro de ópera: 1637 Teatro San Cassiano. El "Renacimiento" fue un nuevo movimiento cultural importante. Logros musicales del período borgoñón: el establecimiento de un género de música religiosa a gran escala: la misa. El "Echo" de Lasus es el madrigal más famoso del Renacimiento. Hay dos tipos de clavecín: clavecín y clavicémbalo. Dos tipos de clavecín: clavecín y clavecín.
La figura representativa del teclado francés es: Couperin Durante el Renacimiento se utilizaron ampliamente dos nuevos modos, que posteriormente incidieron directamente en la creación de tonalidades mayores y menores
Son: Eólico Modos y modos jónicos. Tipos de polifonía temprana: organon, organon ornamentado, patrón rítmico, disconte. Tonalidades mayores y menores: El proceso de desarrollo del sistema tonal de tonalidades mayores y menores se inició en el Renacimiento y maduró en el Barroco. Hay tres categorías principales de conciertos en el período barroco: Concierto Grosso, Concierto para solo y Concierto para orquesta.
Figura representativa: Compositor (italiano) Vivaldi.
Obras representativas: "Las cuatro estaciones" Handel: obras instrumentales "Música del agua" "Música de fuegos artificiales reales"
Obras de oratorio "El Mesías" "Los israelitas en Egipto" La reforma de la ópera de Gluck: principios: música Obediente a la Necesidades de la poesía Representantes de la escuela neoclásica vienesa: Haydn, Mozart, Beethoven. Mozart: óperas serias italianas "Idomeneo de Creta" y "La misericordia de Tito"
Óperas cómicas: "Los gansos del Cairo", "El marido seducido", "Las bodas de Fígaro" y "Don" Juan" y "Così fan tutte"
Óperas alemanas y austriacas: "Bastian et Bastienne", "La fuga del harén" y "La flauta mágica" Escuela de Mannheim: las obras son ligeras y animadas, con el tema principal El estilo musical se ha establecido completamente, las líneas de la parte de agudos son muy prominentes y la textura de la banda es clara y transparente. Lo más común entre el nacionalismo y el romanticismo del siglo XIX: un gran interés por la cultura musical de la propia nación y el folklore. "La bala mágica" de Weber marcó el nacimiento de la ópera romántica alemana y se convirtió en la base de la ópera romántica europea. "Ondine" también se traduce como "Marina". La ópera de Hoffmann presagió el surgimiento de la ópera romántica alemana. Schubert, el "Rey de los Lieder", es famoso por sus obras vocales, incluidas "The Devil", "Wild Rose", "Trout", "Serenade"
"Lullaby" y "Ave Maria". . Chopin: "Piano Poeta"
Características de la música: fuerte y heroica, pero también delicada y suave, que es la concepción artística general de la música para piano durante el período más próspero del Romanticismo del siglo XIX.
Entre ellos se encuentra la única "idea musical fija": "Canción sin palabras" de Berlioz: Mendelssohn
"Piano Poeta": Chopin "El rey del vals": Johann Strauss el Joven
"Poesía sinfónica": Liszt "Padre del vals": Strauss el Viejo
"Drama musical": Wagner "Padre de la música rusa": Glinka
"Rey de Canción de Arte": Schubert Verdi: la primera ópera "Oberto" y la última "La Gracia". "Nabucco" lo revivió
Además, están "Il Trovatore", "La Traviata", "Aida" y "Othello"
*El campo principal es la ópera, incluyendo " El Anillo del Nibelung", "Das Rheingold", "Valquiria", "Siegfried"
"El Crepúsculo de la Vida", "Tristán e Isolda", "El Errante" "El Holandés", "Lohengrin ", "Tannhäuser", "Rienzi"
"Los maestros cantantes de Nueva York", "Percival", etc. También está la pieza orquestal "Obertura de Fausto" de Rossini: "El barbero de Sevilla" "La reina Isabel de Inglaterra" "La italiana en Argel" Glinka: Contribución: Llevó la música profesional rusa a Europa El nivel de un musical El poder sentó las bases y abrió el camino para el desarrollo de la música artística rusa, estableciendo así el estatus de la música rusa en la música mundial.
Obras: la primera ópera "Ivan Susanin" la segunda "Ruslan y Lyudmila"
Características creativas: la primera ópera "Ivan Susanin" ~" estableció el tipo de ópera histórica patriótica nacional .
El segundo "Lu~" estableció el estilo de la ópera mitológica popular rusa.
Grupo de cinco integrantes: Balakirev, Guy, Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov Tchaikovsky: "Sexta Sinfonía "Pathétique" (Obertura solemne)
Tres dramas de danza: "El lago de los cisnes", "La bella durmiente" y "El Cascanueces"
Características: Uno es un lirismo profundo, el otro es un fuerte smetá dramático. Eso: El poema sinfónico "Vltava" Deosjak: "Danzas eslavas" "Del Nuevo Mundo" Grieg: "La canción de Solveig" Se conoce como el "Segundo Himno Nacional" de Noruega Sibelius: "Oda a Finlandia" La música impresionista y sus representantes: "El Carnaval de los animales" de Saint-Saens Sublistado "Réquiem"
"Claro de luna" de Debussy "Borero" de Ravel " Ópera de Italia: "Cavalier Rusticana" de Mascagni "Pagliacci" de Leoncavolo Puccini: "La vida del artista" "Tosca" "Madame Butterfly" "Turandot" Música expresionista: Schoenberg, Bell Ge, Webern (Nueva Escuela de Viena)
Schoenberg: sistema dodecafónico y "armonía" Música neoclásica: la música nacionalista del siglo XX de Stravinsky: (Hungría) Bartok, (polaco) Szymanowski, (checo) Janacek, (estadounidense) Coplan Gershwin Bartok: el compositor nacionalista más exitoso del siglo XX siglo. No sólo abrió una nueva situación para la música húngara, sino que también fue uno de los pocos innovadores importantes que estuvieron a la vanguardia de la música moderna en el siglo XX. Música secuencial: Messiaen; Música incidental: Cage Bach: (1) Las obras de música vocal son principalmente música religiosa, la mayoría de las cuales son música religiosa luterana. Dos pasiones.
(2) En términos de música instrumental, "Clave bien temperado" (conocido como "El Antiguo Testamento para pianistas" por generaciones posteriores)
"Suite francesa" "Suite británica "Obra de Orquesta "Concierto de Brandeburgo"
1. Canto Gregoriano
Definición: Se originó en la Iglesia Romana en el siglo VI d.C. y se formó en los siglos VIII y IX. Es que lleva el nombre del Papa Canto Gregoriano La música litúrgica cristiana que lleva el nombre de Gauli se conoce como "canto gregoriano" y también como "canto llano".
Características básicas: (1) Una forma musical de una sola parte de canto de voz humana pura (masculina) sin acompañamiento. (2) La letra está en latín. (3) La letra proviene principalmente de la Biblia y los Salmos (4) El ritmo se divide según el ritmo del idioma y no hay una característica rítmica obvia. (5) El estilo musical es simple y solemne, con un tono estable, principalmente progresivo y saltos de tercer grado (6) El rango es estrecho (7) La melodía absorbe las características del antiguo Oriente, la antigua Grecia y las melodías populares. de la época y se basa en la escala natural simple. (8) El canto gregoriano se puede dividir en dos tipos: recitativo y melódico. Este último incluye tres formas: canto silábico, neume y florido. Los métodos de canto incluyen el canto solista, el canto al unísono, el canto alterno y el canto de respuesta.
Importancia: No es solo una parte importante de la cultura musical cristiana. A partir de estos cantos monofónicos, la tradición de la música polifónica se desarrolló gradualmente y se compilaron una gran cantidad de canciones musicales para las generaciones posteriores. compositores. Al proporcionar una gran cantidad de material creativo, el canto gregoriano tiene una importancia extremadamente importante en la historia de la música occidental.
2. El significado del "Himno" alemán
Posicionamiento: un himno protestante reformado por el reformador religioso alemán Martín Lutero en el siglo XVI.
Obra representativa: "Dios es nuestra fuerte fortaleza"
Características: 1. Cambio del latín al alemán
2. Cambio de letras en prosa a poesía rimada.
3. La melodía toma prestadas muchas melodías populares.
4. En cuanto a la textura, se cambió la polifonía por la armonía.
5. Cambiar el canto del coro por himnos cantados por la congregación.
3. Bajo continuo
Definición: Es una textura de armonía de tono principal que es diferente de la textura polifónica del Renacimiento. El compositor solo escribe la melodía de la parte de agudos y el bajo. Esta parte de bajo independiente continúa a lo largo de toda la obra, por eso se llama "bajo continuo". El compositor marca la posición de la nota en la armonía con un número al lado del bajo, y el intérprete improvisa la armonía de acuerdo con la marca. En términos generales, el bajo se toca con instrumentos como el violonchelo, el contrabajo o el fagot, mientras que el instrumento de teclado el laúd completa la armonía, debido a la diferente comprensión y decoración de la música por parte de los intérpretes. El manejo también es diferente.
Importancia: El bajo continuo ha sido popular durante más de cien años. Por lo tanto, el período barroco también se llama era del bajo continuo y es la característica icónica del barroco. de acústica. La formación del sistema de armonía también condujo al surgimiento de los sistemas de tonalidad mayor y menor. Así terminó la era de la moderación de la iglesia.
1. Características de la música en la etapa histórica de la antigua Grecia
1. Textura: Pertenece a la música única, principalmente la armonía. Aunque existen muchos tipos de instrumentos musicales, son. Se utiliza principalmente para acompañamiento. Adjunto a la armonía.
2. En cuanto a la forma interpretativa, combina poesía, música y danza, integrando poesía, composición musical, canto y acompañamiento.
3. Estrechamente relacionado con la religión, el nacimiento del cristianismo es de gran importancia para el desarrollo de la cultura musical occidental.
4. La teoría musical y la estética musical han alcanzado un nivel considerable. 5. La tragicomedia de la antigua Grecia es un grupo que posteriormente desarrolló el drama occidental.
2. ¿Cuál es la diferencia entre la música griega antigua y la música romana antigua?
1. Los romanos eran buenos en las conquistas, la lucha y defendían la fuerza, la autoridad y la disciplina. Sus características culturales carecían del carácter artístico y elegante de la cultura griega antigua. relacionado con muchas de las dinastías romanas. La pasión del rey está relacionada con esto.
3. Una de las características importantes de la música romana es su desarrollo hacia la practicidad y la ceremonia. La música militar colectiva y la música ritual y procesional son muy populares. 4. Además de las actividades musicales sociales, la música familiar también se ha vuelto popular desde hace un tiempo.
5.Otra diferencia importante con la música griega antigua es la profesionalización de la música.
6. La música de la antigua Roma ya no se puede comparar con la antigua Grecia en términos de salud espiritual.
3. Características de la música medieval
1. El canto gregoriano fue el centro de la actividad musical durante toda la Edad Media
2 El canto gregoriano fue el apogeo de la misma. El desarrollo de la música monofónica.
3. De la música monofónica a la música polifónica, la música polifónica finalmente evolucionó hacia la secularización.
4. La música es una parte integral de la cultura y la vida religiosa. La iglesia gobierna y crea la esencia de diversas artes, incluyendo el
modo, la armonía, la teoría musical, la notación y la música. El establecimiento de conservatorios está relacionado con la iglesia.
5. En la Baja Edad Media, la música sacra y la música profana convivían, oponiéndose y mezclándose entre sí.
6. La música vocal es la parte principal, y la música instrumental está subordinada a la música vocal.
4. Panorama de las características del Renacimiento
1. Los temas son diferentes a los de la Edad Media como la afirmación de la vida y el elogio de la naturaleza.
2. La reforma religiosa de Martín Lutero comenzó a desdibujar la distinción entre música religiosa y secular. La música religiosa se volvió más compleja y perfecta, y
se desarrolló hacia la secularización.
3. Durante el Renacimiento, la polifonía vocal entró en una época dorada, impulsada por Palestrina y Lasus,
el arte vocal puro alcanzó su apogeo.
4. Han surgido temas musicales instrumentales con significado independiente.
5. La música secular se ha desarrollado y han surgido muchos temas nuevos, como las canciones pastorales.
5. "Dos Convenciones"
Este es el pensamiento de Monteverdi en el quinto volumen de "Pastoral" de 1605, habla de la tradición polifónica del Renacimiento, es decir, " El "estilo antiguo" se puede llamar la "primera rutina", y la nueva técnica de composición que adoptó es la "segunda rutina". Destacó que cuando el compositor utilizó la "primera rutina", "la armonía (polifonía) es la letra". "Maestro de la armonía" significa que la forma es lo primero y el contenido lo segundo. "Segunda rutina" es lo contrario. "La letra debe ser la maestra de la armonía", es decir, el contenido es lo primero y la forma lo segundo.
El significado de "primera norma" y "segunda norma"
La tradición polifónica del Renacimiento, es decir, la "primera norma", antepone la forma y el contenido en segundo lugar. La nueva técnica de composición de Monteverdi fue la "Segunda Convención", donde el contenido fue lo primero y la forma lo segundo.
6. El origen de la ópera
1. La tragedia se remonta al período griego antiguo.
2. Dramas religiosos y dramas de misterio en la época medieval. Las obras de milagros y las obras pastorales sentaron las bases para el surgimiento de la ópera.
3. La ópera Madrigal durante el Renacimiento también presagió el nacimiento de la ópera.
4. El origen más directo de la ópera es el interludio de finales del siglo XV.
5. La ópera finalmente se produjo en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI.
7. Cantata y oratorio, y sus diferencias
Oratorio: también conocido como "oratorio", es una suite vocal de gran escala con contenido dramático y épico, incluye también coro, dúo, aria, obertura, etc. Sólo se canta pero no se actúa, teniendo la Biblia como contenido principal.
Cantata: incluye recitativos, arias, oberturas, etc., es de tamaño reducido, de contenido sencillo y centrada en el lirismo.
La diferencia entre cantata y oratorio:
Contacto: 1. Ambas son suites vocales de gran escala producidas al mismo tiempo que la ópera durante el período Barroco.
2. Música principalmente vocal, incluyendo coro, solista, dúo y acompañamiento orquestal.
3. No se permite maquillaje, escenografía, movimientos, utilería, escenografía, etc.
4. Ambos pertenecen a la categoría de música de tono principal.
Diferencia: La cantata es de menor escala y se centra en el lirismo. La temática puede ser religiosa o profana. También se le llama drama divino.
Es de mayor escala. sobre naturaleza épica, y el tema debe ser religioso. Su origen más antiguo se remonta a las obras de milagros de la Edad Media. Después de mediados del siglo XVII, la música de la Pasión desarrolló un nuevo tipo de oratorio.
8. Características musicales del período clásico
1. La música pasó de la iglesia al palacio y paulatinamente al público.
2. La creación musical adopta principalmente la forma musical principal, que fortalece la correspondencia entre armonía y melodía, y establece la progresión armónica funcional de "maestro-subordinado-subordinado-maestro".
3. Establecer el principio de estructura segmentada de la forma musical, con tema claro, drama musical conciso, música hermosa, simple y equilibrada.
4. El desarrollo motivado por temas utiliza el contraste entre temas para reemplazar el desarrollo de un solo tema en el período barroco.
5. El "bajo continuo" se reemplaza por una notación instrumental clara, lo que permite al compositor experimentar el timbre del instrumento con mayor claridad.
6. Perseguir una belleza considerable y ampliar el alcance y la expresividad de la música.
7. El foco de la música se ha desplazado hacia nuevos temas instrumentales: sinfonías, conciertos, sonatas y cuartetos.
9. La reforma de la ópera de Gluck
1. La posición de Gluck en la historia de la música se estableció con su reforma de la ópera italiana, que exigía que la música estuviera subordinada a la poesía. es el principio de Gluck en la creación de óperas
3. Las óperas de Gluck son simples, naturales y conmovedoras
4 Estilo Gluck utilizó un recitativo con acompañamiento de orquesta en lugar del "recitado claro" comúnmente utilizado en. óperas en el pasado
5. La orquesta de Gluck absorbió los logros de la música orquestal del siglo XVIII y utilizó las voces individuales de la orquesta para Una notación clara reemplazó la técnica del bajo digital.
10. La diferencia entre sonata y forma sonata
"Sonata" se refiere al tema de la "sonata" que se formó gradualmente en el siglo XVIII y consta de diferentes números de movimientos. Los movimientos contrastan en tonalidad, emoción y velocidad. En conjunto, varios movimientos están intrínsecamente relacionados entre sí.
La "forma sonata" se refiere a la forma estructural utilizada dentro del tema de "Sonata". Cuando se usa en el primer movimiento, a menudo se la llama "forma Sonata Allegro". Otros movimientos también suelen utilizar la forma sonata y otras formas musicales.
11. Beethoven (compositor alemán. Uno de los representantes de la escuela de música clásica de Viena)
Obras representativas: 1. Sinfonía: Sinfonía nº 3 "Eroica" 2 .Ópera " Fordario"
3. Sonata: Sonata nº 14 "Claro de luna" 4. Concierto: violín, violonchelo, trío con piano. 5. Música de cámara: 16 cuartetos de cuerda 6. Obras vocales: Misa en re mayor, suite vocal "Distant Lover"
Logros artísticos: 1. Motivación: Ampliar motivaciones musicales muy concentradas, manteniendo un enfoque integral y riguroso. unidad, ampliando la parte de desarrollo, convirtiéndola en el foco de resaltar las contradicciones internas, la publicidad motivacional y los conflictos dramáticos de la obra. A partir de la Tercera Sinfonía, el scherzo se introduce en el tercer movimiento de la sinfonía, la Novena Sinfonía.
2. En términos de sonatas para piano: Sus 32 sonatas para piano hicieron contribuciones significativas a la estructura de las sonatas.
3. Estilo creativo: en términos de expresión musical; la esencia espiritual de la época, la obra muestra desde la lucha hasta la victoria, desde la oscuridad hasta la luz; su patrón hereda el método de desarrollo de la motivación del estilo de Haydn; Las melodías de Mozart El sentimiento profundo forma las características de la sencillez, la aspereza, el simple entusiasmo,
4. La dinámica provocada por la síncopa y el reposo, la disonancia de la armonía y la inestabilidad del modo.
12. Características de la ópera de Nápoles (también las características de la ópera formal)
1. Desarrollo en dirección a la ópera formal: fue la última ciudad en desarrollarse y fue estereotipada como ". "Ópera"
2. Figuras y obras representativas: "Teodora" de Scarlatti
3 Características: (1) Contenido: basado principalmente en mitología e historia antiguas Leyenda, contenido serio, como. opuesto a la comedia.
(2) En términos de forma estructural: de la ópera original en cinco actos a una estructura compacta de tres actos, a menudo intercalada entre actos
Comedia, interludios sexuales La obra comienza con una obertura única, en la que se alternan recitativos y arias antioriginales.
Rara vez se utilizan duetos y coros, y no se recurre a la danza.
(3) Dos recitativos diferentes. Uno es el recitativo seco, que se usa para diálogos o monólogos más largos. La parte solista solo usa continuo.
El segundo es el acompañamiento de bajo. y el segundo es el recitativo con acompañamiento. Es bueno para expresar emociones complejas y también se utiliza en escenas dramáticas y tensas. El solo está acompañado por una orquesta.
(4) Aria anti-comienzo: Esta. Este tipo de aria tiene la forma de tres secciones ABA. Los compositores generalmente ya no escriben la sección A reproducida, sino que solo marcan ala eapo al final de la sección B, lo que significa repetir desde el principio, pretendiendo significar "invertir el principio". ", y marcando bien al final
13. La contribución de A. Scarlatti a la ópera
1, *** escribió 115 óperas y fue el fundador de ópera moderna.
2. Obras representativas "Griselda", "Pirro et Dimetro" y "La caída de la Compañía de los Diez" Logros artísticos más famosos: (1) Es el fundador de la escuela de música napolitana (2) Fue pionero en el aria anti-comienzo, el recitativo seco y el recitativo de acompañamiento (3) Estableció la La forma de tres secciones de la obertura de la ópera de Nápoles "rápida-lenta-rápida" se convirtió en la precursor de la sinfonía (4) y creó un arreglo orquestal típico del barroco tardío: cuatro partes de cuerda más oboe, fagot, trompeta, trompa, etc.