"Pintura Xiao Gu Liao · 2" C13-18
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Extracción de lectura
1. Courbet - Confiado, rebelde, loco, talentoso
Su autorretrato puede ser el autorretrato más genial de la historia del cine occidental. art. A diferencia de los autorretratos de otros pintores con rostros inexpresivos y ojos vacíos, Courbet en el cuadro se levanta el cabello y te mira. Este es un autorretrato inolvidable. Esta pintura también refleja plenamente la personalidad desenfrenada de Courbet. Al mismo tiempo, también tiene un toque de "exageración" y "espectáculo".
El mundo de la pintura francesa del siglo XIX era un lugar donde los "monstruos" emergían en gran número... y Courbet definitivamente podría ser considerado como el "Sun Wukong entre los monstruos".
Pero hay algo aún más poderoso: ¡Courbet fue autodidacta! De hecho, Courbet aprendió pintura del sacerdote del pueblo desde que era un niño. Después de llegar a París, también recibió educación en pintura ortodoxa en la Real Academia de Bellas Artes y la Academia de Bellas Artes de Besançon... durante un tiempo. Pintor chino, lo que importa es el "maestro a maestro", cuanto mayor es la reputación de un maestro, más cara tiene y más fácil es que se reconozca su trabajo. Sin embargo, los pintores extranjeros prestan atención a la "individualidad" y la "innovación", por lo que rara vez se escuchan palabras como "tal o cual pintor heredó al 100% el estilo de su maestro" o "sus pinturas son exactamente iguales a tal, y -Qué maestro". Un pintor.
La razón por la que Courbet dijo que "no tenía maestros" cuando "tenía maestros" fue porque en su opinión no aprendió nada de estos maestros. Su estilo de pintura y su tema lo descubrí. por mi cuenta.
En la década de 1840, comenzaron a surgir sus originales "artes marciales", la más famosa de las cuales es una serie de "obras narcisistas" que creó basándose en él mismo. Courbet fascinó a miles de fans femeninas (y masculinas) con esta serie de autorretratos, dando con éxito el primer paso del "automarketing".
Si bien su fama se ha disparado, sus obras también han sido reconocidas por instituciones autorizadas. Esta institución autorizada es el Salón Oficial Francés mencionado a menudo en el primer volumen. La única manera que tiene un pintor novato de hacerse famoso es entrar en un salón oficial. El Salón Oficial era en aquel momento la plataforma artística más autorizada y única en Francia. Como institución autorizada, debe tener un estándar autorizado, que también sea responsable de los pintores que consideran talentosos. Sin embargo, las personas que establecen este estándar son todos artistas antiguos que han sido influenciados por la pintura clásica. El estilo artístico de este grupo de "nuevos nuevos humanos" está realmente lejos de sus estándares. De todos modos, una cosa es segura. No es el rechazo al Salón lo que creó este grupo de artistas emergentes, pero tarde o temprano se harán populares. La cuestión es dónde hacerse populares. Courbet es el mejor ejemplo.
Se trata de "El descanso después de comer de los Ornans" que creó en 1849. El cuadro muestra al padre de Courbet y a varios invitados que acudieron a su casa descansando y escuchando música después de cenar. Se encontraban muy relajados y cómodos. ¡Pero este tipo de temas son raros en los salones porque no se pueden poner sobre la mesa! Además de los cuentos de hadas, los cuadros del salón incluyen emperadores, generales, talentos y bellezas. Courbet, sin embargo, centró su perspectiva en la gente común y corriente que se puede ver en todas partes en la vida diaria. Aunque no está en el escenario, el tema es muy novedoso. Después de su exhibición en el Salón, la pintura fue bien recibida. Courbet también recibió la "medalla de oro a la inmunidad ante la muerte" otorgada por el Salón (en el futuro podrá presentar cuadros para exposición sin aprobación).
Ese mismo año, Courbet también creó esta "Masonería". Aunque los rostros de las dos personas no se pueden ver en la imagen, todo el cuadro puede dar a la gente un sentimiento trágico... porque el futuro del hijo se puede ver claramente en el cuadro. Cuando crezca, se convertirá en el padre al lado. Continuó haciendo un trabajo físico pesado...
Estas dos pinturas también establecieron el estilo pictórico de Courbet. Creía que el clasicismo y el romanticismo eran demasiado falsos y artificiales. "Si quieres que dibuje un angelito con alas, primero coge uno y enséñamelo". Courbet sólo pintó su "realismo" e insistió en centrarse en la gente común y corriente en la vida diaria. Después de conseguir honor, fama y dinero, empezó a pintar lo que le gustaba. Esta es su obra maestra más famosa "El funeral de Ornán". Los "rebeldes" talentosos son particularmente atractivos.
En 1871, se unió a la Comuna de París y fue elegido presidente de la Asociación de Artistas de la Comuna. El 16 de mayo de 1871, Courbet dirigió un grupo de jóvenes enojados para derribar un pilar. Esta columna se llama "Columna Vendôme" y fue fabricada con 200 cañones.
Esta columna es un símbolo del Imperio francés y, lo que es más importante, simboliza la gloria de la familia napoleónica. Tras el fracaso de la Comuna de París, Courbet fue arrestado. Courbet pasó seis meses en prisión por esto. Después de salir de prisión, recibió una factura del gobierno de 300.000 francos para la restauración de la Columna Vendôme. Al no poder conseguir el dinero, Courbet se exilió en el extranjero y bebió todo el día para ahogar sus penas. Poco después, murió por consumo excesivo de alcohol en Lausana, Suiza.
Las obras de Courbet influyeron en muchos pintores de aquella época. Por ejemplo, Manet, el posterior "padre del impresionismo".
Su personalidad salvaje y arrogante lo convirtió en un artista que "destaca entre la multitud", sorprendiendo a todo el mundo de la pintura una y otra vez... ¿Es esta una verdadera expresión de su personalidad, o es deliberada? ¿autocomercialización? Ya sea "real" o "actuado", su espíritu intransigente y su actitud de buscar la innovación y el cambio en el arte son dignos de nuestro respeto.
2. En opinión del autor, los pintores se pueden dividir básicamente en cuatro niveles en términos de fama e influencia:
El cuarto nivel es el pintor. De hecho, es un artesano. La pintura es sólo una herramienta para mantenerse y un medio de supervivencia. Principalmente retratistas, siempre y cuando los cuadros sean parecidos y los clientes estén satisfechos.
El tercer nivel es el artista. Es un poco más potente, tiene sus propias ideas e incluso su propio estilo. Para ellos, pintar no es sólo un trabajo, sino también un hobby y una forma de expresar emociones personales.
Gear 2 es el maestro. Los pintores que pueden entrar en esta categoría pueden describirse básicamente como "grandes". No sólo han hecho contribuciones destacadas a la historia del arte, sino que sus obras incluso han influido en muchos artistas de tercer y cuarto nivel.
La primera etapa es la leyenda, está llena de genios talentosos y tiene un significado trascendental en la historia del arte. Y para ser clasificado en este grupo, se necesita algo de "suerte". Puede ser "suerte" o "mala suerte". Debe ser una "persona con una historia". Al igual que en un concurso de talentos, cuando algo es bueno, si puedes agregar algunos ingredientes, será aún más sobresaliente.
¡En el mundo de la pintura holandesa, sólo un pintor de "primer grado" puede al menos montar una mesa de mahjong! (Los pintores de "segundo grado" casi pueden formar varios equipos de fútbol). Yo llamo a esta mesa de mahjong los "Cuatro Reyes de los Países Bajos".
Dos de ellos son Van Gogh, Rembrandt y Johannes Vermeer, 1632~1675. Porque salvo cuadros, no dejó casi nada.
3. El Hombre Misterioso: Vermeer
Por lo tanto, se puede decir que el título "Hombre Misterioso" es digno de su nombre. ¿Cuántas pinturas dejó Vermeer? Todavía no hay una conclusión final sobre este tema, o se puede decir que hay 35 + 1 imágenes y 1 imagen aún por determinar.
¡Porque se puede decir que estas más de treinta pinturas suyas son exquisitas! "La joven de la perla" Este retrato aparentemente simple puede capturar los nervios visuales de cada espectador y hacerlo inolvidable. Un cuadro de hace más de 300 años puede realmente impresionarnos a nosotros, los modernos. Ésta es la magia de Vermeer en sí misma.
Echemos primero un vistazo a su "autorretrato" (o presunto autorretrato): "El Estudio". De hecho, este pequeño agujero debería ser el ojo de una aguja de Vermeer. en este lugar, y la aguja envuelve un hilo y completa la composición basándose en las líneas auxiliares extraídas del hilo. ¿Por qué el agujero está ubicado aquí? Porque Vermeer quiere llamar tu atención sobre este punto, sin que tú lo sepas.
De hecho, "controlar" la atención visual del espectador es una técnica común de los pintores holandeses. Pero otros pintores suelen utilizar los dedos u otras partes del cuerpo de los personajes para señalar el punto que quieren que mires. Y sólo Vermeer controla tu visión de forma inconsciente. Este es también el truco habitual de Vermeer, esconder pistas obvias para hacer la imagen más intrigante...
En cierto sentido, Vermeer también debería ser considerado un "fotógrafo", pero Sin embargo, los fotógrafos comunes y corrientes sólo necesitan Haga clic en el obturador una vez, pero los fotógrafos de la Universidad de Victoria tardan medio año en presionar el obturador una vez; es la llamada "cámara humana".
Vermeer ascendió al trono de "Super Master" solo con más de treinta pinturas, porque cada una de sus pinturas contiene muchos detalles cuidadosamente diseñados, que son como detectives. Las pistas de la novela también intrigan al espectador. haciendo que la gente especule involuntariamente sobre el significado detrás de la pintura.
Metáfora: Muchos pintores utilizan la metáfora, pero Vermeer la utiliza con especial frecuencia.
Controlar la visión: a Vermeer le gusta usar sus pinturas para controlar la visión del espectador mientras te invita a entrar en la imagen, también intenta usar varios accesorios para aislarte de la imagen... Quizás este sea el caso. -llamada "belleza de la distancia". Además de utilizar mesas, sillas y bancos, Vermeer también utilizó el color para controlar la visión. "Delft Landscape" es el "Rolls Royce" de la pintura de paisajes.
Para lograr el propósito de manipular la visión, a menudo guía al espectador manipulando los muebles de la habitación. El movimiento y la quietud son opuestos. Vermeer creó deliberadamente la "ilusión" del agua ondulante para resaltar la tranquilidad de toda la imagen.
4. "Pintor de Oro" Gustav Klimt: "Doble Mago" en el mundo del arte y el diseño
Nunca habla de sus obras, ni siquiera de sí mismo. Una vez dijo: "Si quieres entenderme como persona, ve a ver mis cuadros".
Su padre es tallista. Estas figuras geométricas utilizadas para la decoración aparecieron a menudo en las obras de Klimt más tarde. Por eso las obras de Klimt son muy decorativas. Klimt es sin duda el artista más "desarrollado" entre los maestros. Puede ser una "cámara del cuerpo humano" o puede ser completamente abstracta. Lo más sorprendente es que puede combinar perfectamente realismo y abstracción sin ningún sentido de contradicción. Obra representativa: "Adele Bloch-Bauer's Portrait I" (Retrato de Adele Bloch-Bauer), 1907.
Klimt también era un artista rentable, y sabía lo que le gustaba al público. Las obras de Klimt a menudo provocan en la gente un ensueño ilimitado y, aún hoy, nunca se sienten anticuados. Y es capaz de combinar a la perfección diseño y arte. El diseño presta atención a los conceptos y el arte presta atención a los sentimientos.
5. Egon Schiele
Nadie hubiera pensado en ese momento que brillaría brillantemente en los próximos 20 años, incluso reemplazando a Klimt como el nuevo dios del arte de Viena... Klimt era la "élite" de Schiele. En ese momento, Schiele ya había encontrado su propio estilo. Lo que muchos pintores quizás no puedan hacer en su vida, él lo hizo a la edad de 19 años. Hablando del estilo pictórico de Schiele, hay que mencionar la "escuela" a la que pertenece. Los expertos y estudiosos gustan de clasificarlo como "expresionista". Es un estilo de pintura con colores brillantes, distorsión, falta de búsqueda de habilidades pictóricas, descuido en el dibujo, planitud, falta de perspectiva e irracionalidad (creación basada en sentimientos). Los temas son principalmente el terror y el sexo.
El método de operación específico es el siguiente:
1. Prepare las herramientas necesarias para pintar (pintura, lienzo, pincel, etc.
2. No empieces a pintar todavía, primero deja que el cerebro esté vacío y el cuerpo esté relajado;
3. Elige algunas pinturas que creas que son las más brillantes
Nota: No te preocupes por si la pintura se ve “similar” o no. Deja que tu mano guíe el pincel y sigue tus pensamientos para vagar por el lienzo.
A los ojos de la gente corriente como nosotros, las obras de muchos maestros expresionistas parecen pintadas a ciegas. Sin embargo, de hecho, están lejos de ser tan simples como parecen en la superficie, al igual que cuando los maestros de artes marciales alcanzan la cima de la práctica, a menudo pueden matar a sus oponentes sin ningún movimiento engorroso. Aunque ambos pertenecen al expresionismo, las obras que producen pueden ser muy diferentes dependiendo de las diferentes experiencias vitales de cada pintor, así como de su diferente comprensión y dominio de las técnicas pictóricas. En otras palabras, primero depende de si tienes "material" en tu mente; luego depende de si tienes "kung fu" en tus manos y finalmente depende de tu preferencia entre los dos (cuál representa una mayor cantidad); porcentaje). El expresionismo no tiene un método de pintura unificado. Es más como "nadar en el agua en Liangshan". Cualquiera que exprese sus verdaderos pensamientos es un buen hermano. Por tanto, el expresionismo también puede considerarse una "mezcolanza". Aquellos artistas que no sabían a qué escuela debían ser considerados fueron básicamente arrojados al expresionismo.
Entre ellos también hay superestrellas, como Edvard Munch, cuyo "El grito" es considerado un nombre muy conocido.
Schiele pintó bodegones, paisajes y retratos. Pero lo que mejor le gusta y lo que más le gusta dibujar es probablemente el cuerpo humano. Varios rasgos icónicos del cuerpo humano de Schiller:
①. Líneas hermosas y suaves son el sello distintivo de sus obras. Tan famosa como los colores de Van Gogh y los efectos de luces y sombras de Rembrandt, es una habilidad única que puede "matar gente" de forma invisible. Schiller resolvió en unas pocas líneas la sensación de perspectiva y tridimensionalidad que había preocupado a los maestros del arte durante siglos.
②Método de pintura. Además de las líneas, la forma de pintar de Schiele también es única. Por lo general, primero completa el dibujo lineal y luego agrega el color que cree que es correcto donde cree que es correcto. El color es como dije antes: "No es para la búsqueda de la realidad, sino para la expresión de emociones".
Como resultado, a menudo aparecen muchos puntos de colores en su piel humana. Desde una perspectiva realista, estos puntos parecen moretones o granos, pero lo interesante es que toda la imagen se siente armoniosa, como si los puntos estuvieran destinados a estar ahí.
③Tema. El tema de las pinturas del cuerpo humano de Schiele se puede resumir en una palabra: "sexo". Nueve de cada 10 de sus pinturas de cuerpos humanos contienen elementos sexualmente sugerentes.
Estas personas han dejado atrás muchas obras y hechos clásicos y han tocado a innumerables personas, pero nos dejaron temprano... Por supuesto, morir joven es desafortunado para cualquiera, pero si lo piensas desde otro ángulo. , se fueron gloriosamente así, pero dejaron los clásicos ahí para siempre. No es una bendición poder congelar sus vidas en el momento más glorioso. Mirando retrospectivamente las pinturas al óleo, los bocetos e incluso los diseños de carteles de Schiele... incluso hoy en día, no se sienten obsoletos. Y siempre lucirá joven y guapo en nuestros corazones.
Como dijo una vez: "El arte no es moda, el arte debe ser eterno".
6. Édouard Manet, 1832～1883: Conocido como el "padre del impresionismo"
Teniendo dinero, estatus y buenas habilidades para pintar, era difícil no ser buscado. Este "pequeño pony" francés es realmente muy popular, incluidos Monet, Zola y Degas. Y sus amigos están repartidos en diversas industrias.
Aunque Manet no perteneció a los impresionistas, fue buscado y admirado por todo el movimiento impresionista. Todo empezó con uno de sus cuadros, "Almuerzo sobre la hierba". Si el movimiento impresionista fue una gran explosión en la historia del arte, entonces la pintura de Manet fue una mecha. El tema y la composición son "homenajes" del maestro, y luego a los personajes se les añade un conjunto de ropa de moda. ¿Qué tiene de bueno? El conocimiento está realmente en esta ropa.
Napoleón III era un líder muy apasionado por el arte, pero muy pocos de los artistas que le gustaban pudieron dejar su nombre en la historia del arte. Por el contrario, la mayoría de los artistas que rechazó eran extremadamente populares. Courbet nos presentó antes, a Manet en este capítulo, y más tarde a los impresionistas, todos ellos se convirtieron en figuras maestras de la historia del arte... Una persona que ama tanto el arte se ha convertido en el coleccionista más ignorante de la historia, ¡ay! Fue el Salón "Exposición no seleccionada" de Napoleón III el que hizo que Manet tuviera éxito. A los ojos de la gente corriente, este cuadro "Almuerzo sobre la hierba" probablemente sea sólo una imagen inexplicable de una mujer desnuda. Para un grupo de artistas "nuevos", esta pintura no solo subvirtió todos los conceptos artísticos dominantes en ese momento, sino que también vieron esperanza en esta pintura: ¡la misma pintura que fue rechazada por el Salón en realidad podría ser rechazada con tanta fuerza! Si "Luncheon on the Grass" es un rayo que atraviesa el cielo nocturno, entonces "Olympia" es un verdadero "cinco truenos". En términos oficiales, ¡esta pintura es la flagrante provocación de Manet al arte convencional!
"Bar en el patio de la Diosa": por última vez, Manet utilizó sus obras para "rendir homenaje" a los maestros que admiraba. Esta vez, fue un encargo de uno de sus más admirados: el ". Pintor de espejos" Lásquez. El espectador mira este cuadro y se enfrenta a la mujer detrás de la barra, pero puede ver en el espejo todo lo que hay en toda la barra, y esto es exactamente lo que ve la mujer...
Manet Tiene muchos títulos geniales - el padre del impresionismo y el fundador del arte moderno.
Sin embargo, en su lápida sólo hay una breve línea de palabras grabadas, que se dice que fueron escritas por Degas: "Eres más grande de lo que imaginamos".
7. La primera razón por la que Berthe Morisot puede convertirse en artista femenina es que es muy rica. Su "riqueza" está profundamente arraigada en sus huesos. Es tan rica que ni siquiera se da cuenta de lo rica que es. En segundo lugar, nació en una familia de artistas. Mi abuelo fue el maestro rococó, Jean-Honoré Fragonard, el que pintó "El columpio". El artista que marcó el comienzo del apogeo del arte rococó. Su maestra fue la maestra de Barbizon Camille Corot. Figura representativa de la Escuela francesa de Barbizon, el paisajista lírico más destacado del siglo XIX, y también el artista con la pintura más abundante del siglo XIX. Su vida hoy es la condensación de los sueños de innumerables personas. Mucho trabajo. Arte, viajar. Más tarde, Morisot llevó el concepto de pintura al aire libre al impresionismo y se convirtió en uno de los fundadores del impresionismo. Si las pinturas de Renoir están llenas de un aliento de felicidad, Morisot expresa calidez y armonía. En su obra maestra "La Cuna", puedes sentir el amor y la ternura maternal solo en los ojos y los movimientos de su hermana Emma. Su habilidad única es que las mujeres que escribe son siempre muy atractivas. Quizás esta sea la ventaja de las pintoras, que parecen ser capaces de pintar los mundos interiores de las mujeres. Cada vez que me paro frente a las mujeres de sus cuadros, no puedo evitar sentirme atraído por sus ojos. A veces son sólo dos simples puntos negros, a veces ni siquiera mira en tu dirección, pero aún así logra captar la atención del espectador sin esfuerzo.
Morisot apareció en los lienzos de Manet 12 veces y era su modelo favorito. El más famoso de ellos es este retrato. Xiao Gu personalmente cree que en términos del grado conmovedor y el valor artístico de esta pintura, es comparable a las dos pinturas "La joven de la perla" y "Mona Lisa", pero no es tan misteriosa como esas dos pinturas. Los ojos negros de Morisot parecen particularmente conmovedores sólo en el lienzo de Manet.
Aplicación práctica
1. No hay nada de malo en utilizar más tecnología de alta tecnología para hacer que sus pinturas sean más precisas. La clave es dejar que la tecnología sirva a las personas, para que usted pueda hacerlo. tener más tiempo y energía para mejorar usted mismo.
2. Presta atención al carácter decorativo de la obra, y combina a la perfección realismo y abstracción.
3. Realismo, centrándose en la gente común y corriente en la vida diaria. Ya sea fotografía o pintura, puedes prestar atención a este tipo de obras, que provienen de la vida y son más elevadas que la vida.
Próximos pasos
1. Practica más líneas en el boceto de personajes.
2. Estudia la adición de color en pinturas de figuras. Puedes agregar algunos trazos a voluntad en lugar del efecto de todo color.
3. Conozca los diversos detalles y métodos de guía visual de las obras de Vermeer.
Frase del día
El diseño presta atención al concepto y el arte presta atención al sentimiento.