Cómo coreografiar un baile
1. La emoción es el mensaje del movimiento: Lo primero que un coreógrafo debe entender es qué emoción y personalidad quiere expresar. Primero, de acuerdo con las pistas de la estructura de la danza, se diseñan las emociones continuas, la conciencia e incluso el subtexto de los personajes, y los movimientos se tallan a lo largo de estas pistas. Puedes permitirte entrar en el papel primero y dejar que los personajes de la obra vivan solos. Luego, sobre la base de profundizar el rol, encuentro y perfecciono la imagen de danza necesaria para esta situación aquí y ahora a partir de los materiales de danza de la vida que he acumulado, y uso la experiencia como fuerza impulsora de los movimientos.
3. La “concepción artística” de la danza: Si las montañas no son altas y hay agua, habrá espiritualidad; si los movimientos de la danza no son “complejos” ni “simples”, si pueden; resaltar la concepción artística, habrá espiritualidad. La "concepción artística" de las obras de danza es la concepción artística que transforma el pensamiento temático en "poesía y pintura". Es la unidad de "emoción", "intención" y "paisaje" y "paisaje". ideal humano. La concepción artística de las obras de danza es la situación general, por lo que el coreógrafo debe centrarse en la situación general, comenzar con cosas pequeñas (movimientos) y considerar la concepción artística en torno a los movimientos.
4. Movimientos temáticos de danza: Son movimientos representativos que configuran la imagen dancística de la obra, y son habituales en las danzas folclóricas. Las danzas folclóricas en diferentes regiones cambian constantemente, pero siempre son inseparables de algunos movimientos más representativos. Se convierten en la base del "lenguaje de la danza" (combinaciones de acciones) y de movimientos repetidos intercalados en las obras de danza.
La combinación de acciones debe ser vívida, suave y conmovedora. Lo que cabe señalar es:
a. Debe haber contraste y cambio: el contraste puede ser rápido o lento en el tiempo (ritmo), fuerte o débil, largo o corto en el espacio (forma); ), algunos son altos y otros bajos, algunos son cuadrados (líneas nítidas, bordes y esquinas nítidos), algunos son redondos (suaves y redondos), algunos están estirados (estirados), algunos encogidos (encogidos), algunos se mueven, algunos están todavía, etc. Los movimientos contrastantes aumentan los altibajos de los cambios emocionales, haciendo que diversas emociones sean más vívidas y prominentes en términos relativos, haciendo así más vívido el lenguaje de la danza.
B. Repetición y reproducción necesarias: La danza y la música son ambas artes temporales. Aunque la danza sólo tiene la imagen del espacio, no puede permanecer allí para siempre como una "escultura". Para que la imagen de la danza y la "concepción artística" permanezcan en la mente del público, la repetición y la reproducción también son esenciales. Su práctica puede ser diversa:
(1) Acciones temáticas transversales.
(2) Las acciones temáticas aparecen en diferentes tramas, párrafos y diferentes ritmos.
(3) Los principales grupos (secciones) de baile aparecen repetidamente.
(4) El principio y el final son la reproducción de un mismo proceso de danza o "concepción artística".
Para la composición escénica, nuestros hábitos estéticos tradicionales son el "equilibrio" y la "simetría". "Saldo" significa "no seas parcial". Hay dos tipos de composiciones equilibradas, una es simétrica y otra asimétrica. Las diferentes composiciones dejarán diferentes sentimientos en la audiencia: los círculos hacen que la gente se sienta llena; los cuadrados se ven serios y limpios (pero rara vez se usan, los triángulos están en el medio, son flexibles y fáciles de formar pequeñas unidades de varios gráficos); profundidad; las columnas dan una sensación de acercamiento y opresión; las filas horizontales son pacíficas; las filas diagonales son prometedoras.
En cuanto a la programación de etapas: si caminas en línea recta, el camino es corto; si caminas en una curva, parece muy lejano, tomemos como ejemplo la palabra "8", la distancia; es infinito, puedes caminar de la mañana a la noche, puedes crear una sensación de atrás hacia adelante y de lejos a cerca la "V" avanza, dando una sensación de impacto y presión, la formación de cruz puede volverse tensa y; atmósfera ardiente; la formación de densa a suelta puede crear una sensación de impacto y presión. El deseo de poseer y la atmósfera fuerte e irresistible de las formaciones delantera, trasera, izquierda y derecha de repente dan a las personas una sensación de golpes y cambios repentinos. Muestra la ilusión de navegar con viento y olas, altibajos internos, luchas feroces, etc. ...
Cabe señalar que la composición de la danza no se puede diseñar de forma aislada, sino que debe combinarse con la combinación de movimientos de danza, y no se puede separar del vestuario y la utilería.
6. Seleccionar actores para ensayar el baile: Al seleccionar actores, debes considerar (1) si pueden asumir las habilidades de baile y las habilidades necesarias para darle forma al papel. (2) Si es consistente o cercano a la identidad, personalidad y apariencia del personaje (3) Cumple con las características del género del programa que requiere el actor, tales como: si el actor es una comedia o una tragedia; , artes líricas o marciales, etc.
Después de determinar los actores, el director debe diseccionar el tema, contenido, personajes, trama, escenas (párrafos), imágenes, etc. de la obra a los actores para que los actores tengan un concepto claro y completo. de la obra. Después de analizar más a fondo el papel y aclarar las tareas del actor, se familiariza con la música de baile, para luego enseñar los movimientos uno por uno y ensayarlos uno por uno (acompañado de piano o instrumentos musicales sencillos) hasta completar todo el baile.
A. Ensayo: Primero puedes hacer un arreglo aproximado (es decir, lucirse) y luego actuar en grupo, de principio a fin.
b. Pedirle al público que vea el ensayo adecuadamente puede aumentar las emociones de los actores.
c.A la hora de ensayar hay que prestar atención: los actores deben meterse en el papel.
7. Lehe: "Lehe" se sincroniza con los movimientos y se puede tocar después de la enseñanza.
8. Síntesis escénica: Esto es lo que llamamos ensayo. Poner la obra en escena es la etapa de "síntesis". Antes de componer la música, el director debe presentar el contenido de la obra a todos los que trabajan en el escenario: decorados, iluminación, vestuario, utilería, efectos de sonido, etc. , y plantear requisitos de diseño y finalmente determinar el plan.
(1) "Dancing Landscape" quiere ilustrar la época de su obra y crear un ambiente específico. El paisaje debe ser conciso y claro.
(2) La iluminación del escenario debe mostrar el momento del baile, los cambios de tiempo, los augurios de buena y mala suerte, la representación de los sentimientos internos de los personajes, etc.
(3) La ropa ayuda a expresar la identidad de un personaje y los atributos de una nación, y el color de la ropa también puede resaltar la personalidad de un personaje. Se requiere que sea ligero y en forma, hermoso y distintivo, exagerado y no distorsionado.
La composición incluye: paseo, paseo, maquillaje y ensayo.
A. Subir al escenario: Es un experimento combinado de escenas, escenografía y danza en el escenario. Deje que los actores se familiaricen con la ubicación del escenario y el escenario, y fije la coreografía, la formación y la posición de la imagen del baile de principio a fin. Comprueba también si la composición de la escena y el baile son armoniosos.
b. Exposición: Es un experimento de diseño de iluminación y danza. La iluminación debe fijarse a medida que se presenta el contenido de la danza y se organizan los actores.
c.Ensayo: Todos los ensayos son ensayos integrados (incluyendo banda, actores, maquetación, iluminación, vestuario, maquillaje, utilería, efectos de sonido, etc.). ensayo.Coordine la cooperación de todos los aspectos del escenario, una etapa a la vez. Cuando se complete la "síntesis", el ensayo se completará de una vez, para que se puedan descubrir problemas y se puedan hacer más ajustes. En este punto nació una obra de teatro.