Danza de Corte y Ballet
Hablar de la tradición y formación del ballet
La transliteración de ballet francés significa: ① Una forma de danza escénica, es decir, danza clásica europea, comúnmente conocida como ballet. Se trata de un arte de danza tradicional europea con estrictas especificaciones y formas estructurales, que se formó después de siglos de continuo procesamiento, enriquecimiento y desarrollo a partir de danzas folclóricas de diversas partes de Europa. Después del siglo XIX, una característica técnica importante fue que las actrices tenían que usar zapatos de baile especiales para bailar con las puntas de los dedos de los pies, por lo que algunas personas también lo llamaban baile con los dedos. ②La danza dramática originalmente se refiere a un arte dramático que utiliza la danza clásica europea como principal medio de expresión, integrando música, pantomima, arte escénico y literatura para expresar una historia o trama. Se llama ballet clásico (o danza dramática clásica). Tras el surgimiento de la danza moderna en el siglo XX, la danza moderna combinada con técnicas de danza clásica como principal medio de expresión para expresar el contenido o la trama de la historia se denomina ballet moderno. Poco a poco, la palabra ballet también se utiliza para referirse a danzas dramáticas que utilizan otras danzas como principal medio de expresión, aunque se diferencian del ballet clásico o del ballet moderno en términos de estilo de danza, características estructurales y técnicas de expresión. ③Un número considerable de obras de danza creadas por coreógrafos modernos no tienen contenido narrativo ni trama. Los coreógrafos utilizan la danza clásica europea o la danza moderna, o una combinación de ambas, para expresar determinadas emociones, concepciones artísticas o la comprensión de las ideas del autor. una determinada obra musical, etc., a estos también se les llama ballet.
La palabra ballet proviene del latín antiguo ballo. Inicialmente, la palabra sólo significaba bailar o realizar danza en público, y no tenía el significado de una representación teatral. Como arte escénico, el ballet nació en los grandes banquetes y actividades de entretenimiento en Italia durante el Renacimiento. Se formó en la corte francesa en el siglo XVII. Este tipo de ballet de la corte es en realidad una danza, canto y música poco estructurados. un tema unificado. Una actuación integral de recitaciones, recitados y dramas, diseñada por profesores de danza profesionales, con reyes y nobles como actores, y papeles femeninos también interpretados por hombres. El lugar de la actuación está en el centro del salón del palacio y el público. observa la sala; los actores usan máscaras de cuero con diferentes símbolos, por eso también se le llama ballet de máscaras.
En 1661, Luis XIV ordenó la creación de la Real Academia de Danza en París. En la década de 1670, comenzaron a realizarse representaciones de ballet en el Teatro del Palacio del Obispo Richelieu. Los cambios en los lugares de actuación y los ángulos de visión del público han provocado cambios en las técnicas de danza y las perspectivas estéticas. Las posturas de pie de los actores se han vuelto cada vez más hacia afuera, determinando formalmente las cinco posiciones básicas de los pies. Estas cinco posiciones hacia afuera se han convertido en los fundamentos del desarrollo. Técnica de ballet. Surgieron actores de ballet profesionales que gradualmente reemplazaron a los actores aficionados aristocráticos. Las actrices de ballet profesionales también comenzaron a actuar en el escenario y la tecnología de la danza se desarrolló rápidamente. Las representaciones de ballet se han transformado gradualmente de una actividad social básicamente de entretenimiento personal a un arte escénico teatral. El ballet durante este período estaba subordinado a la ópera. El compositor de la corte J. B. Lully añadió escenas de ballet a la ópera. En realidad, se trataba de una serie de espectáculos de danza, y el argumento parecía irrelevante en ese momento, se llamaba ballet de canto o ballet de ópera. Esta situación duró hasta mediados del siglo XVIII. El maestro de ballet del siglo XVIII J.G. Nowell fue el innovador de la danza más influyente en la historia del ballet. Fue el primero en proponer la idea del "ballet argumental" en sus "Cartas sobre la danza y el drama de la danza", publicadas en 1760, enfatizando que la danza no es sólo una habilidad física, sino una herramienta de expresión dramática y comunicación ideológica. La teoría de Nowell impulsó una ola de innovación en el ballet. Con el esfuerzo continuo de él y de muchos otros actores y coreógrafos, el ballet ha experimentado una serie de reformas en términos de contenido, temas, música, técnicas de danza, vestuario, etc. ballet Finalmente, puede separarse de la ópera y formar un arte teatral independiente.
En la historia del desarrollo del ballet, hay dos puntos de vista estéticos principales que han estado presentes. Una opinión es que el ballet es "danza pura". B. de Beauroye, profesor de danza italiano del siglo XVI y coreógrafo de "The Queen's Comedy Ballet", cree que el ballet es "una combinación de patrones geométricos en los que varias personas bailan". juntos." Esta visión se centra por completo en la belleza formal del ballet e ignora casi por completo el contenido o la trama del ballet, lo que a menudo conduce a la búsqueda pura de habilidades soberbias y belleza. Antes de mediados del siglo XVIII, esta visión dominaba la creación del ballet. Otro punto de vista enfatiza que el ballet es una "danza dramática", y la teoría del "ballet argumental" de Nowell representa más intensamente este punto de vista.
Considera que en una obra de ballet, la danza debe expresar contenido dramático, "la trama y la coreografía deben estar unificadas, tener como tema central una historia lógica y comprensible, y los bailes solistas y segmentos de danza que no tienen nada que ver con la trama deben ser eliminado.", en el drama de danza, "no es sólo la técnica de baile deslumbrante, sino también la interpretación dramática lo que conmueve al público emocionalmente". Los dos puntos de vista principales anteriores todavía están vigentes en la actualidad. Muchos coreógrafos se dedican a crear obras de ballet dramáticas o con trama, mientras que algunos prefieren los ballets sin trama y se centran en la belleza formal. Los excelentes repertorios de ambos tipos de obras son bien recibidos por el público. Apreciado y, a menudo, interpretado como parte del repertorio. Desde el siglo XX, la influencia de diversas corrientes literarias y artísticas en la creación del ballet se ha hecho cada vez más evidente y han aparecido muchas obras de diferentes estilos.
A la hora de crear una obra de ballet, el coreógrafo es la figura clave: concibe la estructura del drama de la danza o estructura de la danza a partir del guión literario (o de un cuento, un poema, una obra musical), y luego la estructura de la danza. los actores lo encarnan. Tanto el director como los actores deben dominar el lenguaje del ballet (o vocabulario de ballet): habilidades técnicas de ballet y la capacidad de usar el lenguaje del ballet para expresar contenidos o emociones específicas. El director debe tener una buena comprensión de lo que son buenos para expresar y. lo que no pueden expresar; mientras que los actores deben estar entrenados para hacerlo. La creación del ballet sólo puede realizarse y completarse si se cumplen estas condiciones básicas. Las formas estructurales del ballet incluyen: danza solista, danza a dúo, danza en trío, danza en cuarteto, danza en grupo, etc. El coreógrafo utiliza danza clásica, danza de personajes (danza étnica y danza folclórica escenificada), danza moderna, etc. Se pueden coreografiar múltiples actos según a las formas anteriores Ballet (dividido o no, como "El lago de los cisnes"), ballet en un acto (como "La Sílfide"), bocetos de ballet (como "La muerte del cisne"), etc. Esta forma estructural de ballet se desarrolló hasta un alto grado de estandarización y estilización a finales del siglo XIX, lo que afectó y restringió el desarrollo del ballet. En la gran cantidad de obras de ballet creadas por coreógrafos en el siglo XX, estas normas y procedimientos se han roto en gran medida y continúan ocurriendo nuevas exploraciones y creaciones.
Resumen del desarrollo del ballet mundial
Ballet de banquete
El ballet apareció en Italia durante el apogeo del Renacimiento en los siglos XV y XVI. Lo mejor es imitar el estilo artístico de la antigua Grecia. La primera representación de ballet se realizó en un banquete de palacio. En 1489, se representó "Orfeo" en una pequeña ciudad italiana para celebrar la boda del duque de Milán e Idabel, la princesa española de Aragón. El formato de las representaciones en aquella época era completamente diferente a las representaciones de ballet que vemos hoy en día. Cada representación estaba relacionada aproximadamente con el servicio de comida. Por ejemplo, después de que comenzara la representación de la caza simulada, se comía el jabalí; Aparecieron ríos y empezaron a comer peces. Luego, muchos personajes mitológicos subieron al escenario para ofrecer numerosos platos y frutas, y finalmente todos los invitados participaron en el animado espectáculo carnavalesco. Se trata de una forma de actuación que combina canto, danza, recitación y teatro. Se puede decir que es el prototipo del ballet. Las generaciones posteriores lo llamaron "ballet de banquete".
Ballet de la Corte
Con los matrimonios mixtos entre los nobles italianos y la corte francesa, las representaciones de "ballet" italiano llegaron a Francia en 1581, a cargo de la hermana de la reina Enrique III, Margarita. En la celebración especial de la boda se presentó "The Queen's Comedy Ballet". No había escenario y el público se sentaba en una galería de dos pisos con tres paredes. El rey y los dignatarios se sentaron en el altar y la actuación tuvo lugar en el suelo del salón. El coreógrafo y director Beauroye era un italiano empleado en Francia. El contenido muestra cómo la súcubo Silse conquistó a Apolo, pero tuvo que rendirse ante Su Majestad el Rey de Francia. La actuación es una mezcla de teatro, música, danza, recitación y acrobacia. Durante el período de Luis XIV (1643-1715), el ballet francés alcanzó su apogeo. Al propio Luis XIV le encantaba bailar y estaba bien entrenado. A los 15 años participó en la representación del ballet de la corte "Casandra" y desempeñó el papel del dios Apolo.
Ballet Melodramático
La Ilustración europea del siglo XVIII afectó profundamente el desarrollo del ballet francés. Sus ideas innovadoras se reflejan en su oposición a tratar el ballet como una decoración para el entretenimiento aristocrático. Quiere que el ballet exprese la vida real como un drama y defiende que el ballet debe tener contenido social y significado educativo. Este es el trasfondo de la era en la que se "trama el ballet". "nació. Nowell representa la corriente principal de la innovación del ballet europeo y encarna el espíritu democrático de la Ilustración. Presentó sus ideas innovadoras para el ballet en "Cartas sobre la danza y la danza dramática". La danza dramática "No Use of Caution", creada por el alumno de Nowell, Jean Doberval, todavía se representa hoy en día y se ha convertido en el repertorio de las principales compañías de ballet contemporáneo.
Ballet Romántico
El ballet romántico es la "edad de oro" en la historia del desarrollo del ballet. Ha experimentado una etapa espléndida en términos de habilidades de danza, coreografía y formas de interpretación. La aparición de dramas de danza como "La Sylphide", "Giselle", "Esmeralda" y "Pirates" ha creado una serie de talentos del ballet, como Perrault, Bournonville, Tagoni y Elsler. Las características del ballet durante este período se resumen en:
1. Cambios en contenidos y temáticas. Hadas y fantasmas de otro mundo reemplazaron a los personajes de mitos, leyendas y antiguos cuentos heroicos. Refleja una emoción de insatisfacción y decepción con la realidad, una búsqueda de un interés en otro mundo que trasciende este mundo, o la muerte para deshacerse de la decepción en la realidad, o una búsqueda poco realista para reemplazar el deseo de vivir. Entre las obras representativas se encuentran "La Sylphide" (1832) y "Giselle" (1841). "Giselle" reúne estilos franceses y se convierte en la cima del ballet romántico. Desde entonces, ha ido apareciendo poco a poco el fenómeno de combinar romanticismo y realismo.
2. Las habilidades y actuaciones de danza han experimentado un desarrollo significativo. Las habilidades de baile con los dedos de los pies se han convertido en un factor importante en la actuación de las bailarinas, y las habilidades de danza de los hombres también han mejorado aún más.
3. En cuanto a la forma escénica, se utilizó iluminación con lámparas de gas y grandes cortinas, y se reformaron los trajes y zapatos de ballet, creando un estilo poético y ligero.
La época dorada del ballet romántico duró extremadamente poco. Desde la década de 1830 hasta la de 1940, se estancó y se marchitó en poco más de 10 años. A partir de la segunda mitad del siglo XIX, el centro del ballet europeo se trasladó gradualmente a Rusia.
Ballet Ruso
En la segunda mitad del siglo XIX, el ballet romántico europeo decayó, y la misión de revivir el ballet históricamente recayó sobre los hombros de Rusia. Desde la década de 1940, los bailarines extranjeros han visitado Rusia con frecuencia. Las actuaciones y actividades coreográficas del padre y la hija Taglioni, Perrault, Saint-Leon y otros, especialmente las actividades docentes de los estudiantes de Bournonville Johnson (en San Petersburgo) y Brass (en Moscú), rindieron homenaje a la danza rusa. mundo la esencia de las dos principales escuelas de danza de Francia e Italia, y gradualmente formó una nueva escuela de pensamiento: la escuela de danza rusa. Matipa e Ivanov jugaron un papel decisivo en la construcción del repertorio. Tchaikovsky se dio cuenta de la innovación de la música de danza dramática a través de "El lago de los cisnes", "La bella durmiente" y "El cascanueces", haciendo de la música la base para dar forma a imágenes y narrar eventos en las danzas dramáticas, inspirando y enriqueciendo la danza sinfónica de los pensamientos de los coreógrafos de danza dramática. El segundo acto de "El lago de los cisnes" alcanza la cima de la poesía danzaria y es considerado un ejemplo de danza sinfónica. Más tarde, Glazunov escribió "Raymunda" (1898) y "Cuatro estaciones" (1900). Estas obras no sólo heredaron la tradición del ballet romántico, sino que también reflejaron la tradición del realismo ruso.
A principios del siglo XX, el ballet ruso ya había ocupado una posición dominante en la escena mundial del ballet. Tenía su propio repertorio, estilo de interpretación y sistema de enseñanza, y contaba con varios coreógrafos y talentos interpretativos. surgió. Desde entonces, un grupo de jóvenes del mundo del ballet ruso ha exigido innovación y exploración de nuevos métodos de interpretación y caminos de desarrollo. Gorski y Fokine son sus líderes. Las ideas innovadoras de Fokine no pudieron materializarse en el Teatro Imperial, y sus principales obras fueron ensayadas y representadas en el extranjero para el Ballet Diaghilev. Diaghilev organizó temporadas de espectáculos rusos durante tres años consecutivos a partir de 1909, y estableció una compañía de teatro permanente con sede en Montecarlo en 1913: el "Ballet Ruso de Diaghilev", que realizó giras por Europa y Estados Unidos y tuvo una gran influencia en la música clásica y. El repertorio tradicional conservado en Rusia fue enviado de regreso a Europa, lo que contribuyó al resurgimiento del ballet europeo. Después de la disolución del grupo, sus miembros se dispersaron por varios países europeos y americanos. Lifar estaba en Francia, De Valois estaba en Inglaterra, Balanchine y Fokine estaban en los Estados Unidos, e hicieron importantes contribuciones al resurgimiento o creación del ballet en varios países. países.
Ballet Contemporáneo
A finales de 1929, Lifar se convierte en coreógrafo permanente y bailarín principal del Ballet de la Ópera de París hasta que lo abandona en 1958, realizando efectivamente una reforma, por ejemplo. , abolió el derecho centenario de los clientes a ir detrás del escenario y charlar con los bailarines antes de una representación de ballet. También hay una ceremonia de apertura semanal. En la reposición de Giselle en 1932, Lifar interpretó a Albert, un hombre de gran talento. Dos importantes coreógrafos franceses, Laurent Petit, coreografiaron "El jorobado de Notre Dame" basada en la música de Jarrar en 1965 y lograron un éxito brillante. "El pájaro de fuego", escrita y dirigida por Maurice Bayard en 1970, es una obra singular.
El repertorio del Ballet de la Ópera de París también incluye "Giselle", "Coppelia", "Sylvia", etc.
El ballet británico se debe principalmente a la obra de toda una vida de tres grandes mujeres: Madame Adelina Genet, quien ejerció como primera bailarina en el Teatro Real durante muchos años; Madame Ninat de Valois. Su obra inmortal es el Royal Ballet; Lady Mary Lambert es la fundadora de la compañía de ballet que lleva su nombre. También hay Festival Ballet y Ballet Escocés.
No existía ningún Ballet Nacional en Estados Unidos. Balanchine se reunió con Lincoln Costin en 1933 y fue invitado a albergar la American Dance School. En 1948, se transformó en el Ballet de la Ciudad de Nueva York, con Balanchine como director artístico y coreógrafo principal, y el asesor artístico asociado Jerome Robbins. Se ha formado un estilo de baile típico americano. Otra compañía de ballet importante es el American Ballet Theatre, que inició sus actividades en 1940. Entre quienes han ejercido como director se encuentran Ford King, Marcin, Anthony Tudor, etc. También estaba el Joffrey Ballet, el Dance Theatre of Harlem de Arthur Mitchell, la primera compañía de ballet clásico negra.
El Ballet Real Danés es un excelente heredero de la tradición nacional danesa. La danza dramática creada por Bournonville hace cien años todavía se representa en Copenhague con un estilo puro. (En realidad, estilo francés antiguo) En el ballet danés, el sentido de tradición siempre ha sido muy fuerte. En 1932, Harald Randall fue nombrado director de ballet del Teatro Real hasta 1952. Su reorganización de "Etude" para Francia e Inglaterra fue una brillante exhibición de habilidades de ballet.
Los directores rusos influyentes de principios del siglo XX incluyeron a Gorsky, Puni y Fokine. Anna Pavlova encarnó idealmente la concepción de Fokine con "La muerte del cisne" en 1905.
En Rusia, tras la Revolución de Octubre, Gorsky insistió en el carácter expresivo del teatro, permitiendo a sus bailarines vivir los personajes al estilo Stanislavsky, que originalmente se producía en la corte. "Red Poppy" se representó en Moscú en 1927. Fue el primer drama de danza heroica de temática moderna en Rusia. Marcó la victoria de la escuela clásica y señaló los principios a seguir. El ballet clásico ganó una nueva reputación. Semyonova y Ulanova hicieron su debut. El drama de danza recién creado se centró en la estructura dramática e hizo un mayor uso de la danza folclórica para enriquecer el vocabulario del coreógrafo. El ballet ruso comenzó un renacimiento.
Durante más de 400 años desde la representación del "Ballet de Comedia de la Reina" en Francia en 1581, el ballet se ha extendido por todo el mundo y es reconocido como una parte importante del patrimonio cultural humano. arte mundial con numerosas actuaciones en los cinco continentes. Los países han creado sus propias escuelas de ballet profesionales y grupos de actuación de ballet. En el mundo actual, el arte del ballet es próspero. Diferentes escuelas como el ballet clásico y el ballet moderno, el ballet dramático y el ballet sinfónico compiten por la excelencia. Han surgido una gran cantidad de talentos y repertorios. Muchos países han ido formando sus propios estilos. Características En términos de expresión artística del ballet, constantemente surgen nuevas exploraciones y creaciones.
Cómo apreciar el ballet
Generalmente existen dos ideas para apreciar el ballet. Uno es tradicional y el otro es moderno. En general, se defiende que el método de apreciación debe unificarse con el objeto de apreciación: es decir, utilizar un pensamiento tradicional meticuloso para apreciar el ballet, el ballet musical y el ballet puro en los tres períodos tradicionales: "temprano", "romántico" y "clásico". ".
El método tradicional de apreciación exige que el público llegue al teatro con media hora de antelación, para poder dejar todos los asuntos triviales y preocupaciones de la vida diaria fuera de la puerta del teatro o en el espacio terrenal de el guardarropa, y luego cálmate, dedícate de lleno al teatro, un campo estético muy especial que nada tiene que ver con las aglomeraciones en la calle, el ruido en el mercado, las disputas en el lugar de trabajo y las trivialidades en el trabajo. la familia, y adéntrate en "La Sílfide", "Giselle", "Un país de las maravillas creado por el hombre como "Coppelia" y un mundo de ensueño como "La Bella Durmiente", "El Cascanueces" y "El Lago de los Cisnes" para escapar del ajetreo y el bullicio. de la ciudad y presión mental durante varias horas.
A continuación, también podemos estudiar detenidamente la lista de programas, leer atentamente la sinopsis de la trama, los comentarios relevantes, una breve historia de la compañía de danza, presentaciones de coreógrafos y bailarines, etc., buscar estrellas de ballet ampliamente reconocidas e imaginar otras estrellas de ballet. Música famosa embriagadora, disfraces lujosos y magníficos y paisajes magníficos...
Las ideas de apreciación modernas no tienen requisitos estrictos para el público, pero les brindan una filosofía despreocupada, porque vida moderna El ritmo de la película no permite que el público, especialmente el público profesional, llegue al cine con media hora de anticipación, sino que enfatiza que el público no necesita ideas preconcebidas durante el proceso de apreciación, solo necesita hacerlo. use los diferentes conocimientos racionales que llevan consigo para comprender, simplemente use sus coloridas experiencias perceptuales de la vida para participar.
Esta forma de apreciación cree que las cosas en la lista del programa son simplemente trampas tendidas por los coreógrafos, o panaceas vendidas para compensar la incoherencia del director de teatro de danza o del coreógrafo de ballet. Puedes verlo o. ¡Es incluso mejor no mirar! No importa cómo se "escribe" la trama, el éxito o el fracaso sólo puede depender de cómo "baila" en el escenario. En última instancia, el ballet trata principalmente de danza y se complementa con teatro. De lo contrario, sería imposible explicar por qué los actores principales del ballet saludan con frecuencia al público después de bailar el pas de deux o incluso después de bailar las variaciones. Si el drama es más importante que la danza, ¿no sería este tipo de comportamiento un "drama"? ¿Cómo pueden tolerarlo el público y los críticos occidentales durante todo un siglo?
Esta forma de apreciación cree que las celebridades pueden ser apreciadas, pero no hay necesidad de adorarlas hasta el punto de la admiración. ¡La cultura de adoración a las celebridades es realmente demasiado clásica! Lo más importante es seguir tus propios estándares estéticos en lugar de seguir las opiniones de los críticos; encontrar la estrella en tus propios ojos y corazón en lugar de seguir a la multitud.
La historia del ballet chino
Jaja
Si hablamos de la representación del "Ballet de Comedia de la Reina" francés en 1581, siempre se ha considerado como El comienzo del ballet: el prototipo Si fuera cierto, la difusión y el desarrollo del ballet en China se retrasarían casi tres siglos. Sin embargo, aunque empezó tarde, avanza a pasos agigantados.
A principios del siglo XX, compañías de ballet extranjeras llegaron a China para actuar, pero su escala era limitada. Desde entonces, los chinos rusos de ultramar han venido sucesivamente a China para abrir escuelas privadas de ballet para aficionados, especialmente en Shanghai, Tianjin, Harbin y otros lugares, lo que tiene un efecto positivo en la educación ilustrada sobre el ballet en China. No hay duda de que el verdadero ascenso y desarrollo del ballet en China se produjo después de la fundación de la República Popular China. Esto está estrechamente relacionado con la política básica del gobierno chino de absorber y apoyar activamente toda la cultura y el arte destacados de importancia mundial. .
Inicialmente, fue la escuela rusa la que tuvo influencia en el ballet chino. Desde febrero de 1954, cuando el primer experto soviético O·A·YEALINA fue invitado a venir a Beijing para impartir la primera "clase de formación de profesores", hasta 1958, China presentó el primer ballet clásico "El lago de los cisnes", el ballet chino logró un rápido "triple salto" en su etapa inicial. Durante este período, Dai Ailian, que conocía bien el arte del ballet, también jugó un papel importante.
Los estudiantes de la primera "clase de formación de profesores" (la mayoría de los cuales habían recibido algo de formación en ballet) completaron milagrosamente el programa de estudios para los grados 1 a 6 de la Escuela de Danza Soviética en medio año y aprobaron. Todos aprobaron el examen riguroso. Se convirtieron en la columna vertebral de la enseñanza de la Escuela de Danza de Beijing, una especialidad de ballet fundada el mismo año. Desde entonces, he seguido mejorando en la práctica y me he convertido en una auténtica educadora de ballet, cultivando lotes de talentos excepcionales. Una medida importante para lograr el "salto de tres niveles" es practicar y rendir mientras se entrena. Durante este período, famosos artistas de ballet soviéticos venían a menudo a China para actuar. Sus magníficas actuaciones atrajeron a muchas audiencias, y los chinos gradualmente se familiarizaron con este arte y lo amaron.
En 1957, bajo la dirección de Chaplin, China representó por primera vez un ballet completo: "LA FILLE MAL GARDEE", escrito por Jean Doberval a finales del siglo XVIII. un estilo realista, que es adecuado para el nivel real de los bailarines de ballet chinos en ese momento, y el equipo ha mejorado a través de la actuación.
En octubre de 1958, bajo la dirección de Gusev, la Escuela de Danza de Beijing concentró sus esfuerzos y representó con éxito el mundialmente famoso ballet clásico "El lago de los cisnes" (Odette fue interpretada por Bai Shuxiang) (LAGO DE LOS CISNES). El juego tuvo fuertes repercusiones en el país y en el extranjero. A través de rigurosos ensayos, se ha creado a gran velocidad un equipo de ballet con talentos multifacéticos.
Hoy en día, "El lago de los cisnes" se ha "instalado" en China, convirtiéndose en el ballet más atractivo para el público. A finales de 1959, se creó la Compañía de Ballet Experimental de la Escuela de Danza de Beijing, la primera compañía de ballet profesional en la historia de China. Al año siguiente, Shanghai estableció una escuela de danza con la misma estructura que Beijing y también asumió la tarea de cultivar talentos de ballet profesionales. A partir de entonces, el norte y el sur respondieron en un esfuerzo por abrir una nueva situación para la industria del ballet. . Después de "El lago de los cisnes", en 1959 y 1960, bajo la dirección de Gusev, representaron con éxito "LECORSAIRE" y "GISELLE". El joven equipo de ballet chino fue el responsable de estas dos representaciones. Este famoso ballet con diferentes estilos se mostró relativamente tranquilo. .
Durante este período, China envió a Jiang Zuhui (1934-), Wang Xixian (1933-) y otros a estudiar en el departamento de dirección de danza dramática de la Academia Estatal de Teatro de Moscú, y todos lograron excelentes resultados. Después de regresar a China, Jiang Zuhui publicó su trabajo de graduación: "La hija española" (adaptación del famoso drama poético "Yangquan Village" del famoso escritor europeo Robert de Vega durante el Renacimiento, estrenada en el Teatro de Danza y Canción de Tianjin en 1961). ; Wang Xixian En Beijing, dirigió e interpretó su obra de graduación "LA FUENTE DE BAKHCH I SARAY" (adaptación del famoso poema del poeta ruso Pushkin), estrenada por la Compañía de Ballet Experimental de la Escuela de Danza de Beijing.
1963, se estableció el Teatro Central de Ópera y Danza y la compañía de ballet afiliada a la escuela terminó su etapa experimental y se convirtió en un teatro a nivel nacional. Pronto, Jiang Zuhui dirigió un famoso ballet: "NORTRE-DAME DERARIS" (basado en. Adaptada de la novela homónima del famoso escritor francés Hugo, se estrenó en el Teatro Central de Ópera y Danza... En sólo 10 años, los coreógrafos y actores chinos han podido controlar básicamente de forma independiente la creación, el ensayo y la representación escénica. de ballets clásicos.
La creación y práctica del ballet chino comenzó en 1964. De hecho, la mayoría de la primera generación de coreógrafos de ballet pasó de estudiar danza folclórica a especializarse en ballet. Sin duda, sus antecedentes culturales nacionales tienen los suyos propios. Contribuir a la exploración de la nacionalización del ballet. Aunque la representación del ballet chino a gran escala "EL DEPARTAMENTO ROJO DE MUJERES" no es estrictamente una "apertura récord", (antes de esto, ha habido diferentes tipos y escalas). una exploración de la nacionalización del ballet con diferentes resultados), se puede decir que es el primer y más exitoso ballet chino a gran escala: tiene un estilo chino distintivo desde el contenido hasta la forma
"Destacamento Rojo". of Women". Estrenada en 1964, coreógrafos: Li Chengxiang, Wang Xixian, Jiang Zuhui; compositores: Wu Zuqiang, Du Mingxin, etc.; estrenada por: Central Opera and Dance Drama Theatre, heroína: Bai Shuxiang como Qionghua; Wu Jingzhu como comandante de la compañía; protagonista masculino: Liu Qingtang como Hong Changqing; Li Chengxiang interpreta a Nan Batian; actriz de reparto principal: Zhao Ruheng interpreta al camarada de Qionghua, que interpreta al cuarto hijo. La torturada Qionghua después de soportar la opresión del terrateniente Nan Batian, escapó de la boca del tigre y conoció a Hong Changqing, un representante del Ejército Rojo. A través de su dirección, Qionghua se unió al Destacamento de Mujeres y se convirtió en una destacada guerrera revolucionaria. La muerte de Hong Changqing. Con su impactante trama trágica, magníficas escenas, personajes distintivos y costumbres locales de la isla de Hainan, este drama de danza ha ganado elogios de muchas partes desde su nacimiento y ha creado una figura heroica sin precedentes en el escenario del ballet. La atrevida imagen del Destacamento Chino de Mujeres usando zapatillas de punta combina la esencia del ballet con el estilo chino, añadiendo un toque único al mundo del ballet.
Por Hu Rongrong (1929——), "The White-". Haired Girl" creada por Fu Aidi (1936——), Cheng Daihui (1932——) y Lin Yangyang (1939——) se estrenó al mismo tiempo que "El destacamento rojo de mujeres" y es igualmente importante. Otra exploración exitosa del ballet chino.
LA CHICA DE PELO BLANCO se estrenó en 1965, compuesta por Yan Jinxuan; estrenada por: Shanghai Ballet; heroínas: Cai Guoying (A), Mao Huifang (B) como Xi'er (A) y Shi Zhongqin (B) interpreta a la chica de pelo blanco; el actor principal: Ling Guiming interpreta a Dachun; el actor principal de reparto: Dong Xilin interpreta a Yang Bailao. Está adaptada de la ópera del mismo nombre y cuenta la historia de Xi'er, la hija de un granjero pobre, que se ve obligada a ser vendida al terrateniente matón Huang Shiren para pagar su deuda. No puede soportar la humillación y. huye a las montañas.
Después de vivir al aire libre durante muchos años, su cabello se volvió blanco, y quienes no lo sabían la llamaban el "Hada de pelo blanco" - (fantasma). Al final, fue rescatada por el Octavo Ejército de Ruta y se reunió con su joven amante, Dachun, que ahora era un soldado del Octavo Ejército de Ruta. La ópera "La muchacha de pelo blanco" ha conmovido a millones de personas en China con su historia real de "la vieja sociedad obligaba a las personas a convertirse en fantasmas y la nueva sociedad convertía a los fantasmas en personas".
Este ballet no sigue la obra original ni toma atajos, sino que la recrea según las características artísticas del ballet. Utiliza hábilmente materiales de danza clásica y folclórica china para presentar la trama como si fuera un ballet, combinando realismo y romance. Respecto a los personajes principales de la obra, como: la inocencia, la dulzura, la tenacidad y la perseverancia de Xi'er después de convertirse en una "chica de pelo blanco"; la sencillez, la honestidad, la valentía y el arduo trabajo de Dachun después de unirse al ejército, y la insidiosa y crueldad ... etc. Todos están pintados de manera más vívida y vívida.
"El destacamento rojo de mujeres" y "La muchacha de pelo blanco" desempeñan un papel decisivo en la historia del desarrollo del ballet chino. Son una práctica más profunda de "adaptación de materiales extranjeros a China" y se destacan por sí solas en el mundo del arte del ballet con sus características chinas únicas. La sabiduría colectiva compensa la falta de experiencia, haciendo que la exploración de la chinaización del ballet comience desde un punto de partida más alto y comience rápidamente. A diferencia del destino de otras obras de danza y danza dramática, estas dos obras fueron designadas como "óperas modelo" durante la "Revolución Cultural": eran dos danzas dramáticas a las que rara vez se les permitía representarse en ese momento. Resistiendo la prueba del tiempo y la sociedad, "El Destacamento Rojo de Mujeres" y "La Chica de Pelo Blanco" aún conservan su vitalidad artística. Ambas obras han sido reconocidas como "clásicos del siglo XX". La representación del período de recuperación literaria en el campo del ballet es, ante todo, la reanudación de las representaciones del repertorio clásico del ballet occidental, de modo que el amplio público que sólo ha visto 1 "Rojo" y 1 "Blanco" durante un Durante mucho tiempo, después de una larga ausencia del colorido arte del ballet, desató una ola de locura por el "Lago de los Cisnes".
El ballet chino en la nueva era ha mostrado una tendencia de desarrollo vigoroso:
En primer lugar, con una visión más abierta, es ampliamente absorbido y aprendido del mundo, no solo Limitado a una sola escuela rusa. Desde principios de los años 1980, famosos artistas de ballet de Gran Bretaña, Francia, Alemania, Suiza, Canadá y otros países han ido enseñando sucesivamente sus habilidades en forma de intercambios amistosos. El veterano del ballet Anton Dowling y el famoso coreógrafo de ballet B. STEVENSON han guiado y ensayado sucesivamente sus propias obras en el Ballet Nacional de China: el "Cuarteto" de puro estilo clásico para hombres y mujeres (TE-PASDE QUIJOTE), "Preludio" y el "Preludio". "SERENDE" (SERENDE) del famoso maestro de ballet Balanchine... etc., la mayoría de los cuales se han convertido en el repertorio que a menudo interpreta la compañía.
Además, durante los últimos diez años, China ha representado sucesivamente muchos clásicos occidentales de diferentes estilos. Por ejemplo, en 1980, fue representada por el Ballet Nacional de China bajo la dirección personal de Lisette Sanval. la maestra de ballet de la Ópera de París. El famoso ballet romántico francés "Sylvia" (SYLVIA) en 1984, la versión de Anton Dowling fue ensayada e interpretada por las famosas bailarinas británicas Belinda Wright y Yulisha Jerko en 1985; interpretó "Don Quijote" bajo la dirección personal del artista de ballet de talla mundial Rudolf Nureyev y el maestro de ballet Eugene Polyakov "(DONQUIJOTE); y "ROMEO Y JULIETA" (1989, dirigida por Roman Walker) y "La BELLA DURMIENTE" (1994). , MacMillan Edición MAC MILLAN, Maury Dirigida por Ke Parker)...todo muy exitoso. En particular, Nuliev utilizó sus magníficas habilidades incomparables y su profundo conocimiento de los personajes dramáticos, combinados con la situación real del Ballet Nacional de China, para llevar a cabo un entrenamiento riguroso, que promovió en gran medida la mejora del nivel del actor, dejando una huella en la historia del Ballet chino Una página preciosa. En muchas de las actividades de intercambio internacional mencionadas anteriormente, Dai Ailian desempeñó un muy buen papel como puente.
Al mismo tiempo, la Academia de Danza de Beijing se adhirió a la buena tradición de combinar el aprendizaje y la práctica, y representó sucesivamente "Coppelia" (1979) y "La Bayadere" (1981); el Ballet de Shanghai presentó "Napoli" (también conocida como "); El Pescador"). "Con la Novia") Acto 3; el Teatro de Danza y Canción de Tianjin revivió "La Hija Española" (1982); además, el Ballet de Liaoning, fundado en 1981, lanzó "Sea Heroes" (1983). Esto no solo enriqueció la cultura de la vida de masas, sino que a través de la interpretación de obras maestras del ballet clásico puro guiadas por autoridades del ballet de todo el mundo, una nueva generación de talentos del ballet ha crecido rápidamente.
En mayo de 1980, Wang Qifeng (mujer, Shanghai) participó en el 3er Concurso Mundial de Ballet celebrado en Osaka, Japón, y quedó en decimocuarto lugar, ganando la primera medalla de ballet de mi país.
En junio de 1982, Wang Qifeng (mujer, Shanghai) y Zhang Weiqiang (Beijing) ganaron el tercer premio de interpretación en el Concurso Internacional de Ballet Jackson en Estados Unidos.
En el primer Concurso Internacional de Ballet de París en noviembre de 1984, Wang Qifeng (Shanghai) y Wang Caijun (Beijing) ganaron el Premio de la Asociación de Desarrollo de la Ópera de París.
Desde entonces, los concursantes chinos han participado con frecuencia en varias competiciones internacionales de ballet, mostrando una gran fuerza. Los más destacados incluyen:
1985 - En el 13º Concurso Internacional de Ballet de Lausana, Li Ying (mujer, Beijing) ganó el primer lugar y Xu Gang (Beijing) ganó el segundo;
1985 - En el 5º Concurso Internacional de Ballet de Moscú, Tang Min (mujer) ganó el Premio a la Mejor Actuación, Zhang Weiqiang y Zhao Minhua ganaron el tercer lugar en pas de deux masculino y danza solista respectivamente (todos concursantes de Beijing).
1992 - Tan Yuanyuan (Shanghai) ganó el primer premio en el 5º Concurso Internacional de Ballet de París; ese mismo año, Tan Yuanyuan ganó la medalla de oro en la categoría juvenil femenina en el 1º Concurso Internacional de Ballet de Japón ( Liaoning, China) La concursante Yu Xiaonan ganó la medalla de plata en el grupo juvenil de la misma sesión Polanyi Gold
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Baile de la corte
Baile de la corte
A baile para entretenimiento en palacios antiguos y familias reales. La mayoría de ellos provienen del folklore y algunos son procesados y creados por artistas profesionales en el palacio. El contenido trata principalmente sobre emperadores que alaban sus virtudes o cantan y bailan para traer la paz. La forma es más ordenada y hermosa, y la estructura es más rigurosa. Generalmente pertenecen al arte de esa época.