Cómo evaluar las obras de arte de los niños

Instrumentalismo y esencialismo en la teoría de la educación artística occidental moderna

1. Teoría instrumental

El punto principal de la teoría instrumental es enfatizar el valor educativo de la educación artística. , es decir, el arte se utiliza como herramienta educativa y se cree que el crecimiento y desarrollo de los niños se puede promover a través de la educación artística. La teoría instrumental concede gran importancia al proceso creativo e ignora los resultados creativos. En cuanto a los métodos de enseñanza, aboga por la adaptación al desarrollo natural de los niños y el análisis de las características de crecimiento de los niños como ámbito de evaluación. Esta visión de la teoría instrumental está directamente relacionada con la teoría educativa progresista de Dewey y el movimiento educativo progresista de finales del siglo XIX y principios del XX. Comprender los pensamientos de Dewey nos ayudará a comprender la teoría instrumental de manera más integral.

(1) La base ideológica educativa de la teoría instrumental: La teoría educativa de Dewey es la principal base ideológica de la visión instrumentalista de la educación artística. John Dewey (1859-1952) fue un filósofo, educador y psicólogo pragmático estadounidense. Llamó a su filosofía "instrumentalismo" o "experimentalismo". En opinión de Dewey, tanto la educación formal como la informal son en realidad experiencias transformadoras, y la experiencia transformadora debe integrarse estrechamente con la vida y promover el crecimiento personal. Por lo tanto, Dewey cree que "la educación es vida, crecimiento y transformación de la experiencia". la forma legítima de crecer física y mentalmente y transformarse a través de la experiencia. Por lo tanto, la escuela debe convertirse en una situación social especial controlada y el aula debe convertirse en un paraíso para las actividades de los niños. El deber del maestro ya no es impartir conocimientos. Más bien, guía y guía a los niños para que participen en actividades como trabajo manual, visitas al sitio, representaciones, construcción de casas, topografía y dibujo, etc., para que los niños puedan entrar en contacto directo con diversos hechos a través de la observación, el contacto y la operación. , y practicar en las actividades, y adquirir experiencia útil, es decir, "Aprender haciendo". Dewey abandonó los libros de texto sobre materias específicas y se opuso a la enseñanza de conocimientos en diversas materias. Creía que el verdadero centro de la relación entre las materias escolares no es la ciencia o la literatura, sino las actividades sociales de los propios niños. Desde el punto de vista de Dewey sobre la educación, los niños reciben gran atención y énfasis, y todas las medidas educativas se organizan en torno a ellos. Dewey señaló una vez: "Los niños son el punto de partida, el centro y la meta. El desarrollo y el crecimiento de los niños es donde reside la educación ideal. Para el crecimiento de los niños, todo el conocimiento de las materias está sólo en una posición subordinada. Son herramientas. Sirven para varios elementos de crecimiento, no conocimientos y rumores, sino la autorrealización de los niños”. De esta frase podemos ver claramente el tono ideológico de la visión instrumentalista de la educación artística. Los instrumentistas consideran la educación artística como una herramienta para el desarrollo natural de los niños. El propósito fundamental de la educación artística es promover el desarrollo natural de los niños; la enseñanza del arte debe basarse en los intereses y la naturaleza de los niños, y los maestros no deben tener demasiada participación ni orientación en las clases de arte. , los niños pueden realizar actividades artísticas como deseen; en los planes didácticos, el arte puede combinarse con otras materias, y en muchos casos se convierte en vasallo al servicio de otras materias. Los principales representantes de la teoría instrumental son Herbert Read y Victor Lowenfeld.

(2) La visión de Reed sobre la educación artística: Herbert Reed, un famoso educador de arte, teórico y crítico de arte británico, aboga por promover el crecimiento de la personalidad de los niños a través de la educación artística. Cree que los niños tienen muchas cualidades relacionadas con la educación artística. Los niños nacen con potencial y tienen diferentes tipos de expresión (los niños se dividen en ocho tipos de expresión según el pensamiento, la emoción, el sentimiento y la intuición). La enseñanza del arte debe proporcionar orientación según los diferentes tipos.

Reed valora mucho el estatus del arte en la educación y considera el arte como el medio más eficaz de autoposicionamiento de la personalidad humana para adaptarse a la sociedad. Él cree que la desgracia humana se debe principalmente a la supresión de la creatividad espontánea individual y a la obstrucción del crecimiento natural de la personalidad. Sólo mediante el uso del arte la educación podrá superar esta situación y lograr la autorrealización. Es decir, el objetivo de la educación artística es promover el crecimiento natural de la creatividad y la personalidad espontáneas de los niños.

Reed cree que la expresión artística humana está altamente relacionada con los tipos psicológicos humanos. Según el punto de vista de Jung, dividió la psicología humana en tipo de pensamiento, tipo de sentimiento, tipo de sentimiento y tipo intuitivo, y cada tipo se divide en introversión y extroversión. De esta forma, existen ocho tipos básicos de psicología psicológica humana. Reed cree que cada uno de estos ocho tipos psicológicos básicos tiene una forma única de belleza. Tomemos como ejemplo el arte moderno: tipo de pensamiento - realismo; tipo emocional - tipo de sentimiento - expresionismo; Hay introvertidos y extrovertidos entre los tipos psicológicos, que equivalen a subjetivos y objetivos entre los tipos artísticos.

Con respecto al arte infantil específicamente, Reed tiene esta opinión: los niños nacen con potencial artístico y tienen diferentes tipos de expresión. Son: patrones organizados, miméticos, rítmicos, formas estructurales, enumerados, expresionistas, decorativos e imaginativos, ocho en total. Estos ocho tipos de expresiones artísticas de los niños se ven afectados por los tipos de personalidad específicos de los niños y corresponden a las diferentes tendencias psicológicas de los niños: pensamiento extrovertido - listado, pensamiento introvertido - organizado; sentimiento extrovertido - decorativo, tipo de sentimiento introvertido - imaginario; - Expresivo (táctil); Intuitivo extrovertido - emoticón, Intuitivo introvertido - forma compuesta. Debido a la existencia de esta dependencia entre los tipos artísticos y las tendencias psicológicas, los maestros deben tener actitudes tipográficas en la enseñanza y reconocer el estatus de los distintos tipos, y alentar y guiar a los niños de acuerdo con su temperamento natural.

El arte infantil no sólo se ve afectado por tipos de personalidad específicos de los niños, sino también por una serie de impresiones originales o prototipos "provenientes del subconsciente". Según Reed, el arte infantil es una función prototípica que queda en la conciencia humana como una reliquia en el proceso de evolución humana. La manifestación más común del arquetipo es el tema mandala, que incluye todos los círculos concéntricos, círculos o cuadrados con centro, y todas las disposiciones radiales o esféricas, como flores, cruces, ruedas, mandalas, etc. Estos símbolos aparecen de forma natural y repetida en los dibujos de niños de diversos orígenes culturales, proporcionando así evidencia de la humanidad mutua de los seres humanos.

Siguiendo las opiniones del progresismo, Reed propuso recomendaciones curriculares y pedagógicas para la educación artística. Señaló que "el plan de estudios no debe considerarse como un conjunto de materias. En el nivel de la escuela secundaria, como en el nivel de la escuela primaria, debe ser un lugar para actividades creativas, y la enseñanza sólo debe implementarse cuando sea inevitable o útil para lograr el propósito de estas actividades. Si estas actividades pueden llamarse actividades de juego en la primera infancia, pueden llamarse proyectos en la escuela primaria y luego pueden combinarse en lecciones constructivas en la escuela secundaria. convertirse en parte de la vida diaria en las escuelas, y el plan de estudios debería adoptar un modelo integrado. La escuela es un taller práctico y cumple con los estándares estéticos. El profesor debe ser el intermediario que introduce a los individuos en su entorno. Debe comprender y "acomodar" a los estudiantes. Estos puntos de vista de Reed son consistentes con la teoría educativa progresista.

(3) La visión de Rohnfeld sobre la educación artística: Victor Rohnfeld es un famoso educador artístico y psicólogo estadounidense contemporáneo, y profesor en el Departamento de Educación Artística de la Universidad de Pensilvania. Integró la teoría y la práctica de la educación artística para formar un conjunto de puntos de vista influyentes sobre la educación artística y se convirtió en la figura central y líder del movimiento progresista de educación artística. Ronfeld cree que en la educación artística, el arte es solo un método para lograr una meta, no una meta. El objetivo de la educación artística es crear personas creativas, física y mentalmente sanas. La creatividad es el potencial que tiene cada niño. Para aprovechar este potencial, los maestros o los padres deben eliminar la interferencia con los niños, evitar que los niños usen libros para colorear y no evaluar los trabajos de los niños desde una perspectiva adulta. Utilizará sus deseos creativos sin restricciones y utilizará sus sentidos para sentir y experimentar la vida. Esta es la mejor manera de dar rienda suelta a la creatividad.

Rohnfeld dividió el desarrollo del arte infantil en seis etapas: la etapa del graffiti (2-4 años) es la primera etapa de autoexpresión de los niños; la etapa de preestilización (4-7 años); Los niños hacen sus primeros intentos de expresión; la etapa de estilización (7-9 años) tiene la forma de conceptos físicos; la edad de fiesta (9-11) es la etapa de incipiente racionalidad; la etapa del pseudorrealismo; el período de crisis de la adolescencia (13-) es un período decisivo para el desarrollo artístico de los niños. Rohnfeld creía que estas etapas eran el resultado del desarrollo natural de programas perceptivos heredados. El desarrollo de cada etapa es como el desarrollo de un programa genético. Aunque cada niño tiene diferentes características y ritmos de desarrollo, la forma general y los pasos son similares. Los niños necesitan pasar por una etapa antes de pasar a la siguiente. Dado que estas etapas se desarrollan de forma natural, los profesores no deben interferir con el aprendizaje artístico de los niños. En lugar de intentar enseñar a los niños a dibujar, simplemente proporcióneles los materiales y la estimulación que les permitan expresarse y desarrollar sus habilidades artísticas a su propio ritmo y a su manera.

Rohnfeld considera la creación de los niños como un reflejo de sus emociones, inteligencia, fisiología, percepción, sociabilidad, belleza y creatividad. A partir de las obras de los niños podemos vislumbrar su crecimiento en estos aspectos.

Por ejemplo, cuando a los niños les gusta alguien (objeto), pondrán especial énfasis y exageración en sus trabajos; cuando su carácter social y grupal se desarrolle hasta cierto punto, habrá actividades grupales en sus trabajos; El desarrollo de los niños es el desarrollo general de los campos físico, emocional, social y otros, y el proceso creativo es el más importante para el desarrollo general de los niños. Por lo tanto, Rohnfeld enfatizó el proceso creativo e ignoró los resultados creativos, afirmando claramente que "el impacto". en los niños Lo más importante es el proceso de producción más que el producto terminado”.

Al explicar las características del arte infantil, Ronfeld propuso específicamente los conceptos de modo visual y modo de percepción táctil. Rohnfeld creía que hay dos modos de respuesta de percepción: visual y táctil. El tipo visual es un tipo objetivo. Los individuos visuales aman el medio ambiente y son espectadores del mundo. Consultan la naturaleza en sus pinturas, y sus pinturas tienden a ser figurativas y realistas. El tipo táctil es un tipo subjetivo. Los individuos táctiles son participantes del mundo más que espectadores. Se centran en la interpretación de la experiencia subjetiva y sus pinturas tienden a ser muy subjetivas. A medida que los niños crecen, la mayoría (alrededor del 70%) enfrenta el mundo de dos maneras (alrededor del 47% tiende a ser visual y el 23% táctil). [2]

Rohnfeld cree que las diferencias en las características perceptivas se heredan. Por lo tanto, no se espera que los niños visuales dibujen pinturas con características táctiles y que los niños táctiles dibujen pinturas muy realistas. Dado que existen dos tipos de creatividad en los niños: la visual y la táctil, existen requisitos para la orientación docente de los profesores de arte. "Debemos prestar más atención a ambas experiencias en nuestra estimulación. Frustraremos a una persona 'visual' si la estimulamos con experiencia subjetiva, cualidad emocional o experiencia física. De la misma manera, si solo la estimulamos con Para estimular a personas subjetivas con experiencia visual , también lo obstaculizaremos. Dado que la educación artística tradicional se basa principalmente en la estimulación visual, una gran parte de los niños no sólo se ignoran, sino que también se frustran. Muchos educadores artísticos la utilizan en las escuelas secundarias, pero no se dan cuenta de ello. el arte expresivo moderno es también un estímulo no visual en la vida actual”. [3] Por lo tanto, la expresión realista no debería ser el único criterio para la crítica. Los profesores deberían tratar la actitud del mundo empírico de la misma manera que el enfoque visual del contacto visual. La estimulación artística debe incluir tanto la sensación táctil como la experiencia visual, para que realmente pueda llegar a todos los estudiantes.

Reed y Ronfeld son ambos representantes de la visión instrumentalista de la educación artística y ambos abogan por la "educación a través del arte". La contribución de Reed radica en el valor de la educación artística y sus logros filosóficos, mientras que Rohnfeld es único en la investigación sobre la psicología del desarrollo del arte y los materiales y métodos de enseñanza. Ambos se complementan y son una combinación perfecta. En sus explicaciones de la educación artística, podemos ver claramente la influencia de Dewey y el movimiento de educación progresista, e incluso la sombra de Rousseau. (De hecho, la teoría educativa de Dewey está estrechamente relacionada con la teoría de Rousseau, aunque el propio Dewey no lo admitió). La teoría instrumental ha provocado cambios importantes en las clases de educación artística, y los niños se han convertido en el centro de las clases de arte.

Dewey valoraba la experiencia perceptiva y prestaba atención a los intereses de los niños, lo que marcó el comienzo de una nueva era de educación centrada en el niño en el campo de la educación. Sin embargo, “los hechos nos dicen que es poco probable que la pedagogía de Dewey se utilice ampliamente en las escuelas, y sigue siendo así hoy en día [4]. La educación de Dewey ha expuesto “la disciplina laxa y la incompetencia en la escritura” en las escuelas estadounidenses y en la las deficiencias de "conocimientos graves e insuficientes de matemáticas y ciencias elementales" han despertado el descontento entre los padres y el público. En el campo de la educación artística, la práctica de la teoría instrumental ha provocado que la educación artística en las escuelas se encuentre en un estado de laissez-faire donde los niños son espontáneos, sin intervención ni evaluación de los maestros, y el trabajo final no importa. El arte no se considera una carrera de estudio sino una herramienta para la autoexpresión de los niños. La función principal de las artes visuales en las escuelas es brindar a los estudiantes la oportunidad de expresar su creatividad y expresar sus emociones. Estrictamente hablando, este estado es "no educativo". En la década de 1960, las cosas empezaron a cambiar. La principal oportunidad de cambio fue el lanzamiento del primer satélite artificial de la antigua Unión Soviética.

2. Esencialismo

El 7 de octubre de 1957, la antigua Unión Soviética lanzó al cielo el primer satélite artificial "Pustnik", demostrando que la Unión Soviética estaba un paso por delante. educación científica.

La necesidad de competir por la hegemonía mundial llevó a Estados Unidos a llevar a cabo un movimiento de reforma curricular a gran escala en la década de 1960. La base teórica de la reforma fue la teoría estructuralista defendida por J.S Bruner con el propósito de comprender la estructura básica de las materias. La base de esta teoría En el campo de la educación artística, el esencialismo se ha formado y desarrollado gradualmente. Esta reforma educativa dio origen al movimiento académico. Cuando se favorecen especialmente las ciencias naturales, las matemáticas y las lenguas extranjeras (las “nuevas tres artes”), que son materias con estructuras claras y fáciles de enseñar y evaluar, la educación artística también comienza a transformarse gradualmente en materias para sobrevivir en las escuelas. En esta transformación, m.barken jugó un papel importante. Creía que el arte tiene derecho a convertirse en una materia. La educación artística como materia incluye el estudio de estudio, la crítica del arte y la historia del arte. Esta visión influyó en representantes posteriores del esencialismo como W.D. Eisner y W.D. Greer. El esencialismo se formó y desarrolló gradualmente.

(1) La base ideológica educativa del esencialismo: La teoría educativa estructuralista de Bruner es la principal base ideológica de la visión esencialista de la educación artística. Bruner es un famoso psicólogo estadounidense y representante de la escuela de educación estructuralista. Fue profesor de psicología en las universidades de Harvard y Oxford, y director del Centro de Investigación Cognitiva de Harvard. Aplicó la psicología estructuralista fundada por el psicólogo suizo J. Piajet en la década de 1950 a la reforma del plan de estudios de la escuela secundaria y propuso ideas educativas bastante originales. En 1960, se publicó su libro "El proceso educativo", que desarrolla las cuatro ideas centrales de la reforma educativa: ① permitir que los estudiantes dominen la estructura básica de la materia; ② los principios básicos de cualquier materia se pueden enseñar de manera adecuada; para cualquier estudiante de cualquier edad; ③ prestar atención al desarrollo del pensamiento intuitivo; ④ la mejor motivación para aprender es el interés en los materiales de aprendizaje. El libro fue muy elogiado después de su publicación y la gente de los círculos educativos occidentales lo calificó como un "trabajo que hizo época". Pronto, Estados Unidos lanzó un movimiento de reforma educativa guiado por las ideas de este libro y centrado en la innovación curricular.

El pensamiento educativo de Bruner es bastante diferente al de Dewey, lo que se basa principalmente en las diferencias en sus epistemologías filosóficas. Dewey es un auténtico idealista subjetivo, y el núcleo de su pensamiento es la "experiencia", mientras que Bruner es todo lo contrario. Destaca que el campo del conocimiento es una existencia independiente, algo que puede entenderse, y la regularidad de la "experiencia". o "cosas" Esta es la razón por la que la gente busca el conocimiento. Los materiales didácticos deben estar compuestos por elementos que registren estas regularidades; la estructura no se encuentra dentro del material, sino que es agregada "externamente" y moldeada por personas que pueden formar un modelo coherente por parte de expertos y académicos de diversas disciplinas; pueden desarrollar el conocimiento que los niños merecen. Bajo la guía de esta epistemología, señaló: (1) El desarrollo de la capacidad y la inteligencia debe ser el propósito de la educación; (2) La estructura básica de la materia debe ser el contenido educativo; , y el refuerzo debe ser la enseñanza. Cuatro principios (4) Utilizar el método de descubrimiento como método de enseñanza;

Bajo la influencia de las ideas de Bruner, el movimiento disciplinario comenzó a surgir. Cuando otros convirtieron las lenguas extranjeras, la física, la química, las matemáticas, etc. en materias claramente estructuradas basadas en la teoría de Bruner, los investigadores en educación artística también comenzaron a prestar atención a la estructura de la educación artística que dejó de enfatizar la "autoexpresión" y la "creatividad". "ayudar a los estudiantes a participar de forma independiente en debates sobre la estructura de las disciplinas artísticas, lo que significa enseñarles cómo aprender arte, desarrollando así la visión esencialista de la educación artística. Sin embargo, estas ideas no prosperaron salvo que fueron promocionadas en revistas. En 1982, Paul Getty Trust financió el establecimiento del Getty Art Education Center. Este centro promovió la educación artística formal y sistemática y ayudó a las escuelas a desarrollar y enriquecer el pensamiento esencialista en la práctica. Poco a poco, la educación artística basada en materias (dbae) comenzó a tomar forma y se hizo popular.

(2) Visión esencialista de la educación artística: el esencialismo enfatiza el valor esencial de la educación artística y aboga por la educación artística basada en materias. Los esencialistas creen que la enseñanza del arte debe basarse en materias y ser secuencial, defender métodos de orientación y diseño curricular sistemático y utilizar estándares de materias para evaluar los resultados del aprendizaje de los niños.

Los representantes del esencialismo son Eisner y Gurnell. Eisner enfatizó que el valor principal de la educación artística reside en su contribución única a la experiencia personal. Señaló: “El arte es un aspecto extremadamente especial de la cultura y la práctica humana, y la contribución más valiosa que el arte puede hacer a la práctica humana está directamente relacionada con sus características. La contribución que el arte puede hacer a la educación humana es exactamente lo que otras disciplinas. Por lo tanto, cualquier programa educativo que trate el arte principalmente como una herramienta para otros fines diluirá el significado de las bellas artes.

No se debe condescender a que las bellas artes sirvan a otros fines. "[5] La educación artística no es una herramienta que sirve para otros propósitos. Tiene un papel único en la educación básica. Por lo tanto, el estatus del arte en los planes de estudio escolares ha sido valorado y mejorado.

Y la teoría de las herramientas en por el contrario, Eisner propuso que la habilidad artística no es el resultado del desarrollo natural, sino el resultado del aprendizaje y la educación. “El aprendizaje artístico no es un resultado natural del crecimiento y la madurez de los niños y puede promoverse a través de la orientación educativa. "[6] En este caso, ¿qué contenidos se pueden enseñar? Eisner cree que el campo de la enseñanza del arte debe incluir tres aspectos: creación de arte, crítica de arte e historia del arte. Para que la enseñanza de estos tres aspectos sea efectiva, es necesario Diseño curricular continuo y sistemático, en lugar de una enseñanza centrada en el calendario que implique pintar pavos para el Día de Acción de Gracias y decorarlos para la Navidad. Además, la enseñanza debe evaluarse tanto como sea posible, porque ya sea una evaluación tangible o intangible, los maestros y los estudiantes no son tan importantes. es de gran beneficio tanto para la enseñanza como para el aprendizaje.

Las opiniones de W. Devine Gurnell son similares a las de Eisner. El término "educación artística basada en la disciplina" se utilizó por primera vez en "Art". La educación como asignatura: un método para estudiar el arte como asignatura". Este pensamiento educativo popular se conoce como dbae. En realidad, se origina a partir de los conceptos educativos que surgieron en la década de 1960, pero incorpora las ideas de creación artística, crítica de arte y enseñanza de la historia del arte propuestas por Buchan y Eisner en la década de 1960. Gurnell cree que dbae puede "producir personas cultas, con conocimiento del arte y la producción, y que pueden responder a la belleza del arte y otros objetos".

dbae tiene tres características principales:

1. Las áreas de estudio abarcan cuatro vertientes: estética, crítica de arte, historia del arte y creación artística.

2. El contenido didáctico avanza en espiral desde lo simple a lo complejo.

3. Diseñar estrictamente cursos escritos e implementar una enseñanza sistemática.

dbae tiene un riguroso currículum de orientación central. No solo presta atención a la producción de imágenes, sino que también presta más atención a la comprensión de las imágenes. Requiere la integración de la creación, la apreciación, la comprensión y la evaluación en una misma unidad didáctica, reflejada en el currículo general, y una enseñanza sistemática y coherente.

En el campo de estudio de dbae, la creación artística permite a los estudiantes aprender técnicas de producción, aprendizaje y organización a través de la práctica; la crítica de arte permite a los estudiantes desarrollar su capacidad de análisis, deducción y juicio de imágenes a través de la observación y apreciación. el estudio de la historia del arte permite a los estudiantes profundizar su comprensión de la historia y la cultura a través de la comprensión del autor, el tiempo y el trasfondo espacial de la obra; la estética les permite explorar la naturaleza de la belleza, la experiencia de la belleza y el estatus del arte; en las actividades humanas. Fortalecer la capacidad de juicio de los estudiantes y establecer las bases para el aprendizaje teórico. De estos cuatro aspectos, la creación del arte y la historia del arte son más fáciles de entender, pero la estética y la crítica del arte son más difíciles de entender. A continuación intentaremos explicar brevemente la estética y la crítica.

En cuanto a la estética, Eisner, que apoyó activamente a dbae, explicó una vez: "La experiencia estética es la introducción a niños y adultos de un conjunto de ideas perspicaces y de larga data, algunas de las cuales nunca han estado disponibles para Preguntas para responder.” [7] Por ejemplo: ¿Una obra de arte tiene que ser bella? ¿Las grandes obras de arte contienen necesariamente ideas principales como poder y nobleza? Para evaluar la obra de un artista, ¿necesitamos comprender su intención creativa? Estas preguntas pretenden abrir un mundo artístico a los niños, permitiéndoles participar en este diálogo eterno y hacer algunas reflexiones estéticas, que es exactamente lo que la creación de imágenes no puede hacer. ¿Cómo interviene la crítica? De hecho, la crítica consiste en hablar de arte. Aprovechando el amor de los niños por hablar y discutir, la crítica se puede introducir en el aula sin problemas. Generalmente, la crítica se puede dividir en cuatro etapas:

1. Etapa de descripción breve: ¿Qué viste? Incluyendo objetos, formas, colores, líneas, etc.

2. Etapa de análisis formal: ¿Cómo se organiza el trabajo? Por ejemplo: ¿Es la imagen simétrica? ¿Cómo se conectan las líneas? ¿Qué técnicas y materiales se utilizaron? etc.

3. Etapa de interpretación del significado: ¿Qué quiere explicar el autor? Por ejemplo: ¿Cuál es el significado de la obra? ¿Cuál es la relación entre la cultura socioeconómica, la personalidad ideológica del autor y esta obra? ¿Qué atmósfera, conceptos y pensamientos se transmiten en la obra?

4. Etapa de valoración del valor: ¿Cuál es tu impresión? Tales como: ¿Estás infectado? ¿Cómo te sientes acerca de esta pieza? etc.

El foco de las preguntas en las dos primeras etapas es lo que viste, no tu impresión. Es necesario evitar que los estudiantes saquen conclusiones prematura y fácilmente. En la etapa de explicación, los profesores pueden utilizar un lenguaje apropiado para explicar las obras y mejorar el desempeño artístico de los estudiantes. Con base en las tres primeras etapas, finalmente se pide a los estudiantes que comenten sobre el valor del trabajo.

El diseño curricular de dbae es integrado, es decir, creación artística, crítica de arte, estética e historia del arte se integran en una unidad completa de enseñanza y se enseñan simultáneamente, desde lo simple a lo complejo, y se llevan a cabo de manera sistemática. . De esta manera, puede ayudar a los estudiantes a ampliar sus conocimientos sobre el arte, comprender diversas connotaciones culturales y comunicar ideas a través del arte visual. Por lo tanto, dbae requiere una serie de temas de enseñanza especiales que estén estrictamente diseñados y reflejen los cuatro aspectos del logro. Por ejemplo: la enseñanza sobre paisajes puede incluir: discutir si las escenas naturales pueden considerarse obras de arte (estética), aprender a juzgar si una pintura de paisaje de estilo holandés es violenta o solitaria a partir de la forma y el análisis (crítica de arte); estilos de pintura de paisajes realista e imaginario en los Países Bajos, Francia y China, y examinar cómo se puede idealizar y abstraer la naturaleza (historia del arte). Usar técnicas de pintura con tiza y esponja para crear la ilusión de espacio y paisajes naturales (creación artística); Como profesor de arte, debes ser bueno para expandir desde comportamientos artísticos simples, como dibujar paisajes comunes, hasta extensiones significativas. Aunque no es necesario enseñar los cuatro aspectos de dbae por separado, los profesores deben ser claramente conscientes de cada aspecto e integrarlos orgánicamente.

dbae enfatiza el valor esencial de la educación artística y la integridad y sistematicidad de la estructura curricular. Los estudiantes no sólo aprenden a hacer obras de arte, sino que también aprenden a apreciarlas y a comprender los conocimientos básicos relevantes de la época: el entorno social en el que se produjeron las obras. Esta teoría ha tenido una amplia influencia gracias a la investigación, la experimentación y la vigorosa promoción del Centro Getty para la Educación Artística. La gente espera que pueda mejorar efectivamente los logros artísticos de los estudiantes, permitirles comprender la relación entre cultura y arte, contenido y forma, aprender a evaluar objetivamente las obras de arte y tener un conocimiento artístico más rico.

Debido a que dbae se guía por un centro curricular estricto y tiene un diseño curricular riguroso, estipula claramente que los estudiantes lleven a cabo un aprendizaje en espiral en los cuatro campos de la creación, la crítica, la historia del arte y la estética. Por lo tanto, algunas personas preguntan: ¿está la educación artística cerca de la educación en ciencias del comportamiento o de las ciencias físicas? ¿La educación como dbae se volverá demasiado similar a otras materias y perderá la singularidad de las clases de arte? ¿Será demasiado estricto y conducirá a la rigidez y al aburrimiento? La dbae, que se basa en la teoría del currículo estructural como ideología educativa, concede gran importancia al cultivo de la capacidad estética de los estudiantes, pero ignora la inspiración de la expresión espontánea y no pone suficiente énfasis en la experiencia estética y el desarrollo creativo. En la educación artística, aunque se centra en la estructura, se debe mejorar la flexibilidad.

El instrumentalismo y el esencialismo surgieron y se desarrollaron en diferentes entornos educativos y tienen diferentes valores, objetivos, contenidos y métodos. La teoría instrumental toma la teoría de la educación pragmatista como base para el desarrollo y aboga por la educación artística centrada en el niño. Concede gran importancia a los intereses de los niños y enfatiza el cultivo de la espontaneidad y la creatividad de los niños, pero ignora la enseñanza sistemática de conocimientos y habilidades artísticas. Por lo tanto, este tipo de educación artística no puede formar niños con ricos conocimientos y habilidades artísticas. Y el conocimiento artístico limitado limita el desarrollo de la creatividad artística de alto nivel de los niños, porque la creación de alto nivel debe basarse en un conocimiento rico. El esencialismo se deriva de la teoría educativa estructuralista y requiere de profesores y materiales didácticos como centro. Concede gran importancia al cultivo integral de capacidades estéticas como la creación, apreciación, comprensión y evaluación artística, pero parece insuficiente para inspirar la expresión espontánea. Además, el diseño curricular y la enseñanza estrictos pueden fácilmente volverse formalizados y aburridos.

Comparando estas dos teorías, podemos encontrar que tienen sus propias desventajas y ventajas. Por lo tanto, es obviamente inapropiado aplicar cualquiera de ellos por sí solo a nuestra educación artística. Podemos absorberlos y transformarlos racionalmente de acuerdo con los requisitos de la educación de calidad en nuestro país y la situación actual de la educación artística, adaptar el conocimiento extranjero a China y promover el desarrollo de la educación artística en nuestro país.