La principal contribución de Renoir al movimiento del realismo poético francés
El realismo poético francés de los años 30, este se considera una escuela de estética cinematográfica entre la poesía y la naturaleza, un concepto de poesía realista y realidad poética, que llega y poco a poco desaparece.
Principales aportaciones del realismo poético:
1. Actualización del concepto de "realidad"
Jean Mitry alguna vez trató el concepto de "realidad" del realismo poético. , hizo una valoración muy acertada, señala en "Film History": "De hecho, en este estilo, los cineastas no repiten ni copian la realidad. Nabo sólo mira la superficie de la forma. Están imitando las cosas creadas por la vida. .la actividad, su progresión emocional, su movimiento interior, para crear basándose en este punto, conservando sólo aquellos aspectos que son más peculiares y característicos. La comprensión de la realidad reside únicamente en expresar la verdad del "significado esencial".
2. El establecimiento y uso de lentes de profundidad de campo
Renoir, que insistió en la producción independiente, utilizó lentes de profundidad de campo ampliamente en sus obras y formó un completo Conjunto de gramática cinematográfica sistemática. Su práctica creativa proporcionó evidencia empírica para la teoría de la "puesta en escena" de Bazin e influyó enormemente en la creación de las pantallas de cine modernas. El establecimiento y uso de lentes de profundidad de campo contribuyó en gran medida al desarrollo de la "ontología cinematográfica".
3. Aprovechar al máximo el poder literario del cine
Los guionistas de cine han hecho brillar en la pantalla películas francesas de "realismo poético", que muestran una vez más la vitalidad y vitalidad de la vida. La habilidad de la literatura cinematográfica juega un papel importante en la creación cinematográfica. Los directores famosos de este período: Claire, Federer y Beguerre fueron todos guionistas de las películas que dirigieron y Renoir y Dewey Weill también participaron en el trabajo de escritura de sus propias películas. El éxito de Carnet, que comenzó su carrera como periodista, se debe, por un lado, a su propia observación artística, apreciación y capacidad de dirección, y, por otro, se beneficia principalmente del poder literario del poeta Pleiway, del grupo surrealista. . En la atmósfera surrealista del café "Two Butts" del Barrio Latino, Pleavert cultivó su temperamento y talento poéticos, formó su alma creativa y se convirtió en la columna vertebral que sustenta todas sus obras.
Esta alma está lejos de estar completamente resumida por el "pesimista" Eryu. Pierre Maiou señaló una vez con pertinencia: "La oscuridad y la desesperación desde "El crimen de Monsieur Lanquy" hasta "Las puertas de la noche" no son suficientes para reflejar algo de su singularidad o incluso su unidad. La creación de Pule Wei comienza con la confirmación del pesimismo. Dado que el mal lo conquista todo y lo corrompe todo, ¿dónde pueden las personas encontrar la salvación en un sentido más profundo si no regresan a sus orígenes y regresan a la infancia? El tema de Pleiway es uno: la confianza en la vida sólo se puede obtener trascendiendo todo tipo de dificultades y conectando. con ojos de niños. Esta mirada es poesía y magia del lenguaje, pero utiliza expresiones vivas y idiomáticas, es decir, el lenguaje más popular.
En la creación del realismo poético, hay dos malentendidos destacados:
Primero, se ignora la naturaleza audiovisual del arte cinematográfico. Esto se refleja en algunas películas, que enfatizan demasiado el papel del diálogo, la escritura de guiones y el papel de la literatura, pero a menudo ignoran que el cine es ante todo un arte visual y auditivo. Esto es muy lamentable y un malentendido muy destacado en las películas de Parnell. .
En segundo lugar, el impacto de los grupos artísticos en los individuos. Dado que los guiones cinematográficos del período del realismo poético solían ser escritos por varios grandes guionistas como Pleavert, Spike y Jeanson, las obras suelen mostrar cierta similitud. Todos ellos están construidos según un mismo modelo dramático, es decir, un modelo de tragedia que se traslada a la realidad de la sociedad civil contemporánea. Los discípulos de Pleavert y Parnell acudieron en masa a la escena. Estos imitadores mediocres estaban llenos de artesanía y suavizaron la singularidad y la individualidad de la creación del arte cinematográfico. Esta situación duró muchos años hasta el surgimiento del movimiento cinematográfico "Nueva Ola".
Jean Renoir es un símbolo del realismo poético francés. Bazin lo llamó una vez el verdadero líder del realismo poético, y señaló en "Quince años de cine francés": "Durante los años decisivos del cine sonoro de antes de la guerra, René Clair no estuvo en Francia, y Jean Renoir, con su unicidad de concepción y Por su rico valor estético, estas obras ocupan sin duda las filas del 'realismo negro', pero son las pioneras del cine y en muchos sentidos presagian la evolución de estilos cinematográficos posteriores en forma y contenido".
Hijo del famoso pintor impresionista Auguste Renoir, trabajó como escritor, director y actor de cine. Se dedicó a la industria cinematográfica, partiendo del interés de un aficionado y pasando gradualmente a las filas de los productores cinematográficos profesionales. Las creaciones iniciales de Renoir no tuvieron éxito. Sin embargo, aprendió de la experiencia, cultivó su propia pasión e inspiración creativas y gradualmente formó un estilo cinematográfico "juguetón" único.
En 1928, "Concurso en la ciudad antigua" dirigida por Renoir, que reflejaba a personas marginadas y desempleadas, era todavía una película muda. Desde los inicios del cine, ha dirigido "Abortion" (1931) y "Bitch" (también conocida como "Bitch", 1931), que le supusieron un éxito accidental y se convirtieron en un punto de inflexión en su carrera cinematográfica. La creación de "Bitch" hizo que Renoir se diera cuenta claramente de que este era el comienzo de una nueva etapa, es decir, el comienzo del método y camino de creación realista. "Perra" cuenta la historia de un empleado honesto que tiene más de cincuenta años y se enamora de una prostituta, quien no solo tiene una buena relación con él, sino que también mantiene una relación con los mafiosos de la ciudad, lo que finalmente trae la empleado en descrédito. Esto está basado en una novela mediocre. Sin embargo, Renoir fue más allá de la interpretación de la novela con su enfoque realista. Las escenas principales de la película son las calles de París y las familias del héroe y la heroína. El espacio narrativo es oscuro y atmosférico. Esta descripción de la ubicación y el entorno de la historia, así como la destacada actuación de Michel Simon, un ciudadano parisino que frecuenta a mafiosos y mafiosos, sitúan la película en el interés y alcance del realismo poético. En 1932, se publicó la obra maestra de Renoir "Boudou rescatado del agua" (también conocida como "Boudou rescatado del agua"). Esta es una obra que describe a un vagabundo en París y que de alguna manera contiene ideas anarquistas. La película comenzó a utilizar lentes de profundidad de campo muchas veces al expresar el entorno. En 1934, Renoir dirigió "Tony", que "tuvo una gran influencia en el cine italiano y presagió el neorrealismo". Coescribió la película con Einstein. "Desde 1934 ("Tony"), Renoir ha utilizado sistemáticamente la 'lente de profundidad de campo' que revolucionó toda la gramática cinematográfica." Sólo después del estreno de "Ciudadano Kane" en 1941, las películas estadounidenses comenzaron a romper con el método tradicional de edición cinematográfica. Es en este sentido que Roberto Rossellini, De. Sika lo honró como pionero. "Tony" también marcó el comienzo del cine independiente de Renoir. Allanó el camino para películas de valor económico y estético, logrando lo que el sistema de producción cinematográfica no permitía y, sin embargo, películas que el público esperaba.
En 1935, Renoir interpretó a un empresario vicioso y la historia de una "cooperativa" unida por gente pequeña en "El crimen de Monsieur Longqui" (escrita por Pleavert). Una película llena de triunfo y optimismo. "La calidez, el encanto, la intimidad y el rico sentido del humor de la película compensan algunas de sus deficiencias técnicas." En 1936 adaptó la obra original de Maupassant "Un paseo por el campo". El segundo episodio de esta "conmovedora y breve historia de amor pastoral", también adaptada por Plowey, no fue filmado. El material filmado fue posteriormente editado por los alumnos de Renoir. La película no se estrenó hasta 1945. La película utilizó un método de expresión impresionista y dejó una profunda impresión en la gente al mostrar el paisaje natural.
Entre las obras de Renoir, las dos películas más importantes son: “La gran desilusión” (1938) y “Las reglas del juego” (1939). "El Gran Desilusión" es una gran obra llena de pacifismo y un estudio microscópico de la historia europea de principios de siglo. Aunque la guerra provocó "conflictos entre países, las personas de la misma clase se entenderán". Maister dijo en su "Breve historia del cine" que la "acción superficial de la película es la historia de dos soldados franceses que finalmente escapan de un campo de prisioneros de guerra durante la Primera Guerra Mundial. Su acción real es una metáfora: la desaparición del antiguo gobierno". La clase de la aristocracia europea y el crecimiento de la nueva clase dominante de trabajadores y burguesía son la miniatura de Renoir de la sociedad europea. Entre los prisioneros de guerra se encuentran franceses, rusos y británicos, incluidos profesores y actores. banqueros, hay aristócratas, capitalistas y trabajadores”.
Las características de la estructura argumental de "La Gran Desilusión" son muy dignas de estudio. El objetivo de la trama de la película para atraer la atención de las bellezas es expresar el significado del tema. Sin embargo, Renoir finalmente diluyó o anuló la trama de la película dramatizando el tema. De manera poco convencional, nos inviste en el contenido específico del diálogo de la película, lo que tiene el efecto de diluir la trama.
Este enfoque se puede ver en muchos lugares de la película. Por ejemplo, para debilitar la trama de la fuga de la prisión, Renoir mostró que los prisioneros de guerra no estaban más preocupados por cómo escapar, sino que querían pasar un buen rato. comida y anhelo para las mujeres. Pero lo único que pudieron lograr fueron hombres disfrazados de mujeres. Otro ejemplo: el plan de fuga fue provocado por accidente. Esta escena en sí no es importante para la trama, pero es extremadamente importante para la evaluación de la historia moderna. El regalo del zar a los prisioneros de guerra rusos fue un lote de libros, lo que despertó el descontento entre los prisioneros de guerra. Los quemaron para resistir la ignorancia y la arrogancia de la nobleza. Se prepararon para escapar de la prisión para deshacerse de ellos. la fuerte opresión de la nobleza. Para Renoir, la sociabilidad y el documental son más importantes que la trama. Otro tratamiento que habla de trama es la escena que rodea la cuerda utilizada para escapar de la prisión:
Los alemanes vinieron a la habitación a buscar la cuerda. Entonces todos rápidamente escondieron la cuerda. Cuando los alemanes entraron en la habitación, según el desarrollo de la trama, el siguiente paso debería ser buscar la cuerda. Sin embargo, comenzó una discusión sobre el honor de los nobles. El oficial noble alemán le pidió al oficial noble francés que se lo prometiera. con honor de los nobles que "en esta sala no hubo ningún intento de fuga". Esto parece permitir al público saborear la educación de una persona de origen aristocrático. El manejo de la trama por parte de Renoir en la película hace que su trabajo tienda a ser documental y forme un estilo realista.
Otra característica importante de "La gran desilusión" es el procesamiento del sonido en la película. En primer lugar, en el uso del lenguaje, esta película se refleja en dos aspectos: en primer lugar, en la película se mezclan los cuatro idiomas: alemán, francés, inglés y ruso, lo que enriquece la interpretación sonora de la película. Al mismo tiempo, el lenguaje mismo El conflicto crea el drama y la complejidad de la narrativa. En una maniobra repentina, los prisioneros de guerra franceses abandonaron el túnel de escape que estaban a punto de cavar. Cuando pasaron junto a los prisioneros de guerra rusos, intentaron avisar a los rusos, pero se marcharon sin poder comunicarse entre sí debido a. barreras del idioma. En segundo lugar, el lenguaje y el diálogo de la película indican simultáneamente las diferentes identidades y clases de los personajes e ilustran el estado de alienación entre las personas. Sin embargo, también se puede decir que gran parte del lenguaje de la película tiene fuertes rastros de pulido artificial. El segundo es el procesamiento de la música, que juega casi un papel protagonista en la motivación de la película. La pequeña melodía tocada con la flauta aparece varias veces en la película: al planificar la fuga de la prisión, el sonido de la flauta apareció por primera vez durante la fuga de la prisión, el oficial aristocrático francés utilizó el sonido de la flauta para llamar la atención; del oficial alemán, que provocó su muerte; después de escapar de la prisión, el sonido de la flauta reunió a dos hombres en disputa, y así sucesivamente. La música juega un papel clave en momentos importantes de la película y juega un papel protagonista en la narrativa. El uso que hace Renoir del sonido es realmente original.
Al analizar "La gran desilusión", Maister afirmó: "En esta película llena de desilusiones políticas catastróficas, es difícil decidir cuál es la 'grande'. Es la guerra la que puede solucionarlo ¿Se trata de una disputa política? ¿Existen o no existen fronteras nacionales? ¿Son más fuertes las diferencias nacionales que las diferencias de clase? ¿Cuál es mayor, a pesar de estas ilusiones deliberadamente contradictorias? clase que causó esta guerra y sería eliminada por ella con la Primera Guerra Mundial, la aristocracia europea cometió un elegante suicidio convirtiendo la vida en un juego despiadado de asesinato, con un conjunto de reglas artificiales, que finalmente convirtió la vida en muerte. Las sugerencias anteriores dadas por Renoir en esta película se expresaron como tema especial en su próxima película "Las reglas del juego".
En "Las reglas del juego", Renoir "representó el valor de la muerte en una sociedad muerta —de hecho, dos sociedades muertas— la sociedad de los amos ricos y la de aquellos que imitaban a sus amos. Una sociedad de pseudo -Caballeros y sirvientes parásitos Tanto los amos como los sirvientes valoran la apariencia por encima de la sinceridad y las expresiones francas de humanidad, y el resultado inevitable es la muerte. En Ir a morir, la película revela la lógica de que mentir es la norma de la clase alta, y quien la viole sufrirá. La narrativa de esta película está cuidadosamente estructurada según las características de la novela, enfatizando eventos paralelos, estructuras paralelas, personajes paralelos, reacciones paralelas, detalles paralelos, etc. Maistre declaró: "Estos paralelos visuales e intelectuales dan a las películas de Renoir la riqueza y complejidad de una novela. Pero la estructura literaria de la película está respaldada por el agudo sentido visual de la naturaleza, los rostros y los rostros de Renoir. La lente de los grupos sociales produce visualmente el significado de la película y controla el estado de ánimo del trabajo."
Sin embargo, este tipo de trabajo también da a la gente la sensación de que se abre el telón, una combinación de realidad y ficción. Por supuesto, la escenografía de Renoir se basa en la realidad y crea una representación del espacio visual que se adapta a la elección subjetiva del productor. Y esto responde exactamente a las necesidades de su tema aristocrático.
Hay dos escenas importantes en "Reglas del juego": una es la caza, que muestra la muerte de pequeños animales después de que suenan los disparos, los pequeños animales mueren mientras ruedan y caen. de La danza de la muerte es una belleza repulsiva. Al interpretar este pasaje, Renoir lo rodó casi en su totalidad utilizando métodos documentales. El segundo es la fiesta, aquí hay otro tipo de muerte, la muerte de la vida del juego. Los esqueletos bailando en el escenario y los disparos de munición real desde el escenario finalmente llevaron al piloto a morir como un animal pequeño. Este es otro tipo de belleza aterradora.
Estas dos escenas importantes forman el núcleo del significado y el estado de ánimo de la película. "Todo el dolor y la tristeza de la película son subproductos de la alegría de vivir." Al mismo tiempo, también se debe a la filosofía de vida moderada de la clase alta. Por ejemplo: dejar que los cazadores furtivos vengan a la villa; quedarse con la amante de su marido; llevar al piloto a la casa de su hermana, etc. Se puede decir que es un error moderado. La película en sí es un gran juego y cada uno sigue sus propias reglas en el juego. "Todavía hay accidentes en el juego, y es sólo un accidente. Nadie lo tomará en serio. Es simplemente parte del juego". En cierto sentido, la película encarna la profunda tristeza del propio Renoir, que heredó de su padre el verdadero amor por la vida, pero que por otra parte soportó participar en el "juego". Lo profundo de la película es que no acusa nada. Los personajes de la obra son todos amables y cada uno actúa con sinceridad según su propia naturaleza humana y sus limitaciones sociales. La tristeza más profunda aquí es la tristeza de la vida. La película también refleja el propio sentido de moderación de Renoir. En "Las reglas del juego", refleja esta actitud de moderación a través de personajes y tramas específicos. Sin embargo, en "La gran desilusión", la moderación ha provocado otro resultado, porque Renoir en la película trató sobre la política, las fronteras nacionales, la nación, la clase y la amistad que tuvieron lugar en los campos de prisioneros de guerra alemanes durante la Primera Guerra Mundial. Por lo tanto, durante la Segunda Guerra Mundial, Goebbels hizo editar esta película para convertirla en una película que sirvió a los alemanes y los embelleció. Se dice que este incidente irrita enormemente a Renoir. Sin embargo, es un resultado inevitable del pensamiento "moderado" de su obra.
"Las reglas del juego", como otras películas rodadas por Renoir, fue determinada por el propio Renoir en términos de estilo fotográfico. En esta película, continuó su estilo de esforzarse por lograr tomas de profundidad de campo de "Bitch", y concedió gran importancia a la importancia de la acción y la programación de la escena dentro del encuadre. En el proceso de uso extensivo de la fotografía móvil, revela las complejas y dramáticas relaciones entre los personajes, uno por uno. Esto resalta la diversión y el sentido del humor únicos franceses, así como la actitud artística naturalista y realista. La gente queda maravillada con el movimiento de la cámara de la película y el uso de lentes de enfoque profundo que capturan tanto la distancia como la distancia. Porque este era un método de fotografía muy raro en ese momento. Esta es también una razón importante por la que esta película a menudo ocupa el primer lugar de la lista y es elogiada como la mejor película. Bazin también señala en "Quince años de cine francés": "Desde este punto de vista, "Las reglas del juego" es una película cuyo estilo de dirección ha alcanzado un nivel soberbio, y aún se pueden aprender lecciones de sus aspectos técnicos para este día." También dijo: "Sobre todo películas como "El crimen del señor Langchi" o "Las reglas del juego" muestran la madurez de la obra, la complejidad del concepto, la expresión emocional y la delicada caracterización. Se puede decir que a partir de Renoir, el cine es ya un arte maduro que puede rivalizar con la novela."
Renoir nunca se repitió en sus creaciones. No sólo pudo rodar películas exploratorias, sino también películas encargadas por el gobierno; pudo rodar películas de temática realista y películas de época; Francia, puede disparar en los Estados Unidos.
Esto no significa que Renoir no sea serio. De hecho, sus películas contienen a menudo su contemplación y tienen un fuerte contenido social.
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