¿De qué país de Europa se originó el musical?

El origen de los musicales occidentales

Los musicales se apoyan en tramas atractivas y se basan en las interpretaciones dramáticas de los actores, para que la música y la danza puedan liberar plenamente su potencial y el arte de integrarse. estos factores en una unidad orgánica. El Reino Unido y los Estados Unidos son los países donde florecen los musicales. Desde la perspectiva del desarrollo de los musicales, el West End de Londres y el Broadway de Nueva York pueden considerarse los lugares de nacimiento de los musicales. Sin embargo, los musicales también tienen diferentes antecedentes históricos en el Reino Unido y los Estados Unidos: en los Estados Unidos, están más influenciados por el jazz, el claqué, los dramas dramáticos y las comedias con el canto; a las operetas, al teatro, especialmente al trasfondo dramático de Shakespeare, Molière e Ibsen, mientras que la danza se acerca más al ballet. Sin embargo, los musicales británicos han continuado la tradición de las operetas desde Arthur Sullivan y William Gilbert, y les ha resultado difícil competir con las obras de Broadway. No fue hasta la década de 1970 que la situación empezó a cambiar en Estados Unidos, aunque inicialmente en la mayor parte; las actuaciones fueron importadas de Gran Bretaña, pero poco después, los artistas estadounidenses crearon musicales completamente estadounidenses y continuaron desarrollándolos y mejorándolos. Por tanto, desde una perspectiva histórica, fue el Reino Unido el que inspiró a Estados Unidos a crear musicales, una nueva forma de teatro que combina teatro popular, música, canto y danza. Aquí, este artículo explorará más a fondo cómo Estados Unidos integró varias tradiciones de entretenimiento musical de Europa y las desarrolló en musicales.

Existen muchas teorías sobre el origen de los musicales: una teoría es que se originó a partir de operetas clásicas y óperas cómicas en la Europa del siglo XIX; otra teoría es que se originó a partir de canciones country, espirituales negros y jazz; música en los Estados Unidos. Un conjunto de vodevil de canciones y bailes populares; una teoría es que se originó a partir de la "revista musical" y la "comedia musical" creadas por los británicos en el siglo XIX; otra teoría es que se originó en "Black"; Hook" en 1866 y posteriormente dramas del tipo "drama más canto y danza". También existe una "teoría integral del origen" que cree que es poco probable que los musicales, un fenómeno cultural extremadamente complejo, surjan de una única fuente cultural. Por lo tanto, deben absorber nutrientes de múltiples componentes culturales para construir su propia carne y sangre artística. La fuente de formas debe ser diversificada.

Este artículo analiza la cuestión del origen de los musicales y cree que la "teoría integral del origen" es más confiable. Esto se debe a que la "teoría integral del origen" no sólo acepta los resultados de otras teorías, sino que además esta teoría está más cerca del estado real de la historia del desarrollo de los musicales que otras teorías. Al respecto, Julian Mates propuso en su libro "America's Musical Stage": "Es la función de múltiples elementos lo que hace que nuestro escenario musical sea colorido. El desarrollo de los musicales integra todos los elementos del escenario musical, desde el circo al ballet, desde el melodrama. a la ópera seria; y el surgimiento de actores talentosos, los cambios sociales y los cambios en los gustos de la audiencia conducirán a cambios en los musicales". El punto de vista de Special nos recuerda que debemos mirar las fuentes históricas de los musicales desde una perspectiva más amplia. A continuación, este artículo utilizará el punto de vista de Mette como base para examinar varios elementos escénicos musicales en toda Europa y la influencia de la música negra en los musicales estadounidenses, hasta que los musicales estadounidenses como género artístico musical comenzaron a ir por el camino correcto.

1. La influencia de la ópera en los musicales

La profunda tradición operística en la cultura occidental es objeto de referencia e imitación por parte de los musicales en términos de contenido argumental y métodos de interpretación. La fuerte vitalidad de las óperas europeas les permite combinar continuamente modas y absorber elementos populares, produciendo así óperas populares, óperas cómicas, operetas, etc. Estas formas dramáticas han viajado a través del océano hasta los Estados Unidos y han provocado muchas imitaciones locales. Aquí, este artículo considerará primero las características y diferencias de estas óperas en sí, así como su contribución al teatro musical.

1. De la ópera popular a la ópera cómica

La ópera se importó a América del Norte ya en el siglo XVIII, pero la ópera en sí debe cambiarse mucho para adaptarse a los gustos locales. como la propaganda, las narrativas fueron reemplazadas por diálogos, y las combinaciones complejas de voces se simplificaron en coros, etc. En ese momento, América del Norte fue una vez una colonia británica, y su apreciación por la música y el teatro también estuvo profundamente influenciada por los británicos. Justo cuando las óperas serias se estaban volviendo aburridas, una obra llamada ópera popular, The Beggar's Opera, se convirtió en un gran éxito primero en Gran Bretaña y luego en Estados Unidos.

La obra se representó por primera vez en Londres en 1728 y presentó diálogos que conectaban las canciones y las letras utilizando canciones populares de la época. El contenido de la ópera refleja la vida de la clase baja. Los personajes en escena ya no son las hadas y los héroes de las óperas tradicionales, sino que se convierten en ladrones, ladrones, prostitutas, mendigos, etc. Es un retrato agudo de la corrupción de la clase baja. burócratas y políticos y los estereotipos de las grandes óperas serias. Los temas realistas, las maravillosas actuaciones y el uso novedoso de la música inmediatamente hicieron que la obra causara sensación.

La ópera popular original era básicamente la misma que "La ópera del mendigo", con diálogos sueltos en lugar de recitativos, ocasionalmente intercalados con danza, y la trama era principalmente comedia. Las melodías musicales están tomadas de canciones populares de la época, con letras reescritas y una nueva trama, pero la conexión entre las canciones y la trama no es muy estrecha. A medida que la ópera popular siguió desarrollándose, sus canciones ya no sólo utilizaban melodías populares en las calles, sino que comenzaron a tomar prestados elementos de aquí y de allá, y surgió una forma de interpretación mezcolanza. Esta forma no solo utiliza canciones populares de la época, sino que también selecciona buenas melodías de obras musicales de varias épocas, regiones, músicos famosos, etc., y selecciona y conecta los bailes favoritos de todos. La obra "Love in a Village" (Amor en un pueblo), representada en Inglaterra en 1762, se extendió a América del Norte e inmediatamente produjo un gran número de imitaciones.

Cuando melodías populares y obras pasadas se toman prestadas repetidamente hasta el punto de que no hay nada nuevo, lógicamente conduce al surgimiento de nuevas creaciones. Al principio, esta nueva creación todavía tenía un color mezcolanza, a menudo con muchas personas escribiendo canciones y componiendo música juntas, y a nadie le importaba la inconsistencia de estilo resultante. El siguiente desarrollo es que una sola persona complete todas las letras o melodías de toda la obra. Dado que ya no toma prestadas melodías populares, sino que conserva la forma de comedia, a esta obra recién creada la llamamos ópera cómica.

Cuando la ópera cómica se desarrolló en el siglo XIX, aunque la ópera y la ópera popular todavía tenían muchas audiencias, en comparación, la ópera cómica jugó un papel más importante en el escenario musical estadounidense. Una ópera cómica tiene una partitura especialmente compuesta y regresa al modelo de una ópera en este punto, pero a diferencia de una gran ópera, una ópera cómica tiene una historia romántica intercalada con muchas partituras especialmente compuestas y bailes coreografiados, solo canciones y bailes. Conexión interna con la parcela. Aun así, las óperas cómicas, especialmente las canciones de las óperas cómicas, reflejaban la vida real y el espíritu de la época en los Estados Unidos de aquella época. Las representaciones divertidas o la actualidad satírica se convierten en temas excelentes. Por supuesto, también hay muchas obras con temas patrióticos. La aparición de estas obras confiere a la ópera cómica estadounidense sus propias características y la distingue de la ópera cómica británica.

2. La influencia de la opereta

La opereta es producto de la continua fusión y penetración de la ópera popular y la ópera cómica. El francés Jacques Offenbach fue el fundador de la opereta. Su Orfeo en el inframundo (1858) fue la primera opereta completa. No sólo adoptó las operetas de las óperas populares, sino que es una forma satírica amada por el público y que se combina con la política. Materiales sociales y risibles de la época. En la actuación, aunque hay diálogo, el canto y la escala argumental se acercan más a una gran ópera seria. Las obras de Offenbach se hicieron populares en los Estados Unidos después de la Guerra Civil y su público también solía ser fanático de la ópera italiana.

Después de Offenbach, el "rey del vals" de Viena, Johan Strauss II, también tuvo obras de opereta destacadas, pero fueron los británicos quienes llevaron la opereta a nuevas alturas Arthur Sullivan y William Gilbert. La colaboración entre el compositor Sullivan y el humorista Gilbert comenzó en 1871. Cuando terminó la colaboración en la década de 1990, habían producido 13 operetas. Su gran cantidad de obras populares se convirtieron en un modelo para la creación de operetas británicas a finales del siglo XIX. En 1878, "H.M.S. Pinafore" (H.M.S. Pinafore), creado por Gilbert y Sullivan, arrasó en América del Norte. Las principales compañías de teatro compitieron para representar la obra, con 241 funciones solo en Boston. La exitosa presentación de operetas europeas importadas en los Estados Unidos ha jugado un buen papel en la promoción de la creación de operetas locales en los Estados Unidos. Aunque muchas operetas se han producido bajo influencia europea, todavía existe una gran brecha en comparación con el nivel europeo. .

El estadounidense John Plilip Sousa, bajo la influencia de Europa, fue el primero en crear operetas. Comenzó a escribir "The Smuggles" (Los Contrabandistas) en 1879 y luego escribió** *19 obras, pero no diferentes. de obras europeas. Victor Herbert inició lo que dio a la opereta americana un estilo americano verdaderamente distintivo. Herbert se convirtió en un éxito instantáneo con su primera opereta, El príncipe Ananise (1894). Después de lograr un éxito sensacional, no pudo dejar de escribir cincuenta obras en veinte años. Las operetas restantes incluyen Babes in Toyland en 1903, The Red Mill en 1906 y. El Molino Rojo en 1910. "Naughty Marietta" (Naughty Marietta) es un clásico, consolidando así su posición como líder de las operetas americanas de Broadway.

Las operetas de Herbert y más tarde de Sigmund Romberg, Roudolf Friml y otros siguen en la misma línea que la opereta vienesa en términos de características artísticas, prestando más atención a la interpretación de la música. La música y la búsqueda de la belleza de las melodías, sin embargo, el desarrollo del drama y la combinación orgánica de varios factores artísticos no se consideran escritos para personajes específicos y momentos y lugares específicos, sino solo arreglos maravillosos y hermosos trajes, hermosas melodías. y se da máxima prioridad a las magníficas habilidades interpretativas de los actores. Las amplias melodías escritas para las voces están bien arregladas y desarrolladas, pero su punto de partida no se centra en las necesidades de la historia, lo que resulta en una desunión entre la música y el contenido. A finales de la década de 1920, la opereta, que alguna vez floreció en la escena musical estadounidense, había disminuido gradualmente desde la muerte de Herbert. Sin embargo, todavía se puede ver un fuerte sabor de opereta en muchos musicales posteriores, como en "My Fair Lady" de Alan Lerner. Jay Lerner y Frederick Loewe son el pináculo.

Descripción general Las obras de opereta heredan la tradición de 400 años de la ópera. Utilizan lugares exóticos o historia mítica como fondo, seleccionan personajes legendarios y cuentan una tortuosa historia de amor a través de hermosas canciones. Estas obras han alcanzado la madurez en la forma narrativa musical y el diálogo y las canciones están perfectamente conectados. Sin embargo, la mayoría de las operetas rara vez involucran temas sociales profundos y, en términos de drama y diseño musical, han reservado muchos detalles relacionados con la trama. No es muy relevante y es puramente una sección elegante para que el cantante muestre sus habilidades. Como resultado, la mayoría de estas obras carecen de un modelo organizativo riguroso. A pesar de estas deficiencias, las operetas todavía jugaron un papel muy importante en el desarrollo de los musicales. Afectaron profundamente el gusto de apreciación del público y formaron un conjunto de estándares de evaluación entre la audiencia, creando así guiones frescos y vívidos, música hermosa y poesía dramática elegante. el objetivo perseguido por los creadores, y recuerda a los musicales que deben realzar su profundidad artística con un estilo teatral serio.

2. Diversos dramas entretenidos en las ciudades europeas

En comparación con los teatros en salas elegantes, hay teatros de vodevil, varias salas de espectáculos y bares de bajo nivel en las principales ciudades europeas.

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El burdel proporcionó un espacio de actuación más animado y animado para el nacimiento del musical. Desde el Burlesque, Varirty, Vaudeville, Reveue y otras formas de cabaret hasta las Siegfeld Follies, estas representaciones teatrales seculares e incluso prohibidas fueron aceptadas por los estadounidenses que tenían las mismas raíces que Europa. Este tipo de actuación sigue siendo próspera y popular en la actualidad. Es gracias al papel de estos catalizadores que a los musicales se les ha dado más afinidad y se han integrado gradualmente en los musicales de Broadway que amamos hoy.

1. Del espectáculo burlesco al espectáculo de vodevil y al espectáculo de variedades

La revolución industrial y la ola de inmigración en el siglo XIX hicieron que la población de los Estados Unidos aumentara y el número de ciudades aumentara. , y las clases medias y bajas de la sociedad demandan programas de entretenimiento. Cada vez más, un gran número de espectadores inmigrantes y actores de países de habla no inglesa no están interesados ​​en óperas y repertorios con mucho diálogo por razones de comunicación. , actuaciones simples pero deben ser divertidas o emocionantes, por lo que en estos entretenimientos El lugar se llenó de espectáculos burlescos y espectáculos secundarios. La razón por la que estas representaciones se llaman "espectáculos" es porque las tramas son relativamente toscas y es difícil contarlas como "dramas", por lo que deben denominarse colectivamente "espectáculos".

Los primeros espectáculos burlescos eran sketches cómicos cortos, que fueron más populares en la década de 1840 cuando ridiculizaban las obras de Shakespeare. El actor burlesco George L. Fox, también famoso por su cómic Hamlet, tenía músculos faciales inusualmente flexibles que le permitían crear expresiones inesperadas. Pero los espectáculos burlescos que siguieron a Fox inevitablemente tomaron una ruta pornográfica, y el canto y el baile a menudo intercalados en representaciones burlescas atrajeron cada vez más la atención del público. En 1868, después de que el grupo de baile "English Blondes" de Lydia Thompson llevara el striptease a un primer plano, el burlesque se convirtió en una jerga para las representaciones pornográficas. Los espectáculos de comedia pronto se convirtieron en el punto culminante del entretenimiento hotelero. En diversos lugares de entretenimiento público se mezclaban circo, canto, baile, espectáculos de actualidad y espectáculos de comedia erótica en las proporciones preferidas por los patrones, conocidos como espectáculos de vodevil.

El espectáculo de vodevil original era sólo para hombres. Este tipo de actuación a menudo se consideraba "inmunda", no sólo por el contenido erótico de la actuación, sino también por el mal ambiente del teatro. En la década de 1880 se produjeron grandes cambios. Muchos espectáculos de vodevil comenzaron a orientarse hacia las familias, se eliminó el contenido pornográfico y el ambiente teatral se volvió más atractivo. En 1881, Tony Pastor lanzó por primera vez un espectáculo de vodevil "limpio" y luego regaló cupones o juguetes para niños a las familias, atrayendo a audiencias de todos los ámbitos de la vida, incluidas algunas figuras muy influyentes de Nueva York. Otros siguieron su ejemplo. Benjamin Franklin Keith y Edward F. Albee establecieron una serie de teatros de vodevil. Sus exitosas operaciones comerciales los hicieron poderosos en la industria del entretenimiento. Keith comenzó a utilizar el término "vodevil" para referirse a este espectáculo de vodevil "limpio". Los programas de variedades presentan principalmente malabarismos episódicos, programas de entrevistas, comedia y presentaciones de canciones y danzas, y su forma es bastante similar a los programas de variedades modernos. Los artistas pueden ser músicos, animadores ambulantes, hombres fuertes, contorsionistas, equilibristas, gente que escupe fuego, etc., y el locutor es a menudo un payaso, que convierte algunas actuaciones ordinarias en espectáculos de gran éxito. Los programas de variedades eran actividades de entretenimiento extremadamente populares antes de la invención de las películas, pero desaparecieron gradualmente con el auge del cine sonoro.

2. "The Black Crook", un espectáculo de teatro, canto y danza.

En 1866, una compañía de ballet francesa fue invitada a Nueva York para representar su ballet "The Hind in the". Woods" ", pero el lugar previsto para la actuación fue destruido por un incendio en el Conservatorio de Música de Nueva York. Al mismo tiempo, en un gran teatro reconvertido de un parque, estaba a punto de representarse un melodrama "Black Hook" basado en la novela "Fausto". El incendio en el teatro le dio al dueño de la obra una idea inesperada y aprovechó para contratar la compañía de ballet francés, incluyendo su gente, escenografía y danza dramática. Reúna dos obras que sean completamente diferentes en contenido y forma, y ​​deje que los bailarines de ballet interpreten las escenas de danza de dioses y monstruos en la obra. Dado que a la estructura de la obra se agregaron más de 80 bellezas vestidas con medias de color carne y bailando con los muslos desnudos y escenarios extraños, naturalmente formó una tentación irresistible para el público. Por lo tanto, esta "mezcolanza" en realidad actuó continuamente durante 16 meses y realizó 475 giras por los Estados Unidos.

La repentina explosión de "Black Hook" hizo que otras compañías de teatro y propietarios de teatros lo codiciaran, por lo que lo imitaron uno tras otro. Este tipo de drama de "drama más canto y danza" se caracteriza por: temas operísticos, hermosos espectáculos de piernas aprendidos de espectáculos burlescos y espectáculos de vodevil, y luego insertar algunas canciones, bailes o bandas sonoras en el clímax y el intermedio de la obra, principalmente Para perseguir el propósito de escuchar y hablar, el entretenimiento y la estimulación sensorial son las mejores cosas que se pueden hacer. Aunque este tipo de drama tiene rastros obvios de combinar drama, canto y danza, estableció el estándar para obras posteriores a gran escala y escenas hermosas. Es una síntesis integral de muchos elementos de representaciones teatrales anteriores. Aunque en este momento se han reunido varios elementos de actuación, no existe una conexión orgánica inherente y llevará tiempo hasta que se conviertan en uno.

3. Current Affairs Show (Revue) y Follies

Current Affairs Show es en realidad una forma integral más seria de programa de comedia y variedad. La palabra "Revue" proviene del francés. , y los estadounidenses lo llaman "Revista francesa". Su forma original es que los franceses realizan actuaciones imitativas cada año, recreando los acontecimientos actuales del año pasado y satirizándolos, junto con cantos y bailes lujosos y bromas de comediantes.

En la década de 1890, los programas de actualidad se hicieron populares en el escenario estadounidense. Si bien reflejaban temas de actualidad, los programas de actualidad también se centraban en hermosas escenas de canto y baile e incluían varios elementos de actuación. Además, sus guiones, letras y música están escritos especialmente para mostrar temas específicos, distinguiendo así los programas de actualidad de otros tipos de actuaciones similares (como programas de variedades, etc.). El primer espectáculo de actualidad en Broadway fue "The Passing Show" en 1894. En los años siguientes, se representaron espectáculos de actualidad similares en Broadway. En el siglo XX, los espectáculos de actualidad ocuparon firmemente los escenarios de Nueva York.

El programa de actualidad estadounidense se desarrolló aún más en Follies. El principal productor de Broadway, Florenz Ziegfeld, aceptó la sugerencia de su prometida, la cantante y bailarina francesa Anna Held, de producir una serie de televisión basada en el programa de actualidad francés (Folies-Berger en francés), protagonizada por una nube de bellezas. espectáculo de danza, pero su intención no era satirizar la actualidad, y lo llamó "Follies". En 1907, este espectáculo extremadamente lujoso se estrenó en el pequeño teatro jardín del último piso del Teatro Olympia y la respuesta fue bastante fuerte. Desde la llegada del glamoroso espectáculo, el lema de Siegfeld "Glorificar a las chicas americanas" se convirtió en una sensación nacional. En el magnífico espectáculo, el programa más representativo suele ser la apertura de uno o más tenores guapos que cantan canciones de amor suaves con atuendos formales. Luego, las bellezas visten ropas extremadamente exageradas y glamorosas que garantizan magnificencia. escaleras hechas de oro y jade, recitando poemas cuidadosamente escritos por poetas y poetas, descendiendo a la tierra un nivel a la vez. En resumen, debe ser lujoso, magnífico, elegante, exquisito y magnífico. El Show de Siegfeld fue de gran escala y elaborado en producción. Fue el pináculo de la integración integral de programas de variedades y programas de actualidad, dejando un profundo impacto en el desarrollo de los musicales de Broadway.

Comers, espectáculos de vodevil, programas de variedades, programas de actualidad y espectáculos glamorosos, se puede decir que este grupo de formas de actuación son parientes cercanos del escenario musical en comparación con las representaciones teatrales de la familia de la ópera que se centran en. En el desarrollo histórico posterior de los musicales, el énfasis en la trama y el énfasis en el canto y el baile se convirtieron en las dos líneas principales de desarrollo.

3. El jazz entra en los musicales

En la tendencia migratoria en Estados Unidos no se puede subestimar a los inmigrantes negros Aunque no se mudan a Estados Unidos de forma voluntaria, su llegada sí fue. traído a los Estados Unidos junto con la misteriosa cultura del misterioso continente africano. Aunque los estadounidenses negros sufrieron una grave discriminación racial, la cultura negra no fue enterrada por esto y finalmente entró en la cultura dominante de los Estados Unidos de una manera tortuosa. El jazz es el producto de la fusión a largo plazo de la música tradicional traída por los afroamericanos de África y la música europea. Aunque esta música ha perdido el estilo de la música puramente africana, se ha convertido en un lenguaje musical único en los Estados Unidos.

1. Elementos musicales que influyen en el jazz

El jazz se originó en Nueva Orleans en el sur de Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX. de la música popular de la época, y la mayor influencia en ella fue el blues (Blues), el ragtime y las pequeñas bandas de música.

El blues se desarrolló a partir de canciones de trabajo y espirituales negros en el sur de Estados Unidos. Se difundió ampliamente en el Sur alrededor de 1870. Es un tipo de canción popular y expresa la soledad del cantante, o Expectativa, o. melancolía, es la culminación de la música folclórica afroamericana solista. La mayoría de los cantantes de blues no conocen la música. Tocan a su antojo e improvisan. Una canción suele tener muchas formas diferentes de cantar. Además de convertirse en uno de los géneros musicales populares en los Estados Unidos, el blues también formó un método de transición para la música "caliente" negra estadounidense (música de improvisación). Este fenómeno de transición se produce a través de la banda de piano blues y jazz, que lleva la música del ámbito vocal al ámbito instrumental.

El ragtime es un tipo de música de piano. Se originó a partir de una danza "raga" en actuaciones de juglares negros. Siguiendo sus orígenes, este tipo de actuación es interpretada por personas blancas que interpretan a personas negras. Actividad de entretenimiento de canto y baile. Al principio, los actores blancos se manchaban la cara con carbón para burlarse de los negros, pero después de que los esclavos fueron liberados, los propios negros formaron grupos ambulantes para competir con los cantantes y bailarines blancos.

La forma familiar de esta música es la música de piano que acompaña a los raggas o entretiene a los invitados en salones, casinos y bares. La música ragtime es más cercana al estilo europeo y tiene menos tintes de música africana. es música de gente blanca y actuaciones al estilo negro.

Otra fuente importante de jazz proviene de las bandas de música. Después de la Guerra Civil, debido a que los instrumentos de las bandas militares fueron vendidos o abandonados, muchos pasaron a manos de los negros. Hubo un número cada vez mayor de bandas de música negras en Nueva Orleans desde 1870 hasta mediados de 1890, lo que se considera el período anterior al jazz. Las bandas de esta época tocaban en desfiles, picnics y otras fiestas, así como en cortejos fúnebres. Generalmente utilizaban únicamente instrumentos de metal e instrumentos de percusión, y tocaban música adecuada para este tipo de organización: se tocaban marchas militares, polcas, etc. en los festivales se toca música de baile y música de baile a cuatro voces, y se tocan himnos en los funerales. Pero estas bandas de música tocaban su música con ritmos improvisados ​​e inteligentes (síncopa, etc.) y cambios de tono propios de las canciones populares afroamericanas, en lugar de tocar según partituras.

Entre 1885 y 1910 aproximadamente, se mezclaron las tres músicas negras tradicionales: blues, ragtime y brass bands, y nació Nueva Orleans o jazz de estilo auténtico.

2. La influencia del jazz en los musicales

En 1914, Irving Berlin utilizó el jazz para crear el espectáculo de actualidad "Watch Your Step". El escenario del teatro musical y la música jazz tienen un significado. enlace indisoluble. El "jazz" se ha convertido en la "jerga musical" de los musicales y muchos compositores también han introducido elementos del jazz en sus creaciones. George Gershwin fue pionero en un estilo de jazz "sinfónico". En la década de 1920, los músicos y dramaturgos estadounidenses cambiaron a temas locales en sus creaciones. Musicalmente, comenzaron a utilizar la música jazz popular en los Estados Unidos para enriquecer sus creaciones. Además de las danzas de los inmigrantes europeos, las danzas también absorbieron una gran cantidad de danzas. danzas de los negros. El desarrollo de la danza jazz y el claqué comenzó con "Lady Be Good" creada por los hermanos Gershwin en 1924, que fue pionera en el estilo de danza jazz de los musicales de Broadway en la década de 1920. En este punto, el jazz se ha convertido en el lenguaje musical único de los musicales estadounidenses, y el estilo del jazz se ha convertido en la característica principal de la música pop y los musicales estadounidenses. Más tarde, el jazz también entró en Europa, cambiando el casi monopolio a largo plazo de las tradiciones de la ópera en los musicales europeos y estadounidenses. Desde entonces, los musicales estadounidenses han marcado el comienzo de una nueva era y sus obras han madurado gradualmente.

4. La comedia musical y el estilo americano de Cohan

1. La comedia musical británica

El nombre “Comedia musical” se utilizó por primera vez en el Reino Unido, al final. En el siglo XIX, el ritmo de la vida social y la psicología pública se aceleraron gradualmente y la gente perdió gradualmente el entusiasmo por el estilo de comedia ligera de ritmo lento. Como resultado, los ingresos de taquilla de los teatros fueron pésimos y los propietarios de los teatros perdieron dinero. En Londres, Inglaterra, el director de teatro George Edwardes lanzó tentativamente una "revista musical" "The City" en el teatro que dirigía en octubre de 1892, que estaba llena de chistes y representaciones cómicas, un programa de canciones y danzas fresco y animado. Después del lanzamiento de la obra, se volvió muy popular. Lleno de alegría, Edwards lanzó otra "A Gaiety Girl" al año siguiente, que integraba drama, música, canto y baile, y utilizó "comedia musical" por primera vez. este título. La obra estuvo llena de humor y dramatismo, sumado a su música fácil de entender, causando sensación y logrando considerables resultados de taquilla. El éxito sin precedentes de Edwards ha atraído a muchos propietarios de teatros de Londres a seguir su ejemplo y lanzar una variedad de comedias musicales. Desde entonces, las comedias musicales se han convertido en el arte escénico más popular en Londres e incluso en todo el Reino Unido. Poco después, aparecieron en los escenarios estadounidenses.

2. Comedia musical estadounidense

Ya en la década de 1870, Estados Unidos tenía una forma de arte escénico similar a la comedia musical británica que era popular entre las clases media y baja de Nueva York. Era solo que los Estados Unidos en ese momento lo llamaban "Farsa-Comedia musical".

El mayor desarrollo de la farsa musical fue Edward Harrigan y Tony Hart, quienes trabajaron juntos para crear una serie de farsas musicales en Broadway de 1879 a 1884, entre las que se encuentran "Dance of the Guards" ( The Mulligan Guards Ball (1879) y Cordelia's Aspirations ( 1883) fueron extremadamente populares entre las clases media y baja. La representación no sólo conserva algunas formas humorísticas de espectáculos burlescos y de vodevil, sino que también se desarrolla en términos de trama y presta mucha atención a la sociedad, pero siempre se expresa en forma humorística. Aquí se trata más bien de simpatía por las diversas condiciones de vida. que críticas duras. La composición también tiene un distintivo sabor americano, pero las canciones y las tramas siempre son difíciles de corresponder. Es común utilizar canciones antiguas para completar palabras nuevas. En 1896, "The Geisha" (La Geisha) producida por Edwards de Inglaterra ingresó a los Estados Unidos como una "comedia musical" y causó sensación entre los estadounidenses comenzaron a utilizar este término para referirse a canciones y bailes estadounidenses que estaban alejados de la ópera europea. tradiciones y tenía características dramáticas americanas, que también incluyen la farsa musical mencionada anteriormente.

En ese momento, las comedias musicales estadounidenses ya tenían una trama básica, que no era solo canciones, bailes y farsas episódicas, sino que las tramas y los personajes no eran lo suficientemente profundos. En tales obras, la "narrativa" no es el propósito de cantar y bailar, sino simplemente una excusa para cantar y bailar. Se utiliza la fórmula de "chico conoce a chica", y se entrelazan y utilizan varios elementos del sueño americano y el mito de Cenicienta. De forma sencilla, la trama se intercala con varios trucos de canto y baile, formando un modelo fijo del género. En términos de contenido y forma, parece ser exactamente igual a "Merry Girl" de Edwards en la superficie. Incluso el nombre es una copia directa de la "comedia musical" inventada por los británicos. De hecho, en términos de su espíritu interior, debido a que contiene una gran cantidad de genes de la cultura nativa americana en la estructura artística, es más entusiasta y enérgica que la comedia musical estadounidense, especialmente su música y danza, que están llenas de desenfreno y Vibrante y dinámico. El impacto de este espíritu cultural y el impactante poder del encanto interior son los signos fundamentales de que la comedia musical estadounidense es diferente de la comedia musical británica.

3. El estilo americano de Cohan

Cuando la comedia musical se desarrolla hasta el punto en que George M. Cohan ya no se centra demasiado en tramas risueñas y oníricas, sino con temas más serios. Eligió una ruta de exploración más dramática y civil, enfatizando la integridad y coherencia de las pistas de desarrollo del drama, enfatizando que la historia tiene un principio y un final, abandonando la trama de los cuentos de hadas en términos de contenido y posicionando a los protagonistas del drama. como civiles comunes y personas pequeñas en la vida diaria, para estar más cerca de los intereses de la vida de la gente común. Al mismo tiempo, sus obras tienen un fuerte patriotismo e insisten en utilizar la música estadounidense para expresar a los estadounidenses, la vida estadounidense y la sociedad estadounidense. En 1904, Cohan escribió, dirigió y protagonizó "Little Johnny Jones" en Broadway, y se hizo famoso con esta obra, que luego recorrió toda Nueva York. En los siguientes veinte años, escribió 21 obras y casi 500 canciones. La forma de la obra de Cohan es un puente entre el vodevil del siglo XIX y los musicales estadounidenses reales, y es un vínculo importante en el proceso de modernización de los musicales. En sus obras, eliminó los sentimientos elegantes basados ​​​​en los antiguos modelos británicos y alemanes y creó con éxito formas modernas que se adaptaron a los rápidos cambios en la vida de Nueva York. Aunque hoy en día no se cantan muchas de las canciones de Cohan, en ese momento. inspiró a una generación de escritores de teatro musical, y su interpretación artística y elogio del espíritu estadounidense también contagiaron a una generación de audiencias. Cada vez más artistas se dan cuenta de que el espíritu americano ha madurado y buscan ansiosamente su propia forma única de expresión.

5. La formación de los musicales

En el primer cuarto del siglo XX, gracias al esfuerzo de un grupo de artistas, los musicales estadounidenses se fueron deshaciendo paulatinamente de la influencia del musical británico. comedias. Completa la transición del vodevil al verdadero musical americano. Por un lado, los musicales americanos fueron influenciados por óperas de comedia ligera europeas de diferentes estilos, e incluso vodeviles interpretados en cabaret y salas de baile, por otro lado, también absorbieron la música pop emergente de la época, el ragtime, el blues y otros factores; . Después de décadas de exploración y práctica local, se han acumulado en gran medida experiencias tanto positivas como negativas, ya sea el público, los empresarios culturales, los artistas o los propios musicales, todos esperan y piden el surgimiento de maestros y obras musicales. .

En 1927, "Show Boat", escrita y compuesta por Oscar Hammerstein II y compuesta por Jerome Kern, se estrenó en Broadway en Nueva York. Considerado el primer hito en la historia de los musicales estadounidenses. Desde una perspectiva musical, "Showboat" es una fusión de las diversas formas escénicas musicales mencionadas anteriormente. La historia de "Show Boat" tiene lugar en el río Mississippi, que está llena de misterio y romance, está muy alejada de la experiencia de vida del público de Broadway y tiene el sabor de una opereta con la participación del rey del canto y el baile. en la producción de todo el drama también hace que el drama revele un espectáculo magnífico. El uso del ragtime y el jazz muestra que la música negra es un componente indispensable de los dramas destacados; finalmente, no es difícil encontrar la influencia de la comedia musical en tramas como ésta. como la heroína convirtiéndose en una estrella y reuniéndose con el héroe. Varias formas escénicas musicales y diversos elementos musicales abordan juntos el "Performance Boat", que representa el fin del pasado y presagia el comienzo de un nuevo viaje.

Conclusión

La revisión anterior del desarrollo de los primeros musicales fue un período de identidad ambigua, con varias tradiciones musicales, dramas de entretenimiento y algunos elementos de canciones y danzas de Europa, entrelazados. y fusionarse para crecer. Pero, en términos generales, estas tradiciones de entretenimiento se pueden dividir en dos categorías: una se centra en la trama y la otra en el canto y el baile. Las que se centran en la trama son comedias musicales que se originaron en la tradición de la ópera europea y son muy populares en Europa y Estados Unidos. La tradición de la ópera aportó un elemento solemne, elegante y romántico a los musicales posteriores, la mayoría de los cuales expresaban la mitología clásica o sabores exóticos, mientras que la comedia musical hacía musicales diseñados para temas de actualidad.