¿Qué son los instrumentos de heavy metal?
Stoner Metal
Aunque muchas bandas de heavy metal han sido consideradas producto de la influencia de la marihuana a lo largo de los años, el stoner metal claramente sólo apareció en la década de 1990. El Stoner metal corrigió las largas y alucinógenas improvisaciones de bandas como Black Sabbath, Blue Cheer, Blue Oyster Cult y Hawkwind, filtrando los elementos de metal con tintes alucinógenos y rock ácido en el estilo grunge de las primeras ramas del pop That Buzz. El stoner metal puede ser cursi y consciente de sí mismo, evocando suciedad y caos, o incluso una mirada serena al pasado. De todos modos, bandas como Monster Magnet y Kyuss encajan perfectamente en el gusto electrónico del movimiento del metal alternativo de principios de los 90. Incluso cuando el grunge se desvaneció y las influencias industriales y hip-hop comenzaron a agregarse al metal alternativo, el stoner metal siguió siendo un estilo muy respetado en el nuevo siglo.
Sunshine Pop
Sunshine pop se originó en California a mediados de la década de 1960. El estilo principal son las canciones con acompañamiento rico, conjuntos orquestales y sin pausas. generalmente está influenciado por alguna música alucinatoria, pero su propósito no es evocar ninguna necesidad fuerte y renovada después de que la conciencia se ha debilitado por la dependencia de las drogas, simplemente absorbe el pop alucinatorio cálido y divertido. Por un lado, las fusiones surgieron como innovaciones de la época; (especialmente Phil Spector y Beach Brian Wilson). Sunshine pop generalmente parece ser una versión más sofisticada y sofisticada del pop barroco (es decir, pop irregular y extraño), aunque también incorpora elementos de pop folk o pop de construcción brillante. Sunshine pop comenzó a incluir a Beach Boys, Turtles, Association y Mamas and the Papas. Otras bandas también tuvieron éxito en este estilo, como Backinghams, Grass Roots y Left Banke, entre otras: Saggittarius, Yellow Balloon, Millennium; ----Conviértete en un seguidor loco y entusiasta de la música pop soleada.
Surf (Música surf)
El surf rock fue una forma importante de rock estadounidense a principios de los años 1960. Comparado con el sonido ondulante de la guitarra, el sonido del instrumento de rock se parece más al sonido absoluto de las olas, simple y puro, las canciones del trío, la música parece similar a la monocromática, pero era un tipo de música en En ese momento, Huacai se convirtió en el pionero de la música rock. La primera ola de surf rock la inició Dick Dale y su sencillo "Let Go Trippin'". Fue un éxito en California. Pero el género se inspiró en innumerables bandas como Chantays y Surfaris, que obtuvieron reconocimiento nacional (y algunas otras como Pipeline y Wipe Out), casi todas las cuales se esforzaban por crear otro avance único en la percusión. El segundo clímax del rock ondulado lo provocó la banda Beach Boys. Combinaron el estilo pop de Four Freshmen con los ritmos de surf rock de Chuck Berry. Al igual que bandas posteriores como Jan & Ronny & the Daytonas, los Beach Boys todavía insistían en llevar la música de la última ola a los oyentes porque incorporaban los sonidos contagiosos de las playas y las olas en sus letras en lugar de reemplazarlos con música impresionista.
A pesar de esto, los artistas experimentaron ampliamente con el wave rock en la década de 1960 y siguió siendo popular hasta la década de 1990, donde tuvo que influir en varias generaciones de wave rock.
Pop/rock sueco (pop/rock sueco)
Como país importante en Europa, la música pop/rock de Suecia es también una importante puerta de entrada a la música pop/rock sueca en Europa. famoso por su El estilo típico de Sunshine es conocido por su ritmo brillante, heridas pegadizas, alta coordinación, expresión de baile y música de teclado en capas. Estas características se reflejan en las actuaciones de bandas convencionales y bandas underground no convencionales como Cardigans o Komeda. Por supuesto, ABBA es el creador de la música pop/rock sueca. No sólo han logrado un gran éxito en su propio campo de creación musical, sino que sus álbumes también son trabajos extremadamente destacados en la música pop/rock sueca. Black Metal sinfónico (Black Symphony)
Aunque este no es un nombre perfecto, la gente todavía usa con mayor frecuencia "Black Symphony" para referirse a este estilo musical centrado en Europa que apareció a mediados y finales de los años 1990. . Ciertamente no es una sinfonía en el sentido literal. Se llama sinfonía simplemente por sus sonidos de instrumentos pesados y su fondo sonoro dramático a gran escala. Y no tiene necesariamente una conexión con el black metal que escuchamos a menudo. Aunque casi todas las bandas sinfónicas negras comenzaron tocando black metal, de hecho, la sinfonía negra tiene sólo algunas diferencias superficiales menores con sus antepasados directos* **Lo mismo. El punto de partida de la sinfonía negra fue el black metal noruego a principios de la década de 1990, especialmente las bandas que añadían sonidos de teclado melancólicos y melódicos a su música para contrarrestar su interpretación furiosa. Estos black metal están ansiosos por romper las limitaciones inherentes de la forma original. Comienzan a restarle importancia a la guitarra y añaden elementos de rock progresivo (principalmente bandas de space rock psicodélico como Pink Floyd) y metal gótico a la música. , estructura espeluznante. El resultado suele ser un sonido más exuberante, más pegadizo y accesible que el puro black metal. Bandas como Tiamat y Samael tomaron la iniciativa, y un grupo de bandas new wave lideradas por Gathering también comenzaron a reclutar cantantes femeninas etéreas para la banda, a veces como el núcleo conmovedor de la voz de toda la banda. El movimiento sinfónico negro todavía tiene sus limitaciones, en parte debido a sus ambiciones épicas y en parte porque ya no es metal en el sentido tradicional; pero sintetiza de manera fascinante los diversos elementos que lo influyeron y rápidamente se convirtió en una buena opción para los fanáticos del metal underground. a principios del nuevo siglo.
Synth Pop (Synth Pop)
Synth Pop es el más exclusivo de los nuevos estilos. A principios de los años 1980, varias bandas, principalmente en el Reino Unido, fuertemente influenciadas por la música de Roxy y el estilo de David Bowie, la banda de pop Kraftuerk absorbieron las innovaciones de la música electrónica. Inicialmente, por la falta de cambios tonales en el acompañamiento electrónico, como Gary Numan, The Human League y Depeche Made. La música de los artistas de estas bandas puede sonar un poco estéril, inquietante y vagamente amenazante. Sin embargo, el primer cambio en el synth-pop fue hacia un estilo de música dance. El synth-pop de Duran Duran hizo que el synth-pop fuera más intenso y encantador. , más cerca de una idea de música dance. En poco tiempo, muchas bandas siguieron el ejemplo de Duran Duran, aunque algunas bandas no se vieron afectadas y nunca confiaron en éxitos pop de tres minutos. Si bien muchas bandas de synth-pop adoptaron más de un estilo de percusión, Duran Duran se catapultó al estrellato.
Si bien hay algunas excepciones (Human League y Eurythmics tienen múltiples ritmos de batería, como Howard Jones), el campo todavía está dominado por la música de un solo ritmo, como A Flock of Seagulls. En 1984, el synthpop estaba en camino a la extinción, pero en la era del centro de atención, la síntesis pasó a primer plano como una corriente principal de la música pop.
Techno (digital)
Las raíces de lo digital se remontan a la música house electrónica de Detroit de mediados de los años 1980. La sala de música sigue claramente conectada a las discotecas, aunque la conexión sea demasiado mecánica. Los arquitectos y DJs de lo digital son Kevin Saunderson, Juan Atkins, Derrick May y artistas aficionados a la música electrónica de síntesis, como Afika Bambaataa, y artistas de synth rock como Kraftwerk. En Estados Unidos, lo digital era una forma directa de música underground, pero en Inglaterra explotó repentinamente como música convencional a finales de los años 1980. A principios de la década de 1990, lo digital comenzó a penetrar en muchos estilos musicales, incluidos el hardcore, el ambient y el Jungle. En el hardcore digital, la cantidad de ideas que alcanzaban discos por minuto se volvió cada vez más irrazonable. No hay forma de bailarlo: está diseñado para ser un estilo aceptado en el extranjero. La música ambiental, por el contrario, es todo lo contrario. Cuando la gente libre y los asistentes a las discotecas se toman un breve descanso en salas de música ácida y salas de música digital hardcore, la percusión lenta y la estructura de la música electrónica que fluye como el agua se adaptan a esta atmósfera y se convierten en música. que se ha transmitido.
¿Jungle tiene casi tantos elementos positivos como hardcore, combinando música digital intermitente y truenos de fiesta de baile? . Toda la música digital fue diseñada originalmente para clubes, donde los DJ le daban nueva vida a la música después de mezclarla. Lo más importante es que la mayor parte de la música se hacía en un solo de 12 pulgadas o con una combinación de muchos músicos, para que las canciones pudieran resonar más. tiempo, dando a los DJs más material para incorporar a sus sets. A mediados de la década de 1990, comenzó a surgir una nueva generación de músicos digitales: en su mayoría músicos ambientales como Orb y Aphex Twin, pero también hubo una serie de artistas acérrimos como Prodigy y Goldie que comenzaron a grabar álbumes en lugar de tocar ritmos. Música combinada. Como era de esperar, estos músicos, artistas consumados, han sido reconocidos como padres fundadores del ámbito digital.