Además de la sonrisa de Mona Lisa, ¿qué otras pinturas al óleo u otras obras de arte son conocidas por la mayoría de los chinos? Gracias.

"La Última Cena" - Leonardo da Vinci

"La Última Cena" fue pintada por el pintor italiano Leonardo da Vinci durante tres años, entre 1495 y 1497, para el comedor de una monasterio. Esta pintura se centra en representar las diferentes reacciones psicológicas de los discípulos de Jesús cuando escucharon al Señor decir: "Uno de ustedes me va a traicionar".

Primero mira el grupo de tres personas al lado izquierdo de Cristo: Felipe saltó incontrolablemente y se volvió hacia Cristo con preguntas impredecibles, tratando de entender qué estaba pasando. Se cubrió la cabeza con las manos. . En el pecho, quiero expresar mi sinceridad y pureza. El viejo Jacob estaba sumamente indignado. Extendió las manos y se echó hacia atrás porque perdió su centro de gravedad, como para expresar: Esto es simplemente increíble. Detrás de ellos estaba Tomás. Intentó controlar su temperamento y levantó su dedo índice hacia Cristo y dijo: ¿cómo podría ser esto posible? Entre el grupo de tres personas del lado derecho de Cristo, una es Judas. Se apresuró a retorcer su cuerpo con la conciencia culpable, tratando de alejarse del Maestro con miedo, y apresuradamente agarró la bolsa de dinero obtenida al informar y miró con los ojos entrecerrados. Cristo con miedo tembloroso. John tristemente bajó la cabeza hacia un lado y juntó las manos, sintiéndose ansioso y sin saber qué hacer, escuchando las pequeñas palabras de Peter. Pedro se levantó enojado, se inclinó hacia adelante y se inclinó hacia Juan, le puso la mano izquierda en el hombro, cerca de la oreja, como preguntando: ¿Sabes quién es? Todavía sostenía con fuerza un cuchillo en su mano derecha, como para mostrar: si sé quién es, debo matarlo. Entre el grupo de tres personas de la extrema derecha, el más cercano a Pedro es Bartolomé. Él extiende las manos, con aspecto sorprendido pero tranquilo, como para decirles a todos que no entren en pánico. Él mismo miraba a Cristo con seriedad y calma, queriendo salvar. el Maestro. De los brazos de Bartolomé estaba el pequeño Santiago, que miraba nervioso a Cristo, impotente. De pie en la cima estaba el fuerte Andrew. Se inclinó hacia adelante y parecía correr hacia adelante. En el grupo del extremo izquierdo, Mateo extiende la mano hacia Cristo, pero su rostro se vuelve hacia Tadeo, de la izquierda, como si le preguntara a un anciano experimentado, ¿de quién está hablando el Maestro? Tatta extendió las manos para mostrar que él también se lo preguntaba. Simon también estaba pensando mucho, pero fue en vano.

La composición de esta pintura no es complicada. Básicamente se intercala y cambia en línea recta, pero hay riqueza en la sencillez. El pintor combinó orgánicamente trece personajes, que son diferentes y están estrechamente relacionados. No solo resalta la imagen principal de Cristo, sino que también representa claramente la apariencia y las características de la personalidad de cada persona. El pintor colocó a Jesús en el centro del cuadro y el centro visual. Utilizó la luz de la puerta del fondo para resaltar más claramente la imagen de Jesús. La mesa del comedor, las paredes, las puertas, las ventanas y el techo fueron tratados en paralelo. perspectiva, y todos desaparecieron de manera concentrada. En cuanto a la imagen de Cristo, todo esto naturalmente atrae la atención de la audiencia hacia Cristo primero. Y separó conscientemente a los discípulos de ambos lados de Jesús. A primera vista, Jesús parecía estar aislado. De hecho, las emociones y sentimientos internos y todo el incidente los conectaban estrechamente. Los doce discípulos están distribuidos uniformemente en grupos de tres en ambos lados, conectando y haciendo eco de Cristo con sus respectivos movimientos y expresiones. Todo el entorno y la utilería son relativamente simples, para resaltar más a los personajes emocionados, y luego a través de los personajes de estos. personajes Los movimientos y expresiones conducen el centro del cuadro a Cristo.

El pintor fue extremadamente cauteloso al crear este cuadro. En ocasiones se paraba frente al cuadro y dudaba mucho tiempo sin poder terminar de escribir. El abad del monasterio estaba muy enojado y lo acusó de retrasar deliberadamente el trabajo y retrasar el tiempo. Al pintor le preocupaba no poder encontrar un modelo para la cabeza de Judas. Sintió que la cabeza de este decano molesto, tosco e ignorante era la adecuada, por lo que la usó como imagen de Judas. El Judas que vemos en el cuadro es sombrío, feo y particularmente grosero. Está en marcado contraste con Juan y Pedro a su lado, lo cual es repugnante. ."Autorretrato con las orejas cortadas"

En 1888, Van Gogh invitó a Gauguin a vivir con él en Arles, pero los dos obstinados artistas continuaron peleándose. Después de una feroz discusión, Gauguin se fue enojado y Van Gogh no pudo detenerlo ni contener su emoción, por lo que se cortó la oreja izquierda.

El mundo contagia su locura al pintor que fue el primero en contagiar a la humanidad, tal como una vez inyectó magia en su pincel. Contemplamos con asombro el rostro deformado, los ojos aterradores y los gestos temblorosos de Van Gogh: parecía haber sido torturado en nombre de toda la raza humana y se había convertido en la encarnación del dolor. Cuando piensas en esto, puedes entender las líneas que luchan y los colores danzantes en las obras de Van Gogh: la pintura que se derrama se mezcla con su sangre y el lienzo es solo un vendaje para sus heridas.

Este es un maestro que vive en sus heridas y está acostumbrado a usar sus heridas para hablarle al mundo. Este es un segador del dolor cuya guadaña finalmente cosecha sus propios oídos.

Van Gogh murió, pero dejó una oreja famosa: esta última reliquia no pareció perder el oído y recogió comentarios de las generaciones futuras. Este oído sangrante que existe en la historia sigue siendo como un estetoscopio enterrado en nuestras vidas, sondeando nuestras conciencias. Van Gogh está muerto, pero sus oídos siguen vivos y tienen recuerdos. ¿Por qué no apoyarlo cuando gime y se desploma? Mundo, ¿lo oyes? ¿Dónde están tus oídos?

"Catorce Girasoles"

Estos girasoles, simplemente colocados en un jarrón, presentan un esplendor impactante. Van Gogh aplicó el color con fuertes pinceladas, como si estuviera esculpiendo un trozo de arcilla sobre el relieve. Los colores y técnicas de los tonos amarillos y marrones expresan un hermoso mundo lleno de esperanza y sol. Sin embargo, mientras pintaba esta obra, el mundo que el artista deseaba desesperadamente captar se iba desvaneciendo lenta pero implacablemente. Quizás la superficie de la pintura refleje su estado psicológico cerca del final de su trágicamente corta vida. Era un pintor que amaba la naturaleza y podía ver la belleza pura en las cosas simples. Dijo que prefería pintar las sombras de los árboles vistas desde la ventana que los fantasmas de su imaginación. "Les Demoiselles d'Avignon"

Esta pintura al óleo increíblemente grande no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino que también es un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno. de tridimensional El nacimiento del movimiento socialista. "Les Demoiselles d'Avignon" se inició en 1906 y se completó en 1907, tiempo durante el cual fue revisado muchas veces. Las cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas del cuadro forman una composición rica en significado formal. El título de la pintura lo dio el amigo de Picasso, Andrew Selman, y se decía que a Picasso no le gustaba. Pero en fin, este es sólo el título de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para describir el contenido de sus obras. "Las señoritas de Aviñón" de Picasso debe ser lo mismo. El concepto original del cuadro se basaba en la alegoría de las enfermedades venéreas y se titulaba "La paga del pecado". Esto quedaba claramente evidente en el boceto inicial que mostraba a un hombre sosteniendo una calavera, lo que recuerda a una antigua moraleja española; máxima: "Todo es vanidad". Sin embargo, durante el proceso de creación formal de esta pintura, estos detalles anecdóticos o alegóricos fueron eliminados uno a uno por el artista. Su máximo poder impactante no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.

Este cuadro se puede decir que es la primera obra cubista. Las tres mujeres desnudas del lado izquierdo del cuadro son obviamente deformaciones rígidas del cuerpo humano clásico, mientras que los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas de la derecha están llenos de las cualidades salvajes del arte primitivo. Los pintores fauvistas descubrieron el encanto primitivo de las esculturas africanas y oceánicas y las presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien utilizó el arte primitivo para destruir la estética clásica. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la integridad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Como resultado, la pintura (como dijo un crítico) "es como vidrio roto". Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero ¿qué ganó en el proceso de destrucción? Cuando nos recuperamos del shock de ver este cuadro por primera vez, empezamos a descubrir que el daño era bastante organizado: todo. ya sean figuras o fondos, se descompone en bloques geométricos angulosos. Nos dimos cuenta de que estos fragmentos no son planos, tienen cierta sensación de tridimensionalidad porque están bordeados de sombras. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, otros fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan a la imagen cierta integridad y continuidad.

En este cuadro podemos ver un nuevo método de expresión del espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método ya ha sido utilizado en las pinturas de Cézanne. Vemos que los rostros de las dos figuras en el centro del cuadro son frontales, pero sus narices están dibujadas de perfil; la cabeza de la figura izquierda del costado tiene ojos frontales. Las vistas desde diferentes ángulos se combinan en una sola imagen. Este lenguaje de la llamada "visión simultánea" se utiliza más obviamente en la imagen en cuclillas del lado derecho de la imagen. Esta figura de tres cuartos de espalda ha quedado separada del eje central de la columna debido al proceso de descomposición y empalme.

Sus piernas y brazos se han alargado, sugiriendo una extensión hacia las profundidades; y la cabeza también se ha girado, mirando directamente al espectador. Picasso parece haber rodeado la imagen 180 grados antes de sintetizar las imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones impuestas a los pintores por las reglas de perspectiva que han existido durante quinientos años desde el comienzo del Renacimiento italiano. Esto es "Les Demoiselles d'Avignon"

Esta increíble pintura al óleo a gran escala no sólo marca un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno. Nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" se inició en 1906 y se completó en 1907, tiempo durante el cual fue revisado muchas veces. Las cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas del cuadro forman una composición rica en significado formal. El título de la pintura lo dio el amigo de Picasso, Andrew Selman, y se decía que a Picasso no le gustaba. Pero en fin, este es sólo el título de la obra. En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para describir el contenido de sus obras. "Las señoritas de Aviñón" de Picasso debe ser lo mismo. El concepto original del cuadro se basaba en la alegoría de las enfermedades venéreas y se titulaba "La paga del pecado". Esto quedaba claramente evidente en el boceto inicial que mostraba a un hombre sosteniendo una calavera, lo que recuerda a una antigua moraleja española; máxima: "Todo es vanidad". Sin embargo, durante el proceso de creación formal de esta pintura, estos detalles anecdóticos o alegóricos fueron eliminados uno a uno por el artista. Su máximo poder impactante no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.

Este cuadro se puede decir que es la primera obra cubista. Las tres mujeres desnudas del lado izquierdo del cuadro son obviamente deformaciones rígidas del cuerpo humano clásico, mientras que los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas de la derecha están llenos de las cualidades salvajes del arte primitivo. Los pintores fauvistas descubrieron el encanto primitivo de las esculturas africanas y oceánicas y las presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien utilizó el arte primitivo para destruir la estética clásica. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la integridad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Como resultado, la pintura (como dijo un crítico) "es como vidrio roto". Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero ¿qué ganó en el proceso de destrucción? Cuando nos recuperamos del shock de ver este cuadro por primera vez, empezamos a descubrir que el daño era bastante organizado: todo. ya sean figuras o fondos, se descompone en bloques geométricos angulosos. Nos dimos cuenta de que estos fragmentos no son planos, tienen cierta sensación de tridimensionalidad porque están bordeados de sombras. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, otros fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan a la imagen cierta integridad y continuidad.

En este cuadro podemos ver un nuevo método de expresión del espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método ya ha sido utilizado en las pinturas de Cézanne. Vemos que los rostros de las dos figuras en el centro del cuadro son frontales, pero sus narices están dibujadas de perfil; la cabeza de la figura izquierda del costado tiene ojos frontales. Las vistas desde diferentes ángulos se combinan en una sola imagen. Este lenguaje de la llamada "visión simultánea" se utiliza más obviamente en la imagen en cuclillas del lado derecho de la imagen. Esta figura de tres cuartos de espalda ha quedado separada del eje central de la columna debido al proceso de descomposición y empalme. Sus piernas y brazos se han alargado, sugiriendo una extensión hacia las profundidades; y la cabeza también se ha girado, mirando directamente al espectador. Picasso parece haber rodeado la imagen 180 grados antes de sintetizar las imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones impuestas a los pintores por las reglas de perspectiva que han existido durante quinientos años desde el comienzo del Renacimiento italiano.

Picasso se esforzó por mantener el cuadro plano. Aunque muchas de las superficies de la pintura son cóncavas y convexas, no son profundamente cóncavas ni muy convexas. El espacio que se muestra en la pintura es en realidad tan poco profundo que la pintura parece representar una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a las manchas azules del fondo a la derecha, podemos ver el ingenio único del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para eliminar este efecto, Picasso enganchó estos bloques azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que sobresalían desesperadamente hacia adelante.

De hecho, "Les Demoiselles d'Avignon" es una estructura pictórica independiente que no se preocupa por el mundo exterior. Se trata del mundo compuesto de su propia forma y color. Nació de las obras monumentales de Cézanne que representan a niñas bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural.

“El propósito del uso de pasta de papel es señalar que se pueden introducir diferentes sustancias en la composición y convertirla en una realidad del cuadro que rivaliza con la naturaleza. Intentamos deshacernos de la perspectiva y encontrar el trompe L'. esprit) Nunca utilizamos un fragmento de periódico para representar un periódico; lo utilizamos para representar una botella, un piano o un rostro. Nunca lo utilizamos según el significado literal del material, sino fuera de su contexto habitual. Para crear un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final, esto lleva a la gente a pensar en los beneficios de los periódicos y las botellas, el objeto es desplazado a un mundo desconocido. Un mundo extraño en el que queremos hacer pensar. esta extrañeza, porque nos damos cuenta de que vivimos solos en un mundo muy intranquilo "Picasso", Tianjin People's Publishing House, 1988, página 60)

"Guernica"

"Guernica" , de Picasso, 1937, lienzo Óleo, 305,5×782,3 cm, recopilado por el Museo del Prado.

El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico que Picasso pintó en los años 30. Esta pintura fue encargada por el Gobierno de la República Española y creada para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. La pintura muestra las atrocidades del loco bombardeo de la Fuerza Aérea Alemana a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro. Le llevó sólo unas pocas semanas completar esta obra maestra como denuncia y protesta contra las atrocidades del fascismo.

Picasso se esforzó por mantener el cuadro plano. Aunque muchas de las superficies de la pintura son cóncavas y convexas, no son profundamente cóncavas ni muy convexas. El espacio que se muestra en la pintura es en realidad tan poco profundo que la pintura parece representar una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a las manchas azules del fondo a la derecha, podemos ver el ingenio único del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para eliminar este efecto, Picasso enganchó estos bloques azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que sobresalían desesperadamente hacia adelante.

De hecho, "Les Demoiselles d'Avignon" es una estructura pictórica independiente que no se preocupa por el mundo exterior. Se trata del mundo compuesto de su propia forma y color. Nació de las obras monumentales de Cézanne que representan a niñas bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural.

"Retrato de Caswell"

"Retrato de Caswell", pintado por Picasso, 1910, óleo, 100×61,5 cm, Chicago, recopilado por el Art Center de Chicago.

Las pinturas de Picasso durante el período del “cubismo analítico” de 1909 a 1911 demuestran aún más el abandono de la representación objetiva. Los objetos que pintó durante este período, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestos, dejando al espectador confundido acerca de ellos. Aunque cada cuadro tiene un título, a la gente le resulta difícil encontrar objetos relacionados con el título. Esas formas descompuestas y el fondo se mezclan, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con varias líneas verticales, oblicuas y horizontales. En esta compleja estructura de red, la imagen emerge lentamente y luego desaparece inmediatamente en los complicados bloques. Aquí se ha minimizado el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de línea y línea, forma y forma, y ​​la tensión que emite esta estructura.

Este "Retrato de Caswell" muestra claramente cómo Picasso utilizó el lenguaje pictórico del cubismo analítico para crear un personaje específico. Lo que resulta desconcertante es que es precisamente en esta representación extremadamente abstracta y deformada de imágenes en descomposición y abandono del color donde Picasso nunca abandonó la referencia a los modelos.

Para pintar este cuadro, hizo que su viejo amigo, el señor Cassweller, posara pacientemente ante él veinte veces. Se tomó la molestia de descomponer cuidadosamente la forma, obteniendo así una estructura pictórica que parece estar formada por capas superpuestas de bloques de color transparentes. Los colores del cuadro son únicamente azul, ocre y gris violeta. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la imagen del Sr. Kahnweiler todavía puede revelarse vagamente en el entrelazado de líneas y bloques, es difícil para la gente juzgar su similitud con la persona real. Roland Penrose, el experto más famoso en Picasso, hizo una vez este comentario después de ver este cuadro: "Cada vez que se divide un plano, la parte adyacente se dividirá en otro plano, y este seguirá retrocediendo", una sensación directa constante. , que recuerda a las ondas en la superficie del agua. El ojo se pasea a través de estas ondas y puede captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello bien peinado, una cadena de reloj y un par. de manos cruzadas, pero cuando la mirada se vuelve de un punto a otro, siente constantemente el placer de vagar sobre superficies que son convincentes en su apariencia... Al ver tal imagen, surge la imaginación; esta imagen, aunque ambigua, parece ser; real, y se interpreta con alegría, impulsado por la vida simétrica y armoniosa de esta nueva realidad”

"Botella, vaso y violín"

1890-1892, óleo, 45. ×57 cm, recopilado por el Museo de Orsay, París.

Desde 1912, Picasso recurrió a su estilo de experimentos pictóricos de "cubismo sintético". Comenzó a crear obras utilizando técnicas de collage. Esta obra, titulada Botella, vaso y violín, muestra claramente este nuevo estilo.

En este cuadro podemos distinguir varias figuras basadas en objetos reales cotidianos: una botella, un vaso y un violín. Todos ellos están representados por recortes de periódicos. Aquí, el foco de atención del pintor sigue siendo en realidad la cuestión de la forma básica.

Sin embargo, este tema se trata con una actitud completamente nueva en este momento. En las obras del cubismo analítico, los objetos se reducen a sus elementos básicos, es decir, se descomponen en muchos pedazos pequeños. Picasso utilizó estos bloques como elementos constitutivos para crear un nuevo orden de objetos y espacio en sus pinturas. Al yuxtaponer y conectar bloques con pinceladas cortas y desenfrenadas, obtuvo una estructura pictórica clara y transparente, que refleja un procedimiento de pintura estricto y racional. Ahora, en sus extensas obras cubistas, ha adoptado exactamente el procedimiento opuesto. Ya no toma objetos reales como punto de partida y los descompone en sus elementos básicos, sino que toma los elementos básicos como punto de partida y transforma formas y superficies básicas en gráficos de objetos objetivos. Es decir, antes de mostrar las botellas, las copas y los violines, ya había organizado y ordenado la estructura abstracta del cuadro. Al abandonar la pintura y la pincelada, adquirió incluso una realidad más objetiva. Utiliza periódicos, papel tapiz, papel de grano de madera y otros materiales similares para hacer collages de bloques de diferentes formas. Por un lado, estos bloques muestran el mundo exterior al cuadro; por otro, su combinación orgánica muestra la unidad e independencia del mundo propio del cuadro; No es de extrañar que su marchante de arte y amigo Kahnweiler dijera de él: "Aunque no sepa jugar con los pinceles, puede realizar obras excelentes. En este cuadro de collage, un trozo de periódico a la izquierda representa un El". La botella y el trozo de papel impreso con vetas de madera representan un violín. Unas cuantas líneas fuertes dibujadas con carboncillo permiten esta transformación e incorporan los materiales irrelevantes del collage en una unidad orgánica.

Se puede decir que este lenguaje artístico del collage es el principal símbolo de la pintura cubista. Picasso dijo una vez: "Se puede preferir el cubismo incluso desde un punto de vista estético. Pero el pegado de papel es el verdadero núcleo de nuestro descubrimiento". En el uso de este lenguaje de collage, Picasso es obviamente mejor que otros pintores cubistas (como Braque, Gris, etc.) son más atrevidos y llenos de fantasía. Cuando otros pintores hacen collages de diferentes trozos de papel, tienen que considerar si es coherente con la lógica realista. Siempre limitan el papel con vetas de madera a representar elementos de madera (como mesas, guitarras). Picasso, por otra parte, estaba completamente libre de tales limitaciones. En sus pinturas, se puede utilizar un trozo de papel pintado estampado para representar una mesa, y también se puede cortar y pegar un trozo de periódico para formar un violín.

Picasso explicó una vez sus puntos de vista sobre el collage en una conversación con François Gilot:

“El propósito del uso de pasta de papel es señalar que se pueden introducir diferentes sustancias en la composición, y en la imagen, se convierte en un Realidad que rivaliza con la naturaleza. Intentamos deshacernos de la perspectiva y encontrar el trompe l'esprit. Los fragmentos de periódico nunca se utilizan para representar periódicos, pero nunca utilizamos el material. en su sentido literal, pero fuera de su contexto habitual, para crear un conflicto entre la imagen visual original y su nueva definición final, si el fragmento de periódico pudiera convertirse en una botella, lo que incita a pensar en los beneficios de los periódicos. Las botellas son desplazadas a un mundo extraño, un mundo extraño. Queremos que la gente piense en esto, porque nos damos cuenta de que vivimos en un mundo muy incómodo" (François Gilot et al. "Picasso como pareja". ", Tianjin People's Publishing House, 1988, p. 60)

"Guerney." Card"

"Guernica", pintado por Picasso, 1937, óleo sobre lienzo, 305,5×782,3 cm, recogida por el Museo del Prado.

El óleo "Guernica" es una obra maestra de gran influencia y significado histórico que Picasso pintó en los años 30. Esta pintura fue encargada por el Gobierno de la República Española y creada para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. La pintura muestra las atrocidades del loco bombardeo de la Fuerza Aérea Alemana a la ciudad española de Guernica en 1937. Como artista con un fuerte sentido de la justicia, Picasso mostró una gran indignación ante este acto bárbaro. Le llevó sólo unas pocas semanas completar esta obra maestra como denuncia y protesta contra las atrocidades del fascismo.

Aunque Picasso estaba interesado en la innovación artística de vanguardia, no abandonó la expresión de la realidad. Dijo: "No soy un surrealista. Nunca me he separado de la realidad. Siempre permanezco en ella. "Esta puede ser también una razón importante por la que eligió pintar "Guernica". Sin embargo, la expresión de la realidad en su pintura es completamente diferente al método de expresión realista tradicional. El rico simbolismo de sus pinturas es difícil de encontrar en obras realistas ordinarias. El propio Picasso explicó una vez el significado simbólico de esta pintura, diciendo que el toro simboliza la violación, el caballo herido simboliza el sufrimiento de España y las luces brillantes simbolizan la luz y la esperanza... Por supuesto, en el cuadro también se representan muchas escenas realistas. En el lado derecho de la pintura, una mujer llora al cielo con un bebé muerto en brazos. Debajo de ella hay un soldado tirado en el suelo sosteniendo flores y una espada rota. En el lado izquierdo de la pintura, un hombre aterrorizado levantó las manos en el aire y gritó. No muy lejos de él, la mujer que huía estaba tan asustada que sus patas traseras parecían no poder seguir el ritmo y se quedaron muy atrás. . Todos estos son retratos reales de las víctimas del terrible bombardeo aéreo.

Muchas imágenes de la pintura reflejan la absorción por parte del artista de elementos de la pintura tradicional. La imagen de la madre sosteniendo a su hijo muerto parece derivar de la tradición de los iconos de la Virgen que lloran a Cristo; la mujer que sostiene una lámpara de aceite recuerda a la imagen de la Estatua de la Libertad que levanta las manos hacia el cielo y exclama; a los patriotas en las pinturas de Goya La figura asesinada no es diferente y la imagen del soldado tendido en el suelo con los brazos extendidos parece estar emparentada por matrimonio con la imagen de algunas pinturas de guerra del primer Renacimiento italiano. De esto se desprende que Picasso no sólo es un innovador audaz y con espíritu rebelde, sino también un artista que respeta y domina la tradición.

A primera vista, esta pintura parece muy aleatoria en la organización de imágenes y composición, e incluso podemos pensar que está un poco desordenada. Esto parece ser coherente con la atmósfera caótica en la que los residentes huyeron presas del pánico durante el bombardeo. Sin embargo, cuando miramos de cerca esta pintura, encontramos que la disposición de todas las formas e imágenes en este largo espacio pictórico ha sido cuidadosamente concebida y considerada, y tiene un orden estricto y unificado. Aunque muchas de las imágenes son dinámicas, su composición revela claramente un cierto significado clásico. Vemos que en el centro de la imagen, diferentes imágenes de colores brillantes se superponen para formar un triángulo isósceles; el eje central del triángulo divide toda la imagen larga en dos cuadrados; Las imágenes en los lados izquierdo y derecho de la pantalla están muy equilibradas entre sí. Se puede decir que esta composición llamada pirámide tiene algunas cualidades similares a la composición de Leonardo da Vinci (La Última Cena).

Además, toda la pintura se puede dividir en cuatro secciones de izquierda a derecha: la primera sección resalta la imagen del toro, la segunda sección enfatiza el caballo herido y luchando, y la deslumbrante luz eléctrica sobre él parece un animal asustado y solitario; ojo, en el tercer párrafo lo más llamativo es la "Estatua de la Libertad" sosteniendo una luz y asomando la cabeza por la ventana y en el cuarto párrafo, la imagen del hombre asustado con los brazos extendidos hacia el cielo; Llama inmediatamente nuestra atención. Atractivo, su gesto desesperado es inolvidable. Picasso utilizó esta composición cuidadosamente organizada para presentar imágenes exageradas y deformadas que están llenas de movimiento y emoción de una manera unificada y ordenada. No solo representa detalles ricos y variados, sino que también resalta y enfatiza puntos clave, mostrando sus profundas habilidades artísticas.

Aquí, Picasso todavía utiliza el lenguaje artístico del clip art. Sin embargo, el efecto visual de cortar y pegar en la pintura no se logra mediante métodos reales de cortar y pegar, sino que se expresa pintando a mano. Los gráficos de "cortar y pegar" de una pieza apilada encima de otra se limitan a los colores negro, blanco y gris, resaltando así de manera efectiva la atmósfera tensa y aterradora de la imagen. Todo esto es Picasso